No conozco mejor definición de la palabra arte que ésta: "El arte es el hombre añadido a la naturaleza." Vincent Van Gogh. Cartas a Theo.

Cuando era niño veía su nombre en una lápida del cementerio de la iglesia donde su padre ejercía como pastor. Allí estaba enterrado un hermano fallecido al nacer y cuyo nombre heredó. No sabemos si guarda relación con la muerte del primer Vincent Van Gogh, pero su madre nunca le demostró mucho cariño al segundo. Fue ella quien le guió en sus primeros dibujos (a todos los hermanos), e incluso a fabricar sus propios lápices de ceras.

Vincent Van Gogh descansa en el cementerio de Auvers-sur-Oise, a unos treinta kilómetros de París, bajo otra lápida con el mismo nombre que aquella que veía en su infancia. A su lado, cubiertas las dos bajo un manto de hiedra verde, otra tumba cobija los restos de su querido hermano Theo.

Su muerte, provocada por un disparo, está envuelta en un espeso misterio. En un principio se dijo que fue un suicidio, después, que pudo ser un accidente fortuito, pero cada vez cobra más cuerpo la posibilidad del asesinato. Un grupo de jóvenes burgueses cuyo "cabecilla" era René Secrétan, dueño del arma que mató a Van Gogh, estuvieron burlándose de él y humillándole horas antes de su muerte.

En Auvers-sur-Oise pasó los últimos setenta días de su intensa vida. Vincent Van Gogh fue un hombre atormentado, apasionado e inquieto, sin duda excesivo. Vivió treinta y siete años durante los cuales tuvo al menos treinta y ocho direcciones, entre otros sitios vivió en: La Haya, Bruselas, Amberes, Amsterdam, Londres, París, Ramsgate, Arlés, Saint-Rémy-de-Provence y en la citada Auvers-sur-Oise, que vive hoy volcada en la figura del genial pintor holandés.

Mucho más han viajado sus obras. Sus más de novecientos cuadros y mil seiscientos dibujos, así como sus grabados, están repartidos por museos y colecciones de todo el mundo. En vida Vincent Van Gogh vendió muy pocos cuadros, uno de ellos fue "El viñedo rojo" que pintó en Arlés en 1888.

Durante mucho tiempo esta preciosa estampa de vendimiadores pasó por ser la única obra que vendió en vida. Hoy se expone en el Museo Pushkin de Moscú. Lo compró la pintora belga Anna Bosch que pagó por él el equivalente a unos setecientos euros. Pero aunque vendió algunos más, Van Gogh nunca pudo vivir de la pintura.

En la actualidad su firma, que convoca precios millonarios, es deseada por coleccionistas y museos de todo el mundo.

Entre las innumerables ciudades donde encontrarse con obras de Vincent Van Gogh están Berlín, Dresde, Colonia, Munich, Sidney, Viena, Bruselas, São Paulo, Toronto, El Cairo, Edimburgo, Nueva York, París, Avignon, Jerusalén, Madrid, Milán, Roma, Osaka, Tokio, Amsterdam, La Haya, México, Londres, y un larguísimo etcétera.

Durante aquellos setenta últimos días, mientras intentaba curar sus brotes psicóticos bajo los cuidados del doctor Gachet, tuvo tiempo de pintar setenta y dos cuadros, mas de treinta dibujos y un grabado.

El camino hasta encontrarse con la pintura

Van Gogh adquirió un buen nivel cultural de manera autodidacta, pues tuvo que dejar los estudios con sólo quince años para ayudar en la maltrecha economía familiar. A pesar de lo cual hablaba cuatro idiomas y consiguió los conocimientos necesarios para desarrollar su gran pasión, la pintura. Aunque antes transitó por distintos caminos profesionales.

Comenzó trabajando en Goupil & Co (más tarde Boussod & Valadon), una importante compañía internacional de comercio de arte de La Haya, de la que su tío Vincent y su hermano Theo fueron socios. Se adaptó bastante bien a esta nueva vida, llegando a escribir:

Es un negocio maravilloso. Cuanto más tiempo se trabaja en él más ambicioso se vuelve uno.

La empresa lo trasladó a una sucursal de Londres y después a París, lo que le permitió estar en contacto con el efervescente mundillo del arte de la capital francesa y recibir influencias de pintores como Jean-François Millet, cuya obra le llamaría especialmente la atención.

Su difícil carácter le complicó siempre la vida. Fue despedido de esta importante empresa porque intentaba influir en los clientes según sus propios gustos. Vincent no se cortaba un pelo al opinar contra algún autor por muy de moda que estuviera, y aconsejar a los clientes que no compraran su obra.

Desencantado con esta faceta profesional, durante la que fue rechazado por la primera mujer de la que se enamoró, intentó ser pastor como su padre. Pero de nuevo la intensidad de sus actitudes y su imposibilidad de acatar órdenes que contradijeran sus ideas acabaron con esta etapa de manera frustrante.

De modo que con veintisiete años Vincent Van Gogh había sido rechazado por su madre, por la iglesia y por la mujer que amaba, y decidió refugiarse en la pintura.

Las mujeres de Vicent Van Gogh

El carácter apasionado e impulsivo de Vincent no era bien entendido por las mujeres. Las dos primeras ocasiones en las que se volvió loco de amor fueron dos fracasos muy dolorosos para él y fueron un anticipo de lo que sería su vida amorosa.

La primera fue Eugenia, que era hija de la patrona de la pensión donde se hospedaba en el barrio londinense de Convet Garden. Se enamoró locamente de ella, pero la chica estaba comprometida y lo rechazó.​

En la primavera de 1881 Vincent llegó a Etten, en los Países Bajos, para visitar a su hermano Theo. Allí se enamoró perdidamente de su prima Cornelia Adriana Vos-Stricker, que acababa de enviudar. Le propuso de inmediato matrimonio y ella espantada le dijo que jamás. Pero Vincent no aceptaba un no por respuesta y siguió insistiendo, siempre sin éxito, y con el enfado de sus tíos y de su padre.

Después de estos rechazos, dirigió su vida a la religión e intentó hacerse pastor protestante. Como tampoco consiguió ser un predicador se fue a La Haya para dedicarse de lleno a la pintura.

En enero de 1882 encuentró pidiendo limosna en las calles de La Haya a Christina Clasina María Hoornik, a quien llamaba “Sien”. Con treinta y dos años, aquella prostituta alcoholizada, embarazada y con una hija conmovió el corazón del artista y la llevó a su casa. Sien y sus hijos fueron sus modelos. Vincent Van Gogh tenía veintinueve años.

Este invierno me encontré una mujer embarazada que tenía que hacer la calle para ganar su pan, ya sabes cómo. La tomé como modelo, y he trabajado con ella todo el invierno… he podido protegerla a ella y a su hija del hambre y del frío compartiendo con ellos mi propio pan. Comencé una nueva vida, no a propósito, sino porque tuve la oportunidad de empezar de nuevo y no rehusé hacerlo.

Vincent se enamoró de Sien y quiso casarse con ella, pero esta tuvo que volver a la prostitución pues él no vendía su obra y eran cuatro a la mesa. Al enterarse Theo de sus planes de boda le amenazó con retirarle el dinero que le pasaba y Vincent la abandonó.

Hacia finales de 1884 se mudó a Nuenen, también en los Países Bajos, aquí pintó su primera gran obra: "Los comedores de patatas", y aquí se enamoró perdidamente de una vecina: Margot, que tenía diez años más que él.

La relación era imposible por la negativa de Margot, que ante la insistencia de Vincent intentó suicidarse con estricnina. Esto provocó un escándalo que hizo que Van Gogh se marchase de Nuenen. Pero aquellos dos meses de amor no correspondido los recordó el artista hasta su muerte.

En sus Cartas a Theo le escribe a su hermano:

…amar es fácil, lo difícil es ser amado por quien uno ama.

En 1890 Van Gogh conoció a Marguerite Gachet. Marguerite era hija del doctor que cuidó de él en aquellos setenta últimos días de su vida en Auvers-sur-Oisey. Uno de sus famosos retratos es precisamente de su amigo el doctor Gachet, que a pesar de la amistad y el cariño que los unía no consintió que su hija se uniera a aquel desequilibrado artista, al que sin embargo ella amaba de verdad.

Durante mas de cincuenta años Marguerite se ocupó de que no faltara en la tumba de Vincent un ramo de flores amarillas.

Su hermano Theo. Su amigo y su único apoyo

Theo Van Gogh era el hermano pequeño de Vincent. Fue un marchante de arte de éxito, socio de Goupil&Co. Las cosas le iban bien y cuidó económicamente de Vincent que era incapaz de salir adelante por sí mismo. Lo apoyó siempre, cuidó de su hermano y lo animó para que hiciera lo que más le apasionó siempre: pintar.

Theo intentó dirigir la carrera de Vincent y gracias a él conoció en París, donde vivieron juntos en una casa de Montmartre, a Paul Gauguin, Paul Cézanne, Henri de Toulouse-Lautrec, Henri Rousseau, Camille Pissarro y Georges Seurat.

Fue Theo quien convenció a Gauguin para que visitase a Vincent, que se había trasladado a Arlés. Gauguin era reacio a vivir y compartir su trabajo con el conflictivo Vincent, pero Theo lo convenció de una manera incontestable: le pagó una cuantiosa deuda a cambio de que acompañara a su hermano.

Las cosas no salieron bien, eran dos caracteres muy fuertes y acabaron como el rosario de la aurora. Fue durante su convivencia en Arlés cuando Vincent perdió media oreja. No se sabe bien si fue él mismo quien se la cortó o tuvo ayuda de Gauguin que después de aquello salió corriendo y nunca más volvieron a juntarse.

Theo murió unos meses después que Vincent, con tan sólo treinta y tres años. Fue su esposa quien se ocupó de enterrarlo junto a su hermano y quien, años después, se encargó de la publicación de las cartas que durante veinte años Vincent le envió a su hermano Theo.

Estas cartas son una biografía del artista y del hombre, que se desnuda ante su hermano, pero además son una confesión estética que ayuda a entender mejor la obra de este creador único. Cartas a Theo es un libro imprescindible para conocer a fondo la obra y la personalidad de Vincent Van Gogh.

La obra de Vincent Van Gogh

"Los comedores de patatas", que se encuentra en el Museo Vang Gogh de Amsterdam, es como dijimos antes, su primera gran obra, fechada en 1885. Lejos aún de los luminosos colores que caracterizarán su obra posterior, este cuadro es un retrato realista y conmovedor de la pobreza en la que vivían los campesinos de Nuenen. Ayudado por los colores oscuros y terrosos muestra en él la clara influencia del francés Jean-François Millet.

Antes, durante su estancia en La Haya, dejó una serie de pinturas realistas también, entre las que destacan los retratos de su amada Sien y de sus hijos.

Durante su estancia en Amberes, después de huir de Nuenen por el escándalo con su vecina, se acercó a las estampas japonesas y al modelado, pero fue en París durante el tiempo que vivió con Theo cuando se acercó a los impresionistas y su paleta se llenó de la luz de aquellas pinturas que marcaron su obra.

En la etapa final de París pintó varios retratos de Père Tanguy, que ofreció la trastienda de su negocio como sala de exposiciones que usaron Gauguin, Seurat y el mismo Van Gogh. Uno de esos retratos se considera la obra más representativa de esta etapa.

Convencido de que necesitaba encontrarse con la luz del Mediterráneo, se marchó a La Provenza, donde se encontró con los colores puros que había estudiado en las estampas japonesas.

Aquel fue un periodo fértil para su obra, pero si cuando llegó a París apenas le quedaban dientes por culpa de la sífilis, aquí el abuso de la absenta y las incontables horas de trabajo agravaron su condición física y su debilidad mental.

Llegó a Arlés en 1888 y su paleta se llenó de amarillos, verdes y azules intensos, y sus pinceladas se comenzaron a tornar en ondulantes surcos de impaciencia y pasión.

Pintaba sin parar y dejó paisajes, retratos, puestas de sol, autorretratos como el "Autorretrato con la oreja vendada"; interiores como su "Dormitorio de Arlés", o "El café de noche" que pintó en tres noches consecutivas, o flores como sus famosos "Girasoles" o el precioso campo de "Lirios".

Estos últimos años estuvieron marcados por su inestabilidad mental y sus internamientos voluntarios en psiquiátricos como el de Saint-Rémy-de-Provence donde ingresó un año antes de su muerte. Allí nacieron los remolinos de su famosa "Noche estrellada", considerada su obra maestra.

Para ver este cuadro, que realizó Van Gogh con óleos humedecidos y pinceles muy finos, hay que visitar el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Regresó a París y de allí se marchó a Auvers-sur-Oise. Enamorado de los paisajes de Auvers, cuidado por el doctor Gachet e ilusionado con la hija de éste, Margarita, se volvió a fundir con la pintura y no paró de pintar hasta encontrar la muerte dos meses después de su llegada.

Estoy plenamente absorbido por estas llanuras inmensas de campos de trigo sobre un fondo de colinas, vastos como el mar, de un amarillo muy tierno, un verde muy pálido, de un malva muy dulce, con una parte de tierra labrada, todo junto con plantaciones de patatas en flor; todo bajo un cielo azul con tonos blancos, rosas y violetas. Me siento muy tranquilo, casi demasiado calmado, me siento capaz de pintar todo esto. Le escribía a Theo.

Retrata a su médico, casi esculpe en el lienzo la iglesia de Auvers, se llena con los paisajes que rodean el pueblo. Utiliza un formato horizontal de doble cuadrado, como el que usó para inmortalizar el "Campo de trigo con cuervos", que se puede ver en el Museo Van Gogh de Amsterdam.

En sus "Cartas a Theo" Vincent le habla de la soledad y la melancolía que tienen estos últimos paisajes de trigales bajo cielos amenazantes. Algunos vieron en los cuervos que sobrevuelan los campos de trigo una premonición de la muerte.

En Auvers, desaparecieron poco a poco los colores cálidos de la Provenza. Sólo dos días antes de su muerte se sumergió en las "Chozas en Cordeville, en Auvers-sur-Oise", expuesto en el Museo de Orsay de París, donde las casas parecen engullidas por la espesa vegetación.

A Vincent Van Gogh, que pintaba in situ, lo ha catalogado la historia como Postimpresionista. En algún epígrafe tenía que estar, pero es seguro que no hay otro autor tan personalísimo y único, tanto en la técnica como en el tratamiento matérico de los temas, como este loco, sensible y maravilloso artista que es uno de los grandes genios de la pintura.

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Vanitas vanitatis son dos términos relacionados con un pasaje del Eclesiastés: «Vanitas vanitatum omnia vanitas» («Vanidad de vanidades, todo es vanidad»), que intenta transmitir la inutilidad de los placeres mundanos ante la certeza de la muerte y el absurdo intento del hombre de parecerse a Dios, olvidándose de que es un ser mortal y finito.

Vanitas es un término latino que podemos traducir por vanidad, en el sentido de insignificancia. Asimilable a la expresión "en vano".

En el mundo del arte se denominan "Vanitas" a una categoría de bodegones que se practicaron mucho en la época barroca, sobre todo en Holanda. Pero la vanidad y la muerte se han tratado en el mundo del arte antes y después del Barroco.

Autores como Dalí, Picasso o el controvertido contemporáneo Damien Hirts (un ejemplo es su famosa calavera de diamantes), han interpretado el tema de la vanidad y del memento mori bajo la mirada de su tiempo.

Durante el Barroco se desarrolló de una manera especial la percepción de la debilidad del ser humano, la fugacidad de la vida y la presencia de la muerte. La sensación social de la situación del hombre estaba en el siglo XVII en un clarooscuro continuo; de la lujuria de las fiestas barrocas, en las que se combinaban la celebración religiosa con la risa y los placeres sensoriales, lo sagrado con lo profano, se pasaba a entonar el mea culpa en iglesias y manifestaciones populares. Fue en esta época cuando empezaron a tomar fuerza los desfiles procesionales de la Semana Santa.

