El Partenón es un icono de la arquitectura. Un edificio ultraconocido, universal. Entre todos los templos griegos destaca por su personalidad propia, por su belleza humanizada y joven. Ya en la Antigüedad, el historiador romano Plutarco dijo que "según nacía ya era antiguo y llega recién hecho y como nuevo hasta el presente".

Conocer los avatares de su construcción, la serie de catastróficas desdichas que lo han dejado en su actual estado o los retos que afronta su futuro no es necesario para disfrutarlo. Cualquiera con un mínimo de sensibilidad apreciará su belleza porque es atemporal. He ahí la grandeza del clasicismo.

Pero advertir todo eso sí tiene importantes ventajas: lo acerca a nosotros, lo humaniza, nos ayuda a comprender la época y las personas que lo construyeron. Aprendemos, en suma. Lo bajamos del podio en el que nosotros mismos lo hemos puesto, y lo convertimos en lo que es: un fragmento milagrosamente conservado de una época maravillosa, pero conflictiva y difícil. Así lo disfrutaremos más, lo entenderemos y podremos opinar con información de causa.

Porque el Partenón, hoy símbolo no sólo de Atenas y de Grecia, sino de Europa y de la civilización misma, no nació para ser una pieza de museo. Es un monumento complicado, lleno de contradicciones. Su estado actual es problemático, y no sólo por la destrucción y el expolio. Su significado no es el que parece. Su construcción, hace más de dos mil quinientos años, estuvo llena de polémicas. Sus impulsores tuvieron que vencer una férrea oposición.

Capítulo 1. El Partenón y el imperio ateniense, o por qué no todo es tan bonito como parece.

En el año 477 a.C., Atenas, junto con Esparta y un amplio grupo de ciudades griegas, derrotó al temible invasor persa en la segunda de las Guerras Médicas. Había construido para ello una poderosa flota de trirremes que le dio la hegemonía marítima indiscutida sobre todas las ciudades griegas. La única que podía hacerle frente, Esparta, fue siempre una potencia terrestre.

Y Atenas se aprovechó de ello. Cuando terminó la guerra impulsó una alianza militar, la Liga de Delos, junto con otras ciudades marítimas. El objetivo era protegerse mutuamente de los persas y, en un principio, era un alianza igualitaria. En las reuniones había un representante de cada ciudad y las decisiones se tomaban por mayoría.

Entonces llegó Pericles. En el año 462 a.C. se hizo con el poder en Atenas y a partir de ahí todo cambió.

Pericles llevaba por bandera un programa político democrático, es decir, tendente a la igualdad de todos los ciudadanos. Pero no sólo a la igualdad política, que consistía entonces en la igualdad de derechos (isonomía) y la libertad de expresión (isegoría). También a la igualdad económica. Los griegos sabían muy bien que los derechos políticos de poco le sirven al desamparado y al dependiente.

Un proyecto como ese solo podía lograrse de una manera: dando trabajo a toda la ciudadanía y subsidiando al que no pudiera trabajar. Y en un mundo como aquél, donde no había impuestos directos ni herramientas fiscales como las de los estados actuales, y en lo que no dejaba de ser una ciudad pequeña, obtener fondos para tamaña empresa era complicado.

Los estados antiguos habían dependido hasta entonces de las aportaciones personales de reyes y aristócratas, que proporcionaban hombres para la guerra y financiaban construcciones a cambio de obtener favores y, sobre todo, de mantener un status quo que los situaba en la cima.

El estado ateniense cobraba capitaciones a los extranjeros y ciertos impuestos indirectos, como multas y aduanas. Y quería, de pronto, dar trabajo a todos los ciudadanos, mantener la flota más poderosa de Grecia y reconstruir monumentalmente una Acrópolis destruida por los persas. Era imposible.

Pero Pericles lo hizo. Primero, detuvo la guerra para permitir que floreciera el comercio, que era la principal riqueza de Atenas. Detuvo la guerra pero mantuvo intacto el poderío naval de Atenas, impuso a sus aliadas su moneda, sus leyes y su forma de gobierno, prohibiendo además abandonarlo. La Liga de Delos se convirtió de facto en un Imperio Ateniense.

Y utilizó el dinero de sus aliados no como fondo común para la defensa, sino como premio. Con él financió la prometida igualdad económica y la grandiosa reconstrucción de Atenas, además de fortalecer su posición como líder de la ciudad. Fue una verdadera desviación de fondos, pues sólo la Atenea Parthenos de Fidias costó el equivalente a doscientos treinta trirremes.

Las críticas fueron amplias. El bando aristocrático intentó por todos los medios deshacerse de Pericles. Utilizaron todo tipo de tácticas, atacaron a sus amigos, criticaron el libertinaje de Aspasia y las ideas de Anaxágoras, consiguieron encarcelar a Fidias, acusado de retratarse a sí mismo en la Parthenos.

Tampoco los grandes filósofos defendieron la democracia. Había algo inmoral entre bambalinas y una profunda hipocresía tras la pompa de los discursos.

Pericles argumentó que la flota de Atenas proporcionaba un valioso servicio a Grecia y que por tanto era legítimo utilizar el dinero para su propio embellecimiento. La gran masa de braceros tenía trabajo: unos servían en las trirremes, otros levantaban templos o desempeñaban puestos en unas instituciones cada vez más infladas. Todos recibían un salario y aplaudían a Pericles. Dijo Tucídices que en Atenas "todo aquel que es capaz de servir a la ciudad no encuentra impedimento alguno".

Era verdad. Pero, ¿era sostenible? Luciano Canfora, en El mundo de Atenas, un libro maravilloso para entender las contradicciones esta época y desmitificar la Atenas de Pericles, recoge este punto de vista:

Fue una extraordinaria política de trabajos públicos, consistente en utilizar masas de trabajadores pagados a dos óbolos la jornada, que no es un precio demasiado elevado para una política urbanística que cambió la cara de Atenas. Cratino, el gran «maestro» de Aristófanes, hace decir a un personaje en la escena: «Están construyendo el Partenón y no lo terminan nunca.» Quiere decir que se prolongan los trabajo ad infinitum, para seguir suscitando consenso a través de la indefinida prolongación de los trabajos públicos. Una política que al mismo tiempo da prestigio y es socialmente admirada.

El gobierno griego reclama desde hace décadas la devolución de las piezas expoliadas del Partenón porque su presencia en el Museo Británico es un resultado claro del imperialismo, pero, ¿no lo es también el propio Partenón?

La historia es rica en paradojas.

La Atenas de Pericles era sin duda la más fuerte de las ciudades griegas de su época y propuso un mundo basado en el comercio. Hizo frente a Esparta, que vivía para la guerra. Hizo frente también al imperio persa.

Empleó para ello un dinero que no le pertenecía, pero lo hizo a cambio de una protección real que garantizó casi cincuenta años de paz. Dio trabajo a todo el mundo y construyó algunas de las obras más hermosas de la historia de la humanidad. Se convirtió en el faro de todo el que, posteriormente, persiguió la libertad y el humanismo.

Emitir un juicio tajante es complicado. El Partenón fue un premio que Atenas se dio a sí misma y fue parte también de lo que hoy llamaríamos un programa político populista.

Hoy el premio es nuestro, de todos, del mundo. Y está hecho un desastre.

Capítulo 2. Diez episodios que cambiaron el Partenón, o por qué verlo hoy puede ser considerado un milagro.

El Partenón comenzó a construirse en el año 447 aC. A su cargo estaban los arquitectos Ictino y Calícrates, aunque el verdadero impulsor y cerebro fue Fidias, amigo de Pericles y director de todas las obras que se realizaban en la Acrópolis.

Para construirlo se utilizó un único material, el mármol, inclusive en las tejas. Dos mil quinientos años después sigue en lo alto de la Acrópolis, y aunque parezca que su estado es penoso, si miramos hacia atrás concluiremos que su estado de conservación sólo puede calificarse de milagroso.

El Partenón es un símbolo materializado en una creación basada en la deconstrucción y la reconstrucción, en restauraciones, desrestauraciones y complejas labores de desmontaje y remontaje; es materia empleada para servir de vehículo de comunicación de valores intangibles unidos a ella, más que arquitectura propiamente dicha, a pesar de que, con toda su azarosa historia, las ruinas que hoy contemplamos sigan impresionándonos vivamente.

Repasemos los hitos más importantes de esa historia, los siete momentos que cambiaron el Partenón.

1. ¡Que vienen los bárbaros! El incendio del 267 dC y la restauración de Juliano el Apóstata.

Como decíamos, el Partenón se construyó entre 447 y 423 aC y se mantuvo poco menos que intacto durante unos setecientos años. En el año 267 dC, un incendio en la Acrópolis, ocasionado por la ocupación de los hérulos, afectó a la cubierta original, a la columnata interior, a los techos de mármol del peristilo, a varias columnas de los pórticos y a la cara interna de las paredes de la cella.

Nada se hizo entonces. Pero un siglo y medio después, un enamorado de la cultura clásica como Juliano el Apóstata, mientras luchaba por detener el auge del cristianismo y por relanzar la religión antigua, lo restauró.

Esta era ya una época muy distinta, y las técnicas de construcción y la finura de los artesanos no era la misma que en la época clásica. Así que la calidad de la intervención dejó bastante que desear. Nada grave, comparado con algunas restauraciones modernas.

2. ¡Que vienen los cristianos! El Partenón se convierte en la Panaguia Atheniotissa.

Hasta la época de Juliano las esculturas no sufrieron ningún daño. Pero aquella era una época de disturbios, con el auge de un cristianismo vengativo y orientado a acabar con los vestigios de los dioses paganos. En el siglo V dC el Partenón se convirtió en iglesia y fue en ese momento cuando se perdieron las primeras esculturas.

Construyeron, en la vieja pronaos, en la sección este del edificio, un ábside semicurcular. Y para ello tuvieron desmontar el muro de ese lado de la cella. En la otra fachada levantaron una nueva entrada, perforando a su vez el muro de ese lado. Allí se colocó el nártex.

Lo más grave fue que eliminaron seis bloques de friso para abrir ventanas y también un buen número de esculturas, dado que la representación de dioses paganos era incompatible con la función de una iglesia cristiana.

Se perdieron entonces las estatuas más grandes situadas en el centro del frontón oriental, el que representaba el nacimiento de Atenea. Y también se golpearon las metopas de los lados este, norte y oeste, haciéndolas irreconocibles. Se salvó una metopa, que se conserva hoy in situ en el lado norte, por su parecido con la escena de la Anunciación.

También se perdió el nombre. El Partenón dejó ser el Partenón y se convirtió en la iglesia de la Panaguia Atheniotissa. Pero mantuvo su importancia. A partir del año mil se convirtió en un importante centro de peregrinación y se conserva documentación de que en el año 1018 fue visitado por el emperador Basilio II.

3. ¡Que vienen los cruzados! Al Partenón le crece un campanario.

En 1208 Atenas fue ocupada por los francos, tras la Cuarta Cruzada, y el Partenón se siguió utilizando como iglesia, en este caso latina, durante dos siglos y medio. Pocos cambios sufrió en esta etapa, más allá del importante añadido de un campanario de mármol sobre el opistodomos.

Atenas cambió de manos. La ocuparon los almogávares de la Gran Compañía de Atenas y perteneció a la Corona de Aragón. Aún hoy el Rey de España ostenta el título de Duque de Atenas. Luego pasó a manos de Florencia y de Venecia.

Terminó la Edad Media. Habían pasado mil ochocientos años desde su construcción y el Partenón, aun con algunos añadidos y algunas pérdidas dolorosas, seguía siendo reconocible. Estaba entero, y seguía reinando con orgullo desde lo alto de la Acrópolis.

4. ¡Que vienen los turcos! El Partenón como mezquita.

En 1458 los turcos otomanos tomaron Atenas y el Partenón se convirtió en mezquita. Dicho así parece un cambio radical, pero no lo fue tanto. El campanario se convirtió en un alminar y se hicieron algunos cambios cosméticos, pero los nuevos ocupantes en nada alteraron la estructura ni le causaron daño alguno.

Llegaron entonces los ecos del Renacimiento, y el Partenón comenzó a valorarse como edificio clásico. Muchos empezaron a viajar a Ateas para conocerlo. Y entre aquellos primeros viajeros hubo uno muy especial: Jacques Carrey.

Viajaba como acompañante, en el séquito del embajador francés en Constantinopla, un hombre llamado Charles-Francçois Olier, Marqués de Nointel. La visita se hizo en el año 1674, y Jacques Carrey realizó en sus cuadernos unos dibujos que luego serían valiosísimos. En ellos aparecen todas las esculturas en el estado en el que se encontraban en 1674. Son de crucial importancia no por su valor artístico sino documental, pues de haber llegado Carrey veinte años más tarde no habría tenido mucho que dibujar.

5. 26 de septiembre de 1687. El día en que el Partenón saltó por los aires.

Según Cornelia Hadziaslani, historiadora del arte experta en el Partenón, aquel día tuvo lugar "la más grave destrucción en la historia de la cultura griega".

Hasta entonces sólo la pérdida de algunas esculturas, realizada tras la llegada del cristianismo, había tenido un carácter definitivo. El resto de los cambios eran perfectamente reversibles y el edificio estaba completo y en buen estado. Lo que pasó aquel día de septiembre fue, en cambio, una tragedia.

Ocurrió en el marco de una guerra entre el Imperio Otomano y la República de Venecia. Los turcos tuvieron la genial idea de utilizar el Partenón como almacén de pólvora, y unos mercenarios de la Armada veneciana, liderados por Francesco Morosini, bombardearon la Acrópolis desde las zona baja de la ciudad.

Ocurrió lo inevitable. Una de las explosiones fue a dar al centro del Partenón y el templo saltó por los aires. Cayeron los muros de la cella y casi toda la columnata de la pronaos, seis columnas de la cara sur, ocho de la norte y toda la techumbre. El estado ruinoso que tiene el templo hoy en día se debe básicamente a lo que sucedió aquel 26 de septiembre de 1687.

Además, aquello inició otra catástrofe: la del saqueo y el expolio. Empezaron los propios venecianos, que se llevaron como trofeos los caballos de los carros de Atenea y Poseidón que adornaban el frontón oeste. Poco después el francés Count Choisul-Goufier, embajador en Constantinopla, se llevó una metopa y una parte del friso de las panateneas, que hoy se exponen en el Museo del Louvre.

Pero lo peor estaba por llegar.

6. ¡Que vienen los coleccionistas! El día en que Lord Elgin destrozó el Partenón.

Elgin llegó a Atenas en 1800 como embajador del Imperio Británico en Constantinopla. Antes de partir hacia Turquía ya había expresado su deseo de que le acompañara un grupo de artistas y dibujantes para documentar el Partenón y el resto de templos de la Acrópolis, pero el gobierno de Londres ignoró sus peticiones.

Aun así, Elgin pagó de su bolsillo a un buen grupo de artistas que realizara la tarea. E hizo algo más. Encontró un Partenón en estado ruinoso y decidió llevarse no un souvenir, sino todo lo que pudo.

Falsificó un permiso del sultán y, con la excusa de estudiar, documentar y dibujar cada pieza, arrancó metopas y piezas de frisos sin el menor cuidado y las embarcó hacia Inglaterra. Ya en su época hubo quejas incluso entre sus propios compatriotas, como Lord Byron.

Habiendo escapado de la rabia de los turcos y godos, tu país envía un usurpador peor que los otros dos

Desde entonces se conocen como Mármoles de Elgin. Iban a decorar su residencia privada, pero un oportuno divorcio lo dejó sin fondos y se vio obligado a vender sus piezas, que acabaron, como es sabido, en el Museo Británico. Para ver de verdad el Partenón hay que ir a Londres.

7. ¡Que vienen los restauradores! El día que los románticos quisieron reconstruir ¡y corregir! el Partenón.

Y después de los cristianos, los musulmanes, los venecianos y los coleccionistas, llegó el nacionalismo.

Grecia logró en 1822 despegarse del yugo otomano y se erigió en país independiente. Y las ruinas del período clásico cobraron de pronto un nuevo valor. Un valor político. La joven nación quería identificarse con aquella época gloriosa y para ello eran incompatibles los añadidos cristianos y musulmanes. Sobraba cualquier cosa, en general, que no "pareciera" del siglo V a.C. Y lo primero que hicieron fue eliminarlas.

Entre 1835 y 1844 se llevaron a cabo restauraciones desastrosas, con un criterio mucho más romántico que científico. Se llegaron a "corregir" las desviaciones ópticas de las columnas para erigir un templo de líneas rectas y a construir nuevas columnas de hormigón forradas de materiales que parecían antiguos.

Afortunadamente, a finales de siglo comenzaron otras restauraciones que, con criterios mucho más sólidos, utilizaron materiales y técnicas antiguas y distinguieron las intervenciones.

Capítulo 3. La arquitectura del Partenón, un templo renovador, imaginativo y moderno.

Hasta aquí la historia del Partenón. Hay que conocerla para entender por qué lo que tenemos delante se nos presenta de esta manera y no de otra. Y con un edificio tan antiguo y tan relevante, la historia es larga. Veamos ahora qué tiene el Partenón que ofrecernos, y en qué debemos fijarnos para aprovechar la visita.

El Partenón es un templo dórico, aunque con algunas particularidades. El Partenón es un templo octástilo, es decir, tiene ocho columnas en sus dos fachadas, que miden 31 metros de anchura. En sus laterales, de 69,50 metros, se disponen diecisiete columnas. Y el Partenón es un templo períptero, es decir, tenía una columnata exterior que rodeaba todo su perímetro.

La cella la tiene (o la tuvo) dividida en dos partes desiguales. Un muro transversal la convertía en un especie de doble templo, con dos grandes estancias. La celebre Parthénos de Fidias ocupaba la mayor de ellos. Flanqueaba la estatua una columnata dórica sobre la cual corría un arquitrabe que soportaba una segunda hilera de columnas que sostenía la techumbre. La altura era necesaria, pues la Parthénos medía unos pantagruélicos trece metros de altura.

El otro recinto de la cella servía para guardar el tesoro, una función muy habitual en este tipo de edificios, y no solo en Grecia. Aquí guardó Pericles el tesoro de la Liga de Delos, tan polémico.

Los arreglos visuales, una sinfonía de curvas e inclinaciones

Parece mentira, pero el Partenón tiene pocas líneas rectas.

Los arquitectos utilizaban muchas veces pequeñas desviaciones para evitar la sensación de excesiva rigidez. La más conocida afectaba a las columnas, que en lugar de ser completamente rectas, se ensanchaban muy ligeramente en su zona central. A este fenómeno se lo conoce como éntasis.

En el Partenón, este tipo de arreglos se llevaron al extremo. El más importante es el que afecta a un viejo problema de los templos dóricos, resuelto aquí de forma audaz y elegantísima.

El canon dórico tenía una norma inquebrantable: el eje de las columnas debía coincidir con el de los triglifos, cuyo centro quedaba así perfectamente alineado y transmitía una sensación de orden y pureza. Pero el espectador avispado se dará cuenta enseguida de un problema: los triglifos son más estrechos que las columnas.

Era imposible cumplir la norma en todos los casos, pues los triglifos exteriores, los de la esquina de cada fachada, no podrían llegar al extremo. Como el último de los triglifos debía finalizar justo en el extremo de la fachada, quedaba no solamente desalineado con su respectiva columna, sino que impedía también que todas las metopas midieran lo mismo.

¿Cuál fue la solución tradicional? Agrandar el tamaño de las últimas metopas. ¿Qué se hizo en el Partenón? Saltarse la norma.

Las metopas del Partenón van reduciendo su tamaño gradualmente desde el centro hasta los extremos. Las centrales son las más anchas, y las laterales las más estrechas. Como cada una mide un poco más, ninguna de ellas está perfectamente alineada con la columna que tiene debajo. Pero como la desviación es tan pequeña, se hace imperceptible a simple vista. Sólo sacando el metro puede uno darse cuenta del engaño. Y a los griegos de la época clásica les importaba más el ojo que el metro.

Así es todo en el Partenón. No lo parece, pero, además:

• Las columnas exteriores son un poco más voluminosas que las demás, pues de otra forma parecerían más delgadas.
• Todas las columnas del peristilo tienen una ligera inclinación hacia dentro, hacia la cella, para corregir el efecto óptico que nos llevaría a pensar que se nos vienen encima.
• El entablamento, en contraste, está echado ligeramente hacia adelante.
• El espacio entre las columnas se va estrechando conforme nos acercamos a los extremos. Pero a su propio ritmo, no al mismo que las metopas.
• El estilóbato, los tres escalones que soportaban el templo, está a su vez abombado: es más alto en el centro que en los extremos.

No hay en el Partenón elementos pasivos que "simplemente" soporten el peso, junten o apoyen. Todo está vivo, todo juega un papel activo que participa en la contemplación de la obra.

El Partenón es eso, una obra hecha para contemplarse. Es, más que un edificio, una escultura gigante. Y tiene sentido, pues si un edificio normalmente se construye desde su interior, que ha de cumplir una función, el templo griego tiene un interior vedado al público. La mayoría de la gente sólo podía contemplarlo por fuera y ese exterior debía estar a la altura de un dios, pues era su casa.

Lo que alcanza el Partenón es una maravillosa relación de equilibrios y contrastes entre sus partes. Supera por fin la vieja rigidez de los templos arcaicos. Es grácil, pero no débil. Es fuerte, pero no robusto. Está hecho pensando exclusivamente en los ojos que habían de contemplarlo, en las imperfecciones de la mirada humana. Igual que sus esculturas representaron a los dioses de una forma más humana que nunca, las normas se adaptaron también a los espectadores.

Dijo Francisco Andrados que el Partenón fue incluso demasiado moderno. Que los griegos de su tiempo no encontraban en él la espiritualidad propia de los edificios religiosos. Que la diferencia entre el Partenón y un templo arcaico podía ser la misma que entre una iglesia románica y una renacentista. Que el Partenón de Fidias, como las iglesias de Brunelleschi, era más humano que divino.

