Se cumplen quinientos años de la muerte en Roma de Rafael Sanzio. Nació en Urbino, en abril de 1483. En su breve vida, sólo treinta siete años, el maestro del alto Renacimiento italiano tuvo tiempo de dejar una prolífica obra que es imprescindible para entender, no sólo las claves del clasicismo, sino las de muchos pintores posteriores.

Sus restos descansan por deseo propio en el Panteón de Agripa de Roma bajo un epitafio que resume el alcance de su obra:

Unas líneas sobre la vida de Rafael de Sanzio

Aclamado en vida como arquitecto, diseñador y pintor, creció como artista en Florencia, Roma, Urbino y Perugia (a las órdenes de «Il Perugino», cuya influencia en su obra fue notable).

Trabajó bajo el mecenazgo de los más influyentes de su tiempo como la corte de los Montefeltro de Urbino, para quienes trabajara su padre, como pintor y poeta, y fue bajo el apoyo de los papas Julio II y León X cuando gozó de reconocimiento y lujos, ya en su época romana.

Contemporáneo de Leonardo da Vinci y Miguel Ángel compuso con ellos una especie de triunvirato artístico nunca más repetido en la Historia del Arte. Fue también contemporáneo de una pléyade de genios italianos como Bramante, Antonio da Sangallo el Joven, Bellini, Giorgione, Tiziano o Tintoretto. Nombres que son sólo la parte más visible de una época irrepetible.

La obra de Rafael Sanzio en el mundo

Para recorrer la estela de Rafael de Sanzio hace falta un largo viaje. Sus obras se encuentran repartidas por diversos museos del mundo. Claro que es en Italia donde se conserva la parte más densa de su obra.

En Roma la cita con Rafael está en El Vaticano, en la Galería Borghese, en la Galería de Arte Antiguo, en la Galería Doria Pamphili, o en la Villa Farnesina en el Trastevere romano. En Florencia hay obras en Galería Ufizzi y en el Palacio Pitti. También lo encontramos en el Palacio Ducal de Urbino, en el Museo de Capodimonte de Nápoles o en la Pinacoteca de Brera en Milán, entre otros lugares del país.

Fuera de Italia hay obras en el Louvre parisino o en el Museo Condé de la ciudad francesa de Chantilly. En la National Gallery, de Londres. En el Hermitage de San Petersburgo. En la Alte Pinakothek de Múnich, y en la Gemäldegalerie Alte Meister de Dresde. En la Galería Nacional de Arte de Washington y en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York. Y ya en Madrid en el Thyssen-Bornemizza y en el Museo Nacional Del Prado.

Hoy nos acercamos a Rafael Sanzio en una visita al museo de los museos de España: El Museo del Prado. Aunque en los fondos del Museo hay ocho obras de Rafael, sólo hay cinco expuestas. Todas ellas están en la Sala 049.

Obras de Rafael de Sanzio en el Museo Del Prado

Sagrada Familia del Cordero

Esta Sagrada Familia la pintó Rafael en 1507 y es un óleo sobre una tabla de 28 x 21,5 cm.

Durante los cuatro años que Rafael vivió en Florencia, asimiló las influencias de Miguel Ángel y Leonardo. De aquella época es esta tabla que forma parte de una serie de madonnas que representan distintas miradas sobre el tema del amor maternal. Concretamente esta Sagrada Familia bebe de un dibujo preparatorio que hizo Leonardo da Vinci. Estaba destinado para el altar mayor de la Annunciata de Florencia pero no llegó a realizarse.

Las claves de esta obra son la conversación de los personajes, que consigue Rafael con la disposición de los cuerpos y la dirección de las miradas. La sutil sugerencia de un descanso en la huida a Egipto la explica con una escena secundaria en la que se ven unos personajes caminando por un sendero.

La presencia de elementos arquitectónicos no italianos, que aparecen en el paisaje, debió tomarlos de grabados nórdicos. En cuanto a los elementos de botánica, que ocupan el primer plano, tienen una clara influencia de Hans Memling. Rafael conoció la obra de este pintor alemán, miembro de la escuela flamenca, en la Galería de los Ufizzi de Florencia.

El pintor Carlo Maratta compró esta obra para el rey Felipe V en 1724. Estuvo expuesta en el Monasterio del Escorial y de allí pasó al Museo del Prado en 1837.

El Cardenal

Este extraordinario retrato lo realizó Sanzio hacia 1510. Es un óleo sobre tabla de 79 x 61 cm. El protagonista del retrato no ha sido identificado, aunque todo apunta a que sea Francesco Alidosi, cardenal de Pavía asesinado por el duque de Urbino en 1511.

Rafael nos presenta a un cardenal retratado sin adornos. Nos acerca a la psicología del personaje plasmando el porte y la mirada del retratado. Sanzio consiguió con este retrato fijar para la posteridad la imagen de un cardenal del Renacimiento.

Si la potencia de los rasgos del cardenal se quedan en la retina del espectador, las calidades la seda roja de la ropa, de clara influencia de la pintura veneciana, tampoco son fáciles de olvidar.

Su composición triangular entronca claramente este retrato con Leonardo da Vinci y en particular con la famosa Gioconda. Los cuatro años que permaneció en Florencia, cerca de Miguel Ángel y Leonardo, se reflejan poderosamente en la obra de Rafael, dicen que el joven de Urbino era una esponja.

Sagrada Familia con Rafael, Tobías y San Jerónimo, o Virgen del pez

Esta Sagrada Familia salió de las manos de Rafael entre 1513 y 1514 y es un óleo sobre tabla pasada a lienzo que mide 215 x 158 cm.

Mientras San Jerónimo, vestido de cardenal y acompañado a sus pies por el símbolo que lo representa, el león, lee la Biblia Vulgata -que él mismo tradujo-, María sostiene al Niño Jesús sobre el respaldo del trono en el que aparece sentada. El niño deja caer su brazo izquierdo sobre la Vulgata y dirige su mirada, como su Madre, hacia el joven Tobías.

El Arcángel acompaña a Tobías que aparece suplicando un milagro, y lleva en la mano un pez con el que sanará la ceguera de su padre.

En la Antigüedad, la ceguera era considerada un castigo divino y, como tal, era incurable salvo que mediara un milagro de Dios. Rafael de Sanzio refleja el momento de la súplica ante esta bellísima madonna y su divino Hijo, con una composición maestra llena de complejas formas triangulares, rectangulares y diagonales.

La obra que la adquirió el virrey de Nápoles para Felipe IV, pasó por la capilla del desaparecido Alcázar de Madrid. Luego por el Monasterio de El Escorial, para finalizar formando parte de las colecciones del Museo del Prado.

Caída en el camino del Calvario

Esta obra, conocida popularmente como «El Pasmo de Sicilia» porque, fue encargada para el Monasterio de Santa María del Spasimo de Palermo, está fechada entre 1515 y 1516, y es otro óleo sobre tabla pasada a lienzo, que mide 318 x 229 cm.

El cuadro tiene una compleja composición que Rafael diseñó en torno a dos diagonales. Ambas convergen en la figura de Cristo. La historiografía relaciona la composición con los cartones que realizara Sanzio para el Vaticano. Rafael tiene presente al realizar esta obra sus conocimientos de los grabados nórdicos de Durero y Lucas De Leyden.

En torno a este cuadro han circulado algunas leyendas. La más conocida nace del historiador de la época, Giorgio Vasari, que aseguraba que en el traslado a Palermo, el cuadro sufrió un naufragio del que milagrosamente se salvó. Relaciona así Vasari este milagro con el de la venerada imagen siciliana de la Annunziata de Trapani, que en la Edad Media se salvó milagrosamente de otro naufragio.

La expresión de la Virgen de «El Pasmo», de entereza y valor ante el sufrimiento de su Hijo, es una expresión buscada por el artista para reflejar la posición oficial de la Iglesia. Era un mensaje sobre la resignación cristiana y la generosidad de la Madre, que entregando a su Hijo se convierte en una madre universal.

Este cuadro lo consiguió el virrey de Sicilia para Felipe IV. Formó parte del altar mayor de la capilla del Alcázar para pasar después a la colección del Prado.

Sagrada Familia, conocida como la Perla

El sobrenombre de La Perla, según la tradición oral, le viene a este óleo sobre tabla de 147,4 x 116 cm., realizado en 1518, de la exclamación de Felipe IV al verla por primera vez. Ante el magnífico regalo de don Luis de Haro comentó: ¡He aquí la perla de mis cuadros!

La Perla estuvo en El Escorial hasta que las tropas francesas se la llevaran a París en 1813. Fue devuelta en 1818 al Monasterio y en 1857 pasó a la colección del Museo del Prado.

La escena, de composición piramidal, bebe de influencias leonardescas. Representa a María que abraza a su madre Santa Ana, que aparece muy meditativa. Mientras San Juan y Jesús, dos preciosos niños, interactúan entre miradas y ofrendas de frutas. La escena enmarcada en un fondo de paisaje, es observada por San José desde una ventana que aparece a la derecha del grupo.

La Perla esta considerada como obra de madurez. Faltaban sólo dos años para el fallecimiento del artista. La muerte le aguardaba a pocos meses del calendario. Agotado por el volumen de trabajo, cuenta Vasari que falleció por sus excesos amorosos con su amante La Fornarina. Aunque le demos credibilidad al comentario de Vasari, hubo también al parecer, algunos fallos médicos.

La obra fue analizada con reflectografía, descubriendo entonces que hubo cambios importantes sobre el dibujo previo, posiblemente destinados a restarle serenidad, para aportarle más tensión a la composición.

Esta es una obra en la que participan el maestro y su taller. A los expertos les cuesta mucho discernir hasta dónde llega la mano del maestro y dónde está el trabajo del taller.

Sagrada Familia del roble

Fechada entre 1518 y 1520, esta tabla de 144 x 110 cm., trabajada en óleo, se la regaló Niccolò Ludovissi a Felipe IV en 1640. Estuvo en el Monasterio de El Escorial en 1667, hasta que pasó a formar parte de la colección del Museo del Prado.

En una composición diagonal, la Sagrada Familia aparece protegida por un roble. El árbol, que le da nombre al cuadro, separa la escena principal del paisaje del fondo y de las ruinas de las Termas de Caracalla que se ven a la izquierda.

Mientras San José y la Virgen, apoyados en una ruina clásica, miran con ternura al niño, éste les devuelve una mirada juguetona y feliz. Junto al niño, San Juanito extiende un rollo con la inscripción Ecce Agnus Dei: «Este es el cordero de Dios». Esta frase hace referencia a la Pasión de Cristo quien se entregará en sacrificio, como la tradición judía hacía con los corderos, para salvar a los hombres del pecado.

Se sabe que la obra fue diseñada por Rafael, que probablemente también realizó un primer boceto, pero fue retocada por Giulio Romano, pintor que la terminó.

«La información sobre estas obras ha sido tomada de la web del Museo Nacional del Prado»

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Si algo no le falta a la ciudad de Córdoba son zonas verdes por las que poder pasear y disfrutar de un día al aire libre. Las antiguas civilizaciones que han habitado en su territorio actual cuidaban especialmente este tipo de lugares y eso se ha traducido en una conservación muy buena por parte de una sociedad en la que confluyen diferentes religiones y razas.

Árboles en la zona centro de la metrópoli, parques a las afueras en los barrios más perimetrales o lugares escondidos entre la gran cantidad de rincones para visitar en Córdoba. Todo vale para tomar contacto con la naturaleza en estos diez jardines que te mostramos a continuación.

Jardines del Alcázar

Uno de los reclamos si decidimos hacer una visita al Alcázar de los Reyes Cristianos es visitar sus esplendorosos jardines. Estos se abonaron en torno al año 800 en la época musulmana y después de ser abandonados volvieron a tomar importancia gracias a la Reconquista. Situados al sur del recinto, sirvieron para dar sombra a la zona de los baños, donde más le interesaba a los monarcas que hubiera una temperatura más refrescante.

Hoy en día cuentan con una fuente de piedra, para recibir a las innumerables visitas turísticas, y que canaliza el agua proveniente de la sierra. Acequias, albercas y otros pilones y fuentes decoran un espacio muy demandado por las parejas de novios recién casados para completar su álbum de fotos.

Jardín de la Mezquita

También es un jardín privado perteneciente a la Mezquita de Córdoba. Se encuentra en la fachada Norte del Templo, donde en la etapa califal se daba cobijo a todos los ciudadanos que querían pasar. Se celebraban reuniones y espectáculos, hasta que en la Reconquista se decidió construir una capilla en esa cara de la construcción y el lugar quedó para el interior del templo.

Es conocido como el Patio de los Naranjos por los 98 ejemplares de dicho árbol que hay en él, aunque con ellos también conviven cipreses, olivos y palmeras. Se trata del jardín vivo más antiguo de Europa y cuenta con un aljibe de Almanzor que está siendo estudiado por arqueólogos y todavía no se puede visitar. En la ciudad es toda una leyenda.

Jardines de la Agricultura

En el núcleo central de la ciudad cordobesa confluyen varias zonas ajardinadas que recorren desde la Avenida de América hasta el barrio de San Basilio. Más al norte y muy cerca de la oficina de turismo se encuentran los Jardines de la Agricultura, conocidos popularmente como “Los Patos” por la denominación del estanque que hay en medio del lugar.

Son unos jardines que se remontan a los inicios del siglo XIX, cuando fueron inaugurados, y casi 50 años más tarde fueron reformados por el arquitecto Rafael de Luque con el objetivo de que fueran más vistosos. Además de la gran variedad de vegetales que los convierten en uno de los pulmones de Córdoba, contiene diversas esculturas y monumentos entre los que destaca el honorífico al pintor Julio Romero de Torres.

Jardines de la Victoria

Seguidamente de los anteriores se encuentran los Jardines de la Victoria, mandados construir en 1776 a las afueras del casco histórico para incluir espacios verdes entre los novedosos proyectos urbanísticos de la época. Para construirlos hubo que derruir el Convento de Nuestra Señora de la Victoria de Córdoba y en honor a este templo es que tomaron este nombre.

Antiguamente incluía un famoso salón para el desarrollo de la vida pública y la Caseta del Círculo de la Amistad, posteriormente bautizado como el Casino Cordobés. En esas instalaciones era en las que los miembros de la clase alta se reunían para echar sus habituales manos de cartas y de paso jugarse unos cuantos reales. Ahora los visitantes tienen su sala para el entretenimiento bastante más cerca de lo que imaginan de aquel antiguo emplazamiento, gracias al enracha zahira, que se encuentran enfrente.

Actualmente en su interior refugia el Mercado Victoria, el Kiosko de la Música, la Pérgola, un mausoleo romano y una fuente modernista. Lugar ideal para empaparte de cultura y disfrutar de un paseo al aire libre.

Jardines de Juan Carlos I

Al oeste de los Jardines de la Victoria y muy cerca de ellos están los Jardines de Juan Carlos I. Una zona perteneciente en su época a la Facultad de Veterinaria y que se habían convertido en un improvisado cementerio de animales. Tras su remodelación a comienzos del siglo XXI se abrió al público con fuentes y elementos recreativos para los más pequeños. Es una de las pocas zonas donde pueden dedicarse a ello en Ciudad Jardín.

Jardines de Vallellano

Y para terminar con este núcleo del centro tenemos más al sur los Jardines de Vallellano. Unos terrenos construidos en 1955 sobre la antigua Huerta del Rey y que recientemente han sido replantados para dotarlos de un mejor aspecto. Entre la flora destacan ejemplares singulares como el árbol de Júpiter, el ciruelo de Japón, la espina de Jerusalén o la washingtonia.

También posee restos arqueológicos como una cisterna romana y un depósito que se cree que servían como tumbas.