El arte reflejó esta situación utilizando de manera dramática la luz y las sombras en busca del impacto, la conmoción del espectador. Y los bodegones llamados "Vanitas" fueron una ayuda muy útil en la predicación devocional. Eran mensajes "moralizantes" que proliferaron en el siglo XVII, con un mensaje claro: el "memento mori" (recuerda que has de morir). Tanto en el Norte como en el Sur de Europa, en el ámbito cristiano y en el protestante, se usaron una simbología e intenciones muy parecidas.

Pero sin ser bodegones al uso, hubo otros pintores, como Caravaggio, que se acercaron a las "Vanitas" desde un punto de vista muy personal, incluyéndolos en representaciones de santos. Antes del barroco ya hubo grandes pintores, influenciados por las ideas medievales, que relacionaron la muerte y el pecado, como lo hicieron por ejemplo El Bosco o Brueguel el Viejo, o Tintoretto en el Renacimiento con su alegoría de la muerte.

El tema de las vanitas se llevó a la escultura e incluso a la arquitectura como en la capilla Magadalenenklause, construida en los jardines del Palacio Nymphenburg de Múnich. Una vanitas arquitectónica levantada en un jardín idílico para meditar sobre lo efímero de la vida.

Estamos en vísperas de una celebración muy especial, el Día de todos los Santos y el Día de los difuntos. Son fechas en las que se visitan los cementerios y se celebran cultos para honrar a los que se fueron y rogar por su descanso eterno.

Traemos aquí unos cuantos ejemplos que recuerdan a través del "memento mori" la fugacidad de la vida, con un mensaje claro por nuestra parte, el que acuñó el poeta romano Horacio: "Carpe diem, quam minimum credula postero" (Aprovecha el día, no confíes en el mañana).

1-El Jardín de las Delicias. Jheronimus van Aken el Bosco

Comenzamos este acercamiento a la representación del pecado y la muerte en el mundo del arte con una obra fascinante. El Jardín de las Delicias de El Bosco. En él el maestro holandés va desgranando la creación del mundo, desde el tercer día, cuando se separan el cielo y la tierra (imagen del tríptico cerrado).

En las tres tablas interiores de la obra, El Bosco nos empuja a entender el mundo desde la Creación del hombre (tabla de la izquierda), a la inconsciente felicidad del Jardín de las delicias (tabla central) y al destino inevitable en el Infierno musical (tabla derecha).

Hay mucho de vanitas en estas tablas enigmáticas y sarcásticas, pero en el recorrido por las etapas de la presencia del hombre en la tierra, son, la tabla central (el Jardín de las delicias) y la derecha (el Infierno), las que nos sirven para encabezar este recorrido por las vanitas.

En el Jardín de las delicias El Bosco nos presenta una situación de la humanidad inmersa ya en el pecado, especialmente el de la lujuria, aunque toca otros como la avaricia, que lo llevan a la perdición. Escenas eróticas heterosesuales, homosexuales y onanistas llenan la tabla de personajes entregados al disfrute. Entre los numerosos desnudos aparecen muchos tipos de frutas, en clara alusión a los placeres sexuales. En la Edad Media "coger la fruta" significaba tener comercio carnal. Además las frutas son un símbolo de la fugacidad de la vida y del placer, por su rápido deterioro.

Los animales que vemos en esta tabla se han interpretado como un símbolo de lujuria y los estanques de agua son símbolos de concupiscencia. Las mujeres que están en el interior del estanque van tocadas con cuervos e ibis, símbolos de vanidad, que veremos después en los bodegones de vanitas.

En la parte inferior derecha de la tabla un personaje vestido, el único, que mira al espectador mientras señala a la culpable de toda la situación: Eva, la que trajo el pecado al mundo. El arte occidental ha dejado auténticas maravillas respecto al erotismo, en las que siempre aparece la mujer como provocadora de los pecados.

Y como la humanidad ha caído en desgracia, sólo tiene un destino posible: el infierno.

La tabla del infierno, conocida como "EL infierno musical" porque está llena de instrumentos musicales (no se sabe porqué El Bosco relaciona la música con el castigo eterno), es la más sombría de las tres y explica que los innumerables tormentos que esperan a la Humanidad serán el pago por sus desmanes.

Personajes que defecan monedas, juegos de cartas y dados, en clara alusión a la avaricia, envuelto todo en un caos de torturas y confusión. Una sombría visión de las consecuencias de los pecados del hombre.

Se necesitan muchas horas para transitar esta maravilla datada entre 1500 y 1505, que se puede ver en el Museo del Prado de Madrid. Siempre hay algo en ella por descubrir.

Su influencia como obra moralizante ha sido enorme y muchos de los símbolos que en ella aparecen han inundado las obras de Vanitas del Barroco: juegos de mesa, monedas, instrumentos musicales, frutas, aves, etc.

2-El triunfo de la muerte. Pieter Brueghel el Viejo

Este cuadro que también se puede ver en el Museo del Prado de Madrid, lo realizó el maestro flamenco en 1562, un siglo antes de que nacieran los bodegones de Vanitas. Lo compró Isabel de Farnesio, la madre de Carlos III, en el siglo XVIII y pasó a la colección del Prado en 1827.

Es una obra moralizante que te sitúa ante el triunfo de la muerte sobre las cosas mundanas. Ésta está simbolizada por un gran ejército de esqueletos que arrasan la Tierra. Y dentro de él ya podemos ver algunas Vanitas (miradas con la sátira de Brueghel).

En la esquina derecha del cuadro encontramos un reloj de arena, marcando el final de la vida de un rey que tiene cerca unos barriles llenos de monedas (dos objetos muy utilizados en los bodegones de Vanitas). Al rey de nada le sirven ni el escudo, ni su apariencia lujosa, ni su alto rango para perecer como los demás.

Justo en la esquina contraria una pareja de enamorados son incapaces de ver que el músico que deleita su arrobamiento no es otro que un soldado de la muerte.

Influenciado por El Bosco, Brueghel inunda el cuadro de una desoladora realidad; la muerte es la vencedora inapelable ante la que es inútil resistirse. Entre los personajes desesperados, unos luchan contra lo evidente mientras otros se resignan a lo que les espera.

3-Vanitas. Anónimo holandés

En esta tabla datada en el siglo XVII, de la que se desconoce el autor, vemos una mirada sarcástica, típica de los maestros holandeses, al género de "Vanitas". El viejo avaro, sólo y rodeado de objetos que aparecen apiñados sin sentido decorativo, pura avaricia, mira asombrado al esqueleto que lleva colgado un bolso verde, ¿que llevará dentro?. Tocado con un sombrero de plumas, le dedica una canción antes de llevárselo.

Hay un cuadro, a la izquierda de la composición, en el que se ve la advertencia que ya le hizo el tétrico músico en la juventud: "memento mori": recuerda que vas a morir.

Los animales de las esquinas son también un divertido mensaje del anónimo autor. El lujurioso mono, que acaricia tranquilo la esfera terrestre mientras fuma (el tabaco como placer e indicio de mortalidad), parece expresar que con él no va la cosa, mientras el perro, símbolo de fidelidad, puede que se refiera aquí, a la interpretación iconográfica que utiliza a este animal para acompañar a los muertos en su tránsito por la laguna Estigia en su camino hacia el Hades, aunque en esta escena, el perrillo parece ladrar asustado ante el tétrico cantante.

4-Leonard Kern. El infante dormido o la alegoría del tiempo.

Del escultor alemán Leonard Kern, que se llevó de su estancia en Roma el amor por el arte clásico, traemos este "Niño Dormido" que realizó en marfil en el siglo XVII.

Es una obra de "Vanitas", que representa una alegoría del tiempo. Se puede ver en el Departamento de Artes decorativas del Louvre de París.

Sus escasos treinta centímetros retratan con una maestría, podríamos decir que minimalista, la esencia de las "Vanitas". Apoyado el brazo, sobre el que descansa su laureada cabeza, en una calavera (memento mori), que corona un reloj de arena, utilizado como un pedestal, mientras mide el tiempo de la vida.

La antorcha invertida entre sus piernas reafirma la sentencia de la muerte. El laurel que provoca sueños premonitorios, corona la cabeza del niño, que dormido nos envía un mensaje inequívoco.

5-Clara Peeters. Alegoría de la Vanidad

La pintora flamenca Clara Peeters nos dejó en este posible autorretrato del siglo XVI un bodegón Vanitas, que es una alegoría de la vanidad. La obra pertenece a una colección particular.

En ella se muestra vestida de manera lujosa, con un espejo abierto en la mano y apoyada en una mesa repleta de objetos que no son otra cosa sino muestras simbólicas utilizadas en las Vanitas.

Monedas, joyas, flores a punto de marchitarse, la bola de cristal que refleja lo que ha de venir y el generoso escote que deja ver sus pechos turgentes. Hay aquí mucha materia de la que vimos en el Jardín de las delicias.

6-Michelangelo Caravaggio. San Jerónimo escribiendo

Este "San Jerónimo escribiendo" fue una de las últimas obras de Caravaggio en su etapa romana, que se puede ver en la Galería Borguese de la ciudad eterna.

En él el santo escritor de la Vulgata aparece pobremente vestido y acompañado de una calavera para no olvidar el "memento mori".

Lejos de representarlo acompañado con el león, compañero iconográfico de este santo, reduce sus atributos al mínimo, lo representa en la pobreza más absoluta y absorto en su trabajo de escribir. Esta es una Vanitas moralizante, con un mensaje claro de cuál es la actitud a tomar si se quiere afrontar el momento de la muerte sin miedo al infierno.

La austeridad que transmite San Jerónimo fue inspiradora de la Orden de clausura monástica que lleva su nombre, que ha llevado su voz a tantos rincones de Europa. En su nombre se han fundado monasterios por muchos lugares, pero como vimos en nuestro recorrido por el Monasterio de Los Jerónimos de Belem, o el extraordinario Monasterio del Escorial, la vanidad de sus creadores se alejó mucho del mensaje del santo ermitaño.

7-Juan Valdés Leal. Las postrimerías de la vida

El maestro del barroco sevillano de cuya obra se puede ver una amplia muestra en el Museo de Bellas Artes de su ciudad, dejó en la Capilla del Hospital de la Caridad dos cuadros de Vanitas, fechados hacia 1670 que son considerados como obras cumbres de este género, no sólo por la magnífica factura técnica de ambos, si no por el nivel intelectual que derrochan.

Inspirado por "El discurso de la verdad" que escribió Don Miguel de Mañara, fundador del Hospital de la Caridad de Sevilla, Valdés Leal pintó dos lienzos conocidos como «Las postrimerías de la vida», que cuelgan en la Iglesia de San Jorge en el citado Hospital.

El primero lo tituló: In ictu oculi (En un abrir y cerrar de ojos).

La muerte, representada por un esqueleto que lleva un ataúd bajo el brazo, destroza con su guadaña la esfera celeste, mientras en un "abrir y cerrar de ojos" apaga la vela de la vida dejando sin sentido alguno los restos desordenados de todo lo que tiene poder en el mundo: una corona, una tiara, ricos vestidos y libros de eruditos científicos y de historia.

Entre éstos hay uno abierto por un grabado de Theodor van Thulden sobre un dibujo de Rubens: es uno de los arcos triunfales con que fue recibido en Amberes el cardenal-infante don Fernando de Austria tras la batalla de Nördlingen. Entre los que aparecen cerrados se ve el nombre de Plinio (quizá su Historia Natural) y la primera parte de la Historia y la vida de Carlos V, de fray Prudencio de Sandoval.

Pero las glorias del mundo acaban en el segundo cuadro: "Finis gloriae mundi" (El fin de la gloria del mundo), con dos cadáveres en descomposición en primer plano; un obispo y un caballero calatravo, como lo fue Mañara.

La muerte, paso previo para el juicio del alma, aparece como un brazo, como en un rompimiento de gloria, cuya mano sostiene una balanza con las inscripciones: Ni más, Ni menos.

En el platillo de la izquierda se pesan los pecados capitales. Sirviéndose de animales simbólicos, Valdés Leal pesa la soberbia, la gula, la avaricia o la pereza. No se necesita más para caer en pecado mortal.

Mientras que en el de la derecha, representado por rosarios, libros y enseres de iglesia, explica que no se necesita menos que la oración para salir de él.

Este "menos" enlaza con el discurso iconográfico desarrollado en la serie de cuadros de Murillo en la nave del templo. Todo el discurso artístico en esta iglesia lleva a la obra de Miguel de Mañara.

8-Antonio Pereda. La vida es sueño

Del vallisoletano Antonio Pereda traemos aquí un óleo fechado en 1650 que se puede ver en La Real Academia de las Artes de San Fernando de Madrid, titulado "El sueño del caballero".

La obra describe cómo un ángel le muestra a este caballero, vestido elegantemente a la moda del siglo XVII, entregado en los brazos Morfeo, lo efímeros que son los placeres, las riquezas, la gloria y los honores.

Una colección abigarrada de objetos, que hemos visto repetidos a lo largo de este artículo: joyas, monedas, una vela apagada, juegos, armas, un reloj, la onmipresente calavera y una careta que simboliza la hipocresía. Con ellos el autor va desgranando la advertencia del ángel, que le muestra un jeroglífico en el que una flecha vuela sobre el sol, con tanta velocidad como pasa el tiempo de nuestras vidas.

9-Cézanne. Pirámide de calaveras

Este óleo de Cézanne fechado en 1901, pertenece a una colección particular. Realizado cinco años antes de su muerte, la composición es un tétrico "memento mori" que tiene toda la fuerza de las pinceladas del maestro que sembró las bases del cubismo.

No se sabe si Cézanne, el pintor de Aix-en-Provence, realizó estos cuadros como consecuencia de ver cerca su final (hizo varias "Vanitas" en sus últimos años), o simplemente como otro tipo de bodegones, pero cambiando sus famosas manzanas por estas calaveras.

10-Carpe Diem. Mosaico romano de Pompeya.

Terminamos este recorrido con una loa al "carpe diem" representado en este mosaico romano, hallado en la libertina ciudad de Pompeya, al que le dieron el nombre de "Scheletro copiere" (esqueleto copero). Se expone en el Museo Arqueológico de Nápoles.

No es el único "carpe diem" encontrado en la ciudad de Pompeya representado en el viejo arte del mosaico. Formaban parte estas obras de los suelos del comedor de algunas casas insignes.

Aunque algunos historiadores relacionan estas obras con las religiones mistéricas orfico-dionisíacas, la interpretación más apoyada, a la que ayuda el lugar de la casa donde se encontraron, es que se trata de un claro "carpe diem". Una invitación a disfrutar de los placeres de la vida, en este caso los placeres de la mesa y más concretamente del buen vino: «mientras te quedas como yo, aprovecha y disfruta», parece ser el mensaje del viejo esqueleto compuesto con pequeñas teselas de piedra en blanco y negro, que ha llegado a nuestros días.

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Los castillos del Loira son uno de los principales atractivos de Francia. Es una zona que destaca en un país repleto de joyas desde París, una de las urbes más bonitas del planeta, a la Provenza y su lavanda, del románico francés a la exuberancia del gótico y el barroco.

El valle del Loira es, sin duda alguna, uno de los mayores tesoros de Francia. En la zona noroccidental del país, bajo la Bretaña y la Normandía, se extiende la región de los Países del Loira. Una sección del río y sus territorios aledaños son patrimonio de la humanidad y uno de los destinos más bonitos y solicitados de Francia.

Lo que hace único al Valle del Loira es su maravilloso entorno natural que, llamado «el jardín de Francia», es una de las zonas más bonitas del país en la que, además, las bodegas producen vinos de fama mundial. Pero si destaca por algo, por encima del resto de atractivos, es por sus castillos. Os presentamos esta ruta, de este a oeste y que os recomendamos hacer en coche, por algunos de los castillos del Loira más bonitos.

Castillo de Sully-sur-Loire

Hacia el sureste de la preciosa ciudad de Orleans, un buen enclave en el que hospedarse para la primera parte de la ruta, el pequeño pueblo de Sully-sur-Loire es la primera parada en el maravilloso Valle del Loira. Es una pequeña localidad con encanto a orillas del río y tiene uno de los pocos castillos que se pueden ver desde fuera sin pagar entrada.