Pero aún no hemos hablado de las esculturas.

Capítulo 4. Las maltratadas, destrozadas, robadas y maravillosas esculturas del Partenón.

La decoración escultórica del templo comprende tres partes:

1. el friso que ciñe los muros de la cella, que un templo dórico no debería existir pero que en el Partenón sí existe.
2. las metopas, que ya sabemos que son los espacios libres que quedan entre los triglifos
3. los frontones, los espacios triangulares que coronan ambas fachadas

Fidias fue el encargado de su realización, pero obviamente él no pudo hacerlo todo. Debió tener un número importante de ayudantes, no sólo por la cantidad de trabajo sino por las diferencias estilísticas que se aprecian entre unas y otras.

Las metopas

En cada una de las fachadas menores había catorce metopas. En los laterales, treinta y dos. Noventa y dos metopas en total, todas y cada decoradas con altorrelieves que representaban luchas míticas:

• La Gigantomaquia en la fachada oriental.
• La Amazonomaquia en la fachada occidental.
• La Iliupersis, o Guerra de Troya, en la septentrional.
• La Centauromaquia en la meridional.

Hoy día, como es tristemente obvio después de haber visto las historia del Partenón, las metopas no se conservan in situ. Para verlas hay que ir al Museo de la Acrópolis, al Louvre y al Museo Británico.

El friso de las panateneas

El principal alejamiento del Partenón con respecto a los templos dóricos clásicos es la existencia de un friso sobre toda columnata interior. El Partenón, como templo períptero, tenía un doble columnata alrededor de todo su perímetro. Sobre la exterior se situaban los triglifos y las metopas de los que ya hemos hablado. Sobre la interior se desplegaba un friso, una superficie decorada, sin interrupciones, que era un rasgo propio de los templos jónicos.

El tema del friso era uno solo: la procesión de las panateneas. Cada año, y de forma especialmente significativa cada cuatro años, las doncellas tejían y bordaban un precioso peplo destinado a la diosa protectora de la ciudad, y lo llevaban en procesión hacia el templo que la custodiaba, el Partenón.

El friso es maravilloso en su calidad técnica y en su concepción, pues aquí, entre doncellas y dioses, aparecen y son reconocibles personajes de Atenas de la época, sobre todo ancianos. Humano es el Partenón hasta en los últimos detalles.

Este friso ya no está en el Partenón, cuyos muros interiores se han perdido. Y si estuviera, no lo veríamos a la altura y al detalle al que puede contemplarse en el Museo Británico. Sí, fue una de las muchas piezas de escultura que se llevó con Lord Elgin.

Los frontones

También están el British los dos frontones, o lo que quedaba de ellos en 1800.

Las escenas de los frontones tenían como protagonista a Atenea. En el oriental se representaban su nacimiento. En el occidental, su enfrentamiento con Poseidón para lograr el dominio de la región ática.

Empecemos por el nacimiento de Palas Atenea, representado en la fachada oriental del edificio. Citamos aquí al que sigue siendo el libro de referencia en los asuntos del arte griego, el manual de Antonio Blanco Freijeiro, que disfrutará enormemente cualquier interesado en esta materia:

En medio del frontón oriental encontrábase Zeus, sentado en su trono, y frente a él Atenea, recién nacida de la cabeza de su padre como la encarnación de una idea. Lejos de recordar a la vivaracha muñequita de las representaciones tradicionales, Palas Atenea viene al mundo con la figura de una fuerte doncella, que es coronada por Niké. Hefesto y Hermes, que han asistido a Zeus en su extraño alumbramiento, hacen ademán de huir, asombrados por el prodigio. Dos grupos de dioses olímpicos presenciaban aquel estupendo suceso: comenzando por la izquierda, Hera y su sirvienta, Iris, en pie; Démeter y Koré, sentadas, y Dionisos, tendido —la única estatua de los frontones que todavía conserva la cabeza en su sitio—, embelesado en la contemplación del carro de Helios, que en aquel momento surgía del mar.

Ver todo esto de cerca, en el Museo Británico, es un experiencia de las que ponen los vellos de punta. Seguramente sería aún mejor verlo en el Museo de la Acrópolis, que tienen habilitada una sala, hoy vacía, para albergarlos algún día. Una sala desde la que se ve el propio Partenón.

Pero sigamos.

A mano derecha del espectador, en la otra ala, había tres figuras femeninas envueltas en finísimos vestidos, las tres llamadas tradicionalmente Parcas; una de ellas tiénese hoy como representación de Ártemis, y la otra, reclinada en su regazo, como efigie de Afrodita, que se entretiene, de modo equivalente al Dionisos del extremo opuesto, contemplando la inmersión del carro de Selene en las ondas del océano. La cabeza del caballo de Selene, última escultura del frontón, es obra de una perfección tal, que Goethe la señala como ejemplo insigne de superación de la naturaleza por el arte.

Interrumpimos para hablar un momento de los frisos, un elemento muy particular. Estaba ya ahí cuando se levantaron los primeros templos, y los arquitectos siguen recurriendo a él en la actualidad cuando quieren transmitir solemnidad y elegancia. Pero el friso es problemático, o mejor dicho, lo es su decoración. Es un elemento que obliga al escultor a adecuarse a diferentes alturas, que se van haciendo imposiblemente pequeñas cuando se acercan a los extremos.

La figura de Zeus no ocupaba exactamente el centro del frontón, sino que estaba un poco desviada hacia la izquierda, porque los atenienses, a diferencia de los demás griegos, no eran amigos de colocar una figura en el centro geométrico de los frontones. Los atónitos cirujanos Hefestos y Hermes se apartan de Zeus con vivos ademanes, que las demás figuras repiten, atenuando gradualmente su fuerza, hasta llegar a las de los extremos, que por su carácter estelar, cósmico, acogen con indiferencia el nacimiento de una diosa destinada a guiar a los mortales. Así, pues, en este frontón se observa un movimiento que irradia del centro y se debilita en los extremos, un decrescendo.

En los templos más antiguos, la mayoría de las veces se representaban monstruos, animales y figuras mitológicas. Un ejemplo es la célebre Gorgona del Templo de Artemisa de Corfú. Las figuras más grandes ocupaban el centro del friso, y en sus laterales se representaban, simplemente, figuras secundarias que adoptaban un tamaño menor, de acuerdo a su menor relevancia en la escena.

Pero esta era un solución imperfecta. El arte griego iba tendiendo al naturalismo y estos trucos eran un incordio. Con el tiempo, se empezaron a utilizar monstruos marinos o animales alargados, como serpientes, en las zonas donde el friso reducía su altura. Hasta que la eclosión de una religión cada vez más antropocéntrica obligó a utilizar las soluciones que vemos aquí. Cuando prácticamente son figuras humanas las que ocupan la totalidad de la escena, se representan de pie en las zonas centrales y se van sentando y tumbando hacia los lados. Si hace falta un caballo, se muestra solo su cabeza. La necesidad agudiza el ingenio.

Sigamos con el frontón occidental, donde se desarrollaba la lucha entre Atenea y Poseidón por el dominio del Ática. Damos paso, de nuevo, al maestro Freijeiro:

En un magnífico alarde de fuerza elemental, el señor de los mares hería la tierra con su enorme tridente y hacía surtir de la brecha un manantial de agua salada; al mismo tiempo, Atenea clavaba su lanza en el suelo y su golpe producía el olivo que le dio la victoria. A espaldas de los dioses litigantes, los corceles de sus carros, gobernado el uno por Niké y el otro por Anfítrite, se levantaban de manos hasta tocar con sus cabezas la sima del frontón. Como jueces asisten al duelo Hermes e Iris, «ojos y oídos de Zeus», y los héroes locales: la familia de Kekrops y la de Erecteo. Finalmente, en los ángulos se encontraban dos figuras tendidas, una femenina y otra varonil, que sin razón alguna se llaman por costumbre «divinidades fluviales». Las gigantescas figuras de este frontón se mueven con inusitada violencia. Los dos grandes rivales están «fuera de sí» espiritualmente y fuera de su centro de gravedad materialmente. Las demás figuras, incluso los caballos, parecen conmovidas por la formidable lucha que se desarrolla en el centro y que rompe el frontón en dos mitades hostiles. Es muy probable que ambas composiciones se forjasen en la mente de Fidias, aun cuando luego el mismo artista confiase su ejecución a sus mejores discípulos.

En el interior del Partenón, como ya hemos comentado, había dos salas. Una guardaba al tesoro. La otra, la principal, albergaba una gigantesca estatua de la diosa a la que estaba dedicada al templo. La protectora de Atenas, Palas Atenea. Esta estatua era obra de fidias y estaba hecha toda ella de oro y de marfil, por lo que se conoce como crisoelefantina. Hoy, tristemente, no se conserva.

Capítulo 5. Unos apuntes finales.

Para ver el Partenón hay que ir Atenas, claro. Y allí no sólo hay que ver la ruina del Partenón, sino también el moderno Museo de la Acrópolis. Las autoridades griegas esperan que en un futuro próximo se pueden mostrar allí los mármoles de Elgin, cuya campaña de recuperación sigue en marcha.

También hay que ir a París, al Louvre, donde se conservan una serie de metopas y esculturas. Y por supuesto hay que ir también a Londres, donde hoy por hoy y quién sabe durante cuánto tiempo están los mármoles de Elgin. El Museo Británico no tiene, de momento, intención de devolverlos.

Para aprender más sobre el apasionante edificio, y sobre su época, recomendamos este artículo en Exploralibros sobre los mejores libros de arte clásico. Por aquí te dejamos los dos que más nos han servido para la elaboración de este artículo:

El de Antonio Blanco Freijeiro sigue siendo el mejor manual sobre arte griego disponible en español. Y no sólo era un experto en la materia y un apasionado, sino un excelente escritor. Su lectura es una gozada.

Arte griegoAntonio Blanco FreijeiroTapa dura. 464 páginas. Consejo Superior de Investigaciones Cientificas.Comprar

El de Luciano Canfora es el libro que mejor describe la época en la que se construyó el Partenón. Por su amplia visión, su tratamiento desmitificador y su profunda mirada crítica, la la lectura de El mundo de Atenas es una idea excelente para comprender en toda su complejidad la Atenas de Pericles.

El mundo de AtenasLuciano CanforaTapa blanda. 544 páginas. Editorial Anagrama S.A..Comprar

La entrada La guía definitiva para ver el Partenón de Atenas se publicó primero en Ruta Cultural.

El Monasterio de San Isidoro del Campo, a pesar de su importancia y de su cercanía a Sevilla, es un monumento poco visitado. Situado en Santiponce a pocos minutos de la ciudad romana de Itálica, y a siete kilómetros de la ciudad de La Giralda.

Fue construido por Alonso Pérez de Guzmán, (Guzmán el Bueno) y su esposa María Alonso Coronel, alrededor de 1298, unos cincuenta años después de la conquista de Sevilla a los almohades. El fin esencial de su fundación fue el de servir de panteón a los miembros del linaje de Guzmán.

Contenedor de obras maestras como las firmadas por Juan Martínez Montañés, un espectacular despliegue de pinturas murales, o sus magníficos testigos del mudéjar sevillano, son motivos más que sobrados para pasear por su historia.

El primer miembro de la familia en ocupar el panteón fue el hijo mayor los patronos, Pedro Alonso de Guzmán, a quien su padre sacrificó en los famosos hechos del cerco de Tarifa. Sacrificio que le valió títulos y posesiones, y con ellos el florecimiento del linaje que daría lugar a la poderosa casa de Niebla, posteriormente casa ducal de Medina Sidonia.

Fue el primer monumento en conseguir el título de Conjunto Histórico-Artístico de interés nacional de la provincia de Sevilla el día 10 de abril de 1.872.

En él recibió sepultura Hernán Cortés en 1547, hasta que en 1566 sus restos fueron trasladados a México.

Se levantó sobre una ermita mozárabe donde según la tradición estuvo enterrado San Isidoro hasta su traslado a la Colegiata de León en 1.063.

El Monasterio lo cedió el matrimonio a los monjes de la comunidad cisterciense de San Pedro de Gumiel (Burgos), que estuvieron en él hasta 1.431, fecha en la que fueron sustituidos por los ermitaños de los jerónimos de Fray Lope de Olmedo.

En 1.568 fue ocupado por la orden de los Jerónimos quienes fueron exclaustrados por la invasión francesa. Volvieron después de la guerra de la Independencia, para marcharse de nuevo en 1835 tras la Desamortización de Mendizábal.

Entre 1.956 y 1978 fue de nuevo habitado por los Jerónimos. Hoy depende de un convenio entre la Fundación Álvarez de Toledo y Mencos y la Junta de Andalucía. Sus históricos muros han acogido varios usos fabriles y un correccional de mujeres.

Su construcción no se puede considerar sólo una demostración de piedad religiosa, de hecho, no existiría sin la implícita demostración de poder del linaje de los Guzmán, señores de Sanlúcar de Barrameda, miembros de la alta nobleza castellana. No es gratuito que aparezcan reiteradamente símbolos heráldicos del linaje, en las fachadas, en las puertas de acceso al monasterio, en las claves de las bóvedas, en los enterramientos, en la pintura mural, etc.

Claves para entender el Monasterio de San Isidoro del Campo

1 – ¿Porqué tiene ese aspecto de fortaleza el Monasterio de San Isidoro del Campo?

El aspecto de fortaleza que le dan el remate de merlones escalonados, la presencia de matacanes y su cubiertas planas, que lo convierten en una plaza de armas, no asume que fuera un edificio defensivo, porque nunca fue una plaza militar, a pesar de estar en el límite del reino de Granada y de ser hostigada Sevilla por los nazaríes y benimerines. Resulta paradójico un edificio con aspecto fortificado sin vocación militar. Por lo tanto «lo militar» sólo es su aspecto, que en realidad era el símbolo más común de poder.

Para entender esto hay algo importante a tener en cuenta. Este linaje pertenece a una clase social que vive por y para la guerra, siendo éste el origen de su poder. Por esto se entiende que buscaran causar una gran impresión, a quien contemplara la soberbia fachada meridional del monasterio, con la mole de los ábsides inexpugnables en los que se pueden ver los matacanes, que convierten esta iglesia en un caso raro en el gótico andaluz.

2 – ¿Porqué el Monasterio de San Isidoro del Campo tiene dos iglesias gemelas?

La iglesia-panteón comenzó con un templo de una sola nave que en el S.XIV se ve acompañada por otra que manda construir adosada a ella, Juan Alonso Pérez de Guzmán, hijo de Guzmán el Bueno, conocido como El Batallador.

Aunque los documentos no dejan ver con claridad la intención del segundo señor de Sanlúcar, parece ser que fue la prohibición de su padre de ser enterrado en alto o más cerca del altar que sus padres, lo que le relegaría a un segundo plano en el mausoleo. Él lo solucionó construyéndose uno propio.

Lo que sí dejan claro los documentos es que los monjes no podían ser enterrados en la iglesia, situando su cementerio en el exterior, en la explanada conocida como «Patio de los Naranjos».

Desde el S. XVII al XIX el antiguo cementerio de los monjes cistercienses se habilitó como cementerio de Santiponce. De manera que lo que comenzó como panteón del linaje de Guzmán acabó siendo un camposanto popular, eso sí, fuera de los muros de la noble iglesia.

Posteriormente, los jerónimos y algunos particulares que quisieron ser enterrados en el monasterio, lo fueron en las galerías del claustro, que por ello recibirá el nombre de Claustro de los Muertos.

Iconografía gótica, como los calados de los muretes donde apoyan los arcos de medio punto enmarcados en alfices, de claro sabor mudéjar, forman este bello claustro de ladrillos bicolores.

3- ¿Qué estilos conviven en el Monasterio?

Desde el Gótico de sus comienzos que camina de la mano del Mudéjar, llegan al Monasterio de San Isidoro del Campo en sus distintas etapas, el Renacimiento, el Barroco, el Rococó y el Neogótico que corona los enterramientos de la casa de Miraflores. Pero es el sabor medieval el que prima y brilla en este monasterio. Con permiso claro está de la joya protobarroca (final de Renacimiento) que diseñó, talló y esculpió el genio de Alcalá la Real (Jaén), Juan Martínez Montañés.

Diseñado y construido por los monjes cistercienses el monasterio que se levantó entre 1298 y 1301 ha sufrido muchas reformas. En esta primera construcción conviven el Gótico y Mudéjar tanto en las dos iglesias en las que es evidente la influencia del gótico burgalés, (levantadas en el mismo siglo), como en las dependencias monacales.

La austeridad cisterciense mantuvo los muros encalados. Surgiendo así una conversación entre el gótico y la manera de entender, construir y decorar los edificios de los mudéjares (musulmanes que permanecieron en las tierras conquistadas por los cristianos), y cuya sensibilidad se hace palpable en esta etapa y en la siguiente.

4 –La época de los Ermitaños Jerónimos de Lope de Olmedo. Cuando en 1431 pasó a manos esta congregación, el edificio recibió su impronta decorativa. Su labor cultural quedó reflejada en el crecimiento de la biblioteca que contenía las traducciones, hechas por ellos, de libros ligados al protestantismo prohibidos por la Inquisición.

Por este motivo fueron perseguidos, encarcelados, y algunos, como Fray Miguel y Fray Morcillo, ejecutados en autos de fe en Sevilla en 1559. Otros huyeron, entre los que destacan Casiodoro de Reina, autor de la primera edición de la Biblia del Oso, traducida en este monasterio y publicada en Basilea en 1559.

Estos monjes llenaron de colorido los blancos muros cistercienses desplegando sobre ellos una espléndida decoración con las bellas y simbólicas pinturas murales. Envolvieron con ellas la Sala Capitular, donde se conservan algunas escenas de la vida de San Jerónimo.

Cubrieron el Refertorio con obras de rasgos italianianizantes. Enriquecieron con paneles de motivos mudéjares y figurativos el Patio de los Evangelistas y el Claustro de los muertos, que al convertirse en camposanto de los nuevos habitantes, de algunos miembros de la familia Guzmán y algunos burgueses acomodados, recibe las donaciones para realizar altares votivos. Aquí se conservan también paños de azulejos de arista del siglo XVI.

La hermosa composición mudéjar de la portada desde la que se accede actualmente al edificio, realizada por Diego Quixada y su hermano, a finales del siglo XV, es una de las obras más notables del mudéjar sevillano.

En el siglo XVI se levanta la espadaña y se construye el Claustro de los mármoles, destruido en el siglo XIX, cuando la revolución de la Gloriosa causó una importante herida al monasterio, como los balazos y cuchilladas que aún se pueden ver en las pinturas murales del Patio de los Evangelistas.

5 –La Orden de los Jerónimos. Desde 1568, una vez sofocado el movimiento reformista, la decoración del monasterio respira un clasicismo enfocado a las directrices del Concilio de Trento. Se reforman las iglesias uniéndolas en los primeros tramos, para albergar las reliquias de San Eustaquio, se renueva la solería del presbiterio de la primera iglesia con mármoles romanos de la vecina Itálica.

Se levantan los retablos de las iglesias. Una de las joyas del monasterio es el retablo mayor de la primera iglesia realizado entre 1609/13. Obra cumbre de Martínez Montañés que esculpió también los enterramientos de los patronos, que son dos de las tres únicas piezas no religiosas que realizó este escultor (figura esencial en la Semana Santa de Sevilla).

El retablo y toda la escultura que lo cubre son una obra maestra que convierten al Monasterio de San Isidoro del Campo en un punto esencial de la obra montañesina.

También se reforma la sacristía donde se encuentra una réplica de la Virgen de la Antigua, pinturas murales de influencia italiana y un retablo rococó. En el Reservado contiguo a la sala capitular sorprende de nuevo la notable mano de Martínez Montañés en un pequeño retablo. Todo este minúsculo espacio esta cubierto por frescos de claro estilo italiano.

De lenguaje barroco son los retablos laterales de la primera iglesia y el retablo mayor de la segunda. En los muros laterales de la segunda iglesia descansan, entre otros miembros de la familia Guzman, Juan Alonso el Batallador, fallecido en 1351, y su segunda esposa Urraca Osorio, promotores de esta iglesia.

De ella como reza en la lápida, descansan aquí sus cenizas junto con las de Leonor Dávalos su dama de compañía. Dávalos murió quemada con su señora para evitar que el aire al levantar las ropas de su ama, dejara al descubierto sus piernas. Doña Urraca ardió en la hoguera, por orden de Pedro I «el Cruel» en 1367, con sólo 33 años, por atreverse a discutirle unas tierras.

Antes de visitarlo (sobre todo si vas en grupo) aconsejamos una llamada al tfno. 955624400, donde informan sobre los horarios. La visita es gratuita.

La entrada El Monasterio de San Isidoro del Campo, valioso relicario de la memoria del tiempo se publicó primero en Ruta Cultural.

Visitar Florencia es pasear por un museo al aire libre en el que te encuentras a cada paso con el Renacimiento, época gloriosa de la ciudad, que emerge entre sus evocadoras calles medievales. En ellas está la historia de una ciudad que durante la Edad Media y el Renacimiento (sobre el que te recomendamos aquí una lista de libros) fue un referente de la vida intelectual y artística europea.

En el siglo XXI Florencia es un hervidero de actividades culturales. En este año 2021 sus teatros y salas de conciertos comienzan a despertar lentamente del golpe de la pandemia, a la que muy pronto esperamos poder ofrecerte acceso desde este post. Y en lo referente a fiestas populares, (a estas alturas pendientes de la evolución de la pandemia) como muy recomendable es «Il Calcio» que se celebra el 24 de junio y en la que se conmemora el nacimiento del futbol que, según la historia de la ciudad del lirio, nació a orillas del Arno y de allí se exportó al Támesis. Disputas aparte, la fiesta es de lo más interesante.