Jardines del Músico Pedro Gámez

En la zona más oeste de Córdoba encontramos los Jardines dedicados al músico Pedro Gámez Laserna. En el emplazamiento que hoy ocupan estos jardines se encontraba el Cuartel de Lepanto, donde tantas veces este intérprete dirigió a su banda militar, y que en 2017 se destinó para la beneficencia. Por eso es que diversas cofradías de la localidad consiguieron que se le pusiera su nombre a este recinto.

Un recinto rodeado por un centro de salud, un centro cívico, una casa ciudadana, una piscina, un puesto de Cruz Roja, una biblioteca y una residencia para mayores, por lo que movimiento en ellos no falta.

Jardines de la Merced

En la Plaza de Colón, en pleno centro, encontramos los Jardines de la Merced o también llamados Jardines de Colón en honor a la designación de la plaza. Estos jardines se unen en un núcleo central donde se avista una hermosa fuente de estilo modernista y que fue construida a principios del siglo XX. Junto a ella se encuentra El Morabito, una pequeña mezquita muy conocida.

En sus zonas verdes encontramos flora muy variada con árboles de la talla de plátanos de sombra, palmeras datileras, pinos o naranjos. En cuanto a arbustos encontraremos adelfas, senecios, durillos o rosales.

Jardines de Orive

Justo en frente de las ruinas romanas cordobesas se encuentran los Jardines de Orive. Este parque urbano y público constituye una de las zonas verdes del casco antiguo desde hace siglos y es gracias a las huertas de los marqueses del Palacio de los Villalones, o Palacio de Orive, y los huertos de los sacerdotes del Convento de San Pablo.

Sus jardines fueron inaugurados en 2004 para acompañar a los restos arqueológicos de la época musulmana encontrados en el recinto. Entre ellos destaca un circo romano y un conjunto de casas decoradas en sus fachadas.

Real Jardín Botánico de Córdoba

A orillas del río Guadalquivir se encuentra el Real Jardín Botánico de Córdoba. Un lugar para visitar y disfrutar de cinco hectáreas y media de este enclave en el que se rescatan colecciones vegetales en invernaderos y diferentes construcciones similares. Se fundó en 1980 gracias a un grupo de profesores de la Universidad de Córdoba y se unió a la Asociación Ibero-Macaronésica de Jardines Botánicos.

En su interior también se pueden ver las piezas que se exhiben en el Museo de Etnobotánica y el Museo de Paleobotánica.

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Declarado por la Unesco Patrimonio de la Humanidad en 1993, el Monasterio de Guadalupe es una obra cumbre del gótico mudéjar, no sólo de Extremadura si no de toda España. Su arquitectura y el valioso patrimonio artístico e histórico que atesora son más que suficientes para justificar una visita.

En el impresionante laberinto que forman sus más de veintidós mil metros cuadrados hay espléndidos ejemplos de arquitectura y de arte de los siglos XIII al XVIII: gótico, mudéjar, renacentista, barroco y neoclásico.

Reyes, aventureros, artistas, escritores, historiadores, cronistas y viajeros de toda índole han peregrinado a su encuentro buscando descanso e inspiración entre sus muros.

El Monasterio de Guadalupe es un monumento de notable importancia histórica: fue el principal monasterio de la Orden Jerónima. Es un exponente arquitectónico excepcional por su diversidad y variedad de estilos. Representa además un vínculo intenso con la historia de España por su relación con los reyes Católicos y con el Descubrimiento de América.

Centro cultural de primer nivel de investigación y enseñanza, entre sus muros se desarrollaron: una escuela de medicina, una botica, un importantísimo scriptorium. Fue un enclave importante de talleres de diversa índole: bordados, orfebrería, libros miniados. En él se conserva una biblioteca con un fondo extenso y rico. Sigue siendo un importante centro de peregrinación.

Tiene, además, historia e historias plenas de caminos que acercan a entender mejor la memoria de una época esencial de España. Historia de la que son parte las calles medievales de la Puebla de Guadalupe, que creció al calor del Monasterio, y que tiene a escasos kilómetros el Geoparque Villuercas-Ibores-Jara, para quienes quieran disfrutar del turismo naturaleza y de un espectáculo impagable.

Entre la historia y la leyenda del Monasterio de Guadalupe

Es historia que el Monasterio de Guadalupe fue construido sobre los cimientos de una ermita en honor de esta Virgen cuya advocación habría de cruzar el Atlántico para instalarse en los corazones de millones de mexicanos.

La tradición relaciona la imagen de esta Virgen con San Leandro, a quien el papa Gregorio Magno le regaló una imagen de la Virgen esculpida en un taller de escultura de Palestina. El taller lo había fundado en el siglo I San Lucas Evangelista, que según la tradición fue el primer pintor de la Virgen.

San Leandro, que fue uno de los padres de la iglesia visigoda y arzobispo de Sevilla, le regaló la imagen a su hermano San Isidoro, que también fue arzobispo de Sevilla. San Isidoro la custodió al parecer en la primitiva iglesia sobre la que se construyó el Monasterio de San Isidoro del Campo, situado en la sevillana ciudad de Itálica.

La invasión musulmana de 711 propició que en la huida de unos clérigos cristianos la Virgen fuera ocultada cerca del río Guadalupe y que, siglos después, un pastor la encontrara y se levantara en su honor una ermita.

Entre la historia y la leyenda está el encuentro de Alfonso XI con esta ermita y su pequeña y románica Virgen. A la que se encomendó para la batalla del Salado en 1340, de la que salió victorioso. Al parecer en agradecimiento a la Virgen mandó reformar la iglesia y construir un hospital y un albergue para peregrinos.

Lo que sí es historia, pues se conserva un documento episcopal, es que a partir de 1326 se concedía indulgencia plenaria a los que visitaran la iglesia de Santa María de Guadalupe. El eco de aquellas peregrinaciones llega hasta nuestros días.

También es historia, que testimonian sus viejas piedras y múltiples documentos, que, hasta el siglo XIX, ha sido lugar de descanso para el cuerpo y para el alma de peregrinos de toda condición. Hoy es también un importante atractivo de turismo cultural e histórico de la comunidad extremeña.

Una suma de estilos le dan forma a un edificio singular

«Cuatro días se estuvieron los peregrinos en Guadalupe, en los cuales comenzaron a ver las grandezas de aquel santo monasterio; digo comenzaron, porque acabarlas de ver es imposible».

Cuando Miguel de Cervantes escribió estas palabras en su obra Persiles y Segismundo, todavía faltaban por construirse las dependencias barrocas y el posterior neoclásico. Aún no colgaban en sus muros cuadros de algunos de los mejores artistas barrocos españoles como Zurbarán, Lucas Jordán o Carreño de Miranda. Pero ya le parecía imposible al autor de Don Quijote ver en cuatro días tan magnífico lugar.

Contenedor de bellezas artísticas de primer orden

El Monasterio de Guadalupe es un monumento arquitectónico extraordinario que guarda tesoros artísticos como su colección de pintura y escultura de maestros como Juan de Flandes, Juan Correa, Zurbarán, El Greco, Goya, Egas Cueman, o un crucificado de marfil atribuido a Miguel Angel, entre otros.

Conserva además una extraordinaria colección de libros y cantorales miniados realizados entre los siglos XIV y XIX. Y una no menos importante colección de bordados de los siglos XV al XIX, realizados en el taller de bordados del Monasterio, expuestos en sendos museos.

De la pequeña ermita que convirtió Alfonso XI en un santuario, al que dotó de un hospital y refugio para peregrinos, fue creciendo el monasterio que conocemos hoy. El interés de la Corona española por este precioso refugio permitió su crecimiento y embellecimiento progresivo.

No sabemos por qué la desamortización de Mendizabal no afectó de lleno a las colecciones de arte del Monasterio de Guadalupe. Que se «olvidaran» de requisar algunas de sus obras nos permite ver hoy la única serie de pinturas, de las realizadas en España para un lugar concreto, que se mantiene en su sitio: en la Sacristía de su iglesia se han mantenido los cuadros que para ella pintara el extremeño Francisco Zurbarán.

Son ocho lienzos en los muros de la Sacristía y otros tres en la adyacente Capilla de San Jerónimo, entre ellos el conocido como «La perla de Zurbarán»: La Apoteosis de San Jerónimo.

Desde 1645 estas obras han sobrevivido expuestas en sus muros a Mendizábal, a la invasión francesa, a la guerra civil y hasta a las termitas, cuyos daños fueron reparados hace unos años. Hoy esta Sacristía conocida como «La Capilla Sixtina de Extemadura» es una de las joyas del Monasterio.

Un edificio extraordinario

La piel de su arquitectura es un fiel reflejo de la época en que comenzaron las obras del edificio que conocemos hoy. Sobre la vieja ermita conviven desde sus comienzos en perfecta armonía el mudéjar y el gótico, al que se fueron añadiendo otros lenguajes durante los cuatro siglos que gobernaron el edificio los monjes jerónimos. A partir del siglo XX son los franciscanos quienes se ocupan de mantenerlo.

De su inagotable repertorio arquitectónico, además de su emblemática Sacristía, destacamos los siguientes espacios:

La extraordinaria fachada que preside la plaza trazada bajo el influjo del gótico final. Bajo los «bordados» de cresterías góticas que la decoran se abren las portadas de acceso a la iglesia cuyos arcos apuntados abocinados se apoyan en columnas con capiteles de hojarasca. Cierran estas portadas unas puertas de bronce realizadas en el siglo XV decoradas con un magnífico repujado de relieves, atribuido a Paolo de Colonna.

El bellísimo Claustro mudéjar, conocido como el Claustro de los milagros. Sus dos plantas, organizadas con arcadas de herradura y herradura apuntadas, enmarcan un precioso jardín en cuyo centro se levanta un templete que atrapa todas las miradas. Realizado en 1405 por Fray Juan de Sevilla es un originalísimo ejemplo de la conjunción del gótico y el mudéjar.

El Claustro gótico. Llamado de la enfermería o de la botica, hoy es parte de una hospedería que recomendamos vivamente. Su planta rectangular se levanta en tres pisos de arcadas cerradas en la última por un muro construido en el siglo XX. Datado entre 1515 y 1524, la primera arcada la forman arcos de medio punto de estética renacentista. Las dos superiores están formadas por arcos apuntados, que acogen bajo una fina tracería gótica dos arcos de medio punto separados por un parteluz.

La iglesia. Su planta basilical de tres naves la cierra un ábside poligonal en la cabecera y a los pies un gran coro de construcción posterior. Las bóvedas de terceletes de la nave central y sus crucerías en las laterales nos hablan de gótico final que se labraba a finales del siglo XIV y el XV, cuando se levantó esta iglesia, que guarda sin embargo detalles arcaizantes del último románico. En los muros laterales del presbiterio se encuentran los sepulcros de Enrique IV y de su madre, María de Aragón realizados a finales del siglo XVI.

El Camarín de la Virgen. Es un construcción barroca, conocida como “la antesala del cielo”. De estilo rococó y planta octogonal con dos cuerpos, este espacio íntimo es obra de Francisco Rodríguez Romero fechada en 1696. Entre la exuberancia decorativa que le confiere su estilo rococó destacan lienzos de Luca Giordano, pinturas murales de Francesco Leonardi y pinturas al temple de Pedro José de Uceda.

Peregrinos y visitantes ilustres del Monasterio de Guadalupe

Durante sus más de siete siglos de vida, el Monasterio de Guadalupe, ha sido un destino deseado por gentes dispares. Entre tantas destaca la Reina Isabel la Católica, de la que cuentan las crónicas que consideraba este lugar su "paraíso" desde muy jovencita.

Paraíso que compartió después con su marido Fernando. Juntos recibieron en él a Cristóbal Colón y fue allí donde se redactaron las condiciones de su apoyo a la aventura de las Indias. El almirante bautizó una isla del Caribe con el nombre de Santa María de Guadalupe de Extremadura, en honor a la Virgen morena. Isabel y Fernando volvieron a Guadalupe a darle gracias a la Virgen después de disfrutar de la exuberancia de los palacios de La Alhambra, cuando sellaron el fin de la época islámica con la toma de Granada.

El cariño a este lugar por parte de los Austrias lo continuó su nieto Carlos V que hizo encargos artísticos para el Monasterio, como lo hizo también su biznieto Felipe II. Aunque fue durante el mandato de este rey, al construir el Monasterio de El Escorial, cuando Guadalupe fue perdiendo importancia entre la monarquía.

La relación con el Monasterio de Guadalupe se perdió por completo con los Borbones. Fue en el siglo XX, en 1926, cuando Alfonso XIII recuperó de nuevo la tradición de la corona de peregrinar a Guadalupe. En su reinado se coronó a la Virgen como «Reina de la Hispanidad» el 12 de octubre de 1928. También es Patrona de Guadalupe y de Extremadura. El acercamiento de los reyes españoles a Guadalupe lo continuaron Juan Carlos I y Sofía de Grecia y los actuales monarcas.

Escritores, historiadores, cronistas y viajeros

Pero no sólo reyes y nobles han dirigido sus pasos a Guadalupe. Recorrer el monasterio y las calles de la preciosa Puebla de Guadalupe es seguir los pasos de Miguel de Cervantes, o del médico alemán Jerónimo Münzer o del capitán inglés Samuel Edward C. Widdrington, o de Don Miguel de Unamuno, creador del término Hispanidad.

Por sus caminos se inspiraron El Marqués de Santillana, Luis de Góngora, o Félix Lope de Vega Carpio, Rafael Alberti o José María Pemán entre otros muchos.

Santos como Vicente Ferrer o San Juan de Ávila, San Juan De Dios y San Juan de Ribera o Santa Teresa de Jesús.

También lo visitó el Papa Juan Pablo II en 1982, cuando comentó la relación espiritual entre la Guadalupe mexicana y la extremeña:

Es indiscutible la estima tan grande que le tengo a la Virgen de Guadalupe de México. Pero me doy cuenta de que aquí están sus orígenes. Antes de haber ido a la Basílica del Tepeyac, debería haber venido aquí para comprender mejor la devoción mexicana.

Como en otros muchos aspectos de la relación entre España e Iberoamérica, los viajes de las influencias siempre son de ida y vuelta. La Virgen de Guadalupe que llegó con los descubridores a México, volvió representada en obras pictóricas que se veneran en algunas iglesias de España. En las capillas de muchas iglesias de Sevilla se encuentran cuadros de gran valor artístico representando a la Virgen mexicana, traídas como protectora en los viajes de vuelta.

Desde el Monasterio de Guadalupe, la Virgen morena ha llegado también a muchos rincones de España. Es la patrona de la isla canaria de La Gomera y de la ciudad de jienense de Úbeda. Y entre otros templos en su honor, recordamos una bucólica ermita que se levanta en el monte Jaizquibel sobre el municipio vasco de Hondarribia.

Una serie de caminos de peregrinación que llevan a Guadalupe, creados a raíz del inicio de la construcción del Monasterio de Guadalupe en 1337 por orden de Alfonso XI, unían los principales núcleos de población del centro peninsular: Plasencia, Cáceres, Mérida, Ciudad Real, Toledo y Madrid, con Guadalupe. En la actualidad se conserva el trazado de doce de estos caminos históricos. Estos caminos son la recta final de otros más largos que comunican todos los extremos de la península con la villa de Guadalupe.

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Nos adentramos hoy en el mundo verde y refrescante de unos oasis muy especiales: los parques de las ciudades. Para este paseo hemos seleccionado diez parques españoles. No ha sido fácil, seguiremos con el tema en otra ocasión porque nos quedan muchos rincones verdes por visitar.

Estos pulmones verdes son el contrapunto a la vida estresante de la mayoría de las ciudades. El estilo de vida urbano, cada vez más en auge -según la ONU en 2050 el 68% de la población mundial será urbana- lleva consigo el añadido de la contaminación del aire que respiramos, esa otra contaminación visual que cambia los colores de la naturaleza por los del cemento y el metal y la contaminación sonora que nos impide escuchar los sonidos de los pájaros, del agua o del viento entre los árboles.