El castillo de Sully-sur-Loire se encuentra rodeado de agua. Además de estar entre el río Loira, el Sagne y el d’Oison, un estanque rodea por completo el edificio. Se trata de uno de los exteriores más bonitos de un castillo del Loira, que cumple con ese ideal de fortificación rodeada de agua que tiene tanta fuerza en el imaginario colectivo. Es una visita que merece mucho la pena.

El castillo de Chambord

Hacia el otro lado del Loira, al suroeste de Orleans, el sueño de Francisco I se alza rodeado de bosques y estanques entre la atenta mirada de los turistas. Además de ser el más famoso, el castillo de Chambord es el más grande del Loira y, qué duda cabe, uno de los más bonitos.

Fue concebido como un gran parque de caza para el monarca y, como buena parte de los castillos del Loira, construidos más como lujosas residencias y seña de ostentación de poder que como fortalezas reales, de ahí su extraordinaria belleza.

En Chambord trabajaron arquitectos italianos que dejaron la impronta del Renacimiento italiano en el castillo, que lo convierten en uno de los más interesantes de visitar tanto por fuera como por dentro. Atribuida en parte a Leonardo da Vinci, su escalera de caracol es uno de los atractivos más famosas de Chambord.

Castillo de Cheverny en el Loira

Siguiendo hacia el oeste por el río en busca de más castillos del Loira, Blois emerge como una preciosa población perfecta para hacer noche si se quiere degustar el valle poco a poco. Con su propio castillo, el Real de Blois, la catedral de Saint-Louis, la torre de Foix, el puente de Jacques Gabriel y varios museos, la localidad ofrece mucho al viajero.

Pero si nos detenemos aquí es porque a unos diez kilómetros al sur el castillo de Cheverny es el protagonista de la zona. Sencillo y muy elegante, es uno de los que menos apariencia de castillo dan, y es que se presenta ante el visitante como un precioso palacete renacentista. Inspiró la casa del Capitán Haddock, de Tintín, historietas de las que tiene una exposición.

Por fuera y por dentro Cheverny desprende buen gusto, con lo que la visita al completo merece mucho la pena. Los jardines se complementan perfectamente con el castillo con actividades como paseos en barca para completar un día perfecto.

El castillo de Chaumont

Hacia el oeste de Blois, desde donde podemos visitar uno o dos castillos más antes de «mudarnos» a Tours, justo en la ribera del Loira, se alza el castillo de Chaumont y sus jardines.

Chaumont es uno de los castillos del Loira mejor conservados y, sin dejar de ser muy bonito, es justo lo que cualquiera se espera de un castillo: grandes torreones y una puerta a la que se llega a través de una pasarela.

Los preciosos jardines del castillo, elevado ligeramente sobre el Loira, son otro aliciente más para visitar este precioso enclave. A pesar de su belleza, a Catalina de Médicis no le resultó suficiente como residencia, pues su esposo Enrique II pasaba los días en Chenonceau con Diana de Poitiers, su amante. Cuando murió el Rey Catalina obligó a Diana a intercambiar morada y, aunque Chaumont sea muy bonito, probablemente entenderemos por qué lo hizo en nuestra siguiente parada.

Castillo de Chenonceau en el Loira

Ya más cerca de la ciudad de Tours que de Blois, con lo que es un buen momento para cambiar de residencia temporal a esta preciosa población, se encuentra uno de los más bonitos entre los castillos del Loira: Chenonceau.

Hacia el sureste de Tours, en el río Cher (afluente del Loira), se encuentra el castillo de Chenonceau. Sobre el río, y no en su ribera como sería de esperar, el castillo cruza el Cher como una suerte de Ponte Vecchio florentino en su versión Chateau francés. Una verdadera maravilla que lo eleva entre los dos más famosos y hermosos castillos del Loira junto al de Chambord.

No es de extrañar que Diana de Poitiers estuviera encantada con su residencia ni que Catalina de Médicis quisiera arrebatársela. Chenonceau es conocido como el castillo de las damas, y que estuvo habitado por diferentes mujeres que dejaron una impronta arquitectónica y lo colmaron de historias. Fue Diana quien mandó construir el puente y Catalina la galería de dos plantas. Durante la Revolución Francesa y, tras haber sido un convento, Louise Dupin lo convirtió en un salón literario, por donde pasaron personalidades como Voltaire, Montesquieu o Rousseau.

Chenonceau es un pequeño museo sobre el Cher con obras de Murillo, Poussin, Rubens, Tintoretto o Van Dyck. Sus maravillosos jardines, con los nombres de Diana y de Catalina, son otro gran atractivo, a los que se hacen unas visitas especiales por la noche entre el 14 de julio y el 15 de agosto.

Castillo de Amboise

Hacia el este de Tours, siguiendo la ribera del Loira, se encuentra Amboise, una localidad dominada por uno de los más antiguos castillos del Loira. En el recinto del castillo Real de Amboise nació el rey Carlos VIII, que acabó eligiendo el lugar como bastión de la dinastía de los Valois. Fue el primero, Carlos VIII, en llevar las influencias italianas al valle del Loira tras una vida centrada, en parte, en campañas militares en Italia.

Francisco I continuó con la construcción, con la inestimable ayuda de las ideas de Leonardo da Vinci, que en esta ocasión sí se sabe con seguridad que trabajó en el Castillo, a diferencia de Chambord. De hecho, da Vinci vivió en Clos-Lucé, un pequeño castillo también visitable y conectado por un pasadizo subterráneo al castillo Real, y está enterrado en su capilla. Por belleza y por historia merece mucho la pena visitarlo.

Castillo de Villandry en el Loira

Muy cerca de Tours, siguiendo el río hacia el oeste, Villandry se eleva con mucha sencillez rodeado de vegetación. El edificio es, en este caso, lo secundario del conjunto, aunque no deja de evidenciar el buen gusto constructivo en la zona. Los jardines de Villandry son, con mucho, los más hermosos de los castillos del Loira.

En total son seis los jardines que completan Villandry y están ideados como lienzos vegetales cada uno con una temática diferente. Son tan impresionantes de contemplar a pie como a vista de pájaro. El jardín del agua, el del Sol, el huerto decorativo o el laberinto son algunos de los jardines más bonitos de esta maravilla vegetal que, además es un huerto ecológico.

Villandry, que tras pasar por diferentes familias estaba de capa caída, fue adquirido por el español Joaquín Carvallo y la estadounidense Anne Coleman, matrimonio que lo restauró y le devolvió el esplendor de antaño en 1906. Aunque el interior no es la parte que más atrae a los visitantes, el salón oriental es una joya de aires moriscos.

El castillo de Saumur

Tras Tours, siguiendo el cauce del río hacia el oeste, Saumur aparece como una bellísima localidad cruzada por el Loira. Es un lugar perfecto para degustar los vinos del lugar y hacer noche ya que, a una hora de Tours, es mejor y más natural seguir en dirección oeste que no ir y venir desde la anterior ciudad.

En un promontorio, el castillo de Saumur domina por completo la localidad, lo que le concede unas vistas sin igual. Es, probablemente, el castillo del Loira con mejores vistas de todos, y es que la preciosa Saumur cruzada por el río es una vista por la que de por sí merece la pena la visita.

El castillo es, además, una muy bella construcción de la dinastía Valois. En ese promontorio y con su aspecto de cuento de hadas, los viajeros que busquen castillos con más apariencia defensiva y belleza arquitectónica quedarán, sin duda, encantados.

Castillo de Brissac en el Loira

A una media hora al oeste de Saumur, y muy cerca de Angers (ciudad que merece la pena visitar), las siete plantas del castillo de Brissac se alzan imponentes en su parque de 70 hectáreas. Es el más alto de los castillos del Loira y mezcla a la perfección la apariencia de robusta fortaleza con la de lujosa residencia nobiliaria.

Lleva cinco siglos en la familia y su actual propietario vive allí con lo que las visitas son algo más limitadas que en otros casos, pero los viajeros pueden seguir deleitándose con diferentes estancias interiores. Desde estancias más medievales y otras claramente renacentistas, el interior de Brissac es una joya cuidadosamente presentada, cuyo teatro privado es, quizás, una de las partes más llamativas.

Nantes y otros castillos del Loira

Una ruta por los castillos del Loira acaba y empieza donde cada uno prefiera. De este a oeste hemos propuesto esta para seguir el cauce del río hasta Nantes donde, el castillo de los duques de Bretaña es otra parada muy aconsejable para los amantes de estas estructuras.

A lo largo del valle del Loira hay más castillos que merecen la pena visitarse como el de Angers, Langeais, Brézé o Rivau, y varias ciudades en las que se pueden pasar varios días conociendo y degustando la gastronomía y los famosos vinos del Loira.

La propia Angers o Nantes son ciudades que, por su cercanía a los castillos, son de una visita casi obligatoria. Más allá de Nantes, muy cerca, están el mar y la desembocadura del Loira, un río que ha conectado durante siglos a lo largo de su ribera las aspiraciones y el gusto por el lujo de familias nobiliarias y reales. Tras empaparnos de su historia y arquitectura, el mar nos llama en verano como promesa refrescante para final de viaje, que podemos disfrutar en las playas de Saint-Nazaire o Pornichet.

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Bourg-en-Bresse se asienta sobre una fértil llanura en el oriente de Francia, en el límite meridional de lo que un día fue el Franco Condado. Es una región próspera, dedicada desde antiguo a la agricultura y la ganadería. Al Oeste tiene los famosos viñedos del Beaujolais; al Este, los preciosos montes del Jura. En poco más de una hora se puede llegar a Lyon, y también a Ginebra.

No es Bourg-en-Bresse una ciudad de gran tamaño, pero tiene un patrimonio notable. Varios palacios nobiliarios monumentales, esos que los franceses llaman hôtels. Dos grandes iglesias: la Catedral, de estilo gótico, y la Basílica del Sagrado Corazón, construida en el siglo XX como una curiosa mezcla de estilos. Y tiene, sobre todo, el Real Monasterio de Brou, que es su gran joya. Lo mandó construir la gran Margarita de Austria, y algunos lo han llamado el Taj Majal francés.

Las posibilidades para ese turismo relajado, desmasificado que tanto nos gusta son inmensas. Patrimonio, vinos y gastronomía, ciudades, marismas, media montaña, alta montaña. No es una ciudad grande, Bour-en-Bresse, ni aparece en todas las guías, pero lo tiene todo al alcance de la mano. Empecemos por lo más destacado: Margarita de Austria; el Real Monasterio de Brou.

La aparición de Margarita de Austria

A Margarita de Austria ya la conocemos en Ruta Cultural. Hace algún tiempo dedicamos un artículo a las mujeres que conformaron la vida de su sobrino, el emperador Carlos V. Ella, por supuesto, destacaba con luz propia.

A Margarita la conocemos en España porque fue la esposa del malogrado hijo varón de los Reyes Católicos, el príncipe Juan. Pero su vida estuvo más ligada a Francia que a Castilla y Aragón. Antes, casi recién nacida, había sido prometida al futuro rey de Francia, Carlos VIII, que a la hora de la verdad prefirió a Ana de Bretaña y descartó a Margarita y su poderosa dote (que incluía Artois y el Franco Condado). Fue entonces cuando Margarita, en un evento diplomático de importantes consecuencias, casó con Juan (a la vez que su hermano Felipe –el Hermoso– lo hacía con Juana –la Loca–).

Tras la muerte de Juan, y la posterior de Felipe, la figura de Margarita creció. Prácticamente gobernó los Países Bajos borgoñones y lo hizo con criterio e inteligencia, mientras educaba con las mismas cualidades a sus sobrinos, entre ellos el que había de ser emperador.

Su vida personal siguió siendo triste. Casó con Filiberto II, heredero del poderoso Ducado de Saboya, pero fue también un matrimonio malogrado y sin descendencia. Filiberto murió cuando sólo tenía 24 años. Margarita no se casó nunca más. En su lugar, planeó su retiro a un lugar tranquilo y apartado que había de ser también su panteón. Su sobrino Carlos, que la admiraba profundamente, la imitó también en esto cuando decidió retirarse a Yuste en 1556.

El lugar del retiro fue Bourg-en-Bresse, donde Margarita decidió construir un precioso monasterio que albergara el sepulcro de su marido, el de la madre de éste –Margarita de Borbón– y el suyo propio. El lugar es una verdadera joya.

El Real Monasterio de Brou, la joya de Bourg-en-Bresse

El Monasterio de Brou tiene una composición única en Francia, con tres claustros superpuestos que articulan el acceso a las principales áreas del complejo. La más destacada es la iglesia, construida según los cánones del gótico flamígero tan en boga en los Países Bajos. Desde su corte de Malinas, Margarita se interesaba por los detalles de su construcción, mientras regía y educaba.

En el interior, lo más destacado, como no podía ser de otra manera en un edificio concebido como panteón, son los sepulcros. Los labraron con auténtica exquisitez maestros escultores de Brabante, trabajando con un mármol traído de la mejor cantera de Europa, la de Carrara.

Los grandes sepulcros monumentales perpetúan el poder que los grandes linajes ostentaron en vida. En Francia, Brou se incorporó a una ilustre lista: la de los Plantagenet en Fantevraud, la de los Capeto en Saint-Denis, la de los duques de Borgoña en Dijon. Seguro que el cenotafio de Maximiliano I, su padre, en Innsbruck, fue también inspiración y modelo.

La triste historia de Margarita, su amor por Filiberto, truncado en su apogeo, su propia consideración como una de las figuras más notables e inteligentes de aquella época, la objetiva belleza del lugar, todo ello sin duda ha contribuido a que este sea uno de los monumentos más queridos y visitados de Francia. En 2014, el canal France 2 lanzó un programa para elegir el monumento más querido por los franceses. En la lista estaba el Castillo de Chambord, la Abadía de Cluny, la capilla de Saint-Michel d’Aiguilhe, la Catedral de Reims, Versalles, los grandes monumentos de París, la ciudad medieval de Carcasona, Rocamadour, la abadía de Mont-Saint-Michel, Fontevraud, el Palais des Papes de Avignon, la Catedral de Estrasburgo…

El ganador fue el precioso panteón de Margarita, el Real monasterio de Brou, en Bourg-en-Bresse. Merece la pena acercarse a verlo.

Posibilidades infinitas para las excursiones

Los amantes de la naturaleza tienen en torno a Bourg-en-Bresse un festival de posibilidades. En las estribacioens del Jura, el río Ain conforma paisajes de una belleza inolvidable. Y más al sur, en las llanuras del Dombes, pantanos y marismas

A unos 24 km al norte, en St-Trivier-de-Courtes, hay un curioso museo dedicado a la vida tradicional en las granjas de la región. Se llama Ferme-Musée de la Forêt, y en él se pueden encontrar una colección de objetos de uso cotidiano y herramientas de trabajo en medio de una antigua casa restaurada. Como un viaje en el tiempo al siglo XVII.

Al oeste Bourg está la zona del Beaujolais, cuyos vinos tienen fama en toda Francia. Con un coche de alquiler, y dedicándole un día, se puede ver casi toda la zona y probar algunos de los mejores vinos –St-Amour, Juliénas, Moulin-à-Vent, Chénas, Fleurie, Chiroubles, Morgon, Brouilly, Côte de Brouilly, Regnié– e impregnarse de la cultura vitivinícola que domina la región.

Dos ciudades, Lyon y Ginebra, están al alcance desde Bourg-en-Bresse. Se tarda poco más de una hora en alcanzarlas. Ginebra es una preciosa –y carísima– ciudad histórica, situada junto al lago del mismo nombre. Lyon es una de las ciudades más interesantes de Francia. En su día hablamos del Vieux Lyon, su barrio viejo, y de su iglesia de Notre-Dame de Fourviere, un espectacular templo neo-bizantino. Pero hay mucho, mucho más que ver.

Antiguos molinos, ecomuseos, museos de artesanía, complejos ecuestres… los alrededores de Bourg-en-Bresse están perfectamente equipados para el turismo y pueden satisfacer a todos los gustos. Aquí, una lista de las muchas atracciones de la región.