Cuna del Renacimiento y del Humanismo, desde su caserío monumental los ecos de estas corrientes se extendieron por toda Italia y por Europa entera. Y llegaron desde España hasta el Nuevo Mundo. Pero es además una ciudad dinámica que sin perder “milagrosamente» su esencia, mantiene un pulso de actualidad envuelto, eso sí, en una belleza sin igual.

Un primer consejo para disfrutar Florencia antes de abrumarte con la enorme oferta de esta ciudad: piérdete por sus calles y déjate llevar por tu instinto.

Una leve mirada a la historia de la etapa más brillante de Florencia

Los protagonistas de uno de los momentos de mayor auge cultural fueron algunos de los mejores y más influyentes escritores de todos los tiempos: Dante, Petrarca y Bocaccio. El único florentino es en realidad Dante. Petrarca aunque hijo de florentinos nació en Arezzo y Bocaccio en Certaldo. En todo caso todos eran toscanos, todos residieron en algún momento de sus vidas en Florencia y se conocieron, y lo más importante escribieron en su dialecto toscano: el florentino.

Dado el alcance de sus obras, comenzaron a extender el dialecto toscano entre toda la clase culta de Italia. De manera que cuando la unidad italiana fue un hecho, los lingüistas y los escritores de la nueva nación, tuvieron una poderosa herramienta identitaria y unificadora: una lengua, el florentino, que para entonces tenía ya más de quinientos años de antigüedad y un prestigio indiscutible.

En 1865 Florencia fue durante seis años capital de Italia, y el florentino era la lengua culta que habían utilizado todos los escritores influyentes de Dante a Galileo.

Pero volviendo a la época final de la Edad Media, mientras las letras se inundaban de gloria, Giotto diseñaba en 1334 el famoso campanille del Duomo. Cimabaue había cubierto de teselas de oro el interior de la cúpula del Baptisterio, y los pinceles de Masaccio dejaron en la Capilla Brancacci de Santa Maria del Carmine, la “otra” Capilla Sixtina del Renacimiento.

La llegada al gobierno de los Médici, una influyente familia de banqueros, a partir de 1434 hicieron de Florencia su feudo y el afortunado objetivo de su mecenazgo. El primero de ellos, Cosme “el Viejo” fundó en 1459 La Academia Platónica de Florencia, donde se terminó de gestar toda la base ideológica del Renacimiento. De ella formaron parte entre otros Marsilio Ficino; traductor y difusor de las obras completas de Platón, Pico della Mirandola; filósofo y teólogo, o León Battista Alberti; el influyente arquitecto renacentista.

Después sus descendientes siguieron potenciando esta hegemonía cultural y Florencia se benefició de ello, y nosotros también. Hacia mitad del siglo XV, en Florencia trabajaron casi simultáneamente Donatello, Brunelleschi, y Boticelli. Como lo haría también Michelangelo, bajo el patronato de los Médici.

Desde Florencia las grandes innovaciones artísticas, los descubrimientos en técnicas artísticas, y las modas pasaron a Roma y de Roma se difundieron por toda Europa.

Del mecenazgo mediceo son las extraordinarias colecciones de arte que podemos disfrutar hoy en sus museos, como lo es lo más señero de la arquitectura que convierte esta ciudad, como decíamos antes, en un museo al aire libre, una ciudad bellísima a la que seguro querréis volver.

Consejos para que visitar Florencia sea una experiencia inolvidable

Esta ciudad es arte, que en sí mismo es un disfrute, pero además en ella fluye como en toda la península italiana, una especie de pacto con el destino que se centra en disfrutar de la vida, a pesar de la vida misma. Para que visitar Florencia sea una experiencia inolvidable, os dejamos una serie de consejos que os ayuden a planificar vuestra visita sabiendo de antemano qué podéis ver, cuáles son los mejores alojamientos de Florencia, su gastronomía, y alguna pista para ver algo más de lo que ve todo el mundo.

1. Alojarse en Florencia

Florencia es como decimos una ciudad pequeña, pero es tal la densidad de lo que ofrece y hay tal invasión de turistas, que como os aconsejábamos en el post de Venecia, merece la pena pasear por sus calles en horas de silencio. Subir al Mirador de Michelangelo (Piazzale de Michelangelo) por la orilla del Arno cuando el silencio sólo lo rompe el trino de los pájaros, y cruzar el famoso Ponte Vecchio con las tiendas aún cerradas disfrutando del amanecer sobre el Arno, son sensaciones que no se olvidan.

Para ello lo mejor es buscar un hotel en Florencia, lo que os permitirá disfrutar de la ciudad cuando los grandes grupos de turistas se marchan y así podréis encontraros con el pulso cotidiano de sus calles.

Aquí os dejamos algunas recomendaciones para todos los bolsillos:

EL Albergue plus Florence. Muy cerca de la estación de Santa María Novella. Tiene habitaciones individuales y compartidas. Por experiencia de nuestros clientes muy bien recomendado y a unos precios buenísimos.

El Alfieri9. Muy cerca de la Galeria de la Academia, este pequeño hotel tiene una estupenda relación calidad-precio y unas críticas inmejorables por parte de nuestros clientes.

El Astrid Hotel está situado muy cerca de la estación de Santa María Novella, a diez minutos a pie de la zona del Duomo y con unas críticas excelentes.

Para bolsillos pudientes:

Grand Amore Hotel and Spa Este céntrico y lujoso hotel está situado a trescientos metros del Duomo. Los clientes vuelven encantados y recomiendan encarecidamente su restaurante.

1865 Residenza d’Epoca. Puro lujo en el corazón de Florencia. Si el bolsillo os lo permite, este hotel es una pasada.

Al Palazzo del Marchese di Camugliano Residenza d’Epoca A poco más de 400 metros del Duomo, este palacio del siglo XVI es un auténtico lujo que recomendamos especialmente para viajes románticos.

El Palazzo Vecchietti – Residenza D’Epoca, otro auténtico lujo florentino situado en el corazón de la ciudad, os hospedaréis en un palacio renacentista del que todos los clientes hablan de una buenísima relación calidad-precio.

Museos y palacios imprescindibles para que visitar Florencia sea una inmersión en el arte

Si el interés del visitante es el arte y pretende ver todos los museos de Florencia, sus palacios y sus iglesias, que también son museos, necesitará tiempo, una planificación para no perderse al menos lo más significativo, y una indumentaria cómoda. Disfrutará muchísimo y aunque no lo podemos asegurar, si se organiza, no sufrirá el síndrome de Sthendal. A continuación dejamos algunos de los considerados imprescindibles.

2. La Galería de los Uffizzi

Es la pinacoteca más visitada de Italia. Su colección de arte es una de las más antiguas y famosas del mundo. La construcción del edificio la comenzó en 1560 Giorgio Vasari, por deseo de Cosme I de Médicis. Levantado con la idea de albergar las oficinas de las magistraturas florentinas, cuando el Palazzo Vecchio se les quedó pequeño, de donde deriva su nombre «Galería de los Oficios». Terminado en 1581 fue durante años el almacén de las piezas de arte de la magnífica colección de la familia Médici.

Son tantos los autores y tan importantes las obras que encontraréis en este museo que os servirá para entender la evolución de la pintura desde Giotto a Jacopo Bellini y Gentile da Fabriano pasando por Masacio, Paolo Uccello, o Fra Angelico, y Piero della Francesca, o Botticelli, estrella de la sala más famosa del museo, de quien analizamos su famosa Primavera en un post anterior, y donde se encuentran obras de los pintores flamencos Hugo van Der Goes y Rogier van Der Weyden.

Además Perugino, Correggio y Mantegna, Miguel Ángel, Rafael, Leonardo, Tiziano, Tintoretto, Alberto Durero, Rembrandt, Velázquez, El Greco, Goya, Jusepe de Ribera, Jan Brueghel el Viejo, Van Dyck, o Charles Le Brun, Bartolomeo Manfredi, Guido Reni, Caravaggio, y muchísimo más.

3. La Galería de la Academia

Otro museo imprescindible de Florencia, que guarda el original del famosísimo David de Miguel Ángel.

De Miguel Ángel se encuentran en la Academia el San Mateo y los “Esclavos” conocidos como “Los Prisioneros”, que fueron diseñados por Miguel Ángel para la tumba del Papa Julio II, erigida en la Basílica de San Pedro en Roma, donde al final no se utilizaron. Tras la muerte de Miguel Ángel, acabaron en la tumba del Duque de Toscana Cosme I, en la cueva de Buontalenti en los Jardines de Boboli, junto al Palazzo Pitti, donde permanecieron hasta 1909 cuando fueron trasladados a la Academia. El nombre de prisioneros evoca esa lucha de siglos que parecen estar librando con la piedra de la que no terminan de escapar.

Sólo estas obras merecen ya una visita pero hay muchas glorias más repartidas en sus once espléndidas salas.

Como en los Uffizzi os aconsejamos que os dejéis guiar por los expertos que además conocen todos los secretos y las historias de estas obras y de los artistas que las realizaron.

4. Museo del Bargello

Este histórico edificio alberga la que pasa por ser la colección de escultura renacentista más importante de Italia, que hasta 1865 en que fue trasladada aquí, se encontraba en los Uffizzi pues también es parte de la colección de los Médici.

Además de los diseños del Sacrificio de Isaac que Lorenzo Ghiberti y Filippo Brunelleschi, presentaron al concurso convocado para la construcción de la segunda puerta del Baptisterio en 1401, aquí hay obras como Baco con un sátiro, de Miguel Ángel, y su delicado Tondo Pitti, o el maravilloso David y el Tabernáculo de San Jorge de Donatello o el Baco de Jacopo Sansovino.

Este museo es menos visitado que los dos anteriores, lo que hace que su visita sea más relajada.

5. Museo dell’Opera del Duomo

En uno de los laterales del Duomo está este pequeño y maravilloso museo que tiene un atractivo extraordinario: apenas es conocido y por tanto está libre de aglomeraciones. En él os encontraréis con la María Magdalena de Donatello, y con la Pietá Bamdini que Miguel Ángel realizó para su tumba, os aseguramos que la experiencia merece la pena. La impresión que causa esta dramática obra y la cercanía con la que podréis verla es algo único. También están allí la espléndida Tribuna de los Cantores de Luca Della Robbia, y los cuatro paneles originales de la Puerta del baptisterio «Puerta del Paraíso» de Ghiberti.

6. Museo di San Marco.

Este museo cercano a la Galería de la Academia se encuentra en la parte monumental de un antiguo convento dominico, en el que vivió Fra Angelico. En él se exponen obras de Fra Angelico, Jacopo Vignali, Domenico Ghirlandaio, Fra Bartolomeo, Plautilla Nelli, Fra’ Paolino y otros. Aquí se encuentra el fresco de la Anunciación de Fra Angelico sobre la escalera que lleva a las celdas.

7. Arqueológico Nacional.

Espléndido museo con una interesantísima colección de arte egipcio y una colección de arte etrusco extraordinaria. Y no lo es menos la de arte griego, que tiene entre otras joyas la famosa crátera de figuras negras datada hacia 570 a. C. conocida como el Vaso François que está decorado con una serie de narraciones mitológicas griegas rodeando su volumen.

Hasta ahora nos hemos acercado a los museos florentinos cuya llamada es más fuerte que la de los edificios que los albergan. Ahora nos encontraremos con tres de sus más insignes palacios que guardan tras sus muros auténticos museos.

8. Palazzo Médici Riccardi

Frente a la iglesia de San Lorenzo se encuentra el palacio Médici en la Vía Cavour. Era la morada de Cosme de Médici “El Viejo”, fundador de la dinastía. Realizado por Michelozzo di Bartolomeo en el año 1444. Es una visita imprescindible que más allá de su espléndida fachada guarda en su interior un despliegue de clasicismo y lujo artístico. Es famosa la sala de los Magos, conocida como la Capilla de los Magos. Sus muros están cubiertos por un ciclo de frescos que realizó Benozzo Gozzoli, demostrando su maestría tanto en retrato, como en paisaje y en el mundo ecuestre.

Es junto al Vecchio y al Pitti uno de los más importantes palacios de Florencia. Visitable de martes a jueves de 9 de la mañana a 7 de la tarde, y no suele haber colas.

9. Palazzo Vecchio

El Palazzo Vecchio (en español Palacio Viejo) está en una esquina de la Piazza della Signoria y además del Ayuntamiento de Florencia guarda en su interior otro museo, el Museo dei Ragazzi en el que se exponen obras de Bronzino, Miguel Ángel y Giorgio Vasari, entre otros.

Llamado en origen Palazzo dei Priori o Palazzo Novo, se cambió el nombre por el de «Palazzo della Signoria», el organismo principal de la República florentina, en el siglo XV. Cuando Cosme I de Médici en 1540 lo utilizó como residencia, y pasó a ser el «Palacio Ducal”. Y en 1565, cambió el nombre por Palazzo Vecchio al haberse mudado Cosme I al Palazzo Pitti.

Comenzado en 1299 tiene en su fachada principal uno de los emblemas de la ciudad, la Torre de Arnolfo. y en su interior sobresale el Salón de los Quinientos, cuya decoración mural se encomendó a Leonardo da Vinci (La batalla de Anghiari) y a Miguel Ángel (La batalla de Cascina). Pero no se terminaron y sus muros fueron decorados con los frescos diseñados por Giorgio Vasari. También a Vasari se le debe la Sala de los mapas Geográficos de Cosme de Médici por encargo de Cosme I.

10. Palazzo Pitti

Unido por el Corredor de Vasari al Viejo palacio de la Piazza della Signoria, y ya en el otro lado del Arno, sus comienzos en 1458 se deben al banquero florentino Luca Pitti. Fueron sus descendientes quienes lo vendieron a Leonor Álvarez de Toledo y Osorio, esposa de Cosme I de Médici, que añoraba la lujosa corte de su padre, Pedro Álvarez de Toledo y Zúñiga, el Virrey de Nápoles.

Cosme I le encargó a Giorgio Vasari la ampliación del palacio para ofrecerle a su esposa todo el lujo que ella añoraba. El tamaño del edificio aumentó considerablemente y se construyó el pasadizo elevado desde la antigua residencia real, el Palazzo Vecchio, atravesando los Uffizi y el Ponte Vecchio, al Palazzo Pitti. (El Corredor de Vasari)

Construyeron los Jardines de Bóboli, en cuyo diseño original había un anfiteatro, en el que se representaban obras de teatro para la cultivada corte florentina.

Hoy es un impresionante conjunto museístico cuya visita puede llevar más de una mañana, de la que podéis descansar en los jardines del Bóboli y montaros un picnic. Para haceros una idea de lo que aguarda en su interior, os contaremos sólo que en la Galería Palatina donde permanece la colección privada de los Médici, hay obras de Rafael, Botticelli, Tiziano, Correggio, Caravaggio, Rubens, Artemisia Gentileschi y Pietro da Cortona, entre otros.

Además de la extraordinaria colección de la Galería de Arte Moderno: cuarenta cuartos que guardan la colección privada de María Estuardo, están Las Estancias privadas de los Médici, el Museo de la Plata conocido como «El Tesoro Médici”, un Museo de la Porcelana en el «Casino del Cavaliere» de los Jardines de Bóboli, la Galería de TrajesMuseo de Carruajes

11. Ospedale degli Innocenti

Aunque no es un palacio, este antiguo orfanato construido y dirigido por el rico y poderoso «Arte della Seta» o Gremio de la Seda de Florencia, es un brillante ejemplo de la arquitectura del primer Renacimiento, en cuyo diseño y construcción está implicado el nombre Filippo Brunelleschi. Siguiendo la ruta de Brunelleschi captaréis toda la magnitud de lo que significó este arquitecto para Florencia. Su interior, cómo no, guarda una interesante pinacoteca.

12. Museo del Palazzo Davanzati

En él encontraréis cómo era una casa de la época de los Médici.

13. Loggia dei Lanzi o della Signoria.

Como decíamos al principio esta ciudad es un museo al aire libre. Esta Loggia situada en la espléndida Piazza della Signoria nació en el siglo XIV como pórtico de las asambleas públicas populares y las ceremonias oficiales de la República florentina. Entre su exposición de escultura destaca la obra de Benvenuto Cellini, Perseo con la cabeza de Medusa.

Un descanso para disfrutar de otros placeres mundanos de Florencia en sus más históricas cafeterías

Entre tanto disfrute artístico se hace necesario reponer fuerzas y saborear otros placeres como el de los imprescindibles “gelattos” italianos que en cualquier establecimiento que entréis estarán de lujo. Además en cualquier plaza de esta ciudad hay motivos para detenerse y saborear un delicioso café italiano.

14. Si estáis pensando en subir al Campanille os sugerimos un capuchino en el famoso Caffe Scudieri, en la Piazza San Giovanni, y como tenéis que subir unos “cuantos” escalones deberíais acompañarlo de cualquiera de sus sabrosos pasteles. Imposible aconsejar, apetecen todos.

15. Detrás del Duomo está la Biblioteca delle Oblate. Si estáis cansados de tanto jaleo de turistas, este es vuestro sitio. En la segunda planta hay una cafetería de ambiente estudiantil con estupendas vistas a la cúpula de Brunelleschi. Los miércoles y jueves desde las 18:30 la cafetería organiza aperitivos. Una aconsejable costumbre italiana.

16. Si os encontrais por la Piazza de la Signoria os aconsejamos el famoso Caffe Rivoire, tan imprescindible como los Uffizzi. Aquí además del omnipresente café, el chocolate es el indiscutible protagonista y es parte de la historia de la ciudad desde el siglo XIX. Las tentaciones son tantas en este local que os aconsejamos que os dejéis llevar. Su terraza frente al Palazzo Vecchio es un espectáculo inolvidable al caer el sol.

Y si estáis en la Piazza della Reppublica, hoy Piazza Vittorio Emanuele II, tenéis varias opciones, casi obligaciones, relacionadas con el mundillo cultural de Florencia:

17. Está eL café Paszkowski (declarado Monumento Nacional) nació en 1846 como el Caffè Centrale.

18. El Caffé Le Giubbe Rosse, desde 1827 que le debe el nombre a los uniformes que llevaban sus camareros. En él desde principio del siglo XX, se reunían numerosos intelectuales de la época.

19. El Caffè Gilli, puro estilo Belle Époque, que desde principios del siglo XX fue un elegante café literario, frecuentado por artistas e intelectuales.

20. Una última recomendación en la zona: El Caffe Giacosa se encuentra en el claustro del Palacio Strozzi. A escasos metros después de atravesar el arco de triunfo de la Piazza de la República os llamará la atención el fastuoso Palazzo Strozzi. En su interior aguarda otra cafetería de tradición literaria. En su patio encontraréis un bello y elegante refugio para descansar del ajetreo turístico.

Iglesias de Florencia

En cuanto a las iglesias os aconsejamos que si andáis paseando sin rumbo fijo, entréis a cualquiera que os salga al paso porque ninguna os defraudará. Por ejemplo caminando hacia la Piazza della Signoria,en la Via dell’Arte della Lana, encontraréis la iglesia de Orsanmichele en cuyo exterior ya tenéis una exhibición de escultura impresionante. Y si os interesa el mundo judío, la Sinagoga di Firenze que guarda un Museo ebraico y está muy cerca de la plaza de la Santa Croce, os encantará. Pero como estamos aconsejando lo imprescindible os dejamos con las más impresionantes.

21. Il Duomo. Santa Maria del Fiore. Cuando llegas por primera vez a la plaza del Duomo, si accedes callejeando desde la estación ferroviaria de Santa María Novella, la sensación es inexplicable.

Sólo el exterior de este conjunto monumental (Duomo, Baptisterio y Campanile) es un derroche de belleza tal, que apabulla. Una vez dentro el derroche continúa, aunque la mayor atracción es la Cúpula de Brunelleschi. Para ver los frescos de Vasari y Zucaro es imprescindible subir los más de 400 escalones que llevan “al cielo”, además las vistas desde la linterna son espectaculares.

Aunque a nuestro juicio las vistas desde el Campanile de Giotto son mejores porque además de Florencia, se disfruta de una vista de la magnífica cúpula que es impagable. Entre las dos subidas hay unos 900 escalones, (tomadlo con calma, hay 24 horas para visitar todo el conjunto con el mismo billete). La entrada para subir a la cúpula es obligatoriamente con reserva y con ella tenéis acceso a la Cattedrale, la Cúpula, el Baptisterio, el Campanile, la Cripta, y el Museo dell’Opera del Duomo. Toda la información la tenéis en la misma web de las entradas.

22. San Miniato al Monte.

Esta joyita románica está a unos cinco minutos andando desde el mirador del Piazzale Michelangelo. Os recomendamos subir a primera hora paseando desde la orilla del Arno en el barrio de Oltrarno (Al otro lado del Arno). Las vistas de Florencia con la cúpula del Duomo “flotando” sobre la ciudad son inolvidables. Las puestas de sol son también espectaculares. Su pequeño y artístico cementerio mira eternamente a la bellísima Florencia.

23. Basílica de la Santa Cruz.

Si tuvieseis que elegir una iglesia entre todas las de Florencia, os aconsejamos ésta. Es la iglesia franciscana más grande del mundo. El interior impresiona por la sobriedad y claridad de su lenguaje arquitectónico, típico de los franciscanos, y su contenido en escultura y pintura es extraordinario. Es el panteón de Florencia, en ella hay más de 300 tumbas, entre las que destacan las de Galileo Galiei, Maquiavelo, Lorenzo Ghiberti o Miguel Ángel. Para que os hagáis una idea de la belleza que guarda, basta contaros que durante la visita de Stendhal en 1817, incapaz de soportar tanta hermosura, sufrió los síntomas del que se ha dado en llamar desde entonces “el Síndrome de Stendhal»

Su imponente arquitectura gótica, el despliegue de maravillosos frescos, los retablos, sus preciosos vitrales que datan de 1380, y las numerosas y extraordinarias esculturas, hacen de esta iglesia, una de las páginas más importantes de la historia del arte florentino desde el siglo XIII. Os aconsejamos encarecidamente que si vais por vuestra cuenta, hagáis el recorrido con la audiguía. Una de las mejores que hemos escuchado.