Conscientes de nuestra necesidad de acercarnos a lo natural, en las ciudades hemos construido, desde la Antigüedad, jardines y parques que facilitan el tiempo de ocio y que son una ventana a la cultura, pues algunos son historia viva de los pueblos que los crearon.

Sin más preámbulos os dejamos esta lista, sin un orden concreto, de los diez mejores parques de España.

1. Antiguo Cauce del Río Turia, Valencia

Este es uno de los mejores parques de España. Con ciento diez hectáreas de zonas verdes, la ciudad de Valencia convirtió el lecho del Turia en un enorme atractivo para sus ciudadanos y para los visitantes, un paseo verde que atraviesa la población y desemboca en el puerto valenciano.

Vistas espectaculares, zonas destinadas a los más pequeños como el Parque de Gulliver o el Bioparc -para los amantes de los animales-, un refugio para el descanso, la práctica de algún deporte, la fotografía, la lectura, etc. En definitiva, un parque refrescante para el cuerpo y el espíritu.

2. Parque del Retiro, Madrid

El Parque del Retiro de Madrid, protegido como Bien de Interés Cultural, es una visita más que recomendable en la urbe madrileña. La capital de España tiene ochenta y nueve parques, pero es este céntrico e histórico jardín el más bello y posiblemente el más romántico de todos.

Entre la frondosa exuberancia de los más de quince mil árboles que pueblan sus ciento veinticinco hectáreas de rincones llenos de magia, arte (obras de Mariano Benlliure, Josep Clarà, Mateo Inurria o Ricardo Bellver, entre otros), arquitectura e historia, encontrarás el Estanque Grande; lugar de celebraciones de competiciones de remo y piragüismo y de uso popular como embarcadero de recreo, o el Palacio de Velázquez y el Palacio de Cristal, utilizados como salas expositivas del Museo de Arte Contemporáneo Reina Sofía, entre otros muchos atractivos culturales y de ocio.

3. Parque de Maria Luisa, Sevilla

Los que fueron exóticos jardines del Palacio de San Telmo, (hoy sede de la Presidencia de la Junta de Andalucía), son ahora un pulmón refrescante y romántico en el centro de la ciudad de Sevilla. Declarado Bien de Interés Cultural, sus treinta y cuatro hectáreas son un regalo para los sentidos.

Entre la exuberante vegetación del Parque de María Luisa habitan patos, cisnes, orgullosos y coloridos pavos reales, peces y una variadísima fauna avícola, que regala conciertos muy relajantes.

Tras el alegre ir y venir de los coches de caballos que recorren sus avenidas se esconden rincones como el Estanque de los patos, con su romántico cenador, el Monte Gurugú, o un buen número de fuentes y estanques de sabor árabe que recuerdan los estanques de los jardines de La Alhambra.

En su famosa Plaza de España, donde se encuentra el Museo Histórico Militar, habitaron personajes de películas como Lawrence de Arabia o Star Wars y en la zona sur del parque, en los que fueron pabellones de la Exposición Iberoamericana de 1929, situados en la Plaza de América -popularmente conocida como la Plaza de las palomas- esperan dos interesantes museos: el Museo de Artes y Costumbres Populares y el Museo Arqueológico.

4. Parque de la Magdalena, Santander

La Península de la Magdalena, uno de los principales atractivos de Santander, es un espacio verde que contiene un Palacio Real, playas, un parque marino y un muelle, «el de las Carabelas», en el que encontrarse con embarcaciones piratas.

Es además un parque que tiene el privilegio de unas vistas impagables: el Cantábrico, la bahía de Santander y su puerto; un jardín junto al mar, un auténtico lujo.

Un tren turístico, que recorre durante veinte minutos este bellísimo parque, salpica el recorrido con anécdotas e historias de su historia.

5. Parque do Monte de San Pedro, A Coruña

El Parque Municipal del Monte de San Pedro de A Coruña es un precioso refugio verde de casi ocho hectáreas construido sobre un antiguo asentamiento militar.

Las vistas sobre la ciudad y sobre una amplia franja de costa que abarca desde el cabo San Adrián y las Islas Sisargas o los cabos Prior y Prioriño son un auténtico espectáculo.

A los atractivos, ciertamente singulares, de este parque, como las garitas, los refugios subterráneos o los barracones para la tropa y las espectaculares baterías de costa, hay que sumar un laberinto inglés realizado con plantas italianas, un estanque con patos, una sala expositiva de piezas militares y varias zonas de juegos infantiles.

Para salvar los desniveles y disfrutar de las magníficas vistas en 2007 se instaló un elevador acristalado que es una gozada, y en lo más alto espera la cúpula de un observatorio utilizado como mirador y una cafetería para recuperar fuerzas.

Un lujo este entretenido parque de la capital gallega que no te puedes perder en tu visita a la ciudad.

6. Parque de Mataleñas, Santander

Y seguimos con vistas al mar, porque el Parque de Mataleñas tiene acceso directo a la playa que le da nombre: la Playa de las Mataleñas, una cala al abrigo de altos acantilados cuyos verdes caminos hasta llegar a su arena blanca se grabarán en tu memoria.

Cerquísima del Faro de Cabo Mayor, que no puedes dejar de visitar, este parque es una belleza de veinte hectáreas, poco conocido por los visitantes de Santander.

Repleto de vida animal y vegetal, encontrarás en él un campo de golf, circuitos para correr, un merendero o un pequeño zoo. Un auténtico respiro lleno de belleza, un refugio de paz para el descanso del espíritu.

7. Parque del Rinconín, Gijón

La situación de este oasis verde sobre el borde de la playa del Riconín, a la que debe su nombre, y por tanto abierto al Cantábrico, ofrece unas magníficas vistas de la ciudad de Gijón al filo de los acantilados.

Entre sus arboledas encontrarás esculturas como la “Madre del Emigrante” y “Solidaridad”, un carril bici para disfrutar de sus idílicas vistas y zonas de juegos para niños. Además en este precioso parque se admiten perros, con lo cual no tendrás que dejar tu mascota en casa.

8. Parque del Guadiana, Badajoz

Este parque es todo un pulmón verde que ayuda a refrescar las calurosas noches del verano de la ciudad de Badajoz. En su veintitrés hectáreas encontrarás pistas deportivas para practicar futbol, atletismo o patinaje. Y, para los más tranquilos, extensas praderas verdes y un embarcadero, kioscos, cafeterías y zonas infantiles.

Situado en la margen derecha del Guadiana y muy cerca del Hornabeque del Puente de las Palmas (un histórico elemento defensivo de la fortificación de la ciudad), ofrece imágenes inolvidables, como el reflejo de las luces del puente en las plácidas aguas del río al caer la noche.

9. Alameda del Parral, Segovia

Esta es la joya oculta del ranking. Si vas a Segovia volverás con imágenes imprescindibles del Alcázar, el Acueducto o la Catedral, pero si no te paseas por la Alameda del Parral, te seguirá faltando un imprescindible.

La belleza de este parque nos permite recomendártelo a sabiendas de que te enganchará. Es una joya del cinturón verde de Segovia, atractivo en cualquier época del año. Sus caminos transitan a lo largo del cauce del río Eresma entre las sombras de hermosos álamos que conducen hasta el Monasterio de Santa María del Parral y la Real Casa de Moneda.

Desde sus caminos disfrutarás de espectaculares vistas de la muralla y del Alcázar. ¡Llévate la cámara, querrás conservar estas imágenes!.

10. Parque de Juan Carlos I, Madrid

Las ciento sesenta hectáreas de este parque se encuentran en la zona de la Feria de Madrid. Construido sobre los terrenos de un antiguo olivar del que conserva un importante testimonio, ofrece además un lago, un auditorio al aire libre con capacidad para nueve mil quinientas personas y una colección de esculturas abstractas de artistas internacionales que ha generado un paseo conocido como «La Senda de las esculturas».

Además de paseos relajantes en un entorno que cura el estrés de una ciudad como Madrid, este enorme parque ofrece espacios para diversas actividades deportivas: una pista de patinaje, zonas de pesca y piragüismo, carril bici y un servicio de bicicletas, ¡gratis!

No es el único servicio gratuito: cada media hora hay un tren que hace un recorrido por el parque. Y los fines de semana se organizan talleres para los más pequeños.

La entrada Los diez mejores parques de España se publicó primero en Ruta Cultural.

Los museos de Sevilla son uno de los muchos atractivos que la ciudad de la Giralda ofrece a propios y extraños. Hoy vamos a recorrer algunos de los más importantes.

Hemos visitado desde estas páginas dos palacios, que son auténticos museos, imprescindibles para entender el devenir histórico-artístico de Sevilla: La Casa de Pilatos y el Palacio de las Dueñas. Nos acercamos también a un rincón de su Alcázar; el Oratorio de Isabel la Católica, tan relacionado con los palacios antes mencionados. Hemos visto algunas de sus iglesias, magníficos contenedores de arte.

La ciudad de La Giralda pone al alcance de todos una variedad museística entre la que será difícil no encontrar algún interés personal. Pequeños como el interesante Museo Naval que ocupa las dependencias de la Torre del Oro, o muy grandes como El Centro de Arte Contemporáneo del Monasterio de la Cartuja.

Según el Consejo Internacional de Museos (ICOM), un museo es una institución pública o privada, permanente, con o sin fines de lucro, al servicio de la sociedad y de su desarrollo, y abierta al público, que adquiere, conserva, investiga, comunica, expone o exhibe, con propósitos de estudio y educación, colecciones de arte y científicas, entre otras, siempre con un valor cultural.

Nos acercamos a algunos espacios que cumplen con esa definición del ICOM, a sabiendas de que nos dejamos algunos más.

1. Museo de Bellas Artes

Se creó como “Museo de Pinturas” en 1835 con las obras incautadas a la iglesia por la desamortización de Mendizábal. La colección ha ido creciendo con adquisiciones y donaciones a lo largo del siglo XX.

Situado en la plaza del Museo que gira en torno a una escultura dedicada a Bartolomé Esteban Murillo, uno de las protagonistas de este museo (en la actualidad ofrece una magnífica exposición antológica sobre este artista sevillano, abierta hasta el 17/03/2019, con motivo de su IV Centenario).

El edificio es una joya que comenzó su historia poco después de la conquista de la ciudad a los almohades en 1248, por una cesión de Fernando III a la Orden de la Merced. Reformado en el siglo XVII por Juan de Oviedo y de la Bandera, su estructura interior es básicamente aquella reforma a la que se han añadido las adaptaciones necesarias para su función museística.

Hay que esperar a 1729 para datar la preciosa puerta principal que fue realizada por el cantero Miguel de Quintana siguiendo su propio diseño a medias con fray Francisco Bartolomé de Roxas.

Los paneles de azulejos que cubren sus muros son, en su mayoría, procedentes de otros conventos sevillanos, que fueron traídos aquí a causa de la Desamortización.

El monje mercedario y literato madrileño Tirso de Molina, residió en este convento en 1625 por una condena de la Junta de Reformación, que lo desterró desde Madrid a Sevilla

En este post nos acercamos a diez obras de la magnífica colección de este museo, que aconsejamos visitar a todos los amantes del arte. Es fundamental para entender la pintura barroca sevillana y la pintura andaluza del siglo XIX. Y es gratuito para todos los ciudadanos de la UE.

En su planta baja la temática de la colección es religiosa, y además de magníficos anónimos, desde la etapa Medieval hasta el Barroco, se encuentran entre los autores que firman las obras: Lucas Cranach el Viejo, Martín de Vos y Frans Franken el Viejo, Pietro Torrigiano, Mercadante de Bretaña, Pedro Millán, Alejo Fernández, Niculoso Pisano, Cristóbal de Morales, EL Greco, Francisco Pacheco, Diego Velázquez, Herrera el Viejo, Zurbarán o Murillo.

En la planta alta muestra un abanico más amplio de contenidos con importantes obras de autores como: Alonso Cano, Martínez Montañés, Juan de Mesa, Francisco de Herrera el Mozo, Zurbarán, Murillo, Cornelio Schut, y Valdés Leal (cuyas obras más famosas están en el sevillano Hospital de la Caridad, como vimos en este post sobre las Vanitas). Y una importante colección de pinturas costumbristas, retratos, cuadros de historia, etc., que llegan hasta el siglo XX, entre cuyos autores están: Valeriano Domínguez Bécquer, hermano del poeta Gustavo Adolfo Bécquer, Francisco de Goya, Eduardo Cano, José Villegas Cordero, Gonzalo Bilbao o Antonio María Esquivel, Santiago Bancarisas, Zuloaga, Daniel Vázquez Díaz o Rico Cejudo.

Los horarios de apertura son: de martes a sábado: De 09:00 a 20:30 horas y domingos: De 09:00 a 15:30 horas.

2. Museo Arqueológico de Sevilla

El 25 de mayo de 1946 se inauguró el Museo Arqueológico Provincial de Sevilla en su emplazamiento definitivo. El edificio, que acogió la importante colección arqueológica de esta provincia, lo construyó Aníbal González, en 1929, como Pabellón de Bellas Artes para la Exposición Iberoamericana que se celebró ese año en Sevilla. Es uno de los frentes que forman la Plaza de América en el Parque de María Luisa.

Con un diseño Neo-Renacentista, su interior fue remodelado para su función como museo. Es de destacar el amplio hall de forma ovalada inspirado en algunos museos europeos, como el Altes Museum de Berlín, uno de los que visitamos en este post.

La colección hace un recorrido cronológico que va desde la Prehistoria hasta la Edad Media:

• Objetos de la Edad del Cobre del importante yacimiento de los dólmenes de Valencina de la Concepción, de entre los años 2500 y 2000 a. C.
• De época tartésica se exhibe aquí el famoso Tesoro del Carambolo y los tesoros de Ébora y Mairena, de los siglos VII y VI a. C.
• Hay una pequeña representación en bronce de la diosa fenicia Astarté (diosa de las Marismas y los esteros), en la que se puede leer la inscripción más antigua de la Península: siglo VII a. C.
• La colección del mundo romano es otro de los lujos de este museo que exhibe piezas importantísimas del Imperio Romano en Hispania: esculturas, mosaicos, restos arquitectónicos, epigrafía, vidrio, cerámica, orfebrería, etc., traídas desde Munigüa, Itálica o Écija, entre otros lugares de la provincia. Sólo por admirar las colosales y extraordinarias representaciones de Venus (a cuya sensualidad nos referimos en este post), Mercurio o Trajano, traídas de la Villa romana de Itálica, merece la pena una visita.

Gratis para los ciudadanos de la UE, 1,50€ para el resto, su horarios de apertura es: Invierno (del 1 de septiembre al 30 de junio), de martes a sábado de 9:00 a 21:00. Domingos y festivos: de 9:00 a 15:00.

Verano (del 1 de julio al 31 de agosto), de martes a domingo de 9:00 a 15:00.

3. Museo de Artes y Costumbres populares de Sevilla

Justo enfrente del Arqueológico, hay un museo encantador y bien contado que acerca a la vida cotidiana de Sevilla a través de una exposición formada por piezas que van desde el siglo XIV al XX.

Inaugurado el 4 de marzo de 1973 en otro antiguo pabellón de la Exposición Iberoamericana de 1929. Es obra del mismo autor, Aníbal González, que esta vez eligió un lenguaje neomudéjar.

Formado por colecciones de pintura de temas costumbristas, y colecciones particulares de utensilios, muebles, cerámicas, lozas, tejidos, ropas típicas sevillanas, talleres de artesanos, etc., que ayudan a recorrer los cambios sociales y a entender cómo era la vida en la ciudad y en el campo.

Este es uno de los más entretenidos museos de Sevilla, sobre todo si vas con niños, siendo además muy interesante para los mayores.