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Hemos dicho muchas veces que la Provenza es una de las regiones más atractivas de Europa, y una zona idónea para una escapada veraniega. Hemos hablado de sus museos, que son muchos y variados. Hemos repasado sus preciosas iglesias románicas. Hemos sugerido el lugar ideal para alojarse y conocer desde allí las maravillas de la zona. Nos hemos adentrado en detalle en alguna de ellas. Incluso hemos recomendado los mejores puntos donde contemplar ese espectáculo natural que es la floración de la lavanda.

Hoy vamos a hablar de otro de sus iconos: Gordes, uno de los pueblos más bonitos de Francia.

Explicando la imagen maciza, austera y hermosa de Gordes

Es una de las grandes postales de la Provenza, si no de Francia entera. Y es así porque es una postal que le gusta a todo el mundo. Tiene todos los ingredientes para triunfar:

• Un pueblo colgado de una colina, asomado a ella, entre un paisaje de valles y montañas.
• Un pueblo construido a base de piedra clara y uniforme, que le da un aspecto rústico, antiguo y acogedor.
• Un pueblo coronado por una iglesia y un castillo monumental, que nos lleva a pensar en batallas medievales, aventuras, caballeros y leyendas.

Desde el Valle del Calavon, Gordes ofrece una imagen imborrable. Ni pintoresca ni exótica, pues el modelo se repite por todo el sur de Francia y por Italia entera. Pero sí perfecta. A Gordes no le falta nada. Es el típico pueblo medieval, elevado y fortificado, que ha conservado su esencia y su belleza.

La Provenza ha sido por largas etapas una tierra de frontera. Ya en tiempo de los romanos se refugiaban aquí los miembros de la tribu de los vordenses, que acabaron dando el nombre el pueblo. Más adelante, la Provenza estuvo apartada de los grandes reinos feudales que se fueron configurando en Francia. Estuvo en manos de los reyes de Borgoña y de los Condes de Barcelona, del Sacro Imperio y de los reyes Angevinos, pero ninguno de ellos la retuvo mucho tiempo. Y entre medias, sufrió los violentos ataques de los normandos y los sarracenos.

Más adelante, durante la Guerra de los Cien Años, el caos general y su posición distante de París la hizo presa fácil de los mercenarios. Las Compañías Libres, llamadas rutiers en Francia, aficionadas al pillaje y al saqueo, causaban estragos, y obligaban a la población a buscar refugio en estas famosas aldeas colgantes, tan incómodas, tan necesarias. Siglos después, más de lo mismo, con las sangrientas Guerras de Religión que también asolaron especialmente la Provenza.

Esa ha sido la historia de Gordes: un enclave defensivo, cerrado durante siglos. De ahí su aspecto austero y macizo.

Hoy todo ha cambiado. Gordes no atrae ejércitos enemigos sino turistas, y los recibe con buenos restaurantes y museos y actividades. En los últimos cincuenta años ha sido refugio de no pocos artistas. Pol Mara, Vasarely, Chagall. Algunos se quedaron a vivir y otros han creado fundaciones y museos, engalanando el pueblo.

Pero dejémonos de generalidades y entremos en detalles. Cuando vayas a Gordes querrás ver, sobre todo, el Castillo y la Iglesia de San Fermín. Y, luego, pasear por las calles laberínticas que se asoman al precipicio y que los gordiens llaman calades.

El Castillo de Gordes, con sus dos fachadas distintas y su magnífica chimenea monumental

Desde el año mil se habla en las crónicas del formidable castillo de Gordes, fortaleza casi inexpugnable. Aunque poco se sabe de su antiguo aspecto. En el año 1541, ya en tiempos del Renacimiento, mientras Francisco I construía estrambóticos castillos-palacio como el de Chambord, un noble local, Bertrand Rambaud Simiane, reconstruyó el Castillo de Gordes, que seguramente estaba en estado lastimoso.

El castillo tiene una planta extrañísima: rectangular, sorprendentemente delgada. Simiane dejó la fachada norte como estaba. Hoy se abre a una bonita plaza y, cuando la visites, sin duda te parecerá que tiene aspecto de castillo. La fachada es un enorme muro y en sus pisos bajos carece de ventanas. La parte alta ha sido trastocada por la obra posterior, que en seguida detallaremos, y le han sido añadidas ventanas decorativas. Pero en sus laterales tiene dos enormes torreones defensivos con matacanes en su parte superior. Nada revela su carácter medieval mejor que eso. Estos matacanes permitían a los defensores asomarse y disparar casi en vertical a quienes se habían aproximado demasiado a las puertas. O arrojarles piedras, o líquidos llameantes.

Lo que hizo el nuevo señor de Gordes fue cambiar radicalmente la fachada sur. Quizá estuviera dañada por algún asedio. Quizá, simplemente, inspirado por la época, quiso modernizarla. Cuando la mires, verás algo mucho más parecido a un palacio que a un castillo. Te resultará curioso compararla con la fachada opuesta. Una tan medieval, recia y defensiva. La otra grácil y elegante.

Detente un momento a mirarla bien. Su función defensiva ya no existe, y Simiane se ha ocupado de que la enorme mole de de la fachada sea más esbelta. Que pese menos, visualmente. Ha dividido el espacio en cuatro pisos, cada uno de los cuales es más bajo que el anterior. En España e Italia existen abundantes ejemplos de esta elegante solución, una manera sencilla de estilizar una fachada plana.

El segundo y el tercer piso los llenó de ventanas geminadas, o partidas en dos por un parteluz. Horizontal y verticalmente. Y esta última división corresponde a la misma de todo el edificio: la ventana alta, más pequeña que la baja, añadiendo armonía al conjunto.

Las ventanas del último piso son también geminadas pero en este caso tienen un solo nivel, pues ya no hay espacio. Para coronarlas con gracia, el arquitecto añade un frontón que cierra con elegancia clásica el eje vertical de las ventanas. Sencillo, armónico y efectivo.

El retoque final son los dos torreoncillos de los laterales, recuerdos de lo que el edificio había sido durante siglos, una fortaleza defensiva, y guinda final de la mezcla de épocas.

No hay registros de que Gordes recibiera muchos ataques desde esa época a la actualidad. Se sabe que en el año de la Revolución Francesa fue ocupada por los revolucionarios, pero no llegaron a dañarlo. Se sabe también que durante la II Guerra Mundial cayeron varias bombas en el pueblo. Gordes fue un importante núcleo de la Resistencia y, como represalia por la muerte de un soldado alemán, el Reich lo bombardeó.

Afortunadamente el bombardeo no afectó al castillo, que en cualquier caso estaba deteriorado y lastimoso cuando el artista húngaro Vasarely lo encontró lo compró y restauró. Quiso dedicarlo a un proyecto de creación artística interdisciplinar que finalmente no se llevó a cabo. Lo más parecido, la Fundación Vasarely, está en Aix-en-Provence.

Otro artista que se enamoró de Gordes fue el belga Pol Mara, pintor y diseñador cuyas obras cuelgan hoy del interior del castillo, donde se encuentra también el Ayuntamiento.

Una chimenea renacentista que justificará tu viaje

Los mecenas renacentistas que reconstruyeron el Chateau no se podían comparar con los Medici en recursos. Lo habrás notado por la escasísima decoración del exterior del edificio. Pero se dieron algunos lujos. El principal: decorar monumentalmente una antigua chimenea, que quedó hecha una auténtica obra de arte. Es la mayor joya del interior del beau château.

Toda la decoración que le falta al exterior del castillo-palacio está aquí dentro. Una original sucesión de frontones, columnas jónicas seguidas por ventanas ciegas coronadas por conchas y un friso decorado con hojas de acanto. Elementos griegos y romanos mezclados con libertad. Una maravilla.

Qué ver en Gordes cuando hayas terminado con el castillo

La respuesta es sencilla: dar un buen paseo te permitirá verlo todo, porque Gordes es muy pequeño. Al margen del castillo, te gustará visitar la iglesia de San Fermín y, sobre todo, recorrer sus callejuelas medievales y disfrutar de sus vistas.

La iglesia de San Fermín

El otro gran atractivo de cualquier ciudad medieval es la iglesia. La de Gordes está dedicada San Fermín, patrón de la localidad. Tiene orígenes románicos, aunque fue renovada en el siglo XVIII y ya queda poco de aquellos orígenes.

Hoy está muy remozada y llena de colores. Pero incluso con esos cambios (que tan mal casan con el espíritu del románico) aún se saborea en su interior aquella vieja sencillez, ese aire antiguo y austero y tremendamente espiritual que tanto nos gusta.

Los gremios de Gordes debieron ser pocos y modestos. No ha tenido importantes artistas, comerciantes ni banqueros. En la iglesia hay solo un par de capillas financiadas, sin duda con enorme esfuerzo, por los gremios más pujantes. La de San Eloy está dedicada a los herreros y a los cerrajeros. La de San Crespín, a los zapateros.

Como curiosidad, en la Rue des Clastres, que bordea el lado norte de la iglesia, hay una pequeña concha tallada en la propia piedra. Es un detalle, un buen augurio para los peregrinos que pasaban por aquí en su largo camino a Compostela.

Las calles (calades) y los miradores

Un paseo por Gordes ofrece, a la vuelta de cada esquina, magníficas vistas del maravilloso Parque Nacional del Luberón. Y calles empedradas, con fuertes pendientes, rodeadas de una arquitectura llena de encanto. Los gordiens las llamas calades y te recomendamos que las recorras todas, pues están llenas de sorpresas.

La Rue des Tanneurs, la Rue des Tracappelles o la Rue Porte de Savoie son como un cuento medieval. Pero quizá el lugar ideal para las fotos sea la empinada Rue du Belvedére, que dibuja, poco más abajo de la iglesia, un precioso rincón empedrado, abierto al paisaje. Contempla desde allí los ricos suelos del Valle de Calavon, un paisaje privilegiado por donde discurre el Calavon, uno de los afluentes del Ródano.

La guinda del pastel: un par de maravillas que encontrarás en las cercanías de Gordes

El Luberon entero es una maravilla. Y hay dos pequeñas joyas que se encuentran tan cerca de Gordes que sería un pecado no ir a visitarlas. La primera es la aldea de Bories, un pequeño poblado de chozas construidas con piedra seca, es decir, sin utilizar ningún tipo de mortero u hormigón.

La segunda es la preciosa e icónica Abadía de Senanque, que en verano, cuando florece la lavanda, se convierte en una de las postales más fotografiadas de Francia. Como ya hemos hablado de ella, te remitimos a este artículo para que completes una estupenda, cómoda y esperamos que inspiradora visita a Gordes y el precioso escénico Parque del Luberón.

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En verano no hay razón para que la cultura deje de motivar nuestros viajes. Ya sea en la playa o en la montaña, en el Norte o en el Sur, se pueden hacer muchas escapadas por Europa al refugio del calor sofocante. Escapadas de un fin de semana o de una semana completa.

En este artículo ofrecemos diez posibilidades, acompañadas de consejos de alojamiento, descripciones de lo que hay que ver y posibles excursiones para el que quiera alargar la duración de su estancia. Hemos recopilado ciudades de todo tipo. Antiguos centros industriales que han sabido reformarse, engalanarse y mostrar al mundo sus viejas calles relucientes, como Gante, Leipzig, Bristol o Turín. Capitales de regiones históricas que han tenido importancia capital en diversos capítulos de la historia de Europa, como Oviedo, Graz o Edimburgo. Ciudades pequeñas y románticas, como Sintra o Aix-en-Provence, que tienen estrechas y fuertes relaciones con el arte.

El verano es la estación por excelencia de los viajes. En estos tiempos extraños en los que muchos se empeñan en dividirnos, aprovechemos para disfrutar mientras conocemos un pasado común. El legado romano, las iglesias góticas, el esplendor del Renacimiento y el Barroco, los ecos de la Revolución Industrial o el ingenio del arte contemporáneo no son patrimonio de España, Francia o Alemania, sino de Europa. Para comprobarlo van estas diez ideas de viaje. Diez escapadas por Europa para un verano carente de sofocos y lleno de cultura, unión y aprendizaje.

Gante la Magnífica, en el corazón de Flandes

Hace no demasiado tiempo, la única parada obligada en cualquier viaje por Flandes era la ciudad de Brujas. Hoy, las cosas han cambiado. Gante siempre ha sido tan bella como su vecina, pero hasta hace poco era mucho menos visitada, porque, al contrario que Brujas, Gante sí fue ciudad industrial y no se quedó parada en la Edad Media. Y no hay entorno urbano cuya belleza no sufra las consecuencias, como decía Dickens, de esas "altas chimeneas, de donde salían sin descanso interminables serpientes de humo".

Afortunadamente, sus gestores supieron ver el potencial del turismo cultural. Hoy, como dice Stijn Buyst en esta genial guía alternativa en The Guardian, en Gante dominan las cámaras fotográficas de los turistas, por encima de las de los estudiantes de fotografía que retrataban el tan sugerente –pero tan poco sugestivo– decaído entorno industrial.

La actual Gante no es sombría ni decadente, sino centelleante. Tiene calles que habrás visto en fotos miles de veces, incluso sin saberlo, como la preciosa Graslei, en el sitio del antiguo puerto medieval de la ciudad junto al río Leie. Tiene la Catedral de San Baso, con su imponente torre gótica. En su interior, conserva una de las grandes obras del arte occidental, la Adoración del Cordero Místico de los hermanos Van Eyck. Tiene uno de los mejores museos del diseño que se pueden ver en Europa. Y tiene un pasado glorioso, pues no solo fue una de las grandes capitales de la época dorada de Flandes: en Gante nació, en el año 1500, el que había de ser emperador de Europa, el gran Carlos V.

Las calles de Gante son un museo al aire libre, están repletas de arte callejero. Y, como ciudad universitaria, la ciudad rebosa creatividad y está punteada de librerías, de cafés, de bares y restaurantes para todos los bolsillos.

En verano, en los meses de julio y agosto, se celebran numerosos festivales al calor de sus agradabilísimos veintidós grados de temperatura media. Y, estando en el corazón de Flandes, tiene a mano todo lo que esta región puede ofrecer para el que quiera alargar su escapada urbana veraniega.

Gante se encuentra a medio camino entre Brujas, Bruselas y Amberes. La expresión "en el corazón de Flandes" no es un vacío reclamo turístico; es la pura verdad. Y por eso es idónea como base para explorar la región, perfectamente transitable tanto en coche de alquiler como en tren. Quien prefiera destinos alternativos a las grandes capitales, disfrutará de la visita a Lier, Mechelen, Dendermonde, Pajottenland y Halle, estas dos ya más allá de Bruselas, en la región de Brabante.

Aix-en-Provence, tranquilidad y elegancia en la Provenza

Aix-en-Provence es la ciudad del gran pintor del post-impresionismo, Paul Cézanne. Y sólo por eso, porque allí se conservan la mayoría de sus lugares, merece la pena visitarla. Pero además, como ya dejamos claro en nuestra breve guía de Aix, esta ciudad provenzal es un fabuloso destino turístico por varias razones más.

• Es una ciudad de tamaño medio, cómoda y acogedora, con un centro histórico casi completamente peatonal y un agradable clima mediterráneo. Si planeas hacer tu escapada en verano, en Aix encontrarás temperaturas muy suaves.
• Está muy bien conectada y a poca distancia de los principales destinos turísticos de la Provenza: Orange, Nimes, Avignon, el Pont du Gard, Les Baux, Gordes, la Abadía de Sénanque… a todos se pueden llegar en excursiones de un día o de medio día.
• Tiene una vida cultural activa, excelentes museos y galerías de arte, teatros, históricos cafés, hoteles con encanto, historia en cada calle.

La ciudad tiene un patrimonio sensacional: una Catedral antiquísima que mezcla variados estilos, un grandísima colección de hôtels particuliers o casas nobiliarias; un museo, el Granet (uno de los diez mejores museos de la Provenza), que hará las delicias de los amantes de las bellas artes; otro, la Fundación Vasarely, que encandilará a los que gusten del arte moderno, además de una pléyade de callejuelas, plazas y fuentes.