Para recuperaros de la profusión de obras maestras, en uno de los claustros os encontraréis con la serena Capilla Pazzi. Recinto funerario de esta familia, obra de Filippo Brunelleschi, de la que os hablamos en nuestra Ruta de Brunelleschi, a la que os hemos remitido ya en este post.

24. La Basílica de San Lorenzo.

Con un exterior poco llamativo por­que su fa­cha­da, que iba a di­se­ñar Mi­guel Ángel, quedó sin ter­mi­nar, tiene sin em­bar­go, un in­te­rior im­pre­sio­nan­te y re­vo­lu­cio­na­rio. De ella os hablamos en el citado post sobre Brunelleschi. Gestionada como un complejo monumental, la visita completa incluye además de la Basílica, el Museo delle Cappelle Medicee y la La Biblioteca Medicea Laurenziana. Toda la información y las entradas en esta web.

25. Santa María Novella.

En la plaza del mismo nombre y muy cerca de la estación de tren, que también lleva su nombre, esta basílica dominica construida en el siglo XIII guarda entre las firmas que intervinieron en su construcción la de León Baptista Alberti en la fachada. En el interior uno de los primeros intentos para dominar la perspectiva: «el fresco de La Trinidad» de Masaccio, además de unas bellísimas vidrieras en el altar mayor y en el rosetón de la entrada, de autores desconocidos, o la tumba del pintor Domenico Ghirlandaio en su intimísimo cementerio. Es un joya del Gótico italiano y también del Renacimiento.

También encontraréis allí la farmacia más antigua de Europa que lleva en activo casi 4 siglos. «La Farmacia de Santa María Novella”, con acceso también desde el nº 16 de Via della Scala.

Uno de los productos más antiguos fabricados en esta farmacia es la fragancia Acqua della Regina que al parecer fue preparada por los monjes para la reina de Francia Catalina de Médici, y se sigue fabricando con los mismos ingredientes. El inolvidable aroma que invade el precioso local es culpa de productos como el agua de lavanda, los jabones de oliva y los variados perfumes y aceites fabricados con sustancias naturales, (no os importe no comprar, están acostumbrados a ser una especie de visita turística más que un local de ventas, pero no os la perdáis)

Y en el Barrio de Oltrarno (al otro lado del Arno), otra imprescindible visita:

26. La Iglesia del Carmine.

Esta iglesia forma parte de un convento carmelita que sigue activo hoy día. Está en la plaza del mismo nombre y se mantiene erguida desde 1268. Esta iglesia guarda en su interior, sobreviviente de un tremendo incendio, la Capilla Brancci. Conocida por algunos como la «Capilla Sixtina del primer Renacimiento» por su magnífico ciclo de frescos, que se encuentran entre las más famosas e influyentes de la época y que fueron realizados por Masaccio, Masolino y Filippino Lippi.

Algunos consejos para que visitar Florencia sea una experiencia gastronómica

La cocina florentina está basada en la sencillez y la calidad de sus ingredientes. Entre sus platos más típicos destaca el «bistecca alla fiorentina”, la ribollita: una sopa de verduras, pan y judías, la pappa al pomodoro: sopa de pan y tomate, y la Tagliata con rucola: un tipo de ensalada con rúcula, romero, escamas de que parmesano, aceite y pimienta.

En los bares de vinos, allí enotecas, encontraréis buenísimos quesos y embutidos toscanos.

En cuanto a postres: los cantuccini: galletas de almendra, se sirven con un vino santo (vino dulce toscano) y se mojan en el vino, o si preferís con café, o cualquier dulce de las cafeterías recomendadas son un espléndido broche a una comida en Florencia.

27. La mejor comida rápida: los trippai. Los trippaio son puestos ambulantes en los que sirven “caninos con callos”. Dos rebanadas de pan que guardan dentro callos sazonados de diversas formas.

Los encontraréis con facilidad en cualquier esquina y saciaréis el hambre por algo más de tres euros.

28. Algunos locales muy recomendables.

Amici di Ponte Vecchio Da Stefano – Pizzas al taglio (al corte) y bocadillos variados. Excelente, tiene concedidas las tres BBB. Están en Oltrarno en Via de’Bardi, cerquita del Ponte Vecchio.

Y ya que estamos en Oltrano os sugerimos Il Ristoro, un local sencillo, imprescindible, económico, con dos salas y un mostrador en el que podéis comprar charcutería.

Il Pizzaiuolo (Via dei Macci 113) – Está siempre lleno de jóvenes florentinos (buena señal), encantados con su pizza napolitana de masa gruesa en horno de leña. Hay que reservar.

Gustapanino (Piazza Santo Spirito) la larga cola de florentinos y foráneos, que aguardan frente al pequeño local, calificado por muchos florentinos como la mejor enopaninoteca: (una moderna parada para tomar vino y un sándwich) de su ciudad. No hay asientos, por lo que las escaleras de la iglesia del Santo Espírito están siempre repletas de consumidores del Gustapanino.

En L’Osteria di Giovanni (Via del oro 22, en Santa María Novella) ofrecen una cocina absolutamente toscana y muy creativa.

La Trattoria Mariode la Via Rosina, junto al Mercado Central. Abarrotada de florentinos, a pesar de aparecer en todas las guías. Los lunes y los jueves se sirven callos, los viernes, pescado y los sábados, bistecca alla fiorentina. No se puede reservar y no aceptan tarjeta de crédito.

Si no conseguís comer en la Trattoria de Mario, a la vuelta está el maravilloso Mercado Central. Aquí además compraros sabrosos recuerdos a los mejores precios de Florencia, podréis comer en cualquiera de los múltiples puestos que preparan comida en el momento y catar vinos en la enoteca Gallo Nero.

O disfrutar de Tosca el restaurante del Mercado Central de Florencia, donde podréis comer cómodamente sentados disfrutando de una vista panorámica del interior del bullicioso mercado y eligiendo en el menú entre una gran selección de platos preparados al momento. ¡Ah y tienéis Wi-fi libre! La contraseña en el punto de información del mercado.

Qué comprar en Florencia que os evoque la ciudad en la lejanía

29. Después del auténtico disfrute del Mercado central (abierto de 10 de la mañana hasta la media noche) y ya que estamos en el barrio de San Lorenzo, os recomendamos que paseéis por sus animadísimas calles llenas de tiendas donde podéis encontrar a buenos precios uno de los artículos mas preciados de la ciudad: la marroquinería. Ojo hay muchas imitaciones que tendréis que valorar. Hay también muchos puestos de baratijas, camisetas máscaras venecianas y un sinfín de artículos.

30. La Scuola del Cuoio (Piazza di Santa Croce, 16), es un taller del cuero que se creó para proporcionar a los huérfanos un modo de ganarse la vida, pero hoy es toda una institución. Es un lugar de referencia en cuanto a la piel y el cuero, más caro pero razonablemente asequible.

31. Florencia es también famosa por sus manufacturas de papel. Entre las tiendas especializadas más populares están Signum (Lungarno Archibusieri, 14/r), Il Papiro (Via Cavour 49/r) y Giulio Giannini e Figlio (Piazza Pitti, 37) que cuenta con una larga tradición a sus espaldas y es todo un clásico de Florencia. Todas en las cercanías del Duomo.

32. Y la seda florentina. Si quieres conocer más sobre los artículos de seda en Florencia, un buen lugar que visitar es el Antico Setificio Fiorentino.

33. Y si el dinero no es vuestro problema sumergiros en la céntrica Via Tornabuoni. Una calle repleta de palacios que se ha convertido en un muestrario del lujo y la alta moda. En ella os encontraréis por ejemplo con Gucci y Ferragamo. Y en las cercanías del Ponte Vecchio repleto de joyerías, está la Via Por Santa María, Via Calimala y sus calles perpendiculares y paralelas encontraréis también tiendas exclusivas donde haceros un regalo inolvidable.

34. Un consejo imprescindible si os gusta la artesanía, perderos por el barrio de Oltrarno y callejeando sin rumbo os vais a encontrar con tiendas de artesanos de toda la vida. Tiendas de cerámica, velas, papelerías y productos gastronómicos locales, y bares y tratorías a las que no llegan muchos turistas. Si vais a visitar Florencia entre finales de abril y principios de mayo, estáis de enhorabuena, porque en esos días se celebra la la Feria Internacional de la Artesanía. Florencia se convierte en esos días en «La aldea global del arte, el misterio y la cultura». Muebles, objetos de decoración, cerámica, gastronomía, moda, productos de belleza. Un sin fin de posibilidades para disfrutar.

Teatros de Florencia

Acudir a un espectáculo de ópera o de teatro en Florencia es otra excelente opción.

35. La Musica es una parte importante en la historia de Florencia. Las primeras operas nacieron aquí al final del siglo XVI siguiendo las teorias y la experiencia de la Camerata de’ Bardi. Las posibilidades de asistir a algún concierto de ópera en este u otro espacio son múltiples a lo largo de todo el año.

36. En cuanto a los teatros, el de la Pérgola, Teatro alla Pergola, es el más antiguo de Europa y tiene durante todo el año una oferta de obras de teatro de alta calidad. Si os gusta el teatro os aconsejamos que os acerquéis, se puede visitar cuando no hay espectáculos.

Excursiones desde Florencia

Florencia es la capital de la Toscana y es un inmejorable lugar desde el que acercarse a lugares tan emblemáticos como Siena, Pisa, la zona del Chianti, Montalcino o cualquiera de los maravillosos Arezzo o Lucca, y la también cercana y bellísima Umbria, donde os espera la espectacular Perugia, la dulce Asissi que guarda auténticos tesoros en los muros de la Basílica de San Francisco, o la sorprendente joyita de Gubbio, donde llevan creando maravillas con el barro desde el año 1300.

Desde Florencia podéis acercaros a todos estos lugares por vuestra cuenta, bien alquilando un coche o utilizando la buenísima red de Trenitalia. Pero si preferís la comodidad de los servicios organizados os proponemos algunas excursiones muy recomendadas.

37. Cinque Terre, cinco pueblitos rodeados por colinas y viñedos que parecen suspendidos entre la tierra y el mar.

38. O la clásica y recomendable a Pisa, San Giminiano y Siena

39. O esta otra a Pisa, San Giminiano y Chianti con la particularidad de una degustación en una bodega de Chianti.

De momento y después de unos días en esta bellísima ciudad nos despedimos con un sentido ¡CIAO BELLA!

La entrada Cómo visitar Florencia en 2021: 39 experiencias para conocer su esencia se publicó primero en Ruta Cultural.

Como aficionados a los viajes, al arte y a la cultura, debemos considerar como una excelente noticia que Siena haya cambiado tan poco en los últimos ochocientos años. Porque, como tan bien ha dicho el escritor, y miembro de la Academia francesa, Dominique Fernández:"Siena es una de las raras municipalidades en el mundo que han llevado a lo largo de los siglos una política, consciente y obstinada, de belleza".

En el ondulado corazón de la Toscana nos espera una de las ciudades más bonitas de Italia. Una ciudad que, en los siglos finales de la Edad Media y en los inicios del Renacimiento, brilló con luz propia y llegó a rivalizar con la Florencia de los Medici. Quizá ese dato baste para evidenciar la magnificencia que llegó a alcanzar aquella ciudad de banqueros y papas, de aventureros y artistas.

Capítulo 1.Qué ver en Siena más allá de lo que todo el mundo ve

Siena es una ciudad pequeña, pero sus calles conservan numerosos palacios, museos e iglesias. ¿Se puede ver todo en un día? La respuesta es no. Se puede ver, en un día, lo principal. Es lo que casi todo el mundo hace. Pero se habrá visto una Siena volátil, una Siena de instagram. Si no hay más remedio –porque el tiempo apremia, o porque la visita es parte de un circuito– habrá que renunciar a los museos y a ciertas exquisiteces. Pero si es posible, nosotros recomendamos visitarla con calma e ir más allá de lo que visita todo el mundo.

Siena, como explicaremos más abajo, es además un punto perfecto desde donde salir a explorar las maravillas de la región. Está en el corazón de la Toscana, de esa Toscana de postal, casi lujuriosa, de colinas dibujadas y cipreses. Como si alguien lo hubiera hecho a propósito, los más bellos pueblos de la Toscana están situados a su alrededor. Las excursiones, desde Siena, son un disfrute.

Pero no nos adelantemos. Ya saldremos de sus calles. De momento hablemos de lo que hay en ellas:

1. El histórico Palazzo Publico, enclavado en la Piazza del Campo, esa en la que García Márquez vio materializada la armonía.
2. El Duomo, una de las maravillas del Gótico europeo, y su museo.
3. La Fortezza Medicea, hoy un parque agradabilísimo donde reflexionar con una copa de vino.
4. La Pinacoteca Nazionale, con sus abundantes tesoros de la Escuela de Siena.
5. La iglesia de San Domenico y la Casa de Santa Catalina de Siena, fascinante personaje más allá de su interés religioso.
6. El Palazzo Piccolomini y el curiosísimo Museo delle Tavolette

Lo que ve todo el mundo son los elementos 1 y 2, y a salto de mata. Nada más. Se pierden una barbaridad.

El esplendor del Palazzo Publico y la Piazza del Campo.

Los sieneses del siglo XIII estuvieron a la vanguardia de un proceso histórico que fue fundamental para el desarrollo del mundo moderno. Se trataba, nada menos, que de la reaparición de la ciudad. Y con ella, de la política (que viene de polis, ciudad).

Después de siglos de una Edad Media parva en grandes asentamientos humanos; cuando en Francia y Alemania la gente vivía en el campo y sólo se construían castillos y ermitas, reapareció, en el norte de Italia, la ciudad. Florencia, Venecia, Pisa, Lucca, Milán. Siena.

¿Las razones? Una fértil agricultura y, sobre todo, la expansión del comercio y el nacimiento de las finanzas modernas hicieron posible que cada vez más gente se concentrara en la ciudad. Con ellos volvió la vida urbana, con sus dulzuras y también sus problemas: la política. La lucha de las facciones por un poder cada vez más jugoso. El debate entre república y tiranía. Y las artes al servicio no ya –solo– de la iglesia, sino del poder civil.

De todo ello se puede reflexionar, quizá como en ninguna otra parte, en la Salla della Pace del Palazzo Pubblico de Siena. Allí se conserva un conjunto de frescos que fueron pintados por Pietro y Ambrogio Lorenzetti entre 1338 y 1340. Se les conoce por el nombre de Alegoría del Buen y el Mal Gobierno, y son una de las mayores joyas del entonces incipiente Renacimiento italiano. Recordaban a los gobernantes la importancia de su labor y que sus decisiones, por pequeñas que fueran, podían tener efectos benefactores o malévolos para la comunidad. Hoy quizá deberíamos colgar una reproducción de esta obra en cada diputación, en cada congreso, en cada ayuntamiento.

Pero además de esta joya histórico-artística de los hermanos Lorenzetti, el Palazzo (que sigue siendo Ayuntamiento de la ciudad) alberga mucho más. Hay una preciosa habitación llamada Sala del Mappamondo, donde los Lorenzetti pintaron, también al fresco, un gigantesco mapa del mundo conocido. Hay una preciosa Maestá, pintada en 1315 por uno de los grandes de la escuela sienesa, Simone Martini. Hay también una Vida de la Virgen de otro maestro, Taddeo Bartolo.

En el patio está la entrada a la impresionante Torre del Mangia, que corona la ciudad a noventa metros de altura. Quizá sea, junto a la Torre Grossa de San Gimignano, el lugar desde donde mejor se puede apreciar esa belleza mórbida, lírica, del paisaje toscano; sus valles verdes, sus colinas cruzadas por ordenadas líneas de cipreses que dibujan caminos y separan viñedos. Y también el fastuoso esplendor de la ciudad. Si París es la ciudad de la luz, Siena es la ciudad de la piedra. Tejados de terracota, piedra de color beige, piedra gris y, sobre todo, ese inconfundible ocre arcilloso. A los pintores les gustó tanto que terminaron bautizando un color en su honor.

Y la piazza, ese corazón de la ciudad que es un canto a la armonía. La sede del Palio, una de las carreras más famosas del mundo (más abajo damos un consejo si quieres verlo y no te gustan las aglomeraciones), el verdadero icono de Siena. Por la mañana y en las primeras horas de la tarde está atiborrada de turistas. Por la noche son los sieneses los que la ocupan. Pasean por allí ejecutivos vestidos de Armani, conductores de Vespas casco en mano, niños alborotando a la ingente población de palomas. Siena es uno de esos lugares con muchos turistas y pocas pernoctaciones. Ya decimos que merece mucho la pena quedarse a dormir.

La joya: el Duomo y el Museo dell’Opera del Duomo.

No hay forma de quedarse corto: el Duomo de Siena es un edificio deslumbrante. Su fachada principal reúne todos los rasgos ese colorido Gótico italiano tan particular, tan diferente del francés, del inglés y del español.

Pero, magnífico como es, lo que más impresiona es su interior.

Acostumbrado a la austeridad de las grandes iglesias florentinas, el viajero se lleva aquí una verdadera sorpresa. No hay austeridad de ningún tipo, sino todo lo contrario. En las paredes, en los pilares, en las bóvedas, en las capillas, en todos lados solo encuentra lujosa decoración. Una permanente sucesión de los dos colores de la ciudad, el blanco y el negro. Una abigarrada condensación de belleza, riqueza y lujo. Bóvedas de lapislázuli, vidrieras, como la maravilla que corona el altar mayor, conocida como «el occhio del Duomo», capiteles de oro, altares y mosaicos que asombran a quien pone los ojos en ellos.

Como no podía ser de otra manera, hay también, dispersos por toda la iglesia, un conjunto selecto de obras de arte. Obras de Donatello, de Pinturicchio, de Miguel Ángel o de Nicola Pisano, autor de un púlpito conmovedor y anonadante. En el Museo dell’Opera del Duomo se pueden ver de cerca algunas de las obras que originalmente colgaron de sus muros, como la Maestà de Duccio, su obra maestra, una de las cimas del arte del Medievo.

Cuando la hayas recorrido, cuando hayas visto que no es, precisamente, una iglesia pequeña, piensa en lo siguiente. A mediados del siglo XIV, Siena había alcanzado un nivel de riqueza y esplendor tan extraordinario, que sus gobernantes pusieron en marcha un plan para triplicar el tamaño de su catedral. Has leído bien: para triplicarlo. La idea era convertir el edificio ya construido –el que sigue en pie hoy en día– en el crucero de una iglesia nueva y gigantesca. Los planes estaban hechos, aprobados y presupuestados. Pero entonces llegó la Peste Negra de 1348. La ciudad quedó asolada y el proyecto se abandonó.

Dio tiempo, no obstante, a construir parte de la fachada del nuevo templo. Hoy sigue ahí, la llaman el facciatone. Se puede comprar una entrada completa para visitar el museo y subir a las alturas del facciatone, que tiene unas vistas impresionantes. Mejores, quizá, que las de la Torre del Mangia, porque desde el facciatone, además de todo, se ve la Torre del Mangia.

La Fortezza Medicea, el recuerdo de los vencedores.

Los más aficionados a la Historia tienen aquí una visita que les será sin duda gustosa. También los amantes del vino, de la música, de la tranquilidad…

La fortezza lleva el nombre de los Medici porque fue construida por estos, entre 1561 y 1563. No es hito, por lo tanto, del esplendor de la historia de Siena, sino de su decadencia. Ya debilitada, Siena había hecho lo posible por oponerse al dominio de sus vecinos florentinos y de una potencia emergente que amenazaba toda Italia: la España de Carlos V. Las fuerzas de Carlos habían tomado la ciudad en 1548 e iniciado la construcción de una ciudadela defensiva, que fue destruida muy pronto, cuando los sieneses retomaron el control de su ciudad.

Parecía atajada la pesadilla del control extranjero, pero llegó la paz de Cateau-Cambresis, y entonces Siena perdió el apoyo de su gran aliado, Francia. La ciudad pasó a manos de Florencia, aliada de España. Y los Medici erigieron la enorme Fortezza Medicea para evitar cualquier rebelión.

Siena nunca volvió a ser independiente, aunque la fortaleza se mantuvo militarizada hasta el siglo XVIII. Hoy es un parque público, sede de conciertos y festivales y exposiciones de arte. Hay allí una estupenda enoteca donde probar los excelentes vinos de la región.

La Pinacoteca Nazionale, un templo de la pintura.

Los amantes de la pintura no pueden dejar atrás el principal museo de la ciudad, pues allí se conserva lo mejor, lo más granado de la encantadora Escuela de Siena. La Madonna dei Fracescani y obras obras de Duccio, el Agostino Novello de Simone Martini, las Dos Vistas de Pietro Lorenzetti, la Adoración de los pastores de Pietro da Domenico. Un recorrido completo que abarca el período comprendido entre los siglos XIII y XVII.

Las pinturas sienesas son líricas, delicadas y simbólicas. La escuela de Siena, dicen los libros de historia del arte, se mantuvo más apegada a la influencia bizantina. Esos omnipresentes fondos dorados. En realidad, aquellos ávidos pintores bebieron de todas las fuentes que tuvieron a su alcance. En sus cuadros se puede ver el minucioso detallismo del Gótico Internacional, la contundencia compositiva de Bizancio, la incipiente búsqueda de realismo de sus vecinos florentinos. Y una sensibilidad poética que debe darla la tierra. En resumen, maravillas únicas, como esta.

Las huellas de Santa Catalina, en su casa natal y en la iglesia de Santo Domingo.