Gratis para ciudadanos de la UE, su horario es: del 30 de junio al 31 de agosto, de martes a domingo y festivos de 09:00 a 15:00. Del 1 de septiembre al 30 de junio, de martes a sábado de 09:00 a 21:00; domingos y festivos de 09:00 a 15:00

4. Museo de Cerámica de Triana

Un garante de la memoria de la tradición ceramista de Sevilla es este museo, de reciente creación, se inauguró en 2014. Está situado en la antigua fábrica de cerámica Santa Ana de Triana, y tiene una doble función: expositiva y de taller cultural.

Es conocido como Centro Cerámica Triana y en él se exponen piezas cerámicas diseñadas por Aníbal González que decoraron la monumental Plaza de España, piezas de la colección museográfica del Ayuntamiento de la ciudad, préstamos del coleccionista Vicente Carranza, de la Junta de Andalucía y del Estado. La selección de las mismas las llevó a cabo el catedrático de historia del arte Alfonso Pleguezuelo, especialista en el tema de los azulejos cerámicos.

Además de la valiosa exposición, se visitan los hornos históricos, alguno de ellos del siglo XVI, y todo el recorrido necesario para entender paso a paso la creación de los paneles cerámicos que embellecen los muros de tantos edificios históricos de Sevilla.

El precio de la entrada es de 2,10 y el horario: De martes a sábado: 11:00 h a 17:30 h. Domingos y festivos de 10:00 h a 14:30 h.

5. Museo del Baile Flamenco

Este es el único museo del mundo, hasta ahora, dedicado al baile flamenco. Situado en la calle Manuel Rojas Marcos, en pleno barrio de Santa Cruz, fue creado en 2006, por iniciativa de la bailaora sevillana Cristina Hoyos.

Uniendo la moderna tecnología a los viejos sonidos del flamenco, durante el recorrido de sus salas, se llega a una inmersión en el mágico mundo del baile flamenco. Para saber cómo fueron sus inicios y su evolución a través de un acercamiento a los grandes artistas que han hecho famoso este arte; Carmen Amaya, Antonio Gades, el Güito, Sara Baras, Mario Maya y Cristina Hoyos. Una manera de atrapar al visitante entre sonidos y movimientos, desde las diferentes salas de la zona interactiva del museo.

Exposiciones de pintura, fotografía o escultura, con un protagonista claro: el Flamenco, además de cursos de cante y percusión, charlas, clases magistrales, y actuaciones diarias, completan una oferta flamenca de calidad.

Toda la información sobre horarios, precios y reservas de los espectáculos en la web del museo.

6. Archivo de Indias

En la Avda. de la Constitución y formando parte del triángulo monumental más importante de Sevilla (junto a la Catedral y el Alcázar), el edificio del Archivo General de Indias es, si te gustan la Historia y la Arquitectura, una visita indispensable para conocer la ciudad.

El edificio custodia cuarenta y tres mil legajos, que suman unos ochenta millones de páginas, entre ellas ocho mil mapas y dibujos, que ocupan más de nueve kilómetros lineales de estanterías. Todos ellos procedentes de los organismos metropolitanos que se encargaban de la administración de los territorios de ultramar, desde el siglo XVI al XIX.

El recorrido es un paseo por las salas donde se custodiaban los documentos (hoy están en un edificio anejo), en las que se encuentran objetos, reproducciones de mapas, hallazgos de los viajes del descubrimiento, manuscritos de Cristóbal Colón o Hernán Cortés, retratos de personajes históricos relacionados con el archivo y su contenido histórico.

Sobre su arquitectura tienes aquí una guía para que disfrutes la visita.

La entrada es gratuita, incluso a las exposiciones temporales, y el horario: De lunes a viernes de 8.00 a 15.00 horas, excepto verano solo hasta las 14.30 h.

7. Centro Andaluz de Arte Contemporáneo

Fundado en 1990, el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo de Sevilla tiene como sede desde 1997 el Monasterio de la Cartuja de Santa María de las Cuevas. El CAAC asumió también desde entonces la gestión de las colecciones del Conjunto Monumental de la Cartuja.

El monasterio ya merece por si mismo una visita, no sólo por su arquitectura, si no por el importante patrimonio artístico y arqueológico que atesora. Situado en la orilla derecha del Guadalquivir muy cerca de la recién inaugurada Torre Pelli, en la isla de la Cartuja, sus muros han sido ermita franciscana, refugio y consuelo de Cristóbal Colón, monasterio, retiro espiritual de Felipe II, cuartel de los franceses y fábrica de loza y porcelana, antes de ser el Pabellón Real de la Exposición Universal de 1992, evento para el que fue restaurado.

En la actualidad es, además de Museo de Arte Contemporáneo, la sede del Rectorado de la Universidad Internacional de Andalucía.

Con toda esta historia, hoy a lo largo de la iglesia y de las zonas monásticas, conviven obras de Arte Contemporáneo tanto de la colección permanente, con más de tres mil obras, como de exposiciones temporales, seminarios, conferencias, recitales de música y ciclos de cine. Toda la información de horarios y actividades aquí.

8. Palacio de la Marquesa de Lebrija

El palacio de la condesa de Lebrija o palacio de Lebrija está situado la calle Cuna, paralela a la famosa calle Sierpes. De esta casa, que comenzó a levantarse en el siglo XVI, se dice que es la "casa-palacio" mejor pavimentada de Europa. La afirmación no es gratuita; tiene 580 metros cuadrados cubiertos por mosaicos romanos, que la sitúan como la colección privada más importante de Europa.

Su construcción se inició en el siglo XVI como casa señorial y fue pasando por varios propietarios que la remodelaron según sus gustos y necesidades. Pero lo que la convertiría más tarde en museo, fue la afición a la arqueología y al arte de Regla Manjón Mergelina, condesa de Lebrija, que la adquirió en 1901, la restauró y la acondicionó para poder albergar sus antigüedades.

El Patio central es una mezcla de estilos y técnicas entre las que se pueden ver las yeserías mudéjares que tejen los arcos de medio punto, azulejos del siglo XVI (que se ven por toda la casa), y un mosaico romano del siglo II/III (una auténtica joya), que cubre el suelo, al igual que en el resto de las salas de la planta baja, en una de cuyas vitrinas se encuentra una colección glíptica procedente de Itálica.

Abierto como museo en 1999, aquí está toda la información sobre horarios y precios de visita.

9. Anticuarium de Sevilla

Este museo arqueológico situado en el subsuelo del Metropol Parasol de la plaza de la Encarnación, es el yacimiento arqueológico más importante de época romana que se conserva en Sevilla, con restos de casas y mosaicos ésta época, que van del siglo I al VI.

Casas de época almohade de los siglos XII y XIII e información de la época Medieval, Moderna y Contemporánea hacen de éste Centro de Interpretación una visita más que interesante para adentrarse en la historia de Sevilla.

En horario de martes a sábado de 10h a 20h y domingos y festivos de 10h a 14h. El precio es de 2€. En la misma planta de acceso al Antiquarium se puede acceder al mirador de "Las Setas", desde donde se disfruta de unas vistas magníficas de la ciudad. El horario del Mirador es de domingo a jueves: 9.30 a 23.00 h, y los viernes y sábados de 9.30 a 23.30 h. El precio del mirador es de 3€, (incluye una consumición en la cafetería).

Para los nacidos o residentes en Sevilla, los menores de cinco años, minusválidos físicos (75%) y acompañantes la entrada es gratis.

10. Conjunto Arqueológico de Italica

En Santiponce, a sólo siete kilómetros de Sevilla, se encuentra el Conjunto Arqueológico de la ciudad romana de Itálica. Una visita de acceso gratuito y más que recomendable.

El visitante se encuentra nada más entrar con el espléndido anfiteatro romano (el cuarto anfiteatro más grande del Imperio Romano), y la posibilidad de pasear por el trazado de lo que fueron sus calles, en las que dieron sus primeros pasos los emperadores Trajano y Adriano. También se pueden conocer las casas, los edificios públicos, así como objetos de arte y utensilios de la vida cotidiana utilizados por sus habitantes.

Los orígenes de Itálica se remontan al año 206 a.C., siendo la primera ciudad romana fundada en Hispania. Escipión el Africano la fundó para los licenciados del ejército y heridos en la batalla de Ilipa contra los cartagineses, “en una ciudad que llamó Itálica, tomando el nombre de Italia” (Apiano, Iber, 38).

Hoy sus nobles restos forman un Conjunto Arqueológico que está a la espera de ser parte de la Lista del Patrimonio de la Humanidad. Razones sobran.

Los horarios de visita son en invierno (enero a marzo), de martes a sábado: de 09:00 a 18:00 horas. Domingos y festivos: De 09:00 a 15:00 horas. En verano: de martes a sábado: de 09:00 a 20:00 horas. Domingos y festivos: De 09:00 a 15:00 horas.

La entrada Diez museos imprescindibles de Sevilla se publicó primero en Ruta Cultural.

Levantada a la orilla del Guadalquivir como torre defensiva, era también (y lo sigue siendo), una atalaya de placer que ofrecía las vistas más cercanas del ambiente marinero del Guadalquivir, además de permitir otear el horizonte para avisar de la llegada de barcos enemigos. Punto focal del puerto sevillano, la Torre del Oro fue construida unos veinte años después que La Giralda, entre 1220 y 1221, por orden del gobernador almohade Abù l-Ulà.

Hermanada desde 1992 con la portuguesa Torre de Belém, hoy su imagen comparte, con el campanario de la Catedral, el privilegio de ser emblema icónico de la ciudad de Sevilla.

Su historia y su aspecto actual están marcados por los cambios vividos en la ciudad de Sevilla. Hay algunos mitos inventados sobre su nombre, que ya era «del Oro» en tiempos almohades; no es llamada así por haber estado cubierta de azulejos dorados, ni le debe el sobrenombre a ser la guardiana de tesoros musulmanes, aunque al parecer sí fue guardiana de algún tesoro de Pedro I.

Tampoco es cierto que guardara el oro y la plata que llegó desde América, estos se custodiaban en el "Cuarto del Tesoro" de la Casa de la Contratación. En realidad su brillo era debido a la mezcla de cal y paja prensada con la que estaba recubierta, que hacía brillar el color amarillo de la pintura que la protegía, reluciendo como el oro bajo el sol de Sevilla.

Es, eso sí, un contenedor de recuerdos que son auténticos tesoros, pero veamos su historia.

La etapa alhomade de la Torre del Oro

Los almohades construyeron una torre albarrana (una torre defensiva adelantada a la muralla que protege una fortificación), que estaba conectada por una coracha (lienzo de la muralla defensiva entre la fortificación y la torre albarrana), en este caso el Palacio de los califas almohades (el Alcázar de Sevilla).

En el camino de la coracha que llegaba al Alcázar, la Torre del Oro tenía dos torreones que le servían de apoyo en su misión defensiva: la Torre de La Plata, hoy en la calle Santander, también del siglo XIII, y la Torre de Abd el Aziz, la más cercana al palacio, datada en el siglo XII, conocida también como Torre de Santo Tomás, porque hace esquina entre la avenida de la Constitución y la calle Santo Tomás.

La Torre del Oro tiene planta dodecagonal en su dos primeros cuerpos (clara influencia de la arquitectura romana y bizantina), que son los construidos por los almohades. Coronados ambos cuerpos con almenas con un remate piramidal. El primer cuerpo se levantó con sillería y argamasa, mientras el segundo fue construido con ladrillo (posiblemente para aligerar su peso).

Mide algo más de quince metros de diámetro por casi treinta y siete de alto. El primer cuerpo tiene tres pisos organizados por medio de arcos semicirculares en tramos alternos, cuadrados y triangulares, cubiertos por bóvedas de arista.

Sobre el primer cuerpo, se eleva otro de ocho metros y medio de altura y tres de anchura, hexagonal desde abajo en el interior, pero dodecagonal en el exterior. Los dos cuerpos están coronados por almenas de terminación piramidal.

Su escalera de caracol decide la altura de las ventanas, que se adaptan al ascenso circular de la misma, idéntico sistema con el que se articula el alminar de la Giralda.

Tipológicamente, el aspecto exterior de esta torre es una forma híbrida de faro antiguo y de alminar, lo que explica la decoración cerámica del segundo cuerpo, como existe en los alminares de las mezquitas almohades.

Los vanos, que en la parte baja son la mayoría estrechas aspilleras, se abren en su parte más alta. Los balcones son resultado de una restauración del siglo XVIII.

Una franja de arcos ciegos de herradura apuntados rodea el primer cuerpo de la torre, en su parte más alta. Mientras en el segundo cuerpo, más decorado, aparecen también arcos ciegos de herradura, éstos están encuadrados por otros lobulares que se alternan con arquillos gemelos.

Aún queda mucho por saber de la vida almohade de este monumento sevillano. Sí se sabe que los arqueros y soldados que la defendían, la convirtieron en una torre casi inexpugnable.

La Torre del Oro en la conquista cristiana de Sevilla

El 23 de noviembre de 1248 la ciudad de Sevilla se rindió ante el Rey Fernando III de Castilla. Antes sufrió un durísimo acoso por parte de las tropas cristianas. El General Ramón de Bonifaz comandaba la escuadra de barcos, llegados a Sevilla en ayuda de las tropas terrestres que cercaban la ciudad hispalense, hacía ya varios meses.

La Isbiliya almohade aguantaba el asedio gracias a la llegada de suministros desde el Aljarafe, a través del puente de barcas que los sitiados habían tendido entre la zona del Arenal, en la margen izquierda del Guadalquivir, y el Castillo de Triana (hoy Castillo de San Jorge), al otro lado del río.

No fue fácil para el general burgalés vencer la resistencia de los almohades desde la Torre del Oro. Después de algunas escaramuzas que no llevaron a nada importante, en el mes de mayo de 1248 el rey Fernando ordenó destruir el puente de barcas de Triana, para acabar con el abastecimiento de la ciudad.

Según los cronistas de la época, unas poderosas cadenas que salían de la Torre del Oro y cruzaban a la otra orilla, hasta otra torre inexistente hoy, impedían el paso de la flota de Bonifaz, que era hostigada desde la torre albarrana.

Fue una pelea dura la que hubieron de librar los castellanos hasta acabar con el puente de barcas.

Hay una referencia que apoya la existencia de las famosas cadenas, sobre las que no hay documentación. Éstas aparecen rotas junto a un barco al lado de la Torre del Oro en los escudos de Cantabria, Avilés, Laredo, Castro Urdiales, Santander y San Vicente de la Barquera, de donde procedían los marinos a las órdenes de Bonifaz.

La Isbiliya almohade aguantó seis meses más abasteciéndose con barcazas que atravesaban el río con los víveres, hasta que los castellanos montaron una especie de policía fluvial, que acabó con la rendición de una población hambrienta y sin medicinas.

La Torre del Oro desde su conquista hasta el siglo XVI

No se conoce bien la utilización del interior en época almohade, es de suponer que tendría enseres necesarios para la defensa, y alguna estancia al servicio de los vigilantes. Pero tras ser conquistada, además de seguir utilizándose como atalaya de vigía, se usó como capilla dedicada a San Isidoro de Sevilla, en la que se celebraban cultos de importancia.

Alfonso X "el Sabio" eximió de todo tributo a los clérigos de las parroquias de Sevilla, a cambio de que el día de su santo acudieran a la Capilla de la Torre del Oro a cantar misa altamente de sobrepelliças vestidas.

Un siglo después Pedro I "el Cruel" cuyos restos, después de muchos traslados, descansan en la Capilla Real de la Catedral de Sevilla, escondió en la Torre del Oro a su amante doña Aldonza Coronel, protegida con guardianes, para evitar que los celos de María de Padilla, que vivía en el cercano Alcázar, lastimaran en su ausencia a su nuevo capricho femenino.