En Aix, de hecho, se pueden pasar un par de días, o tres, o una semana entera, pues toda la oferta cultural, paisajística e histórica de la Provenza está al alcance de la mano. Hay decenas de opciones. Por ejemplo:

• Dedicar una mañana a fotografiar, desde todos los puntos posibles, la Montaña Sainte-Victorie, gran musa de Cézanne, y a visitar el castillo de Vauvenargues, donde descansan los restos de Pablo Picasso.
• Visitar Les Baux, un precioso pueblo colgante. Justo al lado están Les Carrières de Lumières, un espectáculo como no hay otro. Y muy cerca, Saint Rèmy, un pueblo precioso en el que pasó sus últimos años Vincent Van Gogh.
• Visitar Nimes y Arles, que conservan algunos de los monumentos romanos más espectaculares y mejor conservados de Europa. Ni más ni menos. Por ejemplo, la magnífica Maison Carrèe.
• Visitar Orange, que es igual que las dos anteriores, y Aviñón, que durante siglo y medio albergó a los Papas y trató de ser la Nueva Roma.
• Visitar, por supuesto, Marsella, que está –literalmente– al lado de Aix. Después de ser Capital de la Cultura en 2013, tiene museos recién estrenados junto a su historia milenaria y su variado patrimonio.
• Visitar Gordes, uno de esos pueblos colgantes que dan relumbrón a la Provenza. Y en cuyo término se encuentra la pintoresca Abadía de Sénanque, un monasterio benedictino que a principios de verano, cuando florece la lavanda, es sencillamente irresistible.
• Visitar Saint Tropez, que alberga el museo más espectacular de la Provenza. O Antibes, con su Museo Picasso. O Cannes. O cualquier punto de la Provenza o de la Costa Azul.
• Recordar todas estas ciudades, y otras más, en busca de las maravillas románicas de la región.

Aix está a poco más de media hora del aeropuerto de Marsella, y este tiene excelentes conexiones con numerosas ciudades europeas y españolas (entre ellas Madrid, Palma, Bilbao y Sevilla). Destino ideal, por lo tanto, para estas escapadas por Europa.

Oviedo, ciudad elegante y rebosante de cultura

Capital de Asturias, ciudad histórica que hunde sus raíces en la Alta Edad Media, Oviedo es un destino elegante y sofisticado, rebosante de cultura y lleno de posibilidades para los amantes del turismo cultural, rural, ecológico y deportivo. Es una ciudad reconocida por varias instituciones europeas por su elevada calidad de vida, y cuenta en su haber siete escobas de platino por la limpieza de sus calles.

Los amantes de la literatura irán sin duda en busca de Vetusta, "la muy noble y leal ciudad". Deben saber que hay en Oviedo mucho más que la célebre estatua de Ana Ozores junto a la Catedral. Para no dejarse nada, lo más recomendable será visitar previamente esta guía de la Ruta Clariniana, elaborada por expertos, completa y de excelente calidad.

¿Pueden verse en un día los atractivos principales de Oviedo? Sí. En The Wandering S, Sandra nos cuenta cómo hacerlo. Aunque, si quieres relajarte, te lo puedes tomar con más calma y verlo todo más despacio. O bien dedicar otros días a excursiones por los muchos atractivos de Asturias:

• Puedes apuntarte a alguna de las abundantes actividades deportivas, como el precioso descenso del Sella.
• Puedes acercarte a Gijón, la gran rival costera, más poblada que la capital y con un centro histórico también agradable para el paseo y el disfrute del turista.
• A poco más de treinta kilómetros está la preciosa iglesia de Santa Cristina de Lena, a la que hace tiempo dedicamos un artículo en exclusiva. Es un preciosidad. En lo alto de un promontorio, se sube por bucólico sendero, acompañados por cantos de gallos y ladridos de perros que extrañan a los paseantes que es conocida en el lugar como la iglesia de las esquinas, por sus numerosos pilares exteriores y su configuración cruciforme, que provoca un continuo juego de salientes y entrantes.

Si no quieres ir "tan" lejos, junto a la ciudad se levanta el histórico monte Naranco, donde Ramiro I levantó un conjunto palaciego para demostrar su poder y dotar de prestigio a la corona. De aquello quedan dos testigos brillantes: Santa María, representación de la vida cortesana, y San Miguel de Lillo, del ascetismo religioso. En Ruta Cultural tienes este artículo, dedicado a ambos, para ir abriendo boca.

De aquellos primeros tiempos del Reino de Asturias queda otro vestigio dentro de la propia ciudad. Es pequeño y llama poco la atención, pero ahí sigue. Es la Foncalada y tiene el honor de ser el monumento civil en uso continuado más antiguo de España. La mandó construir Alfonso III de Asturias, que reinó entre los siglos IX y X. Que siga ahí es un motivo de regocijo y un verdadero milagro y esa es la razón de que la incluyéramos en nuestras diez fuentes para viajar por España.

Turín, la nueva joya de Italia

La capital de la poderosa familia de los Saboya es, quizá, la ciudad italiana más infravalorada por el turismo. Hay que decir que la competencia es dura, y que quien convive con Milán, Génova, Venecia, Florencia, Nápoles o Roma tiene que gritar muy fuerte para atraer visitantes. Turín lo está haciendo. Con voz firme y elocuente.

Al borde de los Alpes, a una hora en tren de Milán, a dos de Génova, Turín tiene mucho que ofrecer al que viaje buscando cultura, arte y museos. No es un destino con el encanto histórico de una ciudad medieval. No es tampoco una urbe renacentista al estilo de Florencia. Turín tiene un callejero más moderno y un elegante aire centroeuropeo. Los vientos que soplan por sus calles son más vieneses y parisinos que romanos o florentinos.

Turín y el Piamonte fueron el motor del Risorgimento y de la unificación italiana. En 2011, los fastos del 150 aniversario dejaron en Turín un Museo del Risorgimento renovado y espectacular, que encantará a los interesados en la historia.

Antes, había sido capital de los Saboya, que construyeron en la colina de Superga una fastuosa basílica neoclásica donde están enterrados los miembros más destacados de la Casa. Si puedes, sube al atardecer. Las vistas son maravillosas.

Más recientemente, Turín ha sido la capital de los Agnelli, otra poderosa familia italiana, dueña de la FIAT y de la Juventus y del diario más importante de Italia, el Corriere della Sera.

En cuanto a museos, no hay aquí grandes maestros del Renacimiento y el Barroco. Pero Turín tiene el mejor museo de arte contemporáneo de Italia, la envidia de Roma, Milán y Venecia. Y tiene la mayor colección de arte egipcio del mundo, dejando a un lado la ciudad de El Cairo. El Museo Egizio es para no perdérselo.

La Mole Antonelliana, el Museo del Cinema o el Museo del Automoville reflejan la verdadera época dorada de Turín: el presente.

Albergar los Juegos Olímpicos de Invierno de 2006 fue un soplo de aire fresco para la ciudad, que inauguró su metro y renovó calles y plazas y edificios históricos para darse ese lavado de cara que las ciudades industriales tanto necesitan. Hoy Turín está más elegante que nunca. Y por si fuera poco para incluirla en esta lista de escapadas por Europa, tiene al alcance de una excursión Génova, San Remo y Milán. Y, al Norte, el espectacular Valle de Aosta, donde se pueden encontrar paisajes inolvidables, ruinas romanas y monasterios románicos.

Secular frontera entre Francia e Italia, a cuyas esferas de influencia ha pertenecido en diferentes tiempos, un buen número de castillos, erigidos algunos en cumbres imposibles, recuerdan aquellos tiempos en los que la guerra era un hábito, al tiempo que embellecen paisajes escarpados y cumbres nevadas. Muchos de ellos son hoy visitables y en algunos incluso se puede pasar la noche. Es muy recomendable pasar unos días en Turín y luego retirarse a los Alpes, a ver capiteles impúdicos en Sant’Orso y dar largos paseos por las montañas.

El interesado tiene a su disposición este post dedicado en exclusiva al Valle de Aosta y su interés cultural.

Leipzig, "el lugar más candente del mundo"

Tiene nombre de mole soviética o de dirigible. Hasta hace muy poco no figuraba en ninguna guía turística, y está en una zona poco visitada, aunque en sus cercanías esté la maravillosa Dresde y otras joyas que el turismo irá descubriendo, poco a poco.

Leipzig es una ciudad histórica y cultural de primer orden. Fue uno de los grandes centros industriales de la antigua Alemania del Este, y antes de eso, cuna y lugar de trabajo de algunos de los grandes nombres de la música y de las letras alemanas, como Goethe, Bach, Wagner o Mendelssohn.

En 1989 fueron sus calles las que primero presenciaron la Revolución Pacífica. Miles de ciudadanos exigieron libertad y democracia frente a la iglesia de San Nicolás, en la plaza Augustusplatz y en el parque Promenadenring. Unos meses después, cayó el Muro de Berlín. Unos años después, la Unión Soviética.

Leipzig fue lugar natal de Richard Wagner, en cuyo honor celebra un festival musical cada mes de mayo. De Felix Mendelssohn, que murió aquí en 1847, conserva una casa-museo y un salón de música. Pero el compositor más asociado a la ciudad es sin duda Johan Sebastian Bach, pues aquí trabajó durante 27 años, y está enterrado en la iglesia de Santo Tomás, en cuyo coro cantó durante años. En su honor, el BachFest llena de música las calles y los teatros cada mes de Junio.

El nombre de Leipzig quizá esté asociado a la tristeza y el gris del pasado soviético, pero su realidad no puede estar más lejos. Sus antiguas fábricas se han convertido en centros de arte contemporáneo o incubadoras de artistas. En el Spinnerei, una antigua hilandería de algodón, viven hoy y trabajan un centenar de artistas. The Guardian lo llama "el lugar más candente del mundo". Lo han llamado también "el nuevo Berlín".

Leipzig hace tiempo despertó de su letargo. Cambió la industria pesada y la minería por la creatividad, el diseño, la música y el arte. Se vistió de gala para que su nombre sonara en el mundo. Es el momento de conocerla.

Bristol, la más variada de las escapadas por Europa

Hoy puede sorprender, pero Bristol fue durante siglos la segunda ciudad de Inglaterra. Sólo Londres le ganaba en importancia. Luego, el crecimiento de las ciudades industriales (Manchester, Liverpool, Leeds, Sheffield) la dejaron en segundo plano, y la obligaron a reinventarse como centro cultural y creativo. Tiene Bristol un aire juvenil e irreverente simbolizado por todo el mundo por las obras de su hijo más famoso: el artista callejero Banksy.

El Bristol Suspension Bridge es quizá la instantánea más conocida de la ciudad, pero Bristol tiene mucho más. Como ciudad portuaria, muchos de sus atractivos están relacionados con el mar. En el puerto se encuentra el SS Gran Bretaña, un barco de vapor construido en 1830 que fue en su día la nave más avanzada e impresionante del mundo, y el Matthew, el barquito en el que John Cabot llegó a Canadá en 1497. Toda la zona del puerto se convierte en el centro neurálgico de la ciudad en los meses de verano, con el Bristol Harbour Festival. Muy cerca, el M Shed es un museo centrado en la historia de la ciudad que es especialmente activo en verano, con todo tipo de actividades para todos los públicos.

Los aficionados al arte querrán visitar Spike Island, un pequeña isla dedicada al arte contemporáneo, y la galería Arnolfini. Y el Bristol Museum, donde podrán disfrutar obras de Pisarro y Renoir.

Pero Bristol se sitúa además en una zona llena de atractivos. Armados con un coche de alquiler, se pueden visitar numerosísimos destinos, y entre ellos algunos de los más visitados de Inglaterra. Damos algunos ideas:

• Glastonbury está a poco más de una hora de coche y es conocida por su gigantesco festival de música y por ser un paraíso para los aficionados al misterio, el Grial y los ciclos artúricos. Pero su atractivo va más allá: es un lugar objetivamente hermoso, muy agradable, con un entorno bendecido por la naturaleza y unos atractivos históricos y culturales de primer orden.
• Aun­que fue­ran menos gran­dio­sas que las que Dio­cle­ciano o Ca­ra­ca­lla construyeron en Roma, las ter­mas de Bath, que fue crea­da como un com­ple­jo ter­mal, se si­guie­ron uti­li­zan­do du­ran­te mucho más tiem­po, y han sido luego re­uti­li­za­das y re­cons­trui­das. En la ac­tua­li­dad son uno de los mo­nu­men­tos más vi­si­ta­dos del país y, gra­cias a la pre­sen­cia del agua y a su mo­der­na re­cons­truc­ción, un ver­da­de­ro es­pec­tácu­lo. En su día, las incluimos entre las diez ruinas romanas que más merece la pena visitar. Y además Bath es una ciu­dad Pa­tri­mo­nio de la Hu­ma­ni­dad y su vi­si­ta me­re­ce mucho la pena no sólo por sus rui­nas ro­ma­nas. La ciu­dad re­zu­ma cul­tu­ra y re­bo­sa tea­tros y mu­seos.
• El mítico Stonehenge está a poco más de un hora, en mitad de Wessex. Se organizan abundantes visitas guiadas y es, en fin, un lugar que nadie debe perderse, especialmente si ha optado por Bristol entre todas las escapadas por Europa que estamos proponiendo.
• La ciudad de Salisbury, a una hora en tren, alberga la que un día citamos como una de las catedrales góticas más deslumbrantes de Inglaterra. Es enorme, preciosa, y está en un prado abierto, rodeada de una alfombra verde y alejada del núcleo urbano, lo cual remarca su monumentalidad y permite apreciarla sin obstáculos desde todos los puntos de vista (actividad muy apreciada por John Constable). Hay que visitarla para apreciar sus larguísimas, altas y estrechas naves, acentuadas por la combinación de piedra blanca y mármol negro; las fantásticas vidrieras de la Capilla de la Trinidad; o la Sala Capitular, donde se guarda la mejor conservada de las cuatro copias de la Carta Magna de 1215.
• Al alcance tienes también Cardiff, capital de Gales, y Exeter, que conserva otra de esas catedrales góticas que deslumbran y asombran.

Por todo lo que tiene en la ciudad, y por todo lo que tiene a mano, decimos que Bristol es una de las más variadas de estas escapadas por Europa.

Edimburgo, la vieja chimenea

Edimburgo, capital de Escocia desde 1437, conocida como la vieja chimenea, es un lugar muy especial que merece más de un viaje, algo que saben muy bien quienes han estado allí. Situada en la costa este de Escocia, a orillas del fiordo del río Forth, fue uno de los centros culturales más importantes durante la Ilustración y hoy su medio millón de habitantes cuenta con cuatro importantes universidades.

Tiene esta ciudad rincones oscuros que fueron escenarios de las más terribles historias. A pesar de que los guías turísticos hablan de la existencia de fantasmas, nosotros sólo vemos una ciudad llena de gente cordial. Tiene Edimburgo preciosos jardines, una bellísima arquitectura y de un ambiente dinámico y atractivo. Vive inmersa en el siglo XXI pero no olvida su esplendoroso pasado.

Tiene dos grandes barrios, el nuevo y el antiguo, con dos nombres creativos y originales: el viejo se llama Barrio Viejo (Old Town), y el nuevo se llama Barrio Nuevo (New Town). Pero ambos son una maravilla.

Old Town se derrama desde un lateral de la peña, colina abajo a través de su calle principal, la Royal Mile, de la que salen pequeñas calles llamadas closes o wynds. Entre ellas se encuentra la Lady Stair’s Close, que conduce al Museo de los Escritores. La Royal Mile termina en la abadía de Holyrood, de la que sólo quedan ruinas. Junto a ella está el palacio de Holyroodhouse, levantado como residencia real en 1128. Hoy es la residencia oficial de la familia real en Escocia.

New Town fue proyectado por James Craig es una obra maestra del desarrollo urbanístico. Nació como una zona residencial, pensada para familias pudientes, pero hoy está abierta a todos. Es el área comercial y de oficinas de la ciudad. La recorren de Norte a Sur por tres calles paralelas: Princes Street, George Street y Queen Street, abrazadas por dos amplias plazas al este y al oeste, St Andrew Square y Charlotte Square.