Como todas las ciudades, Siena tiene su patrona, que en sucaso no es una más. Catalina Benincasa nació en una familia numerosa (numerosa es poco: fue la hija número 23 del matrimonio de un tintorero y la hija de un poeta). Fue desde pequeña –y hay que entenderla– una niña rara, refugiada en sí misma y amante del silencio. Pocas salidas tenía en aquel mundo más allá del hábito, y a ese objetivo se consagró hasta que su padre desistió de casarla. Siendo aún muy joven, Catalina entró en la Orden Tercera de los Dominicos.

Si hacemos caso a las fuentes, Catalina debió ser una personalidad genial como pocas. Entre visiones y estigmas, y sin venir de una familia poderosa, tuvo tiempo de cartearse con los principales líderes de la Europa de su tiempo. Les intentó persuadir –difícil empeño– de los beneficios de la paz.

En una visita a Avignon como embajadora de la República de Florencia dicen que consiguió convencer al Papa, Urbano VI, de volver a Roma y poner punto final al Cisma de Occidente. Murió en Roma en 1380 y fue enterrada en Santa María sopra Minerva, aunque su cráneo se llevó a Siena y se conserva en la iglesia de Santo Domingo. Casi un siglo después fue canonizada por el también sienés Pio II (Enas Silvio Piccolomini, del que enseguida hablamos). Catalina es patrona de Siena, decíamos, pero es también co-patrona de Italia, co-patrona de Europa y Doctora de la Iglesia.

Junto a su casa natal se construyó un Santuario. Hoy se puede visitar la celda en la que dormía y, quizá, tramaba sus planes de paz. Donde intentó arreglar aquella –en palabras de Mújica Laínez– Europa frenética, huérfana de Dios.

El Palazzo Piccolomini y el Museo delle Tavolette.

El más imponente de los palacios de Siena lo construyó la familia del más exitoso de los sieneses del Renacimiento: los Piccolomini: Eneas Silvio Piccolomini, el papa Pío II. Uno de los mayores talentos del Renacimiento.

Nacido en una familia noble empobrecida, sus padres lo empeñaron todo para que prosperara de la única forma que podía alguien de su clase: estudiando. Eneas fue destacando por todas las facultades y se ganó la vida de múltiples maneras, entre ellas escribiendo relatos eróticos que se vendieron como autenticos best-sellers. Viajó, hizo contactos, se hizo un hueco en la Iglesia (la otra opción era la abogacía, que no le gustaba) y lideró una facción que abogaba por despojar de poder a los papas, en favor de los concilios.

En 1458 se convirtió él mismo en Papa. Nada podía ser sorprendente en la Italia del Renacimiento. Como pontífice Pío pidió que se olvidaran de todo lo que había hecho y dicho hasta entonces: "no deis más importancia al laico que al pontífice: rechazad a Eneas, acoged a Pío".

Su actividad como Papa fue febril, pero hablemos de su legado material. Eneas había nacido en Corsignano, un aldea desconocida en las cercanías de Siena. Como era poca cosa, decicidió rebautilzarla: Pienza, la tierra de Pío. Y la llenó de monumentos. Hoy es uno de los pueblos más espectaculares de la Toscana.

Con todo, vivir en Pienza no era práctico. Era mejor residir en la capital. Los sobrinos y herederos de Eneas, que nadaban en el lujo, levantaron un nuevo palacio, aún más grande que el de Pienza, en la propia Siena. Se lo encargaron a Bernardo Rossellino, uno de los arquitectos más en boga en Florencia, y este se fijó en lo mejor que se había construido por entonces, los palacios Medici Ricciardi y Ruccellai de Florencia, y el propio Palazzo Piccolomini de Pienza.

El palacio alberga hoy el Archivo Histórico de Siena y un museo de lo más curioso: el Museo delle Tavolette di Biccherna.

La Biccherna era el nombre de la magistratura encargada del control de las finanzas de la república, y tenía una bonita costumbre. Cada año, cuando cerraba las cuentas, encargaba a uno de los artistas de la ciudad que pintara en una tabla de madera (una tavoletta) la cubierta o portada del libro donde se habían hecho todas las anotaciones del año. Esas escenas eran a veces religiosas, a veces cívicas, a veces simbólicas, a veces se dejaban al deseo del pintor.

Por supuesto, estos libros son hoy en día auténticas maravillas. Por dentro, un tesoro documental para los historiadores. Por fuera, joyas de la pintura para el disfrute de todos.

Capítulo 2. Qué ver en las cercanías y dónde alojarse

Desde Siena, con un coche de alquiler, se puede alcanzar en poco tiempo casi toda la Toscana, una región rica en maravillas urbanas y paisajísticas. Está al alcance la región del Chianti, el precioso Val d’Orcia, abundantes pueblos y varias ciudades históricas repletas de monumentos. Damos unas ideas:

• Una excursión a la abadía benedictina de San Galgano, a unos 40 minutos. San Galgano es muy conocida por encontrarse en ruinas y carecer de techumbre.
• Una excursión a la preciosa ciudad de Arezzo, inicio de la Ruta de Piero della Francesca, ciudad monumental y bellísima de la que hace tiempo hablamos aquí en Ruta Cultural.
• Una visita a los más bellos pueblos de la Toscana. En concreto, desde Siena, se pueden visitar fácilmente San Gimignano, Volterra, Massa Marítima, Montalcino, Pienza, Montepulciano y Cortona. Todos estos pueblos son auténticas maravillas: no exageramos.
• Un día dedicado a conocer la paradisíaca región del Chianti, conociendo pueblos como Greve y aldeas como Montefioralle, visitando los viñedos, catando los vinos más conocidos de Italia.
• Un tour por los estupendos baños termales que salpican la región. En este artículo hay mucha información al respecto.
• Por supuesto, a tiro de piedra está también la inigualable ciudad de Florencia. Por si falta algo por ver…

En cuanto a los alojamientos, es mejor optar por uno que no esté en el mismísimo centro histórico, especialmente si se opta por el coche de alquiler para salir de Siena a excursionar. Dentro de la ciudad hay numerosas restricciones de tráfico, y obtener licencias de circulación y aparcamiento puede ser un engorro. Como la ciudad es pequeña, es fácil acercarse a pie a la zona del Duomo y Piazza del Campo desde las colinas circundantes.

Capítulo 3.Ocho consejos para ver Siena como es debido

Terminemos con unos apuntes prácticos –gastronómicos, temáticos, de todo tipo en realidad– para disfrutar más y mejor de la estancia en Siena.

§1. En toda Italia es muy socorrido recurrir a una pizza al taglio como comida o cena improvisada, o como merienda. En Siena también se recurre a ella como postre. En pizzería San Martino venden una modalidad de pizza con nutella para tal fin… En cualquier caso, el taglio sienés es muy apreciado. Son pizzas más crujientes y con menos masa que las romanas o las florentinas. Ideales cuando se va mal de tiempo o para reponer fuerzas a mitad del día.

§2. La Antica Osteriada Divo es la más famosa y con mejor reputación de la ciudad. Número uno en TripAdvisor por su excelente relación calidad-precio. Si quieres pagar un poco más, son muy recomendables la Osteria del Coro y La Chiacchera. La Grotta di Santa Caterina tiene el aspecto de una casa sienesa del Renacimiento, y su carta un menú tradicional y sencillo. Quizá sea el mejor sitio para probar el stracotto (hervido de buey con patatas y salsa de tomate) y los scaloppini de ternera. Tiene excelentes postres y vinos del Chianti. Para disfrutar de la pasta hecha al modo tradicional, lo mejor es la Trattoria La Torre.

§3. No debe uno irse de Siena sin probar sus dos postres más característicos: el panforte y los ricciarelli. Y el Nannini es el mejor sitio para probarlos

§5. Hablemos del Palio. Es la fiesta grande de Siena: carreras de caballos en plena Piazza del Campo. Color, tradición y ambiente. Es un verdadero espectáculo, pero, como todos los eventos que han alcanzado fama mundial (una de los últimas películas de James Bond empieza justamente en Siena, en pleno Palio) atrae cada vez a más turistas. Verlo en directo desde la plaza es casi misión imposible, pues desde primera hora está todo virulentamente ocupado. Y la carrera no dura más de dos minutos. Si te gustan el gentío y la vocinglería, lo disfrutarás. Si prefieres un turismo más tranquilo, no es lo más recomendable. ¡Pero quiero ver un Palio de cerca! No te preocupes. Lee el consejo número cinco.

§5. El Palio no es una costumbre únicamente sienesa. Se celebran carreras similares, a veces idénticas, en numerosos pueblos de la Toscana, de la Lombardía y del Piamonte. No tienen el marchamo de celebrarse en la Piazza del Campo, pero sí la emoción, el color y la historia. En Saracino, en Torrita di Siena, en Micci, en Balestra, en Pescia, en San Paolino, en Rioni di Castiglion Fiorentino o en Marinaro se celebran palios llenos de historia y con mucho –¡mucho!– menos público.

§6. Siena es ciudad de turistas pero, como ya hemos dicho, la mayoría no se quedan a dormir. Vienen de Florencia o de Roma, bajan del autobús, se hacen fotos en la Piazza del Campo, visitan el Duomo, comen y se van. A la hora del atardecer ya quedan poquísimos. En ese momento, acércate al Duomo, aunque ya lo hayas visto. Verás que, cuando el sol se pone y el ocre de la ciudad se tiñe de dorado, cuando dan los últimos rayos en las estatuas y los mosaicos y la fachada entera parece iluminarse en una infinita gama de naranjas, te alegrarás de haberte quedado. Es un espectáculo. Un premio.

§7. Esto es para tí, que lees hasta el final. Además del Duomo, la Piazza y la Pinacoteca, Siena otra joyita artística. Se trata del hospital de Santa Maria della Scala. Es uno de los hospitales más antiguos del mundo, y en su interior, que hoy es museo, hay salas deslumbrantes. Allí se conservan algunos de los frescos más hermosos que se pueden ver en la Toscana. Fueron obra, casi todos, de los pintores de la escuela sienesa. Dicen que en el exterior pintaron maravillas increíbles, pero tristemente se perdieron. Los del interior no. Se pueden ver aún, y muy pocos lo hacen.

§8. Una última cosa. El interior del Duomo tiene un pavimiento que es en sí mismo un obra de arte. Es tan delicado y valioso que, normalmente, está tapado. Los visitantes no pueden pisarlo ni apreciarlo. Sólo se abre una pequeña parte. Sin embargo, en algunos momentos del año, normalmente en verano y coincidiendo con las fechas del Palio, pero también en otros días, y a veces de improviso, los custodios del Duomo retiran todo el cubrimiento, y ese suelo histórico y prodigioso se aprecia en toda su extensión. En esas fechas el precio de la entrada se triplica (de 3 a 9€). Aunque duela, no dudes ni por un momento si merece la pena.

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A Venecia llegan cada día decenas de miles de turistas, pero más de la mitad se van antes de que caiga la noche. Peor para ellos. Sólo ven una pequeña parte de la ciudad, y lo hacen a trompicones. Enojan a los venecianos, que están hartos de ellos. En muchos casos, pecato!, se pierden el tramonto, ni se acercan al Zattere y se van sin saber lo que es un cicchetti.

¿Nuestra recomendación? Dedicar a Venecia no un único día, sino varios. Dormir en la propia isla, pasear por sus barrios menos visitados, frecuentar los lugares más famosos a horas menos concurridas, pasar más de una vez por los mismos sitios, habituarse a los canales.

Capítulo 1. Qué hacer antes de la visita para ir buscando algo más que un selfie en San Marcos

§1. La historia de Venecia está asociada directamente a la del evangelista San Marcos, que llegó a los canales en el siglo IX, desde Alejandría. Es un historia envuelta en leyendas y sin duda llena de exageraciones, pero merece la pena conocerla. Hace algún tiempo la tratamos con bastante detalle, así que te recomendamos que empieces por este artículo.

§2. La muerte en Venecia es quizá la más famosa de las novelas ambientadas en la ciudad. Que su tema fúnebre y su ambientación -a ratos- malsana no espanten al lector/viajero, pues quien sepa disfrutarla descubrirá una Venecia oscura y fantasmagórica que se esconde en los reflejos, espejos, máscaras, jardines escondidos, ventanas cerradas y voces invisibles. O en su más famoso medio de transporte, la góndola, que Aschenbach, el protagonista de La muerte en Venecia, compara con los ataúdes.

Y entonces volvió a ver el más prodigioso de los desembarcaderos, esa deslumbrante composición de arquitectura fantástica que la República Serenísima ofrecía a las respetuosas miradas de los navegantes; la liviana magnificencia del Palacio Ducal y el Puente de los Suspiros; las columnas de la orilla, rematadas por el león y el Santo; el fastuoso resalto lateral del Templo encantado, con el portal y el gran Reloj en escorzo, y ante semejante visión pensó que llegar a Venecia por tierra, desde la estación, era como entrar en un palacio por la puerta de servicio, y que sólo como él lo estaba haciendo, en barco y desde alta mar, debía llegarse a la más inverosímil de las ciudades.

En el fondo vale decir que Venecia, como la vida misma, tiene su parte amarga. Quien espere un parque temático debería cambiar de destino. Y, como dice Antonio Escohotado, “el que asume lo amargo de la naturaleza se hace acreedor también a sus virtudes”. Además, La muerte en Venecia es un clásico de la literatura, recomendable también si no vamos a viajar.

§3. La ciudad de los Ángeles caídos, de Jon Berendt, autor de la premiada Medianoche en el jardín del bien y del mal, sitúa entre los canales venecianos una historia detectivesca, centrada en el incendio de la ópera La Fenice en 1996.

§4. Si eres un apasionado de los libros, seguramente te gustará saber que en Venecia tuvo su sede la primera editorial propiamente moderna. Nació por impulso de un humanista irrepetible, Aldo Manuzio, que inventó lo que hoy conocemos como libros de bolsillo y le dio un impulso incalculable a la difusión de la cultura. La imprenta aldina estaba en la plaza hoy conocida como Campo Manin, en el sestriere de San Marco.

§5. El atractivo estético de una ciudad que parece un escenario teatral ha sido aprovechado hasta la saciedad por el séptimo arte. Muchas son las películas que sitúan en Venecia sus finales, muchas veces con muertes dramáticas: véase el trágico final de Casino Royale, o el de El talento de Mr. Ripley. Para una recreación de la Serenísima en sus años de apogeo comercial y marítimo, es recomendable el visionado de Más allá de su destino, la historia de una cortesana que atrae a lo más granado de la república. Es una cinta algo liviana que se recrea en la belleza de los canales y que, por tanto, despertará gravemente las ganas de viajar.

§6. Rousseau escribió lo siguiente sobre los gondoleros:

“Escuchando a los gondolieros venecianos, escuchando las barcarolas venecianas, me parecía como si nunca antes hubiera escuchado cantar”.

Los gondoleros cantaban en una ciudad que ha sido siempre capital de la ópera. Fue, de hecho, el espíritu emprendedor de los venecianos el que la convirtió en un fenómeno de masas. Los teatros donde se representaba eran entonces muy distintos: nada del espectáculo elitista de gente bien vestida al que estamos acostumbrados hoy. Era más bien un fenómeno popular, al que accedían todas las clases sociales, que comían, bebían y comentaban la obra. En la Iglesia de San Mauricio se puede visitar un Museo de la Música con abundantes instrumentos históricos. En la piazza de San Marco es común escuchar a músicos callejeros que, armados de instrumentos de cuerda, representan fragmentos vivaldianos.

§7.. Antonio Vivaldi es el gran nombre de la música veneciana. Autor de decenas de óperas y conciertos, curiosamente escribió la más famosa de todas en Mantua. Para saber más de su vida, no te pierdas este capítulo de This is Opera.

Captítulo 2. Dónde alojarse para evitar aglomeraciones y ver por la calle menos turistas que venecianos

Para conocer una ciudad hay que alojarse en ella misma, y no en las cercanías. No sólo por la incomodidad de los desplazamientos, sino, sobre todo, porque así se pierde uno de los mayores placeres: pasearla cuando ya se han ido los grandes grupos de turistas, cuando sólo quedan sus habitantes habituales. Es un nivel mayor de intimidad que la mayoría de los visitantes se pierden.

Pasear por San Marco tras el caer de la noche, o a primera hora de la mañana, y poder saborear casi solos una copa o un delicioso café en el emblemático Café Florian, es una de esas experiencias que siempre recomendamos, y sólo es posible si nuestro alojamiento está en la propia ciudad.

¿Cuál es la mejor zona? Depende del bolsillo y de los gustos.

§8. El barrio -a partir de ahora diremos sestriere– de San Marco es el más céntrico, y también el más caro. No es nada recomendable en temporada alta. En temporada baja puede serlo más, pero hay que tener en cuenta que la mayoría de tiendas y restaurantes están ahí para los turistas.

§9. Muy cerca están San Polo y Santa Croce. San Polo es una zona fantástica, llena de locales y tiendas. En sus callejuelas medievales se organiza el famoso mercado de pescado de Venecia. Santa Croce tiene menos atractivos turísticos y es mucho, mucho más tranquilo. Allí está La Zucca, uno de los mejores restaurantes de la ciudad, y un buen número de pizzerías asequibles.

§10. Dorsoduro está en el extremo Sur de la ciudad, pero no carece de atractivos. La Galería de la Academia y la collección Peggy Gugenheim están allí. También el Zattere, un lugar fantástico para ir a pasar la tarde. Es también zona universitaria, por lo que está lleno de servicios asequibles y tiene una atractiva vida nocturna. Hay mercado de pescado y verduras y multitud de lugares que visitar. Los que busquen más tranquilidad lo encontrarán algo bullicioso, pues es zona universitaria y habitual zona de marcha. Además, atrae cada vez más la atención de los turistas.

§11. Nos quedan los sestrieri del Norte. En el Noreste está Castello, que se divide en dos zonas: la más cercana a San Marco está igual de aglomerada y debe evitarse; la más alejada es mucho más atractiva, más tranquila y llena de servicios.

Las cercanías de Via Garibaldi hay multitud de lugares tranquilos para disfrutar. San Pietro de Castello es una iglesia fantástica que está siempre vacía, y el Arsenale, donde se organiza la Bienal de Arte, es otro lugar lleno de historia. Si no te importa caminar, este es un lugar fantástico para alojarse.

§12. La última opción es Canareggio, en el Noroeste de la ciudad. Es un sestriere tranquilo, muy bonito y lleno de vida local. Está lleno de tiendas y restaurantes y muy cerca del Gran Canal, pero convenientemente alejado de los circuitos turísticos. Es uno de los pocos lugares de Venecia donde se ven más venecianos que turistas, y eso se nota, sobre todo, en una mayor tranquilidad y en precios más asequibles. En lugares como el Campo Santa Maria Nova es imposible no enamorarse de Venecia, y el Gueto Judío es una zona impresionante y libre de turistas. Canareggio es una de las joyas ocultas de Venecia.

§13. Si estás preparando un viaje para una ocasión especial, nuestra recomendación es Al Ponte Antico. Es un cuatro estrellas situado en un palacio del siglo XIV, a pie del Gran Canal y con vistas a Rialto. Tiene precios elevados, como no podía ser de otra manera, pero no prohibitivos.

§14. Para presupuestos más ajustados hay numerosas opciones en Canareggio. La Locanda Ca’ San Marcuola ofrece precios muy competitivos a sólo doscientos metros de Rialto.

Por último, el Bed & Breakfast Ca’ Fontanea está situado en el Campo dell Beccarie, en el extremo norte de Canareggio. Tendrás que andar un poco más, lo cual no es un problema entre canales venecianos, pero a cambio estarás mucho más relajado y apartado de las masas.

Captítulo 3. Dónde comer para probar los platos típicos y saber lo que es un cicchetti

Probar los sabores típicos y conocer los bares y restaurantes más frecuentados por los locales son otra forma de adentrarse profundamente en una ciudad y salir de los circuitos turísticos más habituales. En Venecia hay una cultura gastronómica rica y variada, de excelentes restaurantes y sabrosas tapas.

La consolidada costumbre de salir a tomar una tapa acompañada de una copita de vino. Las tapas en Venecia se llaman cicchetti. Las hay de todo tipo, aunque las más venecianas son, por motivos obvios, las de pescado. Las llaman marianara: se puede pedir al camariere un cichetti marineto (pronunciado chi-que-ti). También son muy consumidos los cichetii de verduras.

§15. El lugar idóneo es prácticamente cualquier bar abierto poco antes de almorzar o de cenar. El Calle dei Do Mori, en San Polo, presume de ser el bar más antiguo de Venecia, pero por eso mismo es muy concurrido y aparece en todas las guías turísticas. Si hay suerte y no hay mucha gente, conviene visitarlo. Si no, hay otras opciones.

§16. En San Marco está Alla Botte, que suele congregar tambien a grades masas, en este caso de venecianos. Como siempre, ver un alubión de habitantes locales suele ser indicio de algo bueno, y es que los cichetti de Alla Botte son excelentes.

§17. Ai Promessi Sposi, en la preciosa Strada Nuova en Canareggio, es no sólo uno de los mejores bares de tapas de Venecia, sino también uno de los más baratos. Perfecto para cenar tranquilamente tras una larga jornada de turismo. Ya digimos que Canareggio era un lugar perfecto para buscar hotel…

Capítulo 4. Qué ver más allá de lo que hay que ver

La Basílica y la Plaza de San Marcos. El Palacio Ducal. La Galería de la Academia. El Puente de Rialto. Esto es lo que todo el mundo ve. Y por supuesto, no es que no debas verlo. Es que debes ver mucho más si quieres conocer Venecia de verdad.

§17. Cualquiera que visite estos lugares habrá visto lo que hay que ver en Venecia, pero se habrá perdido no pocas maravillas, así como lugares especiales y apartados de los grandes recorridos. Nuestra recomendación, si se dispone de algo de tiempo, es pararse y buscar otras iglesias museos, otras calles y plazas que nos introduzcan en otra Venecia. Una más real.