En realidad no fue sólo doña Aldonza, mujer de extraordinaria belleza, quien fue escondida por el rey en la Torre del Oro. Cuentan, sobre esto sí que no hay documentos, que Pedro el Cruel se intercambiaba amantes con Muḥammed V (rey nazarí de Granada). Nos imaginamos que si Doña Aldonza protestó cuando la sacó de un convento de Sevilla para esconderla en la Torre del Oro, de esto sí hay documentos, las chicas granadinas habitantes de la hermosa Alhambra tampoco estarían muy contentas.

La Torre del Oro, testigo privilegiado del momento cumbre de la historia de Sevilla

En el siglo XV se construyó a su vera el Puerto de las Muelas de la Torre del Oro. Allí llegaba la cantería de la Catedral de Sevilla desde Sanlúcar de Barrameda.

Desde allí partió Magallanes y allí regresó El Cano a bordo de la nao Victoria (única en volver de las cuatro naves que partieron), después de lograr su hazaña de ser el primero en dar la vuelta al mundo.

Entre la Torre del Oro y la puerta de Triana bullía una variopinta población y gentes de paso, que acudían a las múltiples actividades de aquel puerto que unía Europa y el Nuevo Mundo. En el puerto del Muelle se contrataban marinos y embarcaciones y se hacían todo tipo de negocios.

Sevilla, en el filo del siglo XV, se había convertido en un emporio náutico y mercantil al que acudían gentes de toda España y otros países de Europa, sobre todo: italianos, portugueses y flamencos. La Torre del Oro ya escuchaba otros idiomas antes de que llegaran los turistas.

El intenso ajetreo que se vivía en los alrededores de la ilustre torre albarrana fue en aumento hasta finales del siglo XVI, cuando Sevilla llegó a su cenit como metrópolis de las indias occidentales y orientales.

Abajo se puede ver la Torre del Oro (a la derecha de la imagen), en el siglo XVI, antes de las restauraciones que cambiaron su aspecto, cuando todavía estaba unida al Alcázar por la muralla defensiva.

Años después, diversas circunstancias fueron acabando con aquella etapa brillante de la ciudad andaluza, y a aquel ajetreo portuario se le fue apagando la voz poco a poco.

Restauraciones que cambiaron su aspecto

A principios del siglo XVI tuvo que ser intervenida porque su estado amenazaba ruina. Pero fue a consecuencia del terremoto de Lisboa de 1755, que la dañó gravemente, cuando sufrió un cambio importante en su aspecto.

Aprovechando que estaba muy dañada, el Marqués de Monte Real propuso su demolición con la idea de ensanchar el paseo de coches de caballos. Pero la oposición del pueblo de Sevilla, que llevó sus quejas hasta el rey, evitó que se perdiera esta joya histórica sevillana.

Las obras se realizaron en 1760. Entre otras acciones se cambió el remate, añadiendo una linterna con un cupulita pequeña, obra de Sebastián Van der Borcht. Se dejó la puerta del paso de ronda de la muralla, como acceso principal. Se utilizó el primer piso como cimentación añadida a la almohade, con lo que ésta pasó de cinco metros a once, y se abrieron los grandes vanos con balconada de hierro en el primer cuerpo, que fueron retiradas posteriormente.

Según los grabados de épocas anteriores, esta fue la restauración que más cambió su aspecto.

Años después, entre 1821-22, se llevó a cabo el derribo de la muralla que la unía con el Alcázar, y se reparó el lienzo de fachada que encajaba en la coracha.

El 7 de enero de 1870, la Marina tomó posesión de la torre, cedida en usufructo, para sede de las oficinas de la Comandancia y Capitanía del Puerto. Pese a ello al año siguiente se pensó derribarla, pero también esta vez, la Torre del Oro permaneció erguida, y el 27 de junio de 1871, se solicitó su declaración como Monumento Nacional (lo que no ocurrió hasta el 5 de junio de 1931).

De nuevo en 1868 corrió peligro de desaparecer, cuando los revolucionarios de la Gloriosa pretendían demolerla y poner sus piezas a la venta. Otra vez fue salvada por las quejas de los sevillanos.

El ingeniero Carlos Halcón, realizó una restauración en 1900 que fue duramente criticada. Un aspecto positivo de esta restauración fue el encuentro de un tablero de paños de sebka, sobre la puerta de acceso al segundo cuerpo.

Ha habido después varias restauraciones, la última fue la realizada en 2005 durante la cual se hallaron algunos restos arqueológicos de época de Alfonso X, y se retiraron elementos añadidos en otras restauraciones que restaban autenticidad al monumento medieval.

En 1944 se abrió en sus dependencias el Museo Marítimo, para lo que se habilitaron dos pisos, y la tercera planta se adecuó para uso de investigadores.

Las cuatrocientas piezas que se muestran en este pequeño museo fueron cedidas por el Museo Naval de Madrid.

Su propietario es en la actualidad el Ministerio de Defensa de España.

Horarios de visitas y precios de las entradas

Merece la pena una visita que te ocupará alrededor de media hora.

Horario: de Martes a viernes: de 10.00 a 14.00 h. Domingo y festivos: de 11.00 a 14.00 h. Precios: Adultos: 3 euros, Niños a partir de 6 años, estudiantes y jubilados acreditados: 1,50 Euros. Audioguía 2€

Te aconsejamos que compruebes los horarios en el teléfono: 954 22 24 19 o en el correo: torreoro@fn.mde.es, donde se concretan las visitas en grupo.

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El 18 de julio de 1972 Madrid celebraba la apertura al público del Templo de Debod, un templo del Antiguo Egipto con una historia en sus piedras de más de dos mil años. Procedente de la región de Nubia, fue erigido en pleno desierto en una meseta cuya inclinación miraba al valle del Nilo. Hoy se alza en un alto junto al paseo del Pintor Rosales (Parque del Oeste), en el mismo lugar donde se encontraba el Cuartel de la Montaña desaparecido en la Guerra Civil.

Desde esta atalaya madrileña se disfruta de unas vistas espectaculares. Los cultos a los dioses Amón, Isis y Osiris se han tornado en visitas a la historia y a la arquitectura del mundo egipcio. Ver atardecer desde el exterior del templo es un reclamo que concentra a muchos madrileños y foráneos, no es de extrañar, son unos minutos que merecen la pena.

¿Cómo llegó el Templo de Debod a Madrid?

El Templo de Debod está en Madrid como recompensa por la ayuda española tras un llamamiento internacional: La Campaña de Salvamento de los Monumentos de Nubia, que lanzó la Unesco y que tuvo una gran respuesta de participantes y ayudas técnicas, científicas y económicas, que salvaron entre otros el emblemático templo de Abu Simbel. España participó en esta campaña, ante la que el gobierno de Egipto decidió donar algunos templos a los países participantes. La donación no estuvo exenta de problemas entre los gobiernos, pero al final se entendieron y hoy Madrid disfruta de este hermoso testigo de la historia del país de las pirámides.

El templo se desmontó y sus piezas se enviaron a la isla Elefantina. De allí fue trasladado a Alejandría para llegar años después al puerto de Valencia desde donde se trasladó a la capital de España. El gobierno español decidió montar el templo en Madrid, y el lugar elegido fue este promontorio para el que se habilitó un parque cuyo motivo central es el monumento egipcio, situado sobre una plataforma rodeada por un estanque.

La instalación no fue fácil, se habían perdido muchas piezas de las partes exteriores (fachada y vestíbulo). Se tuvo que afrontar una restauración que se hizo bajo los principios de las anastilosis (diferenciando con claridad las piezas nuevas de las antiguas). También su interior había sufrido un deterioro importante, como la pérdida del cromatismo de sus relieves y pinturas, porque durante años estuvo expuesto a las inundaciones provocadas por la primera presa de Asuán, que lo cubrían nueve meses al año.

El tema de la conservación del monumento en su nuevo emplazamiento ha suscitado mucha polémica. No parece muy conveniente su uso, como así ha sido, para pases de cine de verano o de teatro, para anuncios publicitarios o spots musicales. Además está la contaminación y el clima de Madrid que le han afectado de manera importante. Según la Carta de Venecia sobre la conservación de un monumento histórico, la conservación y utilización de este templo no cumplía los preceptos mínimos.

Al ser declarado en 2008 Bien de Interés Cultural las expectativas sobre su conservación han alimentado esperanzas en ese sentido. El problema de la temperatura en el interior del templo se está intentando solucionar en la actualidad mientras permanece cerrado a las visitas, y se habla de su apertura en febrero de 2019.

Las historias que guarda en su interior el Templo de Debod

Su construcción, que se dilató en el tiempo durante aproximadamente doscientos años, comenzó en época ptolemaica. Situado en la frontera entre el reino nubio de Meroe y el Egipto de los Ptolomeos, formó parte, desde sus principios, de un itinerario religioso que unía Tebas con la isla Filé, donde según la religión egipcia, Isis dio a luz a su hijo Horus.

Al parecer el templo era el santuario dedicado a Amón e Isis, y el núcleo central de una ciudad a la que posiblemente le daba nombre al templo: Debod. Pero los restos arqueológicos no dan muchos datos sobre ella.

Amón, dios protector de Tebas, es uno de los dioses más representados de Egipto, es el dios del viento, de los pobres y de la piedad personal. Osiris es el dios egipcio de la resurrección, la vegetación y la agricultura, símbolo de la fertilidad y regeneración del Nilo. Su esposa Isis, que siguió siendo venerada en el mundo grecorromano, fue la artífice de la resurrección de Osiris (asesinado por su hermano Seth, dios de la fuerza bruta, de lo tumultuoso, lo incontenible), concibiendo un hijo suyo: Horus, el dios del cielo, de la guerra y de la caza. Vinculado a la realeza, el faraón era la representación de Horus en la tierra.

Los devotos romanos de Isis celebraban fiestas en su honor como la Navigium Isidis. Una fiesta celebrada en la primera luna llena después del equinoccio de primavera. Se formaba una procesión en la que la diosa salía del templo llevada por sacerdotes en un cortejo con música y danza. En esta procesión algunos personajes iban adornados con una máscara de Anubis. El cortejo llegaba a la costa y embarcada a Isis en una nave de madera decorada con ofrendas florales. Se abría así la temporada de navegación.

Con la tradición católica la Navigium Isidis se dividió en Pascua (la resurrección después del equinoccio de primavera), embrión lejano de la Semana Santa, y el Carnaval (carrus navalis, la procesión de las máscaras).

En el primer milenio antes de Cristo, tanto Egipto como su vecina Nubia, construyeron templos dedicados principalmente a Isis. Como el templo de Debod que compartió su dedicación con Amón. El templo de Isis en File era un centro religioso para egipcios y nubios por igual. El poder mágico de esta diosa era mayor que el del resto de dioses; protegía al reino de sus enemigos, gobernaba los cielos y la naturaleza y tenía poder sobre el propio destino. Algunos de sus devotos decían que Isis abarcaba todos los poderes divinos femeninos del mundo.

Los templos ptolemaicos se caracterizan en general por el "horror vacui" «horror al vacío». Por ello como se ve en este de Debod sus muros, pilonos, pilastras, columnas, e incluso techos se cubren de relieves e inscripciones, en las que se repiten las escenas del faraón realizando ofrendas a los dioses.

Las distintas miradas que hicieron posible el Templo de Debod

Por lo dilatado de su construcción y por la historia de las distintas civilizaciones que habitaron la zona, el templo de Debod es un reflejo de las diferentes miradas religiosas a los dioses.

El origen del templo está en la "Capilla de los relieves" de su etapa Meroítica. Esta capilla, de difícil datación, es la parte más antigua y su construcción se debe al rey Adijalamani de Meroe, cuyo reinado se estima entre el 200 y el 180 a.C.

En época ptolemaica y a partir de esta pequeña capilla, se transformó y amplió el edificio, pero al no quedar a penas decoración, no se conocen los nombres de los faraones que estuvieron detrás de esta ampliación. Sólo por algunos nombres que quedan en las piedras y por los testimonios de viajeros se conocen tres faraones implicados en su construcción:

Ptolomeo VI Filómetor, faraón entre 180 y 145 a.C. que, con su hermana y esposa, Cleopatra II, aparece en la inscripción que figuraba en la gola del segundo pilono.

El siguiente faraón identificado en la ampliación del templo es Ptolomeo VIII, del 145 al 116 a.C., que le dedicó una naos o sagrario a la diosa Isis. Esta naos, destruida en el siglo pasado, era de unas dimensiones superiores a la que actualmente se conserva.

El último faraón ptolemaico del que se tienen datos en el templo es Ptolomeo XII, del 80 al 51 a.C., cuyos cartuchos aparecen en las inscripciones de la naos actualmente conservada, dedicada al dios Amón.

No es seguro que el resto de las estancias las realizaran éstos faraones o son obra de los siguientes reinados. La llegada de Roma pudo estar involucrada en ellas, pero no es seguro. Lo que sí es cierto es que el Imperio Romano dominó Egipto hacia el año 30 a.C. y, según los cartuchos que decoraban el vestíbulo y la fachada posterior del templo, documentados por algunos autores, mencionan a Octavio Augusto y a su sucesor Tiberio.

Los romanos añadieron elementos decorativos aunque no terminaron los programas. También intervinieron en su arquitectura, aunque tampoco esto lo terminaron, quedando el templo inacabado. Más o menos como lo encontraron los primeros viajeros europeos en los siglos XVIII y XIX

De la época romana sería el embarcadero que cerraba una vía sacra murada que conectaba el templo con el Nilo.

La relación entre el templo de Debod con el culto de Isis y su principal santuario, en la isla de Filé, salvó su existencia para asegurar el mantenimiento del culto a lo largo de los últimos siglos de dominación romana y comienzos de la bizantina.

Hacia el año 450 d.C., los nóbadas y blemmies se sublevaron contra los romanos y consiguieron un permiso para continuar con los cultos a la diosa y asistir a los festivales de Isis en Filé. Incluso procesionaban una escultura de Isis por la Baja Nubia para bendecir sus tierras.

Fue entre los años 535 y 537, cuando el emperador Justiniano, tras conquistar Nubia para el Imperio Bizantino, cerró el templo de Isis en Filé, lo consagró a San Esteban y puso fin a su culto en la zona.

No se sabe que el templo de Debod fuera dedicado a ningún culto cristiano, parece que no, por lo que fue abandonado para siempre. Al no ser reutilizado por credos distintos, su estructura quedó a salvo de modificaciones. Este hecho es, posiblemente, el que propició su conservación en los doce siglos que median entre su abandono y su redescubrimiento en el siglo XVIII.

En las etapas cristianas y árabe, apenas hay señales en sus piedras; sólo algunas cruces coptas en un pilono y en la capilla de la naos (posiblemente para exorcizar a los dioses paganos); unos grabados en sus fachadas exteriores en los que se ve una caravana de camellos y alguna inscripción árabe; y la mutilación del falo del dios Min.

Hubo también una vivienda en época medieval, y otras de cronología incierta, en el primer patio.

Los viajeros románticos y sus testimonios sobre el Templo de Debod

Atraídos por el exotismo de los países africanos, ávidos de aventuras y de conocimientos sobre otros modos de ver el mundo, desde finales del siglo XVIII y durante el siglo XIX, viajeros europeos, en su mayoría ingleses, alemanes y franceses (pintores, arqueólogos, historiadores o exploradores), se embarcaron en una aventura viajera que les llevó a conocer el Sur de Europa: Grecia, Italia, Portugal, España y, algunos países africanos como Marruecos y Egipto.

A ellos les debemos los testimonios gráficos de cómo eran estos rincones del mundo, que aunque mirados a través del tamiz del romanticismo, sirven hoy para ver la evolución de un patrimonio que pertenece a la historia de la humanidad.