Una sucesión de elegantes construcciones de estilo neoclásico y georgiano, conocidas como terraces, adornan su perfecto plano ortogonal. Muchas fachadas fueron decoradas con elegantes columnas y coloridas puertas de entrada.

Si el tiempo disponible lo permite hay cerca de Edimburgo numerosos lugares que merecen una visita. Dejamos varias ideas.

• Jupiter Artland, un jardín escultórico a poco menos de media hora de la ciudad, en el que una serie de artistas contemporáneos han dejado su obra entre los sorprendentes terrenos que les ofrece la naturaleza.
• Por la Capilla de Rosslyn ya nos paseamos en Ruta Cultural, y tenéis disponible un artículo enteramente dedicado a ella. Está solo a unos quince kilómetros de Edimburgo. Fue construida por los templarios y por lo tanto os espera un lugar salpicado de intrigas y misterios, enclavado en un paisaje de frondosos bosques infinitos.
• También a quince kilómetros está el precioso pueblecito de South Queensferry, desde cuyo puerto se puede alcanzar la maravillosa isla de Inchcolm, y conocer su histórica abadía medieval.

Aquí tienes mucha más información sobre Edimburgo y, aquí, sobre las infinitas posibilidades que hay a la hora de viajar por Escocia.

Graz, capital de Estiria, el "corazón verde de Austria"

Austria tiene mucho más que las montañas del Tirol, los lagos de Salzkammergut o la elegancia de Viena. El Sur del país lo domina una zona rica en maravillas naturales y culturales cuyo nombre es Estiria. Es “el corazón verde” de Austria: tiene alta montaña, bosques y ciudades monumentales. Tiene viñedos que que se parecen tanto al Chianti que también la han llamado "la Toscana Estiria". Tiene una de las bibliotecas más bellas del mundo.

La capital de Estiria es una ciudad cuyo centro histórico figura en las listas del Patrimonio Mundial de la UNESCO. Al contrario que Viena o Salzburgo, Graz es desconocida. Y debería dejar de serlo.

Está tan en el sur de Austria que, culturalmente, es casi eslovena. De hecho, su nombre proviene de una palabra eslovena: Gradec, que significa castillo. Maribor está a solo cincuenta kilómetros y Eslovenia es una belleza de país, así que ahí va la primera recomendación para posibles excursiones. Graz tiene seis universidades que hacen un total de más de cuarenta mil estudiantes. Tiene, sobre todo, uno de los cascos históricos más bonitos y mejor conservados de Europa.

Graz fue residencia de los Habsburgo durante los siglos finales de la Edad Media y el apogeo del Renacimiento. Curiosamente, el principal monumento de la ciudad ni está en el centro histórico ni pertenece a la dicha familia. Se trata del Castillo Eggenberg, una fastuosa residencia reformada a lo largo de siglos que cuenta con un ramillete de estilos artísticos y una serie de caprichos humanistas que recuerdan al Chambord de Francisco I. Tiene, por ejemplo, 365 ventanas. Una para cada día del año. Lo que sí está en el centro es la Basílica de Mariatrost, una basílica de peregrinación que sublima la arquitectura de estilo barroco.

Graz en verano es el destino perfecto para una escapada por Europa, pues está muy en su corazón, condensa en sus calles buena parte de su historia y permite disfrutar de unos paisajes y excursiones impresionantes. Es fácil visitar Salzburgo e incluso Viena, los viñedos de la Toscana Estiria, Maribor y Ljubliana.

Y nos permitimos una última sugerencia. En el rincón más noroccidental de Estiria se enclava una impresionante abadía benedictina. Siglos y siglos de Ora Et Labora la han convertido en un compendio de arte y cultura. Hoy alberga allí varios museos y una biblioteca de las que suelen aparecer en las listas de las más fabulosas del mundo. Es la Abadía de Admont, a la que en otra ocasión dedicamos un artículo completo en Ruta Cultural. Desde Graz se puede visitar en un día y es más que recomendable.

Sintra, el rincón romántico de Portugal

Desde la antigüedad Sintra es conocida como “Monte da Lua” (Monte de la luna), por las celebraciones de cultos astrales. En busca del silencio y la soledad de los bosques de sus sierras, crecieron conventos y ermitas que añadieron a la zona un carácter singular, espiritual y misterioso. Sin duda, Sintra es la más romántica de nuestras diez escapadas por Europa.

Bendecida por un clima especialmente dulce con veranos frescos e inviernos suaves y soleados, Sintra fue elegida como lugar de esparcimiento y relax por reyes y nobles. Desde la Edad Media levantaron castillos, palacios, villas y fincas rodeadas de jardines y parques. Las floras mediterránea y atlántica se mezclaron creando ambientes verdaderamente únicos.

Sintra ocupa un lugar en la lista del Patrimonio Mundial de la Humanidad en la categoría de “Paisaje Cultural”. La sabia mezcla de elementos culturales que emergen con aparente espontaneidad en medio de una naturaleza excepcional justifican de sobra ese título.

La magia del lugar ha seducido durante siglos a muchos artistas, que la transformaron en arte. Lord Byron, Christian Andersen, Richard Strauss y William Burnett, entre otros, escribieron, pintaron, cantaron y recordaron la belleza única de Sintra.

Dentro del casco antiguo se encuentra la conocida como Vila Velha (Villa Vieja), situada en la falda de la sierra, en la zona de mayor declive. Allí se levanta el Palacio Nacional, construido por Joao I y Manuel I durante los siglos XV y XVI

A sólo diez minutos del centro se encuentra el que es, según Byron, el lugar más en­can­ta­dor de Eu­ro­pa. Quinta da Regaleira es sin duda un es­pec­tácu­lo, un juego, una de­li­ca­tes­sen. Luigi Ma­ni­ni, ar­qui­tec­to y es­ce­nó­gra­fo ita­liano, fue el res­pon­sa­ble de su cons­truc­ción entre los años 1904 y 1910.

Otro imprescindible de Sintra es el Palacio da Pena, otro palacio de ensueño. Lo construyó Fernando de Sajonia Coburgo-Gotha, rey consorte de Portugal por su matrimonio con Dª María II. Era éste un rey culto, amante de las artes y la naturaleza, que quiso regalarle a su esposa un edificio inspirado en los lejanos palacios de su Baviera natal. Construcción de estilo romántico que aúna todos los neos de la época: gótico, manuelino e islámico. Una verdadera maravilla.

Y, por supuesto, Sintra (de la que tienes muchas más información aquí) está cerquísima de Lisboa, de la que ya hemos hablado en Ruta Cultural. Elegirla es inteligente porque tiene mucho que ver, porque es más tranquila y porque acercarse a la capital es cuestión de media hora.

Pula, en la península de Istria

La encantadora península de Istria, en el extremo noroccidental de Croacia, es una tierra en la que se mezclan sin solución de continuidad los legados romano, bizantino y veneciano. No es poca cosa. Siguiendo los pasos de Augusto, el primer emperador de Roma, iniciamos hace tiempo, en este rincón croata, una ruta que nos llevó por buena parte del Mediterráneo y por algunas de las mayores ciudades de la Antigüedad. Entre ellas, cómo no, la propia Pula, de la que ya hablamos.

Pula es una ciudad de sesenta mil habitantes que destaca por el buen vino, la pesca, la construcción de barcos y, cómo no, por el turismo. Como tantas otras ciudades del Mediterráneo, Pula tiene una historia milenaria, y fue ya un importante puerto en la Antigüedad. Prueba de ello son las importantes ruinas romanas que conserva, casi todas excelentes tanto en valor como en estado de conservación.

La principal es el Anfiteatro. Un Anfiteatro único, desde cuyos vanos se puede ver el mar. Se empezó a construir en el año 27 a.C. y fue luego ampliado por Vespasiano en el 79 d.C., justo cuando empezaban en Roma las obras del Coliseo. Albergaba en la Antigüedad a 23.000 espectadores, lo cual es extraordinario teniendo en cuenta que la población de la ciudad no pasa en la actualidad de 60.000. Su arena, que en época romana fue escenario de batallas navales y peleas de hombres y animales, que en el Medievo albergó torneos medievales y ferias de caballeros, hoy es sede del Festival de Cine de la ciudad –el más antiguo de Croacia– y del Festival del Verano, que incluye espectáculos de música, danza y teatro.

En Pula se conservan también buenos lienzos de muralla, varios arcos y algunas de las puertas que en época romana daban acceso a la ciudad. Se conserva también el emocionante Templo de Roma y Augusto. Emocionante porque su construcción se fecha entre el año 2 a.C. y el 14 d.C. y sigue en pie, en el mismo sitio. Es un clásico templo romano con pórtico tetrástilo, elevado sobre podio, con columnas corintias de 17 metros de altura y con un friso ricamente decorado, muy similar al de la Maison Carrée de Nimes.

Y Pula tiene mucho más: hermosas iglesias, mercados y playas, y acceso a la privilegiada península de Istria, donde hay tanto que ver. La Costa Dálmata es una joya y un destino perfecto para el que busca escapadas por Europa con playa, paisajes y cultura. Y Pula es uno de los sus puntos más destacados. Reserva un hotel, céntrico o playero, y disfruta de un verano inolvidable.

La entrada Diez escapadas por Europa para un verano sin calor y con cultura se publicó primero en Ruta Cultural.

La Adoración de los Pastores, una escena omnipresente como testimonio artístico de la Fiesta más global del mundo, La Navidad. Es la ventana de la cabecera que nos acerca a Bartolomé Esteban Murillo en esta obra de 1655, puro naturalismo barroco sevillano. Murillo ilumina a María y a su hijo, y hace llegar la luz al simbólico cordero que acompaña a los pastores, influencia del Agnus Dei de Zurbarán. La misma luz se fija sutilmente en la vieja con la cesta de huevos, que recuerda a aquella otra que freía huevos salida de los pinceles de su paisano Velázquez. La obra refleja las palabras de los evangelistas Lucas y Mateo sobre el nacimiento de Jesús, y busca, como era habitual, detalles como la mula y el buey en los evangelios apócrifos.

La solemne Misa de medianoche, que se celebra en la noche del 24 al 25 de diciembre, popularmente conocida como Misa del Gallo, abre para la Iglesia católica el llamado tiempo de Navidad, que se celebró por primera vez en el año 379 en la ciudad de Constantinopla.

En estas fiestas perviven muchas costumbres de las fiestas saturnales: fiestas romanas en honor a Saturno (dios de la agricultura), en las que se celebraban banquetes, intercambios de regalos, cánticos y bailes (eran una Navidad y un Carnaval juntos), y que tantos dolores de cabeza le dieron a la Iglesia católica en su intento de alejarlas de la religiosidad de la Navidad cristiana.

Influidos por las ideas estéticas de cada momento histórico, por las costumbres sociales de cada región, por su personalidad, y las exigencias de los comitentes, artistas de todas las épocas han reflejado en su obra de una u otra forma La Navidad.

Desde aquí nos asomamos a diez obras de temática navideña y os emplazamos a una próxima ventana desde la que veremos las distintas miradas del arte a tres personajes que hemos dejado deliberadamente fuera de esta lista, esperando su turno para acercarnos más a su llegada en enero: Los Reyes Magos.

La Anunciación de Van der Weyden

Roger van der Weyden, miembro de esa lista de extraordinarios maestros «Primitivos flamencos», dejó en esta tabla central del conocido como Tríptico de La Anunciación, el encuentro con la Virgen de un ángel vestido de manera suntuosa, con dalmática de brocado, llena de joyas y perlas. Lujo que nos recuerda a las vestiduras de los ángeles cantores y músicos del Tríptico de Gante. que unos diez años antes (1432) había realizado Jan van Eyck.

Pero es al famoso retrato de Van Eyck el «Matrimonio Arnolfini», la obra que respira en esta preciosa Anunciación. Van der Weyden sitúa la escena en un lujoso interior envuelto con telas rojas y lámparas de cobre tallado, como aquel cuarto famoso dondo los esposos se casaban.

El cristal símbolo de pureza, es el material del jarrón con agua que hay sobre un rincón de la chimenea, reflejando la luz que entra por la ventana de la que sólo vemos uno de los postigos de madera, junto a María.

En el suelo un jarrón con lirios blancos, insiste en la pureza de la Virgen cuyo sencillo vestido contrasta con el lujo de las ropas del ángel. Ha sido sorprendida por éste mientras leía, suponemos un libro piadoso, porque lo hacía arrodillada, y quizá sea este libro el símbolo de la difusión de la fé cristiana a través de la Madre de Dios.

La Anunciación de Fra Angelico

Unos años antes de la Anunciación de Van der Weyden, el italiano Guido di Piero, conocido como Fra Angelico, pintaba para el convento de Santo Domingo de Fiésole, esta Anunciación considerada hoy como su primera obra maestra, y la primera versión que sobre este tema realizó Fra Angelico.

Su iconografía enfrenta el pecado original (expulsión de Adán y Eva del Paraiso) con la llegada del Hijo de Dios, para redimir a la Humanidad.

La minuciosidad de los detalles en el jardin del Paraiso, influencia en el dominico del gótico internacional de Gentile da Fabriano, junto a su acercamiento a Masaccio en su búsqueda de profundidad espacial al representar la escena en un interior, cuya estructura sigue la recomendación de Filippo Brunelleschi para los retablos de San Lorenzo, que de­bían ser cuadrados y sin adornos, nos habla claramente de sus influencias.

El Retablo llegó en 1861 al Museo del Prado desde las Descalzas Reales de Madrid. Aunque se desconoce cómo llegó al convento madrileño, se sabe que el duque de Lerma donó este regalo que le hizo Mario de Farnesio, para la iglesia del convento de los dominicos de Valladolid en el siglo XVII.

La Madonna del Parto. Piero della Francesca

Esta obra maestra del Renacimiento italiano es un fresco salido de las manos de Piero della Francesca. Un monumento a las madres en la figura de una Virgen a punto de dar a luz.

Toda la verdad de la obra de Piero la podemos encontrar en esta Virgen del Parto. El fresco realizado en un muro de la iglesia de Santa María a Momentana en Monterchi, es un homenaje a la madre del pintor, nacida en este pequeño pueblo toscano, muy cerca de Sansepolcro.

Esta obra que anuncia la Navidad, está envuelta en una historia «milagrosa». En 1785 un terremoto destruyó por completo la iglesia, quedando en pie e intacto únicamente el muro en el que aparece esta Virgen, lo que convirtió el lugar en un centro de peregrinación de mujeres embazaradas. Y de nuevo en 1910, se volvió a librar de otro destructivo temblor de tierra, porque lo habían cambiado de sitio tras restaurarlo.

Se salvó también de otro tipo de temblores, ya que siendo un misterio su iconografía, que no está nada en la línea de los dictados del Concilio de Trento, estuvo en el punto de mira de la Inquisición.

Es la única pintura de ese siglo que representa a la Virgen en estado de buena esperanza.

La Natividad de Giotto di Bondone

Retrocedemos más de un siglo para ver esta Natividad que pintara Giotto, figura imprescindible del Trecento italiano, hacia 1305 en los muros de la Capilla Scrovegni de Padua.

La solemne intimidad de esta madre que mira plácida al pequeño después del parto, envuelto en vendas como era costumbre en aquellos tiempos, es de una delicadeza extraordinaria.

La escena está coronada por unos ángeles que celebran con éxtasis el nacimiento de Dios, mientras unos pastores cuyos rostros no vemos los contemplan y San José descansa al calor de los animales.

Esta preciosa capilla, contiene un extraordinario ciclo de frescos sobre la vida de la Virgen y Jesús. La podéis ver desde este enlace, es un hito importantísimo en la historia de la pintura. Aquí Giotto experimentó abriendo el camino del arte pictórico hacia la perspectiva renacentista.

Adoracion de los Pastores. Hugo van der Goes.

Es la tabla central del extraordinario Tríptico Portinari, la obra más famosa del autor, y la estrella de la colección de pintura flamenca que posee la Galería de los Uffizi.