§18. La Scuola di San Georgio dei Schiavoni, en Castello, conserva siete impresionantes paneles obra de Vittore Carpaccio, del siglo XVI. Es una pequeña maravilla que dejan atrás la mayoría de los viajeros.

§19. El gueto judío de Venecia es el más antiguo de Europa. Fue creado por orden de los papas, para recluir a la pudiente comunidad judía de la ciudad en el siglo XVII. Se aprovechó un islote de Canaraggio que sólo disponía de dos entradas, y el hacinamiento de la comunidad llevó a la construcción allí de los edificios más altos de la ciudad. Hoy afortunadamente carece de su sentido histórico, pero sigue siendo un lugar repleto de historia y con un encanto muy especial.

§20. La iglesia de San Salvador, de fachada barroca e interior renacentista, conserva en su interior dos Tizianos, la Anunciación y la Transfiguración, y una Cema en Emaús de Giovanni Bellini. Situada entre San Marcos y Rialto, y sin coste más allá de los céntimos que requiere la iluminación de los cuadros, debería ser visita obligada para todo amante del arte.

§21. San Giacomo dell’Orio es una viejísima iglesia románica que empieza a enamorar desde el exterior, pero cuya verdaderas maravillas están colgadas de sus paredes. Cuadros del Veronés, de Francesco Bassano o de Lorenzo Lotto la convierten en un pequeño y selecto museo de techo de madera y columnas de mármol verde traídas por los venecianos tras saquear Constantinopla.

§22. Acudir a una ópera en La Fenice requiere mucha antelación, pero, si no hay suerte, es posible visitar el museo durante el día en cómodas visitas guiadas. A los amantes de la música les gustará también Musica a Palazzo, un modo verdaderamente interesante de disfrutar de grandes óperas en el marco de un lujoso palacio veneciano: el Palazzo Barbarigo Minotto.

§23. Sea como sea nuestra visita, conviene reservar entradas o bien encargar visitas guiadas a los lugares más reconocidos de la ciudad: la Basílica de San Marcos es un conglomerado de arte e historia que pasará desapercibido a menos que vayamos bien aconsejados; la Galería de la Academia conserva maravillas del arte occidental que brillarán más a la luz de una buena explicación.

§24. Murano, Burano y Torcello son tres islas llenas de encanto y a muy poca distancia. En una mañana se pueden visitar y merecen mucho la pena: la primera por su cristal, la segunda por su color y la tercera por su tranquilidad y su belleza.

§25. Para descubrir esa otra Venecia más difícil de descubrir, recomendamos las visitas guiadas de L’altra Venezia. Originales, documentadas y de calidad.

Capítulo 5. Dónde comprar recuerdos que signifiquen algo

El que quiera traerse un recuerdo de su viaje que vaya más allá del típico souvenir, aquí tiene una pequeña selección de tiendas. Lo mejor es alejarse de San Marco y rebuscar en lugares menos concurridos.

§25. En el sestriere de Castello se encuentra la librería Aqua Alta, que suele figurar entre las más originales del mundo. Es una librería de viejo con un impresionante catálogo de libros en muchos idiomas. Éstos están colocados en bañeras, en góndolas, formando arcos y escaleras… Un lugar muy especial.

§26. En el barrio de Santa Croce se encuentra Arca, tienda y galería de Teresa della Valentina, cuyos objetos de cerámica harán las delicias de cualquiera y serán un recuerdo perfecto que llevarnos de Venecia. Escenas de la ciudad, animales, vegetales, todo con un estilo alegre y a un precio muy razonable.

§27. Legatoria Piazzesi. Una papelería que hará las delicias de los aficionados a los cuadernos, las agendas y los papeles de calidad. Presume de ser la papelería más antigua de Venecia y tiene objetos que son verdaderas obras de arte.

§28. La Bottega dei Mascarieri es una tienda especializada en la venta de tradicionales máscaras venecianas de carnaval. Hechas por un artesano y de calidad. Merecen la pena.

Y eso es todo. Revisa también nuestros otros artículos sobre Venecia y el Véneto. Y si vas a viajar por Italia, tenemos guías similares sobre Florencia, Siena y Nápoles.

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Visitar Córdoba al menos una vez en la vida, debería ser obligatorio. Pasear por sus calles es una garantía de encontrar rincones inolvidables.

Córdoba es sin duda una de las ciudades más bonitas de España. Su historia le ha dejado una impresionante herencia que se puede disfrutar en la mezquita-catedral, en los Alcázares, en su barrio viejo, o cruzando el puente romano al atardecer.

Hay un listado interminable de razones para vivirla. Pero si hay un momento especial para ir a Córdoba es durante el mes de mayo, cuando la ciudad se engalana de primavera.

Encuentra aquí las mejores visitas guiadas que te permitirán conocer de la mano de los mejores, los secretos de la guapísima Córdoba.

Córdoba convertida en un jardín

Cuentan las crónicas históricas que la Córdoba califal era una ciudad plena de jardines, que en nada tenían que envidiar a los jardines colgantes de Babilonia, y algo ha quedado en la ciudad de aquellos lejanos tiempos, un eco que se celebra cada primavera.

El mes de mayo es el mes de las flores, la alegría y las fiestas en la milenaria ciudad de Córdoba. Antes de que empiece la canícula, la primavera se tiñe de colores y las flores inundan cada rincón. Ventanas y casas abiertas, plazas llenas de gente, concursos, música, baile y hasta batallas, pero de flores.

Del uno al cinco de mayo se celebra el concurso de las cruces que animan rincones y plazas cordobesas con música, bailes y ¡flores, muchas flores! Coincidiendo con el final del concurso de las cruces, el día 5 de mayo, tiene lugar en el Paseo de la Victoria una batalla muy peculiar: la Batalla de las Flores.

Carretas adornadas con flores desde las que las «flores más bonitas de Córdoba», sus mujeres, vestidas de faralaes tiran claveles a la concurrencia que se los devuelve con gracia, surgiendo así esta batalla tan singular.

Del 6 al 19 de mayo se celebra el concurso de Rejas y Balcones, que coincide con el de Los Patios, una Fiesta que comenzó a celebrarse a principios del siglo pasado, y en la que los vecinos abren sus casas invitando a admirar esa manera preciosista y popular de engalanar los patios, que tienen en Córdoba.

Y después de una semana de descanso, comienza la Feria, este año 2019 del 25 de mayo al 1 de junio, la fiesta se traslada al ferial para despedir entre bailes y alegría un mes de fiesta.

La fiesta de las cruces

Si dispones de un mes de libertad, este es un buen lugar para disfrutarlo, pero si tienes que elegir y te decides por las cruces, te contamos algunos datos para que aproveches el tiempo

En las diversas plazas y patios de la ciudad se montan cruces adornadas con flores de diferentes formas y donde normalmente suelen montarse barras con mesas y sillas por parte de las Asociaciones de Vecinos, Peñas o Hermandades que se encargan de su organización y donde se puede comer y beber.

En algunas se organizan actuaciones de baile flamenco y en determinados horarios se puede escuchar música y bailar.

Esta fiesta culmina con la entrega de premios a las mejores cruces (hay tres modalidades), Cruces del casco histórico, Cruces en barrios nuevos y Cruces en recintos cerrados.

Te las puedes encontrar en placitas pequeñas, o en pleno centro en la plaza de las Tendillas, en patios, o en recintos cerrados como cines de verano. En Información y Turismo y cualquier hotel, si te alojas en Córdoba te facilitarán un plano de situación de las cruces.

Nuestras recomendaciones hoteleras: el NH Collection Amistad Córdoba y el Hospes Palacio el Bailio

Recomendaciones para disfrutar más de la fiesta de las cruces

A la hora del almuerzo o la cena, suele haber más animación en todas ellas. Si buscas tranquilidad elige cualquier otro horario.

Hacer el recorrido por el centro puede llevar unas tres horas, contando que en alguna os detendréis a tomar algo en las barras que improvisan como bares.

Los barrios de San Basilio, San Andrés, El Alcázar Viejo, o Santa Marina tienen un sabor muy especial, con sus callejitas estrechas donde te recomendamos que mires hacia arriba pues en cualquier fachada verás balcones cubiertos totalmente de flores.

Una batalla muy especial

Entre los días de celebración de las Cruces y la Fiesta de los Patios, se celebra la Batalla de las Flores, simplemente te aconsejamos que participes y luego comiences el recorrido por la especialísima ruta de los patios. Una ruta que puedes seguir por el instinto, en ningún patio que entres te sentirás defraudado.

Fiesta de los Patios, Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad.

En la primera quincena del mes de mayo, Córdoba celebra el Festival de los Patios, (Fiesta de Interés Turístico Nacional y Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad).

Durante el festival se celebra un Concurso que se convocó por primera vez en 1921. Hay varias rutas para visitarlos, la App Móvil Patios & Rutas de Córdoba ofrece el seguimiento de todas ellas, te la puedes descargar y luego podrás consultarla sin conexión a internet.

En los zaguanes de sus casas se refugia el alma de Córdoba, esa que dejó en sus lienzos Julio Romero de Torres. Elijas el recorrido que elijas encontrarás en ellos la esencia de esta ciudad inigualable.

Este año va del día 6 al 19. Los patios que participan abren las puertas a los visitantes durante un horario (de 11 a 14 y de 18 a 22).

Para reconocer dónde hay uno, además de los planos consabidos y la App, os encontraréis dos macetones flanqueando las puertas de las casas que entran en concurso.

Un esbozo de la historia de los patios

Los patios cordobeses son una herencia de las casas mediterráneas que los árabes tomaron como modelo, su distribución se organiza en torno a un patio que procura luz y fresco al interior.

Ornamentado con surtidores y plantas (modelo que lleva a los patios romanos). Con el paso del tiempo recibieron la influencias mudéjar, renacentista y barroca, que cambiaron su aspecto constructivo, aunque en esencia guardan la raíz primitiva.

Modalidades del concurso

Hay dos modalidades en este concurso: de arquitectura antigua y de arquitectura moderna, y entre todos puede haber alrededor de cincuenta patios en concurso.

Además, el festival se complementa con un programa educativo organizado por el Ayuntamiento de Córdoba cuyo objetivo es dar a conocer a los estudiantes la arquitectura y el patrimonio.

Pero no sólo de ver patios se forja esta fiesta, hay además una especie de verbena en el precioso barrio de San Basilio, muy cerquita de la judería.

La asociación de vecinos del barrio pone una barra en un espacio junto a la torre de Belén, y los bares de la calle San Basilio contribuyen con música y venta de bebidas a los grupos de cordobeses y turistas que se reúnen allí.

La entrada para ver los patios de Córdoba es gratuita. En alguno de los patios puedes alojarte y disfrutar de un descanso muy especial, en estos pequeños oasis de verdor y aromas del sur.

Y la Feria

En la última semana del mes se celebra la Feria de Nuestra Señora de la Salud, patrona de Córdoba. Su origen, como el de la gran mayoría de ferias de Andalucía, hay que buscarlo en las antiguas ferias de ganado de la ciudad, que ha pervivido a lo largo del tiempo en forma de fiesta, calles llenas de carruajes tirados por caballos, trajes de flamenca, música de sevillanas.

Así se cierra mayo, el mes cordobés por excelencia, cuando la ciudad se viste de gala recibiendo al visitante con olor a flores, bailes flamencos y el mejor vino de la tierra de calle en calle, es una propuesta sin igual.

Este año del 25 de mayo al 1 de junio, en el recinto del Arenal se dan cita los cordobeses dispuestos a la fiesta, en las casetas abiertas, es decir públicas, por lo que todos los visitantes pueden entrar y salir en cualquiera de ellas, lo que la convierte en una feria participativa a la que todos están invitados.

Durante la semana de feria se celebran en el coso taurino de Los Califas numerosas corridas de toros con las figuras más señeras del momento.

Y además…

La romería de la Virgen de Linares que se celebra el día 12 de mayo, y la romería de Santo Domingo el día 28, son dos citas que se suman a este mes de fiesta cordobesa.

Una extensa red de restaurantes donde saborear la exquisita y variada cocina autóctona, bodegas en las que paladear el néctar de la uva de Montilla-Moriles. Y durante todas las fiestas se celebran actuaciones musicales, desde flamenco a música de cámara y conciertos, entre una variada oferta cultural.

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La Mezquita Catedral de Córdoba es mucho más que un templo. Sobre su solar se lleva invocando a los dioses desde las ancestrales culturas paganas hasta nuestros días. Contenedor y manual vivo de una parte esencial de la historia de España, recorrerla es una mezcla de la sugestión espiritual que provoca el bosque de columnas islámicas, y la perplejidad ante los surcos abiertos para sembrar sobre ellos una foresta muy distinta. Se crea así un maraña que impide la magia de perder la mirada hacia la penumbra. Quedan por suerte espacios donde eso aún es posible.

Entender el edificio y sus distintas etapas no resulta fácil, debido a que su crecimiento no fue sólo el fruto de la necesidad para albergar a una población en aumento. Entre el bosque de columnas siguen como testigos las sensibilidades de sus promotores, los cambios de técnicas y materiales, unos de acarreo, otros originales, y en definitiva el pulso que le fue marcando la historia.

Tanto en el exterior, donde los volúmenes de la catedral cristiana emergen poderosos sobre las sobrias techumbres islámicas, como en el interior, donde se interrumpe la vista de la arboleda de mármol por la aparición de la catedral cristina, y la multitud de capillas laterales, la fusión de estilos complica su lectura.

Por otro lado es probable que la construcción de la catedral cristiana, en el corazón de la mezquita, haya ayudado a salvarla del abandono. Nunca lo sabremos. Lo que sí sabemos es que hoy tenemos una joya única y con esa imagen nos vamos a adentrar en ella.

La utilización de la mezquita omeya por parte de los reyes cristianos comenzó en 1236, tras la conquista de Fernando III. Pero fue en 1523 cuando Carlos V autorizó que se levantara la catedral. De aquella autorización se arrepintió más tarde. Según el cronista J.B. Alderete, cuando el emperador vió las obras comentó con tristeza:

Habéis destruido lo que era único en el mundo y habéis puesto en su lugar lo que se puede ver en todas partes.

La polémica existe desde hace siglos, pero el tiempo ha adaptado el uso del edifico hasta escucharse con naturalidad cómo los cordobeses van a misa a la mezquita. Córdoba es especialista en inmortalizarse de manera admirable sin apenas ruido, lo explica muy bien una frase de Muñoz Molina:

Pensé que tal vez, Córdoba es, en sí misma un zahir, y también un aleph, pues hay lugares en ella que parecen contener, escondida e intacta, la integridad del Universo.

La Mezquita de Córdoba

Cuando Abd al-Rahman I comienza la construcción de la aljama (mezquita mayor o de los viernes) el año 786, Al-Andalus era un emirato dependiente del califato de Siria que tenía la capital en Damasco. Son por tanto sus impulsores transmisores de un arte de influencias sirias que bebió directamente de las fuentes clásicas helenas, y ese poso marcó la estética de la primera fase. El templo se levantó sobre el solar de la iglesia visigótica de San Vicente Mártir que aparece datada desde el siglo V y que ocupaba el lugar de un templo romano dedicado al dios Jano.

Orientada hacia el sur como la de Damasco, ciudad añorada siempre por Abd al-Rahman I, y no a la Meca, tuvo en principio once naves perpendiculares al muro de la quibla, de idéntica anchura, a excepción de las dos de los extremos que son más estrechas, y la central, más ancha, que conduce al mihrab. Este primer mihrab desapareció posteriormente en las siguientes ampliaciones. Las columnas que sustentan estas once naves son reaprovechadas de edificios antiguos y se distinguen con facilidad pues sus capiteles son de clara factura romana o hispano visigoda, y es difícil encontrar dos iguales.

El planteamiento que adoptaron al construir las arquerías, influido por el Acueducto romano de los Milagros de Mérida, es quizá lo más interesante del sistema constructivo. Al alcanzar las naves una altura considerable, utilizaron columnas completas (basa, fuste y capitel), sobre las que apoyaron grandes pilares de sección cuadrada cuyo remate inferior son modillones de rollo (influencia visigoda), mientras que en su parte superior, crecen arcos de medio punto que sustentan un muro por cuyo interior discurre un canalón del tejado (un pequeño acueducto en cada nave). Estos arcos además actúan como tirantes dándole estabilidad al conjunto.

De las cuatro puertas que tuvo esta primera mezquita sólo se conserva una: La Bab al-Wuzara, La puerta del Visir en el muro occidental, hoy Puerta de San Esteban (la más antigua conservada). Su diseño inspirará el Arco de entrada del mirhab de Al-Hakam II.

Abd al-Rahman I no la vió terminada. La continuó su hijo Hisam I quien construyó el primer alminar en el shan, desaparecido en la ampliación del mismo llevada a cabo por Abd al-Rahman III. En el patio permanece señalado el espacio que ocupó (se puede ver en el plano).

Primera ampliación de la Mezquita de Córdoba

Los materiales reutilizados, práctica habitual en todas las culturas, siguen estando presentes durante la ampliación en el año 848 por Abd al-Rahman II; fustes, capiteles, cimacios, etc., visigodos o romanos, pero ya se utilizan algunos creados exprofeso para la obra. Ocho naves más hacia el sur que le obligaron a derribar el muro de la quibla y a desplazar el mihrab. Mihrab que adquiere ahora una importancia mayor y del que quedan como testigos dos parejas de columnas de mármol a cada lado (una negra y otra rosa) del arco de entrada del mihrab definitivo, el de Al-Hakam II.

Diferencia con la primer parte:

1. Levantó en la obra de su bisabuelo Abd al-Rahman I, sobre las naves laterales, es decir en alto, una saquifa, lugar exclusivo para las mujeres.
2. Aparecen columnas y capiteles creados para esta ampliación.

Esta parte del haram fue la que más sufrió por la construcción de la catedral.

La brillante gestión política de Abd al-Rahman II con la que consiguió pacificar sus territorios, hizo prosperar su reino llevando a cabo importantes construcciones por todo Al-Aldalus. Fue durante su mandato cuando Córdoba comenzaría su apogeo cultural con la llegada de libros, maestros de diversas artes como Ziryab, un poeta, gastrónomo, músico y cantante procedente de Bagdad, que introdujo las refinadas costumbres orientales en la corte cordobesa.

Su hijo y sucesor Muhammad I continuó las obras de esta ampliación construyendo una macsura, espacio acotado junto al mihrab buscando privacidad y seguridad para la oración del emir, su familia y su séquito.

Mientras que Abd Allah, uno de sus nietos, construyó un sabat; un paso privado desde el Palacio Califal (hoy Palacio Arzobispal) y la mezquita.

La etapa de Abderramán III en la Mezquita de Córdoba.

A Abd al-Rahman III, primer califa de Córdoba, le debe el califato el comienzo de la construcción de la ciudad palatina de Madinat al-Zahra y otras importantes construcciones. En lo referente a la aljama cordobesa realizó los siguientes cambios:

1. Amplió el sham (patio), y levantó un nuevo muro de acceso al haram (sala de oración), con la intención de fortalecer los empujes de los arcos interiores, dotándolo de riwats (pórticos).

2. Construyó un nuevo alminar de cuarenta metros de altura en la misma dirección que al antiguo. Se conserva una parte dentro de la estructura del campanario que levantó Hernán Ruiz III en los últimos años del siglo XVI. Se puede ver tras el hueco de las campanas al estar pintado de rojo intenso.
3. El mihrab de cuya importancia hablan los restos encontrados en las excavaciones posteriores, muestra la misma planta que tiene el posterior de Al-Hakam II, alejándose ya del típico mihrab islámico que es un simple nicho. Fue el arte omeya el primero en engrandecer este simbólico espacio.

Segunda ampliación de la Mezquita de Córdoba

La ampliación acometida entre los años 961-967 por Al-Hakam II, es la menos ostentosa pero la más sutil, original y profunda de todas las ampliaciones. Fue la culminación del arte omeya en España, junto con Madinat al-Zahra. Consecuencia directa de la etapa de paz y prosperidad que vivía el califato. Gran coleccionista de antigüedades e interesante bibliófilo. La biblioteca de Al-Hakam II fue una de las mayores conocidas en la Edad Media.

Añadió once naves, de nuevo en dirección sur, lo que le obligó a mover el muro de la quibla y a construir un nuevo mihrab y un nuevo sabat. Diferencias con respecto a lo anterior:

1. En el inicio de la nave central de esta ampliación, lugar del mihrab de la etapa de Abd al-Rahman II, se construyó la Cúpula de Villaviciosa, marcando el camino de la vía sagrada que conduce al nuevo mihrab. La gran riqueza decorativa de esta parte del edificio comienza en esta capilla que será donde se instale la primera iglesia cristiana tras la conquista de Fernando III en 1236. Las grandes pantallas de arcos entrecruzados, muros de encaje cuya funcionalidad es el soporte de las cúpulas erigidas en las partes más nobles de la ampliación, son un testimonio del cambio de estilo que sucede en estos momentos.

2. La zona del mihrab es la más rica de todo el edificio. Junto al él, están la Sala del Tesoro, Bayt al-mal y la puerta del sabat. La fachada del mismo y la cúpula que le precede son la parte más preciosa. Una ornamentación exuberante en la que destaca el despliegue de ricos mosaicos realizados por artistas bizantinos, placas de mármol cuyos exquisitos relieves tienen los ecos de la Sala Rica de Medinat al-Zahra, pinturas, celosías, etc., coronados por cúpulas que mantienen una preciosa conversación entre la riqueza ornamental y la funcionalidad, hacen de éste espacio uno de los rasgos diferenciales del arte omeya.