Aunque algunos aprovecharon para llevar a sus países auténticas joyas pertenecientes a las culturas donde las encontraron, como los Mármoles del Partenón, que se exponen en el Museo Británico de Londres, o tantos tesoros artísticos de Grecia o Egipto que hay que buscar en Museos de Berlín. A pesar de los cuidados y de la difusión de los mismos, esto genera una polémica que sigue viva.

Pero volviendo a Madrid y al Templo de Debod, nos encontramos unos cuantos nombres de viajeros románticos, cuyos testimonios ayudan a entender su historia.

El capitán y explorador danés Frederic-Louis Norden, en su famoso «Voyage d’Egypte et de Nubie», publicación sobre el viaje que realizó en 1737, dejó el testimonio del estado del Templo de Debod en dos dibujos del monumento. El embarcadero, con sus muros delimitando la vía sacra que lleva al templo y el edificio principal que se conservaba íntegro, además de los tres pilonos. Y no aparecen las torres laterales, a excepción de una de ellas, en el segundo pilono, que permanecía aún en pie.

La primera descripción exacta del edificio que se tuvo en Europa la elaboró en 1813 el explorador suizo Johann Ludwig Burckhardt. Enviado para inspeccionar y detallar la zona por orden de Napoleón, a quien le debe la historia el nacimiento de la egiptología. Champollion (historiador francés que consiguió descifrar la escritura jeroglífica gracias al estudio de la piedra de Rosetta), visitó Debod, dejando una breve referencia del edificio.

En 1819, el arquitecto y arqueólogo alemán François-Christian Gau, (nacido en Colonia pero formado en París), proporcionó una valiosa información a través de sus dibujos del edificio y de sus relieves, en los que se ve aún completo, aunque se habían robado ya algunas de sus piedras, la torre del segundo pilono y parte del embarcadero.

Joseph Ssenkowsky, profesor de lenguas orientales en la Universidad de San Petersburgo, describía así el estado del templo en 1821:

"En Wadi Debod hay un pequeño templo de tan sólo 75 pies de longitud, en muy buen estado de conservación. Frente a él se hallan tres moles, alineadas, que sirvieron en su día de accesos a través de diversos muros que debieron rodear el templo. Hoy, tan sólo los restos del segundo de estos muros es visible. Este templo contiene, además del vestíbulo, siete cámaras de las cuales sólo la central está decorada con relieves. Parece que debió estar dedicado a Isis. Su proximidad a Filé me convence de que se trata de la antigua Parembole, lugar que se hallaba tan sólo a 16 000 pasos de Asuán".

David Roberts, un viajero y pintor romántico que desde su Edimburgo natal recorrió España (difundiendo una imagen de Andalucía pintoresca y exótica). En su periplo romántico llegó a Tánger y Egipto, donde entre 1846 y 1850 realizó una hermosa colección de dibujos de distintos monumentos del país de los faraones. Entre ellos se se encuentran los del Templo de Debod. Sus acuarelas y grabados muestran un templo cuya fachada está aún prácticamente intacta, aunque con pérdidas de sillares en su base.

Entre 1849 y 1851, el arqueólogo francés Máxime Du Camp realizó trabajos arqueológicos en la zona. En una de sus fotografías se ve en pie la fachada principal, aunque ya tiene pérdidas en su esquina norte, en la que se había derruido parte del muro. A partir de aquí las desdichas se suceden sobre el Templo de Debod.

Entre 1851 y 1875 se hunde definitivamente la fachada principal y una buena parte del vestíbulo. Se achaca a un terremoto que hizo temblar la zona en 1868, pero las sospechas apuntan más bien al robo de los sillares. El pillaje continuó impasible hasta que en 1907 comenzaron las obras de la segunda fase de la construcción de la presa antigua de Asuán, que inundaba los templos de la zona la mayor parte del año.

En 1907,el templo fue reconstruido por el arquitecto egipcio Al Barsanti. De esta época queda una obra fundamental para entender este edifico. La firma G. Roeder, quien estuvo encargado del estudio y descripción del mismo antes de que las aguas de la presa desmoronaran algunas partes, borraran las pinturas y desgastaran los relieves. Sólo se podía visitar en verano.

Después vino el salvamento internacional y el viaje a Madrid.

Qué hace único al Templo de Debod

Este santuario milenario varado a miles de kilómetros de su lugar de origen es, a pesar de estar construido por distintos ideólogos, el contenedor de un mismo mensaje: el breve paso por la vida es el camino hacia «el otro lado». Para ese viaje se preparaban en el Antiguo Egipto de maneras que aún hoy siguen estando llenas de misterio.

En cuanto a la arquitectura es una especie de milagro, del que se conserva lo esencial para entender su presencia en la lejana Nubia. En las líneas que siguen dejamos unas pinceladas breves sobre lo que verás cuando lo visites.

En el vestíbulo o pronaos hipóstilo hay un programa decorativo realizado por Augusto y Tiberio, (perdido en su mayor parte por el terremoto del siglo XIX y por el robo de sillares).

La antesala del naos de pequeñas dimensiones, es el lugar donde se distribuye al visitante entre las tres capillas de cabecera. En lo alto de esta sala un vano abocinado proporciona la luz necesaria, que llega desde la terraza, y que ilumina la capilla central y a los naoi.

La Sala de los naoi, que es la capilla central de la cabecera, tiene el único naos que se conserva en la actualidad y fue dedicada a Isis y a Amón de Debod.

La Capilla de Adijalamani o de los relieves es el núcleo arquitectónico del santuario, como vimos, es la parte más antigua conservada del templo y su estado de conservación, menos la policromía, es aceptable. Decorada con imágenes del rey adorando a los dioses y ofreciendo sacrificios.

Son motivos que relacionan el culto regio a los dioses de la zona y que vinculan a la monarquía con el ámbito sagrado. Consagrada al dios Amón de Debod y a divinidades como Isis, Hathor, Osiris, Horus, Apset, Mut y otros dioses. A Imhotep, el primer arquitecto conocido de la historia, lo encontramos en un lugar destacado en el acceso a la misma.

Mammisi es una palabra de origen copto que significa «lugar de nacimiento». Se supone, aunque hay discusiones al respecto, que es la sala donde Isis dio a luz a Horus, el dios egipcio del cielo, de la guerra y de la caza. Era el lugar de celebración del «misterio del nacimiento divino».

Se cree que esta fue última aportación que el Egipto romano hizo a la arquitectura del templo. Su construcción rompe la simetría axial del mismo. En su vestíbulo aparecen relieves realizados en tiempos de Augusto y Tiberio. En el muro sur hay una claraboya, una fuente de luz indirecta necesaria para las ceremonias que se celebraran en ella.

La Capilla osiriaca es la capilla-relicario de Osiris y está situada en la terraza, junto a la escalera ritual de acceso. Aquí se veneraba una reliquia de Osiris que tenían que proteger del agua de la lluvia porque no era beneficiosa para este Dios. Por eso está techada. En esta terraza tenían lugar importantes ceremonias solares, como el Ritual de Año Nuevo.

Hay unas capillas en la cabecera que flanquean la capilla del naos y que se atribuyen a Osiris. Se conserva también el Ouabet, que era el lugar de purificación de los sacerdotes antes de acceder al templo.

El Templo de Debod es uno de los pocos templos ptolomaicos que tenía criptas. La principal es la Cripta del Tesoro donde se guardaban las estatuas de los dioses hechas con materiales nobles. Hay otra cripta que se cree que fue el llamado Laboratorio, donde se producían y guardaban los perfumes de las divinidades.

El Templo de Debod ha ido acumulando más de doscientos grafitos en su exterior. Los hay hechos por los antiguos fieles, por posibles eremitas cristianos, por religiosos islámicos y por los viajeros y exploradores del siglo XIX. Estos grafitos han sido una valiosa información para los estudios de su historia.

Entre los grafitos de Debod destacan caravanas y rebaños de dromedarios, una gacela, una barca de remos, cruces patadas (coptas), contabilidades, inscripciones griegas, coptas, árabes (de carácter religioso) y una treintena de firmas de viajeros.​

Y en la terraza del templo hay depositados varios bloques de sillares con los que se ha formado un pequeño museo. En ellos hay jeroglíficos, datos incompletos en alguna estela, fragmentos de columnas del vestíbulo y una maqueta de la Baja Nubia sobre los que ofrecen información unos audiovisuales.

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Vanitas vanitatis son dos términos relacionados con un pasaje del Eclesiastés: «Vanitas vanitatum omnia vanitas» («Vanidad de vanidades, todo es vanidad»), que intenta transmitir la inutilidad de los placeres mundanos ante la certeza de la muerte y el absurdo intento del hombre de parecerse a Dios, olvidándose de que es un ser mortal y finito.

Vanitas es un término latino que podemos traducir por vanidad, en el sentido de insignificancia. Asimilable a la expresión "en vano".

En el mundo del arte se denominan "Vanitas" a una categoría de bodegones que se practicaron mucho en la época barroca, sobre todo en Holanda. Pero la vanidad y la muerte se han tratado en el mundo del arte antes y después del Barroco.

Autores como Dalí, Picasso o el controvertido contemporáneo Damien Hirts (un ejemplo es su famosa calavera de diamantes), han interpretado el tema de la vanidad y del memento mori bajo la mirada de su tiempo.

Durante el Barroco se desarrolló de una manera especial la percepción de la debilidad del ser humano, la fugacidad de la vida y la presencia de la muerte. La sensación social de la situación del hombre estaba en el siglo XVII en un clarooscuro continuo; de la lujuria de las fiestas barrocas, en las que se combinaban la celebración religiosa con la risa y los placeres sensoriales, lo sagrado con lo profano, se pasaba a entonar el mea culpa en iglesias y manifestaciones populares. Fue en esta época cuando empezaron a tomar fuerza los desfiles procesionales de la Semana Santa.

El arte reflejó esta situación utilizando de manera dramática la luz y las sombras en busca del impacto, la conmoción del espectador. Y los bodegones llamados "Vanitas" fueron una ayuda muy útil en la predicación devocional. Eran mensajes "moralizantes" que proliferaron en el siglo XVII, con un mensaje claro: el "memento mori" (recuerda que has de morir). Tanto en el Norte como en el Sur de Europa, en el ámbito cristiano y en el protestante, se usaron una simbología e intenciones muy parecidas.

Pero sin ser bodegones al uso, hubo otros pintores, como Caravaggio, que se acercaron a las "Vanitas" desde un punto de vista muy personal, incluyéndolos en representaciones de santos. Antes del barroco ya hubo grandes pintores, influenciados por las ideas medievales, que relacionaron la muerte y el pecado, como lo hicieron por ejemplo El Bosco o Brueguel el Viejo, o Tintoretto en el Renacimiento con su alegoría de la muerte.

El tema de las vanitas se llevó a la escultura e incluso a la arquitectura como en la capilla Magadalenenklause, construida en los jardines del Palacio Nymphenburg de Múnich. Una vanitas arquitectónica levantada en un jardín idílico para meditar sobre lo efímero de la vida.

Estamos en vísperas de una celebración muy especial, el Día de todos los Santos y el Día de los difuntos. Son fechas en las que se visitan los cementerios y se celebran cultos para honrar a los que se fueron y rogar por su descanso eterno.

Traemos aquí unos cuantos ejemplos que recuerdan a través del "memento mori" la fugacidad de la vida, con un mensaje claro por nuestra parte, el que acuñó el poeta romano Horacio: "Carpe diem, quam minimum credula postero" (Aprovecha el día, no confíes en el mañana).

1-El Jardín de las Delicias. Jheronimus van Aken el Bosco

Comenzamos este acercamiento a la representación del pecado y la muerte en el mundo del arte con una obra fascinante. El Jardín de las Delicias de El Bosco. En él el maestro holandés va desgranando la creación del mundo, desde el tercer día, cuando se separan el cielo y la tierra (imagen del tríptico cerrado).

En las tres tablas interiores de la obra, El Bosco nos empuja a entender el mundo desde la Creación del hombre (tabla de la izquierda), a la inconsciente felicidad del Jardín de las delicias (tabla central) y al destino inevitable en el Infierno musical (tabla derecha).

Hay mucho de vanitas en estas tablas enigmáticas y sarcásticas, pero en el recorrido por las etapas de la presencia del hombre en la tierra, son, la tabla central (el Jardín de las delicias) y la derecha (el Infierno), las que nos sirven para encabezar este recorrido por las vanitas.

En el Jardín de las delicias El Bosco nos presenta una situación de la humanidad inmersa ya en el pecado, especialmente el de la lujuria, aunque toca otros como la avaricia, que lo llevan a la perdición. Escenas eróticas heterosesuales, homosexuales y onanistas llenan la tabla de personajes entregados al disfrute. Entre los numerosos desnudos aparecen muchos tipos de frutas, en clara alusión a los placeres sexuales. En la Edad Media "coger la fruta" significaba tener comercio carnal. Además las frutas son un símbolo de la fugacidad de la vida y del placer, por su rápido deterioro.

Los animales que vemos en esta tabla se han interpretado como un símbolo de lujuria y los estanques de agua son símbolos de concupiscencia. Las mujeres que están en el interior del estanque van tocadas con cuervos e ibis, símbolos de vanidad, que veremos después en los bodegones de vanitas.

En la parte inferior derecha de la tabla un personaje vestido, el único, que mira al espectador mientras señala a la culpable de toda la situación: Eva, la que trajo el pecado al mundo. El arte occidental ha dejado auténticas maravillas respecto al erotismo, en las que siempre aparece la mujer como provocadora de los pecados.

Y como la humanidad ha caído en desgracia, sólo tiene un destino posible: el infierno.

La tabla del infierno, conocida como "EL infierno musical" porque está llena de instrumentos musicales (no se sabe porqué El Bosco relaciona la música con el castigo eterno), es la más sombría de las tres y explica que los innumerables tormentos que esperan a la Humanidad serán el pago por sus desmanes.

Personajes que defecan monedas, juegos de cartas y dados, en clara alusión a la avaricia, envuelto todo en un caos de torturas y confusión. Una sombría visión de las consecuencias de los pecados del hombre.

Se necesitan muchas horas para transitar esta maravilla datada entre 1500 y 1505, que se puede ver en el Museo del Prado de Madrid. Siempre hay algo en ella por descubrir.

Su influencia como obra moralizante ha sido enorme y muchos de los símbolos que en ella aparecen han inundado las obras de Vanitas del Barroco: juegos de mesa, monedas, instrumentos musicales, frutas, aves, etc.

2-El triunfo de la muerte. Pieter Brueghel el Viejo

Este cuadro que también se puede ver en el Museo del Prado de Madrid, lo realizó el maestro flamenco en 1562, un siglo antes de que nacieran los bodegones de Vanitas. Lo compró Isabel de Farnesio, la madre de Carlos III, en el siglo XVIII y pasó a la colección del Prado en 1827.

Es una obra moralizante que te sitúa ante el triunfo de la muerte sobre las cosas mundanas. Ésta está simbolizada por un gran ejército de esqueletos que arrasan la Tierra. Y dentro de él ya podemos ver algunas Vanitas (miradas con la sátira de Brueghel).

En la esquina derecha del cuadro encontramos un reloj de arena, marcando el final de la vida de un rey que tiene cerca unos barriles llenos de monedas (dos objetos muy utilizados en los bodegones de Vanitas). Al rey de nada le sirven ni el escudo, ni su apariencia lujosa, ni su alto rango para perecer como los demás.

Justo en la esquina contraria una pareja de enamorados son incapaces de ver que el músico que deleita su arrobamiento no es otro que un soldado de la muerte.

Influenciado por El Bosco, Brueghel inunda el cuadro de una desoladora realidad; la muerte es la vencedora inapelable ante la que es inútil resistirse. Entre los personajes desesperados, unos luchan contra lo evidente mientras otros se resignan a lo que les espera.