Pintado en Brujas por encargo de Tommaso Portinari y enviado a Florencia, su influencia en los pintores italianos fue extraordinaria. Este tríptico abrió una ventana hacia el arte flamenco para los pintores toscanos. Boticelli, Filippino Lippi, Domenico Ghirlandaio, o Leonardo da Vinci, se dejaron imbuir por la novedosa belleza del único cuadro documentado del pintor flamenco.

La tabla presenta como figura central a una dulcísima Virgen María, vestida de forma mucho más sencilla que los ángeles arrodillados ante el Niño, cubiertos por capas llenas de brocados. Ya vimos esta distinción de las ropas en la Anunciación de Van der Weyden, una de sus claras influencias.

Jesús desnudo en el suelo, rodeado por su Madre y un buen número ángeles, todos ellos idealizados al modo flamenco, mientras que a los pastores y a San José los presenta con rostros más realistas. Al fondo, tras la arquitectura con reminiscencias góticas, aparece el paisaje flamenco, que se amplía en las tablas laterales dedicadas a los comitentes.

Natividad Mística de Sandro Boticcelli.

Lejos de cualquier interpretación iconográfica tradicional, la Natividad Mística de Botticelli está llena de misterios, y como cualquier misterio ha generado ríos de tinta.

El lienzo se ha intentado explicar relacionándolo con las circunstancias históricas de la ciudad de Florencia, con la muerte de Lorenzo de Médici el Magnífico en 1492, la invasión de los franceses en 1494, y un cambio de siglo, que tantas superticiones genera. La obra está datada en 1501, y las predicaciones en contra del poder y de la corrupción del papado de Roma, entonces en manos de los Borgia, por parte del monje Savonarola que fue ajusticiado en Florencia acusado de herejía en 1498, teñían la Florencia de Botticelli de razonables dudas sobre la corrupción y el pecado.

Esta interpretación de la Natividad, más que una celebración parece una advertencia, un mal augurio quizá inspirado por los sermones de Savonarola, de quien dicen que anduvo cerca Botticelli. Basada según reza en la inscripción latina de cabecera del cuatro en el Apocalipsis:

«Este cuadro de finales del año 1500, durante las turbulencias de Italia, yo, Alessandro, lo pinté en el tiempo medio después del tiempo, según el XI de San Juan en el segundo dolor del Apocalipsis, en la liberación de los tres años y medio del Diablo; después será encadenado en el XII y lo veremos [precipitado] como en el presente cuadro»

Pintada para uso privado, suyo o de alguien cercano, alejada formalmente de la idealización del Renacimiento, el autor utiliza rasgos del gótico para contar la escena del la Natividad. Las proporciones de la Virgen y el Niño son desmesuradas, y las actitudes de los múltiples ángeles que bailan o levitan sobre el portal, o alrededor del mismo. Los demonios grises escondidos en los caminos esperando su oportunidad, han sido analizadas en multitud de ocasiones.

Es Botticelli, un autor considerado por algunos historiadores como un visionario, que indudablemente siempre hace pensar.

La Adoración de los Pastores. Corregio.

Conocida como «La noche» por su ambientación nocturna, que tiene un precedente en Arezzo. Unos ochenta años antes en el ábside de la iglesia de San Francisco, Piero della Francesca dejaba el nocturno «Sueño de Constantino» de la Leyenda de la cruz.

Sugerente juego de luces el que consigue aquí Correggio en una composición que abre la puerta del barroco y que se deja influir por los grandes renacentistas.

El Niño como foco de luz, inspirado en Tiziano, que le sirve para crear un juego de contrastes entre luces y sombras que enfatizan la dulce belleza de la Virgen y la ternura de los pastores, expresiones propias de Correggio. Mientras los cielos transparenes nos llevan a Rafael o a Leonardo, y el pastor del primer plano bebe directamente de Miguel Ángel.

Pero Antonio da Corregio se aleja del Renacimiento al desplazar la escena a la derecha, rompiendo así la simetría. Las posturas están realizadas con unos escorzos muy acentuados y presenta un rompimiento de gloria propio ya del Manierismo.

Y aún otra evidencia que nos acerca al barroco, el movimiento de esta composición que genera las diagonales cruzadas habituales en Caravaggio o Rubens.

La Natividad de Geroges La Tour

¿Estamos ante una pintura de género, o ante la escena de La Natividad? Difícil saberlo.

Conocido también como el Recién Nacido, este lienzo que forma parte de la colección del Museo de Bellas Artes de Rennes (Francia), es una de las obras más conocidas del pintor barroco más famoso de Francia.

La Tour representaba las escenas religiosas como pintura de género. Si es una Natividad, representa el nacimiento de Jesús con la Virgen María, el Niño Jesús y Santa Ana.

La enigmática escena que transmite paz y silencio, presenta un niño envuelto a la usanza medieval, en una composición sencilla: dos mujeres, una de frente y otra de perfil, y en brazos de la primera un recién nacido.

La luz rojiza que ilumina los rostros, deja en penumbra el resto de la escena. Sólo la cabeza del Niño y el pecho de Santa Ana, están iluminados por el color blanco de la luz de la vela que cubre con su mano la madre de la Virgen.

La Adoración de los Pastores. Caravaggio.

Expuesta en el Oratorio de San Lorenzo de la siciliana ciudad de Palermo hasta su robo por la Cosa Nostra en 1969, esta Natividad de Caravaggio tiene un enorme halo de tristeza.

San Lorenzo y San Francisco están presentes de manera simbólica junto a los pastores y a la Virgen, que con expresión de tristeza mira a un Niño rollizo y sonriente. La escena está inundada de un silencio melancólico tras el que se adivina el anticipo de la madre y los santos al dolor del sacrificio que le espera a ese precioso y pobre niño que los mira desde el suelo.

El único elemento de celebración es el ángel que desciende creando un movimiento en diagonal con el joven pastor que nos da la espalda. Para ambos seguramente fueron modelos chiquillos de la calle, costumbre tan habitual del maestro del barroco.

Este ángel tan «humano» lleva en una mano una filacteria que anuncia la «Gloria en las alturas», mientras que con la otra mano señala al cielo, indicando el origen divino del niño.

Desde la Navidad del 2015 una reproducción digitalizada ocupa el lugar del original. La copia digital es obra del laboratorio madrileño Factum Arte a partir de unas fotografías de la última restauración realizada en 1951.

Hace cuarenta y seis años que desapareció este cuadro, incluido entre los diez robos de arte más importantes de la historia, situándose en el puesto tercero.

Un integrante de la mafia aseguró durante un proceso judicial que el lienzo no se ha destruido, y que se expone durante las reuniones de «Cosa Nostra» como «símbolo de su poder».

Tondo Doni. Miguel Ángel.

Los ciento veinte centímetros de diámetro de este tondo, que mantiene el marco original diseñado por Miguel Ángel, son una obra maestra, otra, del grandísimo Buonarroti. La tenéis en la Sala 35 de la Galería de los Uffizi en Florencia.

El bellísimo colorido lo consiguió con una técnica mixta que emplea la témpera y el óleo. Con un procedimiento conocido como cangianti.

La composición, adaptada al formato circular con escorzos propios del Manierismo, presenta una Familia físicamente poderosa que más que pinturas, parecen esculturas en color.

En cuanto a la iconografía que continúa en el marco dorado con sibilas, profetas, sátiros y la cabeza de Cristo, se interpreta como la representación de las tres edades del mundo. Los «ignudi» (ángeles sin alas desnudos) al fondo tras el muro que los separa de la Sagrada Familia, son la civilización pagana, San Juanito y San José, la era mosaica (antiguo pueblo de Israel), y la Virgen y el Niño la era de la Redención, siendo San Juanito el elemento de unión entre las tres edades.

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La Villa Adriana de Tívoli

Adriano fue el primer emperador en erigir su residencia fuera de la ciudad de Roma, en cuyo centro no cabía un edificio más tras las monumentales construcciones de su predecesor, Trajano.

La Villa de Adriano está en un lugar idílico, bien surtido y comunicado, y contiene un conjunto de maravillas arquitectónicas inspiradas en los viajes del emperador, en su afición por la arquitectura y en su visión plural de las muchas culturas que conformaban el gigantesco imperio que le tocó comandar.

En la cercana ciudad de Tívoli puede visitarse también un precioso templo circular dedicado a Vesta, así como los fantásticos jardines manieristas del cardenal d’Este.

Las Termas de Bath

Aunque fueran mucho menos grandiosas que las de Diocleciano o Caracalla en Roma, las termas de Bath, que fue creada como un complejo termal, se siguieron utilizando durante mucho más tiempo -por estar justo sobre un manantial natural- y fueron luego reutilizadas y reconstruidas.

En la actualidad son uno de los monumentos más visitados de Inglaterra y, gracias a la presencia del agua y a su moderna reconstrucción, un verdadero espectáculo incomparable.

Bath es una ciudad Patrimonio de la Humanidad y su visita merece mucho la pena no sólo por sus ruinas romanas. La ciudad rezuma cultura y rebosa teatros y museos. Disfruta además de la belleza paisajística del Somerset, y del cercano Valle de Dedham, conocido como el país de Constable, y de la cercanía de Bristol (una de nuestras diez escapadas por Europa favoritas para el verano) o Glastonbury.

La ciudad de Pompeya

Sepultada por el Vesubio en el año 79 a.C., Pompeya se ha conservado como un paraíso arqueológico, a pesar de los muchos expolios de los que fue víctima tras su descubrimiento y del poco cuidado con que las autoridades se han tomado su conservación.

Se conservan allí calles enteras con pavimentos intactos, casas con sus habitaciones que no han cambiado desde que fueron utilizadas por sus primeros ocupantes, tabernas, prostíbulos, edificios públicos, todo ello en un estado de conservación incomparable y verdaderamente sorprendente.

En sus cercanías está la también sepultada Herculano y la caótica y bellísima Nápoles, cuyo Museo Arqueológico es uno de los más granados de Europa.

El Teatro de Orange

"La muralla más bella de mi reino", dijo Luis XIV del muro que cerraba la escena del Teatro Romano de Orange, y que ya por entonces contaba 1600 años de antigüedad. Cuatro siglos después sigue en perfecto estado de conservación.

El de Orange -ciudad que conserva espectaculares ruinas, como el Arco de Triunfo de Augusto– es un teatro sobrecogedor, que transmite como pocos -quizá sólo el de Bosra le puedan hacer sombra- la sensación de estar en un teatro romano.

Y el aficionado a la arqueología encontrará por toda la Provenza maravillas abundante, como el Anfiteatro de Nimes o el Pont du Gard, amén de otras muchas maravillas posteriores.

El Palacio de Diocleciano de Split

Diocleciano abdicó en el año 305 de nuestra era, después de haber puesto patas arriba un imperio ingobernable y de haber sancionado una división que ya llevaba tiempo siendo una realidad: la de Oriente y Occidente. Doce años antes, había ordenado la construcción de un enorme palacio-fortaleza en Spalatum (la actual Split), en la misma costa dálmata que lo vio nacer.

Que los emperadores romanos dedicaran grandes sumas a construirse residencias suntuosas no era nuevo: ahí está la mencionada Villa Adriana, o las impresionantes mansiones que ocupaban en Roma la colina palatina y parte de las circundantes, como la enorme Domus Aurea de Nerón. Diocleciano hizo todo lo posible por estar a la altura.

El palacio estaba íntegramente rodeado de una muralla que alcanzaba los veinte metros de altura, y llegó a albergar a más de 9.000 personas. Era una verdadera ciudad y, de hecho, hoy en día buena parte del centro histórico de Split está construido dentro de sus muros. La amalgama de edificios históricos que se mezclan con estas impresionantes ruinas romanas crean algunos de los espacios más hermosos de Europa.

El Acueducto de Segovia

No hay manera de no admirar impresionado los enormes sillares de piedra que, desde hace casi dos mil años, se sujetan unos a otros, sin el pegamento de argamasa alguna, en la plaza del Azoguejo de Segovia. Se han convertido en el símbolo de la ciudad y en una de los obras romanas más admiradas del mundo.

Son dos filas de arquerías que hace poco se han datado en el año 112 dC, y que traían a Segovia agua proveniente de la sierra, a 87 kilómetros de distancia. Corresponde por tanto a los inicios del reinado de Adriano, época de abundantes construcciones y crecimiento interior, después de que Trajano llevara el Imperio a su mayor extensión territorial. Época también de profunda, definitiva y verdadera romanización de las provincias.

Como ha dicho Carlos Fernández Casado, "tenía que impresionar profundamente este imponente despliegue de arcos y pilares que traen a la ciudad el mensaje de la naturaleza". Se les podría suponer casi un poder mágico, y fueron sin duda un poderoso elemento de romanización y legitimación del poder. ¿Qué han hecho los romanos por nosotros? Traer el agua.

El Foro Romano, los Foros Imperiales y los Mercados de Trajano

El centro neurálgico de la capital estaba ocupado por una serie de Foros que se fueron superponiendo unos a otros durante siglos. El Foro Romano corresponde a la época republicana, aunque sus edificios más monumentales fueron construcciones o reparaciones hechas ya por emperadores, siempre en busca de prestigio y aplauso.

Luego vinieron los Foros Imperiales, que fueron ampliaciones monumentales financiadas por diversos emperadores, y finalmente llegó el Foro de Trajano, que incluía un asombroso edificio semicircular, el de los Mercados, que actuaba como un gigantesco centro comercial (los de hoy en día son más feos y estridentes, pero siguen exactamente la misma disposición).

Ocho siglos de historia supuerpuestos en unos pocos cientos de metros. Es una visita obligada para cualquier interesado en la historia y la arqueología, que debe ir acompañada de una buena guía para interpretar los espacios y no perder ningún detalle.

El Templo de la Fortuna Primigenia de Palestrina

En la ciudad Praenestre, al sur de Roma, se construyó uno de los edificios más espectaculares del mundo antiguo. Un santuario a la diosa Fortuna levantado en pendiente, cuyo recorrido incluía un juego teatral de pasillos y aberturas, escaleras y plazas, espacios cerrados y abiertos que exploraron todas las posibilidades del hormigón.

En la actualidad, la ya de por sí impresionante ruina se conserva bien, aunque desprovista de sus materiales más finos, y en su cima está aderezada por el palacio que en el Renacimiento construyeron los Farnesio.

El Coliseo

Es el más conocido icono de la ciudad de Roma y del Imperio que lo construyó. Su altura portentosa y la clásica elegancia de su fachada casi hacen olvidar los sangrientos espectáculos que albergaba en su interior. Fue de una de los obras de arquitectura más impresionantes de todas las construidas por los romanos.

Sorprende pensar que hasta fecha tan tardía, pues el Coliseo se construyó durante el reinado de Vespasiano, en el 72 d.C., no tuviera Roma un anfiteatro permanente. Antes, los espectáculos de gladiadores se celebraban en infraestructuras temporales, hechas de madera, que se desmontaban al fin de los espejos.

Con el tiempo, cuando los juegos de gladiadores se fueron abandonando y la ciudad de Roma se fue despoblando, el Coliseo quedó abandonado y fue durante siglos víctima de expolio. A la vista de lo cual, se conserva realmente bien.

El Panteón

Ha sido ensalzado con frecuencia, y en épocas muy distintas, como el edificio mejor construido de la antigua Roma. Y como uno de los mejores ejemplos de la historia de la arquitectura. El Panteón fue originalmente dedicado a todos los dioses y construido por Marco Cornelio Agripa, el arquitecto de Adriano, y ha sido admirado por todos los grandes arquitectos del mundo.

Es un edificio inesperado y hasta cierto punto inexplicable, que sorprende a todo el que se acerca a la romana piazza della Rotonda, muy cerca de la Piazza Navona y de San Luis de los Franceses. Pero el elegante clasicismo de su fachada es sólo un preámbulo para el verdadero asombro, que ocurre en el interior. Allí, el visitante encuentro un espacio circular que parece hecho de luz, una cúpula cuyo tamaño sólo fue superado en la época contemporánea, y un espacio que, amén de su nueva decoración, no ha sido restaurado ni retocado desde la época de su construcción, en el siglo II dC.