   El gran arco de herradura que da acceso al mihrab bebe de las formas de la Puerta de San Esteban (puerta de la sagrada mezquita de Abd al-Rahman I), y se apoya sobre cuatro columnas, que pertenecieron al mihrab de Abd al-Rahman II en su ampliación. Conservadas intencionadamente por Al-Hakam II, se instalan aquí a pesar de la desproporción con el resto del conjunto. Dos decisiones que hablan del respeto por sus antecesores y de la sensibilidad de este califa.

3. Utilización de Mosaicos. Nada menos que doscientos metros cuadrados de mosaicos desplegados en la magnífica cúpula que precede al mihrab y en la fachada del mismo, así como en las dos portadas adyacentes que dan paso al tesoro y al sabat. Hay aquí una clara mirada a las mezquitas de Damasco y Jerusalén.
4. La macsura es un elemento que aparece por primera vez en el arte omeya en Oriente. Adquiere aquí una exuberancia y monumentalidad justificada por ser la antesala del mihrab. Su espacio se delimita con una celosía de maderas preciosas, y unas pantallas de arcos entrecruzados coronados con tres cúpulas revestidas de ricos mosaicos.

5. Aparecen las cúpulas. Más allá de lo puramente decorativo siempre coronan ámbitos vinculados con lo sagrado y el poder. Pudo haber seis, pero se conservan sólo cinco. Las tres de la macsura, siendo la más espectacular la central, y las de la Capilla de Villaviciosa y la estructura de la cúpula adyacente que cubre la Capilla Real.
6. Se dejan de utilizar prácticamente materiales de acarreo. Talleres califales trabajaron en las piezas utilizadas, apareciendo entonces en la mezquita los capiteles de pencas. Una estilizada abstracción de los motivos del mundo romano y visigodo.

Tercera ampliación de la mano de Almanzor

Un golpe de suerte traducido en el desnivel del terreno hacia el sur y la cercanía del Guadalquivir, hizo que se conservara el magnífico mihrab de Al-Hakam II. Almanzor, que tomó las riendas del califato al ser el tutor del joven heredero Hisam II, se vió obligado a recrecer hacia oriente el edificio. Al norte estaba el sham, al sur el bendito desnivel, y en el lado occidental el Palacio Califal.

Terminaba el siglo X cuando Almanzor llevó a cabo esta ampliación. Era un militar que llevó al califato a una dictadura de tintes populistas sin rastros de la sensibilidad que demostraron los reyes omeyas, y esto se dejó notar en este último añadido. Construyó ocho naves hacia oriente, en toda la longitud del edificio sin más interés que el espacio ganado. El sham lo amplió también en anchura para hacerlo coincidir con el haram. Fue una copia del sistema constructivo primero y no tuvo ninguna aportación ornamental, ni interés alguno en introducir materiales ricos o algún detalle preciosista. Con Almanzor llegó el principio del fin del califato.

Al no derribar el muro de la quibla, el mihrab quedó descuadrado del centro pero intacto, como decimos, y lo único que sufrió de la preciosa mezquita de Al-Hakam II fue el muro oriental, que quedó oculto en esta construcción. Posteriores restauraciones han sacado a la luz algunos vestigios de aquel muro entre los que destacan los restos de las cuatro portadas que nos permiten ver la riqueza de las mismas. La conocida como del Tesoro, y las de los altares de San Juan Bautista, San Sebastián y Santa Marta.

Es fácil reconocer esta última obra:

1. Hay un desnivel pequeño pero suficiente para darse cuenta de que entramos en una zona distinta.
2. Los modillones de rollo donde terminan los pilares de la segunda arcada, aparecen siempre divididos en dos partes.

3. Las techumbres tienen falsas bóvedas, añadidas en la época cristiana.
4. La fachada exterior con siete puertas restauradas por Velázquez Bosco, es lo más destacado de esta ampliación, por la monumentalidad de las mismas.

El comienzo de la Mezquita Catedral de Córdoba

Con las reformas cristianas se fundaron multitud de capillas y altares por todo el interior del edificio, principalmente en los laterales de la antigua sala de oración.

La primera obra que invade el antiguo espacio levantó dos grandes estructuras arquitectónicas, utilizadas como nave y capilla mayor del templo. La primera nave mayor fue erigida en el inicio de la ampliación de Al-Hakam II, donde se construyó una nave gótica cubierta con techumbre de madera en los últimos años del siglo XV. En su extremo oriental se encuentran la Capilla de Villaviciosa -antigua Capilla Mayor- y la Capilla Real.

Pero la obra medieval se quedó pequeña y en el siglo XVI se construyeron la Capilla Mayor, el crucero y el coro. En esta gran intervención trabajaron los maestros Hernán Ruiz I, Hernán Ruiz II y Juan de Ochoa.

A lo largo de la primera mitad del siglo XVII se construyó el retablo mayor, y la preciosa sillería del coro la realizó en 1747 Pedro Duque Cornejo en madera de caoba. De manera que en este espacio singular hay una fusión de arte que va desde la Antigua Roma al Barroco.

En los muros exteriores que el islam coronó con merlones, hay también intervenciones importantes de las distintas etapas cristianas, fáciles de reconocer. Al sur mirando al rio, aparecen las balconadas de época barroca, y extendidas por todo el perímetro aparecen intervenciones como el altar de la Virgen de los Faroles, frente a la Calleja de las Flores, donde se venera una copia de la Inmaculada de Julio Romero de Torres.

Sólo unas líneas para mencionar la importante labor de restauración del arquitecto Ricardo Velázquez Bosco. Aún estando influido por la línea academicista de principios del siglo XX, actuó con una honestidad encomiable y a él le debemos el inicio de la recuperación de este magnífico monumento.

La entrada a la Mezquita Catedral de Córdoba.

La entrada al haram se hace por la Puerta de las Palmas o Arco de las Bendiciones, frente a la mudéjar Puerta del Perdón, ambas en línea con el camino que conduce al mihrab. La Puerta de las Palmas tiene una doble arcada: una exterior con columnas que presentan fustes y capiteles de estilo califal (refuerzo de Abderramán III), y otra interior construida para la primera mezquita cuyas columnas son de origen visigodo.

Las dos columnas con inscripciones latinas, que aparecen a ambos lados del exterior de la primera arcada de la Puerta de las Palmas, son romanas y aparecieron en 1533 al excavarse los cimientos del Crucero de la Catedral. La puerta está coronada por un pabellón realizado en 1553 por Hernán Ruiz I.

Dejamos a continuación un plano con la situación de las capillas, que no está actualizado pues continuamente se añaden elementos nuevos por parte del Cabildo Catedral, pero que en lo sustancial es una ayuda para no perderse en este complejo edificio.

Tres museos completan la historia del templo. Y si nos permitís un consejo amparado en la experiencia; una vez que la entendáis, perderos entre sus arcos sin planos ni datos, y acabar escuchando caer el agua en la Fuente de Santa María, en su viejo sham, es la mejor forma de no decirle nunca adiós.

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El Foro, el Coliseo y el Palatino son los tres grandes conjuntos arqueológicos que se conservan en la ciudad de Roma. Por supuesto hay muchos más, pero estos tres son los más visitados y, podríamos decir, los más importantes. El Coliseo, tanto por su tipología como por su estado de conservación, no necesita demasiada interpretación: todo el mundo comprende lo que en él se hacía y cómo se organizaban sus espacios. El Palatino es más confuso, pero sabiendo que era la zona residencial de los emperadores tenemos muchas dudas resueltas.

El Foro, en cambio, es más difícil. Primero porque no es “el Foro” sino “Los Foros”. Segundo porque a pesar de todo entre “el Foro” (el Foro Romano) y “Los Foros” (los Foros Imperiales) el que no es conocedor de la historia o aficionado a la arqueología no capta muchas diferencias a simple vista, ni en el estado actual ni sobre la función que desempeñaban en la Antigüedad. Y tercero porque, si bien es fácil comprender que una ciudad de gran tamaño tuviera varios foros en diferentes zonas (lo cual es bastante común), los de Roma están –casi– todos juntos.

¿Por qué hay tantos foros en tan poco espacio? ¿Por qué están unos al lado de otros? ¿Su función era siempre la misma, o acaso fue cambiando? ¿Qué diferencia hay entre el tradicional Foro Romano y los llamados Foros Imperiales? A estas preguntas, y a otras, intentaremos dar respuesta aquí, y que este post sirva como una introducción, como una brevísima guía para adentrarse en esa milla de oro de la Roma antigua con las cosas algo más claras. Disfruta más de su viaje el que sabe lo que está viendo, porque el que sabe valora, y el que valora se emociona con las maravillas que tiene delante.

El Foro Romano, centro político de la Roma antigua

Empecemos por el principio. Los romanos, allí donde levantaban una ciudad, trazaban dos vías –perpendiculares la una a la otra–, el Cardo y el Decumano, y a cada una de ellas añadían otras paralelas, secundarias, que configuraban un plano ortogonal. En el centro, donde las vías principales se cruzaban, dejaban un amplio espacio –lo que hoy entendemos por una plaza– presidido por un templo que se consagraba a la tríada capitolina y flanqueado por varios edificios públicos –una basílica, una curia, unos comicios…– dedicados a la administración, a la justicia y a las asambleas.

Y esto era el foro de la ciudad: el equivalente romano al ágora griega. Ni más ni menos que el centro de la ciudad, la plaza donde se encontraban los edificios públicos, donde se cerraban los tratos, donde tenían lugar las reuniones y las protestas.

La gente se levantaba temprano, sin duda, y la mañana estaba ocupada por los deberes del Foro, de la política o de los negocios, pero el sol estaba todavía lejos de descender en el horizonte cuando ya el trabajo se interrumpía y se iniciaba el ocio. Hacia las tres en invierno y las cuatro en verano, el Foro se vaciaba, se cerraban las puertas de las basílicas —a veces era necesario soltar perros para obligar a irse a los rezagados—, los tribunales suspendían la audiencia e incluso los que hacían discursos bajo los pórticos se dirigían en pequeños grupos hacia las termas.

Pierre Grimal. La civilización romana.

Así era, al menos, en las ciudades de nueva construcción o cuando el asentamiento anterior era pequeño y podía reconstruirse casi por completo (en Itálica, en Mérida, en Clunia, en Zaragoza), donde el esquema teórico a veces se cumplía en la perfección. En ciudades que habían tenido un importante desarrollo urbanístico ya no se cumplía tanto. En Roma no se cumplía para nada.

Roma estableció su foro en el valle situado al pie de las colinas palatina y capitolina aunque con el tiempo fue extendiéndose, y casi ocupando, las faldas del del Viminal y del Quirinal.

El Foro, antes de convertirse en el centro político de la floreciente ciudad de Roma a principios de la edad monárquica (mitad del siglo VIII a.C.) se presentaba como un valle pantanoso e inhóspito, en el cual os habitantes del centro dispersos sobre las colinas de las proximidades (Palatino, Campidoglio, Velia) enterraban a sus muertos.

Guía Arqueológica de Roma.

Ese foro, hoy conocido simplemente como Foro Romano, tuvo esos tristes comienzos, pero en una época muy temprana, durante el reinado de Numa Pompilio si hacemos caso a la tradición, ese valle se desecó, se le añadió bajo el suelo la Cloaca Máxima, que canalizaba los torrentes que caían desde las colinas circundantes, se saneó y pavimentó y, lugar central como era al pie de las colinas más sagradas de Roma –el Palatino y el Capitolio–, se convirtió en el lugar natural de reunión y celebración de las diferentes comunidades que componían la ciudad primitiva.

Allí se situaron entonces los edificios principales de gobierno: la Curia, que albergaba las reuniones del Senado, los Comicios, donde se reunían las asambleas populares, el tabularium, que conservaba los documentos del gobierno, el aerarium (erario), que custodiaba el tesoro. También los edificios dedicados a los ritos más ancestrales: el templo y la casa de las Vestales, que custodiaba el fuego sagrado, o el templo de Saturno, la divinidad agrícola que custodiaba el aerarium.

Ese fue el foro de la Roma monárquica y de la Roma republicana, el foro que vio cómo se construían humildes templos de madera en el siglo VII y colosales basílicas de mármol en el siglo I. El Foro que, en la época de César y Pompeyo, se había quedado pequeño, diminuto y ridículo como centro político y social de la ya entonces capital de un imperio.

Los Foros Imperiales de César, Nerva y Augusto

Es entonces, a mediados de ese siglo I a.C. en el que los grandes generales empezaron a acumular poder y riqueza y a poner en jaque a la débil república, en el que da comienzo de verdad la Roma de los Césares, cuando se percibe con claridad la insuficiencia del Foro Romano. Esos grandes generales, que pronto serán emperadores, que conocen bien la magnificencia de las ciudades griegas, que están bien financiados por el expolio asociado a sus campañas, y que necesitan ganarse a la plebe romana y dejar muestra de su magnificencia, inauguran una etapa de constante renovación arquitectónica, desde los precavidos proyectos de Augusto hasta los pantagruélicos proyectos de Nerón, Domiciano o Trajano. Los Foros se multiplican. Y cambian.

Entre los siglos II I a.C. el espacio del antiguo Foro Romano republicano, donde la presencia de cultos antiguos y de edificaciones heterogéneas construidas en épocas diferentes impedía realizar una reorganización urbanística completa, se mostró totalmente inapropiado tanto para las exigencias administrativas como para las de representación, en una ciudad que se había convertido en un vasto imperio.

Guía Arqueológica de Roma

El primero de los Foros Imperiales fue el de Julio César, que invirtió parte de su inmenso botín de la Galia en adquirir terrenos bajo el Capitolio, nivelarlos (comiéndose parte de la colina) y construir un nuevo foro monumental –“mucho más hermoso que el Foro Romano”, en opinión de Casio Dio– que le obligó a derribar la Curia y reconstruirla unos metros más al Sur (de ahí que se llamase desde entonces Curia Iulia). Luego vinieron los foros de Augusto, de Nerva (construido en realidad por Domiciano) y de Trajano.

Los Foros Imperiales aportaron sobre todo una organización más lógica y homogénea de los espacios. Aunque hoy los veamos separados, formaban un conjunto arquitectónico unitario, complejo y suntuoso, aislado del resto de la ciudad y estructurado en torno a cinco grandes plazas porticadas. Sus funciones eran prácticamente las mismas que las del antiguo Foro Romano: el culto (ahora a los emperadores y a sus dioses asociados), la administración y la justicia.

Una novedad fue la separación de esas funciones de las puramente económicas o comerciales, que solían atraer ambientes distintos y menos deseables en zonas que pretendían ser solemnes o sagradas. César, además de su foro, construyó en el espacio del antiguo Foro Romano la colosal Basílica Iulia; Trajano construirá a su vez los Mercados separados físicamente (los separaba una muralla), del resto de su Foro.

El antiguo Foro Romano quedó anticuado, caótico en comparación con estas nuevas construcciones de aire helenístico. La mayoría de sus edificios de época republicana no se conservaron o fueron reconstruidos en época imperial. La Casa de las Vestales fue reconstruida por Domiciano, que levantó un templo a Vespasiano; César construyó una basílica y reconstruyó la Curia; Augusto construyó un templo para César; Adriano construyó un templo colosal dedicado a Venus y Roma y Majencio levantó la mayor de todas las basílicas. Todos quisieron dejar su huella y de ahí el caos que asalta al visitante.

Todo lo contrario en los Foros Imperiales, que son edificios ordenados y coherentes, aunque hoy nos cueste también tanto interpretarlos. En cualquier caso, en ninguno de ellos se aprecia mejor la diferencia –entre el caos y el orden– que en el Foro y los Mercados de Trajano.

El Foro y los Mercados de Trajano

“La madre de todos los foros”, lo llama la profesora Diana E. E. Kleiner, y con razón: el Foro de Trajano –y sólo el Foro, sin los Mercados– ocupaba el mismo espacio que el resto de Foros Imperiales juntos, lo que da una idea de la magnitud de la obra. Fue el último, pues después de semejante proyecto ya ni quedaba espacio donde construir otro más ni la ciudad de Roma tenía esa necesidad.

El siguiente emperador, Adriano, que fue el más aficionado a la arquitectura de todos los emperadores, tuvo que contentarse con construir el templo más grandes del antiguo Foro Romano (aparte, construyó en el Campo Marzio el fantástico Panteón, infinitos edificios a lo largo y ancho del imperio y un gran capricho –la formidable Villa Adriana– en las cercanías de Roma. Pero en el espacio del os foros no tuvo sitio para nada más.

Trajano, que no en vano fue el más laureado de los emperadores, y el más exitoso en la guerra– dejó el valle entre el Palatino, el Capitolio y el Quirinal completamente ocupado por un impresionante continuum de plazas porticadas, templos, basílicas y edificios públicos. Curiosamente coincidió la mayor extensión del Imperio Romano con el mayor tamaño de sus foros. Desde entonces ambos dejaron de crecer.

El Foro de Trajano se articula en tres partes, que se pueden apreciar bien desde la pasarela que las cruza. En la zona más baja está el Foro propiamente dicho, de notable extensión; la parte septentrional estaba ocupada por la enorme Basílica Ulpia, que lo cruza horizontalmente; y en el extremo, asomándose ya a la actual Piazza Venezia, un espacio dedicado al culto del emperador, presidido por un templo y la famosa columna que narra en vertical la victoriosa campaña contra los dacios.

Por si fuera poco, en un de los lados del Foro, en las faldas del Quirinal, Trajano levantó otro edificio espectacular, el de los Mercados, una zona comercial aislada físicamente del resto del conjunto y de la que aún se puede ver bien su estructura, sus espacios dedicados a las tabernae –o negocios– sus callejuelas aún pavimentadas por piedras del siglo II, como la Via Biberatica, y sus miradores. Es la parte mejor conservada y asombra pensar que era sólo eso. Una parte.

Siete consejos para ver los foros

1. Hoy día los diversos foros son espacios independientes, aunque su historia esté irremediablemente unida. Los Foros Imperiales de César, Nerva, Augusto y Trajano no se visitan, excepto en ocasiones especiales o con motivo de las actividades nocturnas que se organizan en verano. En cualquier caso, todos ellos se pueden ver sin problemas desde la Via dei Fori Imperiali (via que, por supuesto, no existía en la Antigüedad: fue construida por Mussolini).

2. Para visitar el Foro Romano hay que comprar una entrada que también da derecho a ver el Coliseo y el Palatino (Foro y Palatino constituyen de hecho un único espacio visitable). Las colas, a media mañana y en fines de semana, pueden llegar a ser significativas, así que nuestra recomendación es verlo a última hora de la tarde, cuando suele haber menos gente, el sol es menos molesto (en el Foro hay pocas sombras) y las vistas son más bonitas.

3. El espacio de los Mercados de Trajano está físicamente separado del Foro de Trajano y sí se visita. La entrada no es gratuita, pero sí muy recomendable. Es un edificio espectacular, colosal, en general muy bien conservado. Es emocionante pasear por alguno de sus espacios e imaginar el ajetreo comercial que tuvo hace dos mil años. Lo mejor: el Aula Grande, sede de exposiciones, la Via Biberatica –con su pavimento romano original– y las excelentes vistas del Foro y el Palatino desde la terraza superior.

4. Además de los aquí descritos, Roma tiene otro Foro muy antiguo, el Foro Boario, dedicado al mercadeo de animales, donde se conservan un par de templos bellísimos y muy bien conservados: el Templo de Hércules Victor y del Templo de Portunus. Están junto a la Boca della Verità y a un paso del Trastevere.

5. Aunque la visita del Foro Romano a pie es emocionante y necesaria para comprender la estructura del lugar y apreciar los detalles, el encanto del lugar se revela también en las vistas que ofrece desde las colinas circundantes. Es fácil dejarse llevar por la imaginación cuando, apoyado sobre las barandas del Capitolio o del Palatino, miramos hacia abajo y recordamos que aquí, y durante un período de tiempo no precisamente corto, estuvo el centro del mundo.

6. Lo recordamos de nuevo: aunque la visita se haga a otra hora, hay que dejar tiempo para pasear por el valle del Foro y apreciarlo desde el Capitolio con las luces del atardecer. En especial, si es posible, hacerlo desde el mirador del tabularium, que hoy forma parte del espacio que conecta los Museos Capitolinos. No hay mejor vista del Foro que esa.

7. Una buena manera de completar la visita es pasearse por las salas del Museo de los Foros Imperiales, que se encuentra en el interior de los Mercados de Trajano e incluido en la misma visita. Incluye piezas encontradas en las excavaciones e ilustrativas maquetas (como la de más arriba) que ayudan a entender el conjunto.

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A la hora de organizar un viaje a la Provenza son muchas las posibilidades, tanto de itinerario como de alojamiento: retiros rurales, escondidos en medio del campo o en pequeños pueblos colgantes; hoteles de diseño en ciudades como Marsella, Niza o Aviñón; o bien ciudades acogedoras, históricas y bien comunicadas que, como Aix-en-Provence, pueden decir orgullosas que lo tienen prácticamente todo. A nosotros nos encanta Aix, como destino en sí mismo y como base de operaciones para conocer la belleza de esta región bendecida en tantos sentidos. Nos gusta tanto que hace poco lo incluimos en nuestras diez escapadas por Europa perfectas para el verano. Por muchas razones:

• Aix está a poco más de media hora del aeropuerto de Marsella, y éste está a su vez excelentemente conectado con numerosas ciudades europeas y españolas (entre ellas Madrid, Palma, Bilbao y Sevilla).
• Es una ciudad de tamaño medio, cómoda y acogedora, con un centro histórico casi completamente peatonal y un agradable clima mediterráneo.
• Está muy bien conectada y a poca distancia de los principales destinos turísticos de la Provenza: Orange, Nimes, Avignon, el Pont du Gard, Les Baux, Gordes, la Abadía de Sénanque… a todos se pueden llegar en excursiones de un día o de medio día.
• Tiene una vida cultural activa, excelentes museos y galerías de arte, teatros, históricos cafés, hoteles con encanto, historia en cada calle.