3-Vanitas. Anónimo holandés

En esta tabla datada en el siglo XVII, de la que se desconoce el autor, vemos una mirada sarcástica, típica de los maestros holandeses, al género de "Vanitas". El viejo avaro, sólo y rodeado de objetos que aparecen apiñados sin sentido decorativo, pura avaricia, mira asombrado al esqueleto que lleva colgado un bolso verde, ¿que llevará dentro?. Tocado con un sombrero de plumas, le dedica una canción antes de llevárselo.

Hay un cuadro, a la izquierda de la composición, en el que se ve la advertencia que ya le hizo el tétrico músico en la juventud: "memento mori": recuerda que vas a morir.

Los animales de las esquinas son también un divertido mensaje del anónimo autor. El lujurioso mono, que acaricia tranquilo la esfera terrestre mientras fuma (el tabaco como placer e indicio de mortalidad), parece expresar que con él no va la cosa, mientras el perro, símbolo de fidelidad, puede que se refiera aquí, a la interpretación iconográfica que utiliza a este animal para acompañar a los muertos en su tránsito por la laguna Estigia en su camino hacia el Hades, aunque en esta escena, el perrillo parece ladrar asustado ante el tétrico cantante.

4-Leonard Kern. El infante dormido o la alegoría del tiempo.

Del escultor alemán Leonard Kern, que se llevó de su estancia en Roma el amor por el arte clásico, traemos este "Niño Dormido" que realizó en marfil en el siglo XVII.

Es una obra de "Vanitas", que representa una alegoría del tiempo. Se puede ver en el Departamento de Artes decorativas del Louvre de París.

Sus escasos treinta centímetros retratan con una maestría, podríamos decir que minimalista, la esencia de las "Vanitas". Apoyado el brazo, sobre el que descansa su laureada cabeza, en una calavera (memento mori), que corona un reloj de arena, utilizado como un pedestal, mientras mide el tiempo de la vida.

La antorcha invertida entre sus piernas reafirma la sentencia de la muerte. El laurel que provoca sueños premonitorios, corona la cabeza del niño, que dormido nos envía un mensaje inequívoco.

5-Clara Peeters. Alegoría de la Vanidad

La pintora flamenca Clara Peeters nos dejó en este posible autorretrato del siglo XVI un bodegón Vanitas, que es una alegoría de la vanidad. La obra pertenece a una colección particular.

En ella se muestra vestida de manera lujosa, con un espejo abierto en la mano y apoyada en una mesa repleta de objetos que no son otra cosa sino muestras simbólicas utilizadas en las Vanitas.

Monedas, joyas, flores a punto de marchitarse, la bola de cristal que refleja lo que ha de venir y el generoso escote que deja ver sus pechos turgentes. Hay aquí mucha materia de la que vimos en el Jardín de las delicias.

6-Michelangelo Caravaggio. San Jerónimo escribiendo

Este "San Jerónimo escribiendo" fue una de las últimas obras de Caravaggio en su etapa romana, que se puede ver en la Galería Borguese de la ciudad eterna.

En él el santo escritor de la Vulgata aparece pobremente vestido y acompañado de una calavera para no olvidar el "memento mori".

Lejos de representarlo acompañado con el león, compañero iconográfico de este santo, reduce sus atributos al mínimo, lo representa en la pobreza más absoluta y absorto en su trabajo de escribir. Esta es una Vanitas moralizante, con un mensaje claro de cuál es la actitud a tomar si se quiere afrontar el momento de la muerte sin miedo al infierno.

La austeridad que transmite San Jerónimo fue inspiradora de la Orden de clausura monástica que lleva su nombre, que ha llevado su voz a tantos rincones de Europa. En su nombre se han fundado monasterios por muchos lugares, pero como vimos en nuestro recorrido por el Monasterio de Los Jerónimos de Belem, o el extraordinario Monasterio del Escorial, la vanidad de sus creadores se alejó mucho del mensaje del santo ermitaño.

7-Juan Valdés Leal. Las postrimerías de la vida

El maestro del barroco sevillano de cuya obra se puede ver una amplia muestra en el Museo de Bellas Artes de su ciudad, dejó en la Capilla del Hospital de la Caridad dos cuadros de Vanitas, fechados hacia 1670 que son considerados como obras cumbres de este género, no sólo por la magnífica factura técnica de ambos, si no por el nivel intelectual que derrochan.

Inspirado por "El discurso de la verdad" que escribió Don Miguel de Mañara, fundador del Hospital de la Caridad de Sevilla, Valdés Leal pintó dos lienzos conocidos como «Las postrimerías de la vida», que cuelgan en la Iglesia de San Jorge en el citado Hospital.

El primero lo tituló: In ictu oculi (En un abrir y cerrar de ojos).

La muerte, representada por un esqueleto que lleva un ataúd bajo el brazo, destroza con su guadaña la esfera celeste, mientras en un "abrir y cerrar de ojos" apaga la vela de la vida dejando sin sentido alguno los restos desordenados de todo lo que tiene poder en el mundo: una corona, una tiara, ricos vestidos y libros de eruditos científicos y de historia.

Entre éstos hay uno abierto por un grabado de Theodor van Thulden sobre un dibujo de Rubens: es uno de los arcos triunfales con que fue recibido en Amberes el cardenal-infante don Fernando de Austria tras la batalla de Nördlingen. Entre los que aparecen cerrados se ve el nombre de Plinio (quizá su Historia Natural) y la primera parte de la Historia y la vida de Carlos V, de fray Prudencio de Sandoval.

Pero las glorias del mundo acaban en el segundo cuadro: "Finis gloriae mundi" (El fin de la gloria del mundo), con dos cadáveres en descomposición en primer plano; un obispo y un caballero calatravo, como lo fue Mañara.

La muerte, paso previo para el juicio del alma, aparece como un brazo, como en un rompimiento de gloria, cuya mano sostiene una balanza con las inscripciones: Ni más, Ni menos.

En el platillo de la izquierda se pesan los pecados capitales. Sirviéndose de animales simbólicos, Valdés Leal pesa la soberbia, la gula, la avaricia o la pereza. No se necesita más para caer en pecado mortal.

Mientras que en el de la derecha, representado por rosarios, libros y enseres de iglesia, explica que no se necesita menos que la oración para salir de él.

Este "menos" enlaza con el discurso iconográfico desarrollado en la serie de cuadros de Murillo en la nave del templo. Todo el discurso artístico en esta iglesia lleva a la obra de Miguel de Mañara.

8-Antonio Pereda. La vida es sueño

Del vallisoletano Antonio Pereda traemos aquí un óleo fechado en 1650 que se puede ver en La Real Academia de las Artes de San Fernando de Madrid, titulado "El sueño del caballero".

La obra describe cómo un ángel le muestra a este caballero, vestido elegantemente a la moda del siglo XVII, entregado en los brazos Morfeo, lo efímeros que son los placeres, las riquezas, la gloria y los honores.

Una colección abigarrada de objetos, que hemos visto repetidos a lo largo de este artículo: joyas, monedas, una vela apagada, juegos, armas, un reloj, la onmipresente calavera y una careta que simboliza la hipocresía. Con ellos el autor va desgranando la advertencia del ángel, que le muestra un jeroglífico en el que una flecha vuela sobre el sol, con tanta velocidad como pasa el tiempo de nuestras vidas.

9-Cézanne. Pirámide de calaveras

Este óleo de Cézanne fechado en 1901, pertenece a una colección particular. Realizado cinco años antes de su muerte, la composición es un tétrico "memento mori" que tiene toda la fuerza de las pinceladas del maestro que sembró las bases del cubismo.

No se sabe si Cézanne, el pintor de Aix-en-Provence, realizó estos cuadros como consecuencia de ver cerca su final (hizo varias "Vanitas" en sus últimos años), o simplemente como otro tipo de bodegones, pero cambiando sus famosas manzanas por estas calaveras.

10-Carpe Diem. Mosaico romano de Pompeya.

Terminamos este recorrido con una loa al "carpe diem" representado en este mosaico romano, hallado en la libertina ciudad de Pompeya, al que le dieron el nombre de "Scheletro copiere" (esqueleto copero). Se expone en el Museo Arqueológico de Nápoles.

No es el único "carpe diem" encontrado en la ciudad de Pompeya representado en el viejo arte del mosaico. Formaban parte estas obras de los suelos del comedor de algunas casas insignes.

Aunque algunos historiadores relacionan estas obras con las religiones mistéricas orfico-dionisíacas, la interpretación más apoyada, a la que ayuda el lugar de la casa donde se encontraron, es que se trata de un claro "carpe diem". Una invitación a disfrutar de los placeres de la vida, en este caso los placeres de la mesa y más concretamente del buen vino: «mientras te quedas como yo, aprovecha y disfruta», parece ser el mensaje del viejo esqueleto compuesto con pequeñas teselas de piedra en blanco y negro, que ha llegado a nuestros días.

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Testigo sonoro de los cambios que marcaron la historia de su ciudad, la Giralda de Sevilla ha visto cambiar la fisonomía del corazón monumental de la ciudad. Contempló la evolución del Alcázar, vio crecer el actual Archivo de Indias, que fue creado como La Casa Lonja de Mercaderes de Sevilla.

Y ella misma cambiaba de aspecto para confirmarse como una belleza con nombre de mujer, que vio transformarse la Mezquita Mayor de los almohades en una catedral gótica. Aquel cambio la convirtió en el original campanario de la Catedral de Sevilla.

Vamos a ver aquí la historia de esos cambios que nos permiten hoy disfrutar de un monumento único y los nombres de los artífices que la hicieron posible, para que aproveches tu visita, o simplemente conozcas algunos de sus secretos. Al final del artículo encontrarás información practica de horarios de visitas y recomendaciones de guías.

Convertida en el centro visual del casco histórico de la ciudad, éste se transforma en un espectáculo desde el excepcional mirador que es esta torre, de cuya impresión es difícil escapar. Privilegiada espectadora de momentos únicos, como los que suceden cada primavera en la Semana Santa sevillana. La imagen de La Giralda acompaña multitud de rincones de la ciudad. Numerosos hoteles ofrecen la posibilidad de encontrarse con ella desde sus terrazas y sus habitaciones.

Su presencia en la cotidianidad de los sevillanos que la encuentran en su camino al trabajo, al salir de compras o al tomar unas tapas, es un privilegio que comparten con los miles de viajeros que pasean Sevilla cada año.

Su Giraldillo le da nombre a la torre que se identifica con Sevilla desde hace muchos siglos. Don Miguel de Cervantes, vecino de la ciudad durante algunos años, la llevó a la segunda parte del inmortal Quijote, cuando el caballero del Bosque alardea de su astucia al contar el encargo que le hizo su enamorada, Casildea de Vandalia, nombre visigodo de Sevilla:

Una vez me mandó que fuese a desafiar a aquella famosa giganta de Sevilla llamada la Giralda, que es tan valiente y fuerte hecha de bronce, y sin mudarse de un lugar es la más movible y voltaria mujer del mundo. Llegué, vila y vencíle, y hícele estar queda y a raya, porque en más de una semana no soplaron sino vientos nortes.

La Giralda que se eleva a más de cien metros de altura comenzó siendo el alminar de la Mezquita Mayor de los almohades. Hoy las rampas, por las que ascendía a caballo el almuédano para llamar a la oración, son recorridas por miles de turistas que llegan al cuerpo de campanas continuando el ascenso a través de los escalones añadidos en el Renacimiento. Época en la Hernán Ruiz II la coronó con un campanario espléndido; arquitectónica y decorativamente una obra maestra.

La Giralda de Sevilla fue durante siglos la torre más alta de España y una de las más elevadas de toda Europa. Objeto de deseo de muchas ciudades del mundo a las que sirvió de inspiración cuando pensaban en una torre emblemática. De hecho hay réplicas y copias más o menos veraces de la Giralda en Carmona (Sevilla), Arbós (Tarragona), Badajoz, o Kansas City entre otros lugares.

El alminar de Isbiliya

Cuando Abu Yacub Yusub trasladó la capital del imperio almohade de al-Andalus de Córdoba a Sevilla, acometió la construcción de una Mezquita Alhama (Mezquita Mayor), en clara rivalidad con la prestigiosa Mezquita Mayor de Córdoba, acorde a una ciudad convertida en la referencia del poder almohade, en la que realizó todo un programa constructivo destinado a engrandecerla. Dentro de aquel ambicioso proyecto y lo más cercano posible al Alcázar, nació este templo que daría cabida a la creciente población de la ciudad.

Hasta entonces la Mezquita Alhama de Sevilla había sido la que fundaron los omeyas, la de al-Adabas, hoy la impresionante Basílica del Salvador. El templo se quedó pequeño y los fieles seguían los cultos desde el patio (sahn) y desde las tiendas de la alcaicería adyacente, con la pérdida de solemnidad y recogimiento que esto suponía.

En su construcción influyó de manera importante su ortodoxa manera de entender el islam. Ascéticos y austeros, purificaron las formas y prescindieron del lujo en la construcción de la nueva mezquita.

Pero la ausencia de lujo no quiere decir ausencia de belleza. La Mezquita Mayor de la Isbiliya almohade era un templo magnífico en el que la ornamentación era un delicado velo que acompañaba de manera sutil el fin esencial de la casa de todos: acercarse a Al-lāh.

De estas premisas surgió la nueva Mezquita Mayor, vigilada de cerca por el bellísimo alminar que visitamos hoy.

El proceso histórico de la Giralda de Sevilla

El espléndido alminar de la mezquita almohade que inauguró Abú Yusuf Yaqub, segundo califa de esta dinastía, en 1198, estaba coronado por un “yamur” (4 esferas doradas) que brillaban bajo el sol y lo hacían visible "a varias jornadas" de la ciudad.

Con ochenta y dos metros de altura, inspirado en el alminar de la mezquita Qutubiyya de Marrakech en Marruecos, el arquitecto Ahmad Ben Baso comenzó las obras en 1184.

Su exquisita decoración, que llegaba a una altura intencionada; la elevación del caserío de la Sevilla medieval, al alejarse de la torre, dejaba verla justo donde empezaba esa especie de encaje tan utilizado por los almohades, conocido como "paños de sebka".

Ahmad Ben Baso diseñó y comenzó la torre para lo que utilizó materiales de acarreo extraídos de los muros del palacio de Almutamid en el cercano Alcázar. Eran piedras romanas que le sirvieron para los cimientos (éstos miden a penas tres metros) y para la zona inferior de la torre. Prueba de la procedencia romana de los primeros metros de La Giralda son las inscripciones en latín de dos lápidas de soldados romanos que se pueden ver desde la calle.

Las cuatro hileras de piedras colocadas "a hueso" fueron la primera etapa de la construcción. Tras una abrupta interrupción fue continuada por Alí Gomara, pero el material elegido para terminarla fue el ladrillo, probablemente con la intención de aligerar el peso y facilitar su decoración.

El alminar se concluyó el 10 de marzo de 1189, cuando instalaron el remate que había labrado Abu Layz el Siciliano. Las cuatro esferas que formaban el yamur estaban decoradas con oro. Sus reflejos bajo el sol de Sevilla deslumbraron a propios y extraños durante casi dos siglos.

Dos veces estuvo la Giralda a punto de ser derribada por el hombre: la primera cuando Fernando III conquistó Sevilla y los musulmanes intentaron derribarla antes de entregar la ciudad. La salvó el infante don Alfonso que amenazó con degollar a todos sus vecinos si tocaban un solo ladrillo. La segunda cuando el cabildo catedralicio decidió derribar la mezquita incluido el alminar, algo que por suerte no sucedió.

Los hechos que cambiaron su aspecto

No sólo ha sobrevivido a las ideas posesivas del hombre. La Giralda de Sevilla ha permanecido erguida ante los envites de la naturaleza. Prueba irrefutable de las cualidades de la fábrica almohade. Dejamos aquí algunos de estos sucesos:

Un terremoto hizo temblar Sevilla en 1356, cuando ya era capital de un reino cristiano. La sacudida provocó la caída del "yamur" y fue sustituido por un campanario de madera.