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El atractivo del románico francés nos ha llevado ya en otras ocasiones a transitar por algunos de sus templos. Nos hemos dejado atrapar por las viejas piedras que testimonian el empuje de una época que apiñada en una misma fe, levantó los cimientos de lo que hoy es Europa. El poder de esos viejos muros es enorme, y a su llamada seguimos acudiendo miles de personas de todo el mundo. Recorrer sus templos es una cita con la Edad Media, una época envuelta en misterio, que sin embargo tiene multitud de respuestas en los muros de su arquitectura. Hoy buscamos respuestas en la Abadía de San Pedro de Moissac.

Hace poco nos paseamos desde estas páginas por el románico de la Provenza, que tiene en Arlés el principio del camino Tolosano hacia Compostela. A una hora escasa de Toulouse nos encontramos con Moissac, hoy nos detenemos aquí atraidos por los ecos de un tímpano cuyo artífice lo realizó en estado de gracia.

Moissac es conocida mundialmente por su abadía de San Pedro declarada Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO. Esta preciosa y tranquila villa es una de las etapas del camino de Santiago francés en la Vía Podiense, la más antigua de las cuatro vías francesas a Compostela, que tiene su origen en Le Puy en Velay.

Situada en la región de los ríos Tarn y Garonne, Moissac está enmarcada en un hermoso paisaje dominado por auténticos vergeles de frondosa vegetación y extensos viñedos y huertas, cuya presencia facilitan el suave clima y la humedad de las aguas que la recorren. Por Moissac pasa el Canal de Garonne, prolongación del Canal du Midi hasta Burdeos, abierto a la navegación de recreo. Por sus orillas discurren espacios como la via verde del «Canal de los dos mares», un puente-canal que franquea el río Tarn.

La convulsa historia de la Abadía

La historia cambió el tamaño del gran monasterio del que forma parte la abadía. Una leyenda atribuye su fundación a Clodoveo I (481-511), cuya conversión significó el triunfo del catolicismo en la Galia. Después de vencer a los visigodos arrianos, una visión milagrosa inspiró a Clodoveo para crear en la confluencia del río Tarn con el Garona, un gran monasterio destinado a mil monjes.

Sin documentación que lo pruebe, utilizando como fuente La vida de San Didier, obispo de Cahors, se cree que fue Clodoveo II (635-657), quien entre los años 630 y 655 se encargó de su fundación, que gozó desde el principio de favores reales.

En el siglo XI cuando estaba al borde de la ruina, pues sufrió en pocos años un derrumbe de la iglesia y un posterior incendio, el conde de Toulouse y el obispo de Cahors consiguieron su adhesión a Cluny, y Durand de Brendons abad de Cluny, se conviertió a partir de 1048 en abad de Moissac. El poder de Cluny consiguió la prosperidad para el monasterio, y se levantó una nueva iglesia consagrada en 1063. Tiempos de bonanza que llegan hasta el siglo XV durante los que se reconstruyeron los edificios monacales.

Antes de la iglesia actual y en este lugar se habrían levantado otros templos: el primero de época merovingia y uno posterior, carolingio, de los que no queda prácticamente nada. En 1063, como decimos, se consagró la que sería la tercera iglesia, con algunos restos en la parte baja de los muros. La que se conserva es básicamente la que se levantó durante el siglo XV, con modificaciones y restauraciones posteriores. Durante la Revolución Francesa cayó de nuevo en dificultades, pero se conservan por suerte los testimonios románicos del clautro y la portada occidental.

El magnífico claustro de San Pedro de Moissac

El claustro al que se accede desde la Plaza de Durand de Brendons a través de un hall donde se adquieren las entradas, se terminó en el 1100 cuando Anquitil era el abad, conserva sus 76 excepcionales capiteles.

La mezcla de capiteles historiados y de temas vegetales es un derroche de belleza. En los temas vegetales encontramos influencias clásicas, son capiteles que beben de los clásicos corintios con hojas de acanto muy recortadas, mientras en otros sus motivos nos llevan a los marfiles musulmanes.

En los ábacos, animales reales y fantásticos, entre los que aparecen a veces figuras humanas, llevan luchando más de novecientos años. En la banda superior de los mismos aparecen bordados de conchas y formas geométricas, o inscripciones que tienen relación con la iconografía del capitel.

Y en los capiteles historiados, los cinceles escribieron escenas del Antiguo Testamento, de la Pasión de Cristo, y de la Redención, y repartidos entre éstos podemos leer en las viejas piedras de otros, milagros o martirios de santos y algunas páginas del Apocalipsis.

La portada occidental. Un escultor en estado de gracia

Agua, perfumes, música, un derroche de vida eterna nos promete la portada occidental de la iglesia. Es como si desde los laterales del parteluz, Jeremías y San Pablo estuvieran apartando el agua hacia los lados en cuyas jambas vemos las hondas del agua cristalina, para que pasemos al templo; no hay nada que temer, sobre la línea del parteluz cuyo frontal envuelven fieros y potentes leones, nos bendice un poderoso Cristo en Majestad. El tímpano describe la visión descrita por san Juan en el Apocalipsis:

«Y he aquí, un trono establecido en el cielo, y en el trono, uno sentado […] Y alrededor del trono vi sentados a veinticuatro ancianos, vestidos de ropas blancas, con coronas de oro en sus cabezas […] Y delante del trono había como un mar de vidrio semejante al cristal; y junto al trono, y alrededor del trono, cuatro seres vivientes llenos de ojos delante y detrás. El primer ser viviente era semejante a un león; el segundo era semejante a un becerro; el tercero tenía rostro como de hombre; y el cuarto era semejante a un águila volando.»

En efecto un mar de vidrio refresca los pies de Cristo a quien rodean los cuatro evangelistas (Tetramorfos) y dos querubines, y entre las olas, veinticuatro ancianos que portan en sus manos copas de perfumes e instrumentos musicales, miran extasiados la grandiosidad del Hijo de Dios.

La riqueza en los detalles de los pliegues y los drapeados de los ropajes, de los ribetes de predería, y sobre todo, la capacidad de transmitir actitudes de los personajes que dentro y fuera del tímpano reciben al caminante que se adentra en la iglesia, hacen que merezca la pena acercarse a Moissac.

Entre 1115 y 1130 se terminó esta magnífica portada. El tímpano de casi seis metros de diámetro, descansa en un dintel formado con tres bloques de mármol de acarreo bordado de manera magistral con una serie de grandes rosetones. El dintel busca su apoyo en el parteluz y en dos jambas de perfil lobulado hacia el centro y con las imágenes a la izquierda, de San Pedro, patrono de la abadía, y a la derecha del profeta Isaías, son referencias al Nuevo y al Antiguo Testamento. Dos pilastras con maravillosa y minuciosa decoración, rematan los laterales del portal, mientras que las arquivoltas labradas de filigrana vegetal enmarcan la escena.

En el lado derecho del pórtico se representa en la parte superior a Abrahan que acoge a las almas, aquí representadas por niños, y la cena del rico Epulon que presencia desde el suelo un pobre que se muere de hambre; debajo la muerte del avaro atormentado por demonios y la lujuria devorada por serpientes. En el lado izquierdo se representan escenas de la infancia de Jesús, como la huida a Egipto.

Es la voz de las piedras que susurran al fiel al adentrarse en el templo la promesa de la Redención a quienes cumplan las leyes cristianas. Una biblia de piedra dirigida a un pueblo iletrado, esa era la misión de esta magnífica obra, entonces policromada, de la que podemos decir que es una obra maestra de la escultura románica.

Hay mucho más en estos muros y en el interior de la iglesia, sólo hay que llegar sin prisa para escuchar su relato, lleva esperándonos casi un milenio.

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No existe en Francia cielo más azul. Sólo tengo que cerrar los postigos de mi ventana para conservar en mi alcoba todos los colores del Mediterráneo. (Henri Matisse)

Nada más cierto, la luz del Mediterráneo inunda las calles de Colliure que llevan años impregandas de arte, de literatura, de poesía. Este rincón de la costa francesa, a escasos kilómetros de España, es desde hace mucho tiempo, un refugio de artistas y pensadores, es también un atractivo lugar de vacaciones que acoge turistas en busca de sol, tranquilidad y buena mesa. En este bohemio pueblo se han creado grandes obras de arte, por aquí han paseado su genialidad y se han inspirado nombres como Picasso, Matisse o Chagall.

Los comienzos del Fauvismo

En 1905 Colliure era un pequeño puerto de pescadores, que hunde sus raíces en un antiguo puerto fenicio, cuyas empinadas calles fueron testigos del nacimiento de un movimiento pictórico, el fauvismo, un estilo vibrante que utiliza el color con fuerza expresiva y sin mezclas, para contar los sentimientos.

Fue allí donde Matisse acompañado de un joven Derain, fraguó este movimiento artístico que escandalizó aquel año en el Salón de Otoño de París. Calificados por el crítico de arte Louis Vauxcelles con estas palabras:

En el centro de la sala vemos un torso infantil y un pequeño busto de mármol modelado con delicada ciencia por Albert Marque. El candor de estos bustos sorprende en medio de la orgía de tonos puros como un Donatello entre salvajes.

Los fauves, «salvajes», no sólo utilizan el color con pinceladas potentes, con predominio de éste sobre el dibujo, suelen dejarlo en el lienzo tal como sale del tubo. Matisse desde aquel año volvió repetidamente a Collioure, desarrollando allí una de las etapas más intensas de su obra.

Hoy Colliure es un centro de atracción para los artistas y para los aficionados a la pintura, las calles de su barrio El Moré, antiguo barrio de pescadores y marineros, con sus callejuelas estrechas y casas de colores pastel están salpicadas de galerías y ateliers. En cualquier rincón es fácil encontrarse a un artista intentando impregnar su lienzo de esa luz de la que hablaba también Derain:

…hay una luz dorada, que suprime las sombras. Es un trabajo enloquecedor, todo lo que se había hecho hasta ahora me parece estúpido.

El fauvismo, que como grupo estaba ya desecho en 1908, fue la primera expresión violenta de la pintura del siglo XX. No introdujo ningún concepto nuevo, en realidad asimilaron los experimentos de Gauguin, Van Gogh, Seurat y Cézanne, y siguieron pintando objetos de su entorno: bodegones, retratos, interiores, temas que ya habían trabajado los Nabis, y que los Fauves desnaturalizaron liberando al color de su función descriptiva, obviando los colores reales de los objetos pintados. El fauvismo influyó de manera decisiva en el expresionismo del arte moderno.

Esa entrega de Matisse al poder del color, se hizo más evidente después de sus viajes al sur. A partir de 1910 viajó a Sevilla, Córdoba, a La Alhambra de Granada y Tánger, donde se enamoró de los motivos árabes y de la fuerza que la luz del sur confiere a los colores.

Volviendo al verano de 1905 en Colliure de los pinceles de Matisse salieron bodegones, ventanas abiertas al paisaje, y retratos irritantes. En La raya verde (1905), Matisse refleja una imagen de su mujer absolutamente impactante para un espectador de aquel tiempo, incomprensible desde el punto de vista estético e incluso éticamente dudosa, muchos la entendieron como un retrato grotesco de su mujer.

André Derain dejó lienzos de aquel año en los que encontramos paisajes de Colliure llenos de vida y energía.

Si paseais por Colliure encontraréis la Senda del Fauvismo, o Chemin du Fauvisme, es una ruta marcada por veinte reproducciones de la obra que Matisse y Derain realizaron en Colliure.

El último viaje de Antonio Machado

Muchos llegan a Colliure en busca de la tumba de Antonio Machado.

Como tantos otros exiliados que huian de la locura desatada en España, llegó el poeta a Colliure con parte de su familia, y llegó para partir, en el último viaje, como predijo en su retrato:

…ligero de equipaje, casi desnudo, como los hijos de la mar.

Y allí descansa, a orillas del Mediterráneo.

A penas pudo disfrutar el poeta de esa luz dorada de la costa roja francesa. Falleció tan sólo un mes después de llegar, unos días antes que su madre, Doña Ana Ruiz, con quien comparte una tumba en la que se suelen ver no sólo flores o banderas republicanas; objetos, palabras, versos, emociones de admiradores de su obra, españoles y extranjeros que ven en sus últimos días un injusto final para un hombre:

…en el mejor sentido de la palabra, bueno.

Junto a la tumba hay un buzón donde se recogen cartas que llegan de todas partes del mundo, cartas de agradecimiento, de pésame, de admiración, o de afecto.

Su hermano encontró en el bolsillo de su gabán un papel en el que Antonio había escrito:

Estos días azules, y este sol de la infancia

El último verso de un poeta del sur a quien la luz de Colliure le devolvía los recuerdos de niño en

…un patio de Sevilla, y un huerto claro donde madura el limonero.

del palacio sevillano donde nació: la Casa de las Dueñas.

Cada 21 de febrero, víspera de la fecha de su muerte, Colliure le rinde homenaje al poeta y cada dos años desde 1979, se celebra el Premio de Literatura Antonio Machado, creado por la Fondation Antonio Machado de Collioure.

En 2009 se creó la Red de Ciudades Machadianas: Sevilla, Soria, Baeza, Segovia, Colliure y Rocafort, en la que se recogen datos de la vida y la obra del poeta, y los eventos que se promueven en cada una de éstas ciudades, que de una u otra forma, formaron parte de la vida de Antonio Machado.

Imprescindibles en Colliure

Pero esta ciudad que fue residencia de verano de los reyes de Aragón y Mallorca, seductora y luminosa, donde los ocres, los rosas, o los anaranjados, cubren las fachadas de las casas, y configuran multitud de callejones coloridos que inspiran a poetas y creadores, guarda además testimonios de su larga e intensa historia. Páginas imprescindibles de la historia de Francia.

Si la miramos desde el mar, veremos calas serpenteantes que guardan y protegen esta perla del sur de Francia; si levantamos la vista, encontramos viñedos cultivados en suaves terrazas que bajan desde la montaña y se acercan al mar para impregnarse de la brisa marina que confiere a sus vinos una personalidad única.

Y aunque fue Sébastien Le Prestre, Mariscal francés, quien en el siglo XVII le dió a la ciudad el aspecto actual ampliando el castillo, sobre los restos visigodos, y modificando la ciudad, Colliure conserva aún huellas de su pasado medieval.

Entre las visitas imprescindibles está el Museo de Arte Moderno, que guarda en el Castillo de los Templarios, grandes obras de arte contemporáneo, y trabajos de los autores seleccionados por el Premio Germination Europe.

Y el Fort Saint Elme, una fortaleza defensiva, cuyos muros de más de nueve metros de grosor y su ausencia de zonas ciegas la convierten en una ciudadela prácticamente impenetrable.

También es imprescindible una visita a la Iglesia de Nuestra Señora de los Ángeles, cimentada en la playa de Colliure, a nivel del mar, cuyo campanario fue un faro medieval, y el Convento de los Dominicos y su espectacular claustro.

Desde la Torre de Madeloc, del siglo XIII, se disfruta de unas magníficas vistas de Colliure y de la costa del Rosellón.

Probar sus famosas anchoas y su especialísimo vino. Las anchoas las encontraréis cocinadas de multitud de formas: fritas, en crema para untar, en sal, en aceite, etc., y claro los frescos productos del mar. La oferta de restaurantes y hoteles es más que notable, hay para todos los gustos y bolsillos.

El ambiente de Colliure es siempre un disfrute, y si coincides con alguna de las fiestas como la de San Vicente, o Hallowen o el divertido Desayuno en la Hierba, cuando la Calle de la Fraternité se alfombra de hierba y emulando el cuadro de Manet, manteles con viandas sirven para tomar un bocado y el ambiente festivo inunda la ciudad. En invierno, el Mercadillo de Navidad, La Cour de Noël, se celebra en el Castillo Real y reparte sus puestos de productos gastronómicos y artesanía por las distintas estancias.

Hay además una amplia oferta de actividades además de visitas guiadas; paseos por el mar, submarinismo, senderismo, excursiones a los alrededores y mucho más.

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