Qué ver en Aix-en-Provence

Los lugares de Cézanne

Paul Cézanne, uno de los padres del arte moderno, nació, creció y vivió casi toda su vida en Aix, y de su vida y su trabajo quedan muchas huellas en la ciudad: la ruta de Cézanne está marcada con placas de bronce que muestran una letra C.

De las decenas de lugares visitables, hay tres que son especialmente importantes: (1) el Atelier Paul Cézanne no conserva ninguno de sus cuadros pero sí ha preservado su taller tal y como estaba en el momento de la muerte del pintor, con sus herramientas y sus modelos para naturalezas muertas; (2) la casa familiar de Cézanne, la Jas de Bouffan, ha sido recientemente restaurada para mostrarla tal como era en su tiempo; (3) las Carrières de Bibémus son unas canteras situadas a las afueras de la ciudad: allí pintó Cézanne algunos de sus mejores cuadros y muchos lo señalan como el lugar en el que nació el cubismo.

Los grandes monumentos y los pequeños detalles

Hace tiempo hicimos nuestra lista con las diez mejores iglesias del románico francés. Decidimos incluir en ella la cercana iglesia de San Trófimo de Arlés, con su espectacular pórtico de piedra, pero no la Catedral del Salvador de Aix. Podríamos haberlo hecho, pero en las listas nunca cabe todo. Con el tiempo decidimos hacer otra, en esta ocasión solo con los tesoros del románico en la Provenza, que no son pocos, y ahí sí la incluimos.

Lo curioso es que en una recopilación de las diez mejores obras del gótico francés (como esta), o del neogótico (ya habrá tiempo de hacerla), también podría entrar. La Catedral de Aix es un templo que aglutina un amplísimo espectro de historia del arte. No hay estilo arquitectónico que estuviera en boga entre los siglos V y XVIII que no esté aquí representado, así que es especialmente importante dedicarle un buen rato a la visita y, a ser posible, ir provisto de buena información.

• Esta web es un buen lugar donde empezar. El interesado que tenga la suerte de dominar el francés, encontrará al final una buena selección bibliográfica.
• La Wikipedia también ofrece una información básica. Mucho más, como es natural, en la versión en francés.

Pero más que por sus grandes edificios monumentales, que los tiene, Aix es una ciudad que se disfruta desde sus pequeños detalles. Por ejemplo, el antiguo Halle Aux Grains, en la calle Riquelme, es un edificio elegante con un friso en el que las figuras alegóricas del Ródano y el Duranza (su afluente) acaparan la atención y exceden su pequeño espacio para asomarse a la ciudad.

En el Cours Mirabeau, que es la calle más frecuentada de la ciudad, hay numerosos hôtels particuliers, que en español traduciríamos por casas señoriales o mansiones (no por hoteles). Es recomendable el ejercicio de ir visitándolos uno a uno, aunque sólo sea para admirar desde fuera sus fachadas deslumbrantes.

Nuestra favorita es la portada de atlantes del hôtel Maurel de Pontevès (n° 38), hoy sede del Tribunal de Comercio: los dos musculosos atlantes que surgen de la pared con toda la espectacularidad del barroco fueron esculpidos por Jacques Fossé en el siglo XVII. Casi todo el Cours Mirabeau es así y casi todo el centro de Aix está lleno de bonitos pórticos como este, de alegres fuentes, de balcones decorados y detalles en las fachadas.

El Museo Granet y la Fundación Vasarely

Hace tiempo definimos al Granet como uno de los diez museos que hay que ver en la Provenza, y estando en Aix es una visita ineludible.

Así llamado por el pintor del XVIII Francois Marius Granet, natural de la ciudad, conserva una colección que va de la arqueología hasta arte del siglo XX, aunque destaca sobre todo por la pintura italiana, flamenca y francesa.

Curiosamente, las obras de Paul Cézanne en la colección permanente son muy pocas. Nueve en concreto, casi todas secundarias o preparatorias. Auguste-Henri Pontier, que comisariaba las colecciones a finales del XIX, sentía u profundo disgusto por la pintura de Cézanne, y juró solemnemente que ninguna de sus obras entraría e el Granet mientras él siguiese vivo. Fue un error histórico, pero no hay que lamentarse: el museo conserva numerosas joyas, y en la última década, gracias a varias donaciones y a un ambicioso programa de exposiciones temporales, ha pasado de ser un pequeño museo provincial a un contenedor de arte de primera fila.

Los aficionados al arte contemporáneo encontrarán también del mayor interés la Fundación Vasarely, muy cerca de la Jas de Bouffan. Gigantescos cubos y figuras geométricas configuran un edificio único, concebido por el húngaro Victor Vasarely para explorar la fusión entre el arte y la arquitectura. Dentro se exhiben muchas de sus obras.

Qué hacer y dónde alojarse

En Aix se pueden pasar un par de días, o tres, o una semana entera, pues toda la oferta cultural, paisajística e histórica de la Provenza la tenemos al alcance de la mano.

Hay mil opciones para coger el coche o la bicicleta o el tren o el autobus y lanzarse de excursión en excursión:

• A fotografiar, desde todos los puntos posibles, la Montaña Sainte-Victorie, gran musa de Cézanne, y a visitar el castillo de Vauvenargues, donde está enterrado Pablo Picasso.
• A Les Baux, a ver el precioso pueblo colgante pero también Les Carrières de Lumières un espectáculo como no hay otro; y a Saint Rèmy, otra bonita localidad patrimonial famosa por haber albergado en sus últimos años al infortunado Vincent Van Gogh.
• A Nimes y Arles, que conservan algunos de los monumentos romanos más espectaculares y mejor conservados de Europa. Ni más ni menos.
• A Orange, que es igual que las dos anteriores, y Aviñón, que durante siglo medio albergó al Papado y quiso ser una Nueva Roma.
• A Marsella, que está –literalmente– al lado y, después de ser Capital de la Cultura en 2013, tiene museos e infraestructuras recién estrenadas.
• A Gordes, uno de los pueblos más escénicos de la región, y a la Abadía de Sénanque, un monasterio benedictino que a principios de verano, cuando florece la lavanda, es así de bonito.
• A Saint Tropez. A Antibes. A Cannes. A cualquier sitio de la Costa Azul.

Nada mejor que empezar el día en el Negre Coste y salir a desayunar café y croissans al Deux Garcçons, donde lo hacían Cézanne y Zola (amigo del pintor, aixois como él) y unos años después, Hemingway, y allí, tranquilamente, planificar el día, hablar de Cézanne y de Zola y de Hemingway, y de las cosas que hay que en esta preciosa región de la Provenza.

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Filippo di Ser Brunellesco, dice Giorgio Vasari al comienzo del capítulo sobre Brunelleschi de sus Vidas de los más célebres artistas, era esmirriado de aspecto, pero tan alto en intelecto que puede ser dicho de verdad que el cielo nos lo envió para dar forma nueva a la arquitectura, que había estado perdida por cientos de años.

Más aún que en los casos de Bernini en Roma, Palladio en Vicenza, Wren en Londres o Schinkel en Berlín, el aspecto de Florencia cambió de forma radical por mediación de este genio esmirriado de alto intelecto, y su influencia en los arquitectos que le sucedieron fue tal, que pasear por Florencia en busca de los edificios de Brunelleschi no es sólo admirar su imponente –pero elegante, siempre mesurada– arquitectura, sino adentrarse en una época apasionante, de cambios profundos y trascendentes. El gran arquitecto y teórico Leon Battista Alberti dijo que “la belleza consiste en la interrelación del tamaño y la forma de todas las partes, de modo que nada pueda añadirse ni quitarse sin destruir la armonía del conjunto”. Alcanzar ese equilibrio fue el mayor afán del Renacimiento, creador de un lenguaje verdaderamente clásico. Y su primer impulsor fue Filippo Brunelleschi.

Nació en 1377. Hijo de un artesano, empezó a ganar fama en el ámbito de la orfebrería y a prosperar dentro del gremio del que formaban parte los artesanos, el de la seda (el arte della seta).

Filippo, que era muy capaz de múltiples maneras, ejercitó muchas profesiones, antes de que personas cualificadas lo juzgaran como arquitecto muy bueno

Hombre del Renacimiento, espíritu curioso e investigador, fue de hecho orfebre, herrero, ingeniero y escultor, además de arquitecto. Uno de sus mayores logros fue el descubrimiento de las reglas que permiten la representación pictórica de la perspectiva, una auténtica revolución que mantuvo ocupados a los pintores florentinos durante todo el siglo XV:

Puso mucha atención en la perspectiva, que estaba entonces mal ejecutada por causa de muchos errores que se hacían; pasó muchas horas, hasta que encontró un método por el que puede parecer ser verdad y perfecta, a saber, el de mostrarlo con planta y perfil y por medio de líneas que se cortan en un punto, que era algo verdaderamente muy ingenioso y útil en el arte del dibujo. […] Él la enseñó, particularmente, al pintor Masaccio, joven y su amigo, que usó bien este arte que Filippo le mostró, pues es evidente de los edificios pintados en sus trabajos.

En 1402 la Signoria de Florencia organizó un concurso para la decoración de las puertas del nuevo baptisterio de la ciudad, concurso que ganó Lorenzo Guiberti (él y Filippo nunca se llevarían bien) y al que se presentaron también Brunelleschi y su buen amigo Donatello. El proyecto de Brunelleschi puede verse aún en el Museo del Barghello; el de Ghiberti, que fue el ganador, en las puertas del Baptisterio. Decepcionados, Filippo y Donatto se embarcaron entonces en un viaje cuyas consecuencias precipitaron la llegada del Renacimiento:

salieron de Florencia y fueron a Roma, en donde, viendo la grandiosidad de los edificios y la perfección de los templos, Filippo se quedaba parado como un hombre fuera de su mente. Y tomaba medidas para las cornisas y sacaba las plantas de esos edificios, y ni él ni Donato guardaron de trabajar continuamente, ahorrando tiempo ni gastos. No había lugar, ni en Roma ni fuera en la Campiña, donde no salieran a visitarla, ni nada bueno que no midieron y encontraron.

Fue un viaje crucial porque ese estudio de los edificios clásicos trajo consigo la recuperación de su lenguaje, de sus proporciones “a la medida del hombre”. El intento de imitar el arte antiguo y la conciencia de haber “superado” los siglos “oscuros” de la Edad Media (cuyo concepto mismo nacerá ahora) es una parte clave Renacimiento, incluso si el tono de Vasari exagera la ruptura. Como dijo Panofsky, a los coetáneos de Leonardo, Rafael y Miguel Ángel, las obras griegas y romanas les parecían tan modernas como las de sus artistas contemporáneos. Fue un fenómeno nuevo, y único, pues nunca más se ha vuelto a producir.

Pero basta de introducción. Quien quiera seguir en Florencia los pasos del genio esmirriado que precipitó el Renacimiento, deberá hacer las siguientes paradas.

El Hospital de los Inocentes

El primero de los grandes trabajos de Brunelleschi le fue encargado, en 1419, por el Arte della Seta, el poderoso gremio de los mercaderes de la seda del que formaba parte. A pesar de que en esas mismas fechas andaba Filippo enfrascado en la preparación de otro gran proyecto –su obsesión: la nueva cúpula del Duomo–, fue capaz de diseñar un edificio revolucionario, de aspecto relajado y clásico, carente de ornamento –los tondi azules que adornan las columnas estaban vacíos hasta que Andrea della Robbia, en 1490, los llenó de figuras de niños–, que puede considerarse el primer edificio propiamente renacentista.

El Ospedale debe a Filippo el pórtico y dos de sus cuerpos: la iglesia, en la parte izquierda, y los dormitorios, en la derecha, además del claustro original. Es un prodigio de sencillez y finura en el que más adelante se mirarán los otros dos edificios que completan la piazza della Santissima Annunziata: la Basílica de la Santissima Annunziata, de Michelozzo y Leon Battista Alberti, y la Loggia dei Servi di Maria, de Antonio da Sangallo y Baccio d’Agnolo. El Museo Nazionale Alinari della fotografía, en la plaza de Santa Maria Novella, y el Ospedale del Ceppo en Pistoia se inspiraron también, directamente, en el Ospedale de Brunelleschi.

Incluso a simple vista se percibe la armonía matemática que lo compone. La misma distancia determina el alto de las columnas, la distancia que separa unas de otras y el espacio entre la columnata y el pórtico. La horizontalidad y la racionalidad del edificio llevaron al historiador del arte Friedrich Antal a afirmar que este hospital fue la más moderna realización burguesa de la arquitectura florentina.

Merece la pena entrar, pues dentro hay un bonito museo con una más que decente pinacoteca, la Pinacoteca dello Spedale, que tiene obras de Piero di Cosimo, Luca della Robbia, Domenico Ghirlandaio y Sandro Botticelli.

La Cúpula del Duomo

Y el cielo quiso, ya que la tierra había estado por tantos años sin ninguna mente suprema o espíritu divino, que Filippo dejase al mundo el más grande, el edificio más alto, y más hermoso que fue hecho en épocas modernas, o incluso en la antigüedad.

Brunelleschi alcanzó la fama y la categoría de genio absoluto del Renacimiento por el ingenio que le permitió cubrir la catedral florentina, Santa Maria del Fiore, con una enorme cúpula autoportante, hecha de ladrillo, y levantada con técnicas tan innovadoras, que cuando presentó por primera vez su proyecto ante los encargados del concurso éstos lo tomaron por loco.

Convencerlos se hizo especialmente difícil porque Filippo nunca permitió que nadie viera sus planos ni sus maquetas. De hecho, una vez construida la cúpula, los destruyó, y las técnicas utilizadas se convirtieron en un misterio que sólo recientemente ha sido desvelado. El interesado disfrutará este video, este artículo o este entretenido libro de Ross King, que reconstruye todo el proceso.

La cúpula de Santa Maria del Fiore sigue siendo uno de los inventos más impresionantes del Renacimiento. Su construcción duró 16 años y desafió a todos los constructores y artistas de la época. Y es que además del propio ingenio de la cúpula, Filippo inventó una completa gama de maquinaria para hacer posible su construcción, y un barco con hélices que traía los materiales por el Arno. Muchas de estas invenciones pueden verse hoy en el Museo dell’Opera del Duomo, uno de los mejores museos de Florencia. Y todo ello le valió la admiración de sus contemporáneos y, un siglo después, estas palabras de Vasari:

puede ser dicho con confianza que los ancianos nunca alcanzaron tanta altura con sus edificios, y nunca se expusieron a tan gran riesgo intentando desafiar los cielos, porque esta obra parece en verdad desafiarlos, considerando que se levanta a tal altura que las montañas de Florencia que la rodean parecen no tan altas.

Vasari suele exagerar, pero en este caso no lo hace: la cúpula de Brunelleschi es más grande que las del Panteón, Santa Sofía, el Vaticano o San Pablo de Londres. Nunca se construyó una cúpula mayor con ladrillo y mortero. De hecho, nunca se construyó una cúpula mayor hasta el siglo XX.

La Basílica de San Lorenzo

En 1418, coincidiendo con la construcción del Ospedale y los primeros proyectos para la cúpula, ocho familias florentinas decidieron reconstruir la vieja iglesia de San Lorenzo, otrora catedral de la ciudad, y quisieron hacerlo de forma tan grandiosa que pudiera rivalizar con los edificios de la Antigüedad (ahora que tales cosas empezaban a ser concebibles)

El proyecto no se inició hasta 1421, y al final fue financiado íntegramente por una sola familia: la de los Medici. La historia de San Lorenzo es la del ascenso de esta gran familia florentina y la de de cómo ese ascenso empezó a manifestarse monumentalmente en el aspecto de la ciudad. Por supuesto, el arquitecto encargado de la construcción terminó siendo el más rompedor del momento: Filippo Brunelleschi.

La basílica de San Lorenzo fue revolucionaria para la historia de la arquitectura de un modo que se nos nace evidente cuando contemplamos su interior, aunque no sepamos identificarlo. Es un templo construido al modo de las antiguas basílicas romanas, levantado sobre una monumental columnata coronada de arcos de medio punto, pero de una altura nunca antes vista.

Cuando los arquitectos, a lo largo del siglo XIII, abandonaron el estilo románico y empezaron a utilizar el gótico, buscaban, primero y sobre todo, que los edificios fueran más altos. Lo consiguieron con la invención del arco ojival, que permitía nuevas aventuras verticales y también nuevas proporciones y un nuevo protagonismo de la luz, que se bañó de colores y le dio a los templos un aspecto sobrenatural. El viejo arco de medio punto, más armónico pero menos flexible, quedó abandonado. Hasta ahora.

Brunelleschi alcanzó en San Lorenzo alturas propias del gótico sin recurrir al arco ojival, y sin perder el clásico sentido de la proporción. Lo hizo mediante una aplicación matemática de las proporciones como la que había ensayado en el Ospedale, y mediante la agregación, sobre cada una de las columnas de la nave central, de un entablamento completo, que eleva varios metros la altura sin romper el sentido del ritmo y de la proporción. A pesar de que San Lorenzo se terminó tras su muerte y que en algunos detalles (sobre todo en las capillas laterales) sus planes iniciales fueron alterados, contemplar la inmensa basílica sigue siendo una experiencia sobrecogedora; no del tipo sentimental, espiritual y apabullante de las catedrales góticas, sino de una manera nueva, racional y armónica.

La Sacristía Vieja de San Lorenzo

Mientras se iniciaba la construcción del Ospedale y los florentinos se empezaban a convencer de que la cúpula del Duomo podía verdaderamente construirse y mientras diseñaba los planos de San Lorenzo, Brunelleschi tuvo tiempo de levantar la Sacristía Vieja en la misma basílica, así llamada desde que, un siglo después, Miguel Ángel construyera la Sacristía Nueva al otro lado del transepto.

Fue este el único trabajo de Brunelleschi que pudo terminar en vida, y por tanto el que más directamente controló. No sorprenderá que sea una de sus obras más puras, la que mejor refleja su paradigma de armonía geométrica y elegancia lineal.

Todo está allí compuesto a base de dos formas básicas: el cuadrado y el círculo, y de dos números, el tres y el cuatro, que se repiten en toda la composición. La luz entra a través de doce (tres por cuatro) ventanas circulares en la base de la cúpula y la decoración, ejecutada por Donatello, se encarga de complementar y expandir las líneas marcadas por la arquitectura. La estructura del edificio, los secretos que hacen su ritmo armónico, la relación entre las partes… no hay truco ni magia escondida, sino que todo está a la vista. Incluso hoy sigue siendo un edificio increiblemente moderno.

La Basílica del Santo Spirito

El Santo Spirito fue uno de los últimos proyectos de Brunelleschi y cualquiera que lo visite percibirá grandes similitudes con la basílica de San Lorenzo. La misma serenidad, la misma racionalidad, la misma armonía. No cuesta entender, visitando estos dos edificios, la rapidez con la que el lenguaje de la arquitectura evolucionó hacia el manierismo y el barroco: el camino abierto por Brunelleschi se antojó pronto imposible de superar.

El Santo Spirito se empezó a construir en 1444, tras un incendio de la antigua basílica. Cuenta Vasari que el proyecto inicial consistía en reorientar la fachada de la iglesia hacia el Arno, de forma que “todos los que pasaran navegando desde Génova, de la Riviera, de Lunigiana, y de las tierras de Pisa y de Lucca, pudieran ver la magnificencia de ese edificio”. Pero tal proyecto requería expropiar y demoler numerosas viviendas y finalmente no se llevó a cabo.

Como San Lorenzo, esta basílica tiene toda la belleza concentrada en el interior. Su planta basilical, con 35 columnas, arroja la misma sensación de racionalidad y unidad que aquella. Esta es si acaso más luminosa, más nítida aún, con esa luz que entra desde la parte superior de la nave central y se basta para iluminar todo el edificio. Una luz uniforme, ya sin colores, alejadísima de aquella luz del gótico que pretendía traer la magia de una realidad alejada de la vida terrenal. La luz de Brunelleschi sirve justo para lo contrario: para permitir al hombre medir el edificio, captar sin obstáculos sus líneas y estructuras, admirar el genio –terrenal, humano– que lo hizo posible. Dice Vasari que “sería imposible hacer un trabajo más rico, más encantador, o más agraciado que aquél”.

La Capilla Pazzi en Santa Croce

Una pequeñísima capilla a la que se accede desde el claustro de la basílica de Santa Croce fue el último de los grandes trabajos de Brunelleschi en Florencia, y también uno de los más avanzados.

Tuvo que adaptarse, por encima de todo, a un espacio mínimo, que se hace patente en el interior y que recuerda a la Sacristía Vieja de San Lorenzo. Mezclando la piedra al descubierto, la blancura de los muros y la policromía cerámica de los frisos y las pechinas, queda, otra vez, meridianamente claro el sistema de módulos empleado para conseguir la correspondencia armónica de todas las partes del edificio. Por otra parte, la convergencia de todas las líneas hacia la cúpula central hacen que el espacio parezca mucho mayor de lo que es.

El exterior es otra maravilla. Un pequeño pórtico de seis columnas que resultaba completamente nuevo, mezcla genial de la arquitectura romana, de la que toma el arco central, y de la griega, basada en columnas adinteladas como las que flanquen eel arco. La armonía de los módulos, que siguen la proporción áurea, las pilastras corintias del friso, que reflejan las del piso inferior, todo contribuye a reforzar esa sensación de que “todo está en su lugar”, a la vez que abre puertas e inaugura las ideas que arquitectos como Alberti, Sangallo o Palladio extenderían por Italia en las décadas siguientes.

Me parece a mí, que puede ser dicho, que desde los Griegos antiguos y Romanos hasta ahora no ha habido un maestro tan extraordinario y excelente que Filippo.

La ruta de Brunelleschi es a la vez un deleite para los sentidos y un viaje por la historia; un paseo que ayuda a comprender el germen de un cambio estético que terminó afectando a toda Europa. Pocas ciudades pueden ofrecer un espectáculo semejante.

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