En 1400 el primer campanario se sustituyó por una espadaña anclada en cuatro pilares que sujetaban una campana y se instaló el primer reloj público de Sevilla. Un siglo después, en 1504, la Giralda se salvó "milagrosamente" de otro terremoto, con epicentro en Carmona, "sujetada por las santas Justa y Rufina, co-patronas de Sevilla".

En 1558 el arquitecto cordobés Hernán Ruiz II fue el encargado de rematar el viejo alminar con un campanario monumental. Hernán Ruiz proyectó una gran estructura que apoyó sobre el cuerpo principal del alminar, eliminando el segundo cuerpo y elevando la torre hasta los noventa y cuatro metros, concediéndole así una esbelta silueta.

El remate del campanario, que recrece la torre a ciento cuatro metros, es una veleta que pesa más de una tonelada en forma de estatua que representa La Victoria de la Fe.

La palabra Giralda proviene de «girar» y según la RAE significa «veleta de torre que tiene figura humana o de animal». Esta alegoría de la Fe, popularmente llamada "el Giraldillo", acabó dándole nombre a toda la torre, como vimos al principio, que es conocida mundialmente como La Giralda de Sevilla.

El campanario de Hernán Ruiz es un feliz prodigio de la técnica. Añadido con genialidad a la obra almohade, no le restó un ápice de solidez. Lo demostró cuando el potente terremoto que en 1755 asoló Lisboa y gran parte de España, aunque la dejó maltrecha, no consiguió doblegarla.

En 1884 un rayo dañó considerablemente la caña almohade. A raíz de este accidente comenzaron una serie de restauraciones que, además de para devolverle su esplendor, sirvieron para conocer en profundidad el diseño de Ahmad Ibn Baso y el impagable remate de Hernán Ruiz II.

La decoración del alminar almohade

El despliegue decorativo de los dos prismas que componían el alminar empieza a alturas diferentes en cada una de las fachadas de la torre.

Esto está condicionado por los vanos, que al abrirse en función del movimiento helicoidal de la rampa interior, obligaron a abrirlos a una altura diferente en cada paramento. Además los arquitectos que la construyeron tuvieron que sortear la cercanía del muro del haram (sala de oración) en uno de sus laterales. Circunstancias que modifican los elementos de la decoración de cada uno de sus lados, como se ve en la siguiente foto.

Si miramos de frente la fachada septentrional, la que se ve desde la calle Placentines, que podemos ver desde el suelo, nos encontramos en el primer nivel tres ventanas saeteras, de clara ascendencia militar, decoradas con arcos lobulados y enmarcados por un alfiz (muy restaurados). Al estar en el primer piso que debe soportar un importante peso, los vanos no pueden ser muy grandes.

A partir del segundo nivel se abren más lo vanos y son enmarcados con más profusión decorativa. La balaustrada de columnas que los convierten en balcones es un añadido de Hernán Ruiz, que buscó así una coherencia con la decoración del campanario cristiano.

El maestro cordobés colocó también los discos de cerámica azul que hay sobre las ventanas bíforas. Buscaba Hernán Ruiz hacer vibrar la estética de la torre e integrar de manera sutil el mensaje estilístico de su decoración.

Al ascender la mirada nos vamos encontrando distintos vanos sobre los que aparecen las ventanas bíforas. Esta serie de cuatro ventanas dobles muy decoradas, que tienen a ambos lados el velo de los paños de sebka (realizados sobre el ladrillo estructural de la torre pero sin llegar a calarlo), nos lleva a un lugar muy cercano: el pórtico sur del Patio del Yeso del Alcázar de Sevilla, construido en la misma época. La semejanza estilística es clarísima. En el Alcázar es un pórtico, una invitación a pasar, en el alminar puede que envíe también un mensaje de bienvenida: esta es la antesala para escuchar la palabra de Al-lāh, reforzando así la llamada del almuédano.

El remate horizontal del alminar es una galería de diez arcos ciegos entrecruzados, de clara influencia omeya, que antes de la revisión renacentista, estaban coronados por almenas. Esta forma de cerrar la torre pudo estar inspirada en el alminar de la Alhama cordobesa antes de las modificaciones cristianas que lo convirtieron en campanario.

De manera que el maestro almohade volcó la carga decorativa en la parte más alta, la que se veía desde cualquier punto de la ciudad, y dejó el arranque de la torre bajo el dominio de la opacidad del muro. Regaló de esta forma para la posteridad toda una lección compositiva, con un refinamiento tan sutil que juega magistralmente con el principio de solidez de la torre y la belleza de su decoración.

El efecto ilusorio de esta decoración hace que la torre parezca más frágil y delicada en su parte más alta (incluso los paños de sebka del último nivel son más grandes, mas abiertos, dando una sensación de ligereza), cuando en realidad el crecimiento interior de sus muros, como veremos a continuación, afianza su estructura dejando todo el impacto decorativo hacia el exterior.

La estructura deL antiguo alminar

El perfil del antiguo alminar estaba formado por dos paralelepípedos superpuestos con base cuadrangular. Los más de trece metros de anchura de cada lado del cuerpo inferior sobrepasan los cincuenta metros de altura. El superior, desaparecido con la instalación del campanario renacentista, sólo alcanzaba los seis metros de anchura de cada lado y catorce de altura. Sobre ellos descansaban la cúpula y el yamur.

Los muros, en lugar de aligerarse con la altura, se engrosan progresivamente hacia adentro, y alcanzan diferencias de hasta cuarenta y dos centímetros de espesor entre el suelo y la azotea, lo que se aprecia con claridad a medida que se asciende.

El espacio interior, cerrado con bóvedas de arista, lo ocupa una gran rampa de treinta y cinco tramos separados por mesetas que sirven de transición. La rampa sustituye a las típicas escaleras utilizadas en los alminares andalusíes. Este sistema de subida facilitaba la posibilidad de acceder a la azotea a caballo, lo que seguramente agradecería el almuédano, que tenía que subir varias veces al día para llamar a la oración.

La rampa crea un movimiento helicoidal iniciado en la entrada y prolongándose hacia arriba en sentido inverso a las agujas del reloj. Los vanos que se abren a la luz, siempre en el centro del muro visto desde el exterior, condicionan la decoración de la torre como vimos arriba, y al rodearla se observa como los paños de sebka aparecen a diferente altura en cada una de las fachadas, con lo que consiguieron reproducir fuera el movimiento interior de la rampa.

La Giralda de Sevilla, de alminar a campanario cristiano

En 1556 Hernán Ruiz II fue elegido como maestro mayor de la Catedral tras el fallecimiento de Martín de Gainza. A partir de 1558 fue cuando comenzaron las obras del campanario cristiano que duraron hasta 1568 cuando se colocó el Giraldillo.

Hernán Ruíz construyó el campanario y dos templetes para colocar sobre el último una veleta, al parecer inspirada en la diosa mitológica Palas Atenea, en cuyo diseño se barajan nombres como el propio Hernán Ruíz o el escultor Juan Bautista Vázquez el Viejo, entonces implicado en la segunda fase del imponente Retablo Mayor de la Catedral de Sevilla. Fundida por Bartolomé Morel, esta "giganta" de bronce disfruta bajo el cielo andaluz de un espectáculo llamado Sevilla.

La inspiración del campanario la tomó Hernán Ruiz del Renacimiento italiano. La reinterpretación que hizo Ruiz de las "serlianas" (vanos creados por Sebastiano Serlio), entre las que cuelgan la mayoría de las veinticuatro campanas (dieciocho de repique y seis de badajo) son en realidad, junto con los dos templetes un arquitectura sonora. Y lo son porque fueron concebidas como un encaje calado para dejar volar la voz de las campanas. Estas con nombre propio y misión sonora diferente, suenan por motivos distintos, y cuando lo hacen juntas en los repiques generales, sus llamadas se escuchan con claridad entre el ruidoso murmullo que forma el devenir cotidiano.

Según la historiografía que sigue la trayectoria de Hernán Ruíz, no hay otra obra suya con la que se pueda comparar este magnífico remate en el que vibra el clasicismo, podríamos decir que, alejándose de él. Dicho en palabras del historiador Pedro Navascués Palacios:

…no cabe sino concluir que Hernán Ruiz se apartó aquí voluntariamente de aquella gramática clásica, en favor de una construcción «armada» a base de elementos frágiles y anticlásicos que le permitieran resolver lo que esencialmente exigía su destino como cuerpo de campanas. En esta línea Hernán Ruiz ideó un templete abierto a los cuatro vientos, en el que desaparecen las superficies continuas en contraste con la prácticamente ciega caña de la torre almohade

El simbolismo cristiano está presente en este campanario que coincide en el tiempo con el Concilio de Trento, en la difusión de mensajes como:

El versículo del capítulo dieciocho de los Proverbios, según el texto latino de la Vulgata (Turris fortissima nomen Domini – El nombre del Señor es torre fuerte), que aparece grabado sobre el llamado "cuerpo del reloj".

Sobre el campanario en la llamada "terraza de las azucenas", aparecen en las esquinas unas jarras que fueron diseñadas por Hernán Ruiz, que se inspiró para su creación en un aparato llamado eloípilas. Este aparato, que se utilizaba para estudiar los vientos, aparece en el Libro I de Los diez libros de Arquitectura del romano Marco Vitruvio. Las jarras fueron fundidas por Bartolomé Morel, el mismo fundidor del Giraldillo.

La intención original de estas jarras era introducir unas luminarias los días más señalados del año. Pero en 1751 Basilio Cortés realizó las azucenas (símbolo de pureza en el imaginario cristiano), que lucen desde entonces y han sido inspiración para otros edificios sevillanos.

Y coronándolo todo, la poderosa imagen del Giraldillo. La Victoria de la Fe cristiana.

Una reproducción de la espectacular imagen se puede ver a pie de calle en la Puerta del Príncipe de la Catedral de Sevilla.

Horarios de la Giralda de Sevilla

Si quieres visitarla por tu cuenta, te recomendamos que consigas las entradas en esta web (la oficial). En ella tienes toda la información sobre horarios y las diferentes tarifas, y los precios de las audioguías. Además evitarás colas agotadoras.

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El mes de julio pasado tuvimos la suerte de dejarnos seducir por la obra de Sarah Guldberg en la Sala Alta del Apeadero del Alcázar de Sevilla. Allí descubrimos el paso enorme que ha dado esta pintora danesa que lleva veinte años pintando Sevilla.

Conocimos a Sarah dibujando geometrías en el arco de entrada al Patio de Banderas de este histórico Alcázar, como lo hacían los artesanos musulmanes para diseñar los paños de azulejos siglos atrás; armada de reglas y compases.

Sarah Guldberg y su encuentro con Sevilla

Llegó a Sevilla de visita, llevaba en sus planes otro destino, pero el amor se cruzó en su viaje y deshizo la maleta. Sacó sus pinceles y pintó Sevilla. Sarah Guldberg lleva años dejando su sensibilidad en obras de pequeño formato que viajan en el equipaje de muchos visitantes de la ciudad de Sevilla. Salen éstos encantados de la visita al Alcázar y se encuentran en la puerta que lleva a la Catedral, con las acuarelas de Sarah.

Una oportunidad de llevarse a la cotidianidad de sus vidas, la mirada honesta y delicada que dedica Sarah a las formas geométricas repetidas en los azulejos árabes que decoran tantos muros del Alcázar sevillano. Esta técnica lleva siglos extendiendo su misterio, como si de un bello tapiz se tratara, sobre muchos monumentos del mundo.

El suyo era un arte inspirado en la calle, un arte de la calle de altísima calidad, que ha crecido ¡y de qué manera! en la intimidad de su estudio. Si tuviéramos que definir su obra en dos palabras éstas nos llevarían a dos conceptos tan intangibles y tan presentes en la vida, como «Geometrías y Alma». A eso se dedica Sarah Guldberg, a deslizar entre las formas geométricas inspiradas en los azulejos del Alcázar la fuerza de su especialísima manera de mirarlas, la mirada del alma.

El camino hacia el interior de Sarah Guldberg

La exposición del Alcázar llevaba el título inspirador de Reflections. La obra expuesta era un juego de formas y luces, de reflejos y colores, con los que Sarah libera esas formas geométricas. Formas durante siglos atrapadas en la trama que les da sentido, y sin perder sus raíces consigue que vuelen, que bajen y suban, que salgan y entren del entramado geométrico del que proceden.

Pero para llegar aquí Sarah ha hecho un recorrido hacia el interior, en todos los sentidos. Los cuadros de la exposición del Alcazar son el resultado de un encierro personal y voluntario, provocado por una de esas heridas que teje la trama de la vida. Encierro que ha significado para su obra ¡que llamativo! toda una liberación.

Y lejos de reproducir los modelos ancestrales atrapados en la trama geométrica, les ha abierto la puerta e inundándolos de luz les ha concedido la libertad, sin perder nunca de vista la base que los define.

La técnica de Sarah Guldberg

A las acuarelas con las que trabaja habitualmente, les ha añadido texturas, capas de color y reflejos metálicos. Como los reflejos iridiscentes que conseguían ya en los barros vidriados de Mesopotamia, con los que Sarah consigue dejar en el papel un feliz juego de luces, colores y símbolos.

Sarah llegó a Sevilla con una formación en textiles. Técnica que probablemente hizo que mirara esos extensos paneles de colores, pensados para decorar y proteger los muros, como se mira la intrincada trama de un tejido.

Y eso ha hecho al aumentar el tamaño de sus cuadros. Extenderlos como paños de tela y atraparnos en cada uno de ellos. Así nos induce a mirar los espacios abiertos cuando levantamos una pieza del diseño que nos vino dado. Toda una lección para descubrir de dónde parte la belleza que nos rodea en la inabarcable presencia de la geometría.

Un equipaje en el que viajan técnicas milenarias y métodos contemporáneos

Su obra es una especie de viaje de ida y vuelta. La inspiración de Sarah está en los «paños» de azulejos (alicatados y de arista) de patios e interiores del Alcázar sevillano. En nuestro recorrido por la historia del azulejo explicábamos porqué se utiliza el término «paños» cuando se habla de estos paneles de azulejos islámicos:

Piezas pequeñas de barro vidriado “aliceres”, que unidas entre sí despliegan diseños geométricos que se extienden por frisos interiores y patios, envolviendo los espacios con colores y formas inspiradas en la costumbre de decorar con telas vistosas los interiores de las jaimas, cuando habitaban como nómadas en el desierto. De ahí que se utilice el término “paños” para referirse a los zócalos que envuelven los muros.

Paños en los que la geometría en infinitas repeticiones es la forma que utiliza el islam para representar la presencia de Alá. Al fin y al cabo, la geometría está presente en todos los ámbitos de la vida. Y así el islam la lleva de los tejidos al barro y de éste a los muros.

Sarah lleva en su equipaje su formación en decoración de textiles desde su lejana Dinamarca, mira esos «paños» iluminados por la luz de Sevilla, y los lleva al papel de acuarela que es otra trama tejida de algodón. Allí, después de años dejándose envolver por su insistente misterio, se funde con él, con sus colores y sus formas, y utilizando las piezas de la simbología que utiliza el arte islámico para honrar a Alá, compone con toda la fuerza de su ternura, una loa a la vida; a la alegría y a la pena, a la luz y a la oscuridad, a las caricias y a las heridas, que va dejando la trama del tiempo. Todo un viaje.

Si van a Sevilla, no dejen de buscar a esta mujer, de momento sigue allí dibujando, al cobijo del arco de entrada del Patio de Banderas, los diseños de colores que llevan viajando miles de kilómetros y miles de años por las culturas del mundo.

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