Prácticamente en el centro de Sajonia, el pequeño pueblo de Moritzburg se extiende entre bosques y lagos. Muy cerca de Dresde y de Meißen (casi a la misma distancia de ambas), esta pequeña localidad guarda uno de los tesoros del Estado Libre de Sajonia, y uno de los palacios alemanes que más merece la pena visitar.

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El Palacio de Moritzburg es una joya del barroco en un escenario natural inigualable, un espacio, además, al que se adapta en una perfecta sintonía. Es un destino perfecto para una escapada de un día, para así conocer también sus jardines con calma, desde las vecinas Dresde y Meißen o incluso Leipzig, algo más alejada.

Pero antes de entrar en los detalles del palacio y qué puedes ver en sus salas y jardines, te ofrecemos un repaso a su historia para que, cuando vayas, sepas mejor qué estás viendo.

De pabellón de caza a palacio de los placeres

Es algo que ocurre en muchas ocasiones con los palacios de casas nobiliarias y reales, y en el Palacio de Moritzburg encontramos un caso similar al del propio Versalles o al de Linderhof de Luis II de Baviera. El edificio que vemos hoy día empezó como un pabellón de caza, un lugar de recreo para el duque de Sajonia.

Fue Mauricio (Moritz) de Sajonia quien mandó levantar un pabellón de caza en este lugar. Las obras comenzaron en 1542 y terminaron en 1546, en lo que fue una sencilla construcción renacentista sobre un lago artificial. Algunos dicen que es un palacio de cuento de hadas, precisamente por dónde está, y es probable que ya por entonces diera esa sensación a pesar de todos los cambios que ha sufrido.

Desde entonces Moritzburg se convirtió en una zona de caza para la casa Wettin (gobernantes de Sajonia), un lugar al que iban de manera recurrente a relajarse y olvidar, por unos días, el ambiente de la corte. Además, estando tan cerca de Dresde era un lugar idóneo para ello.

Un siglo más tarde, el elector Juan Jorge II de Sajonia realizó una ampliación entre 1661 y 1671. Entre otras cosas, incluyó una capilla que es un buen ejemplo de barroco temprano. Esta capilla, protestante, fue consagrada al catolicismo en 1697 por el nieto de Juan Jorge, Augusto II el Fuerte, quien lo hizo para asegurarse el trono de Polonia, país católico.

A pesar de este cambio de fe, Augusto II el Fuerte no impuso su nueva religión entre sus súbditos sajones y no se olvidó de su lugar de origen. Al contrario, dejó un sello imborrable en Sajonia, donde acometió una enorme cantidad de obras que embellecieron la región, especialmente en Dresde.

Fue, de hecho, Augusto II el Fuerte quien acometió la gran renovación de Moritzburg, que lo dejó tal y como lo vemos hoy día. El mismo rey que levantó el Zwinger en Dresde y remodeló Pillnitz en las afueras de la misma ciudad, convirtió Moritzburg en un palacio barroco entre 1723 y 1733.

Lo que antes era un pabellón de caza levantado por Moritz se había convertido en el Palacio de Moritzburg. Y junto a la gran remodelación de Augusto, también se hizo un parterre en forma de 'U'.

Lo que quería hacer Augusto II el Fuerte en Moritzburg era un palacio de los placeres, una idea no del todo alejada a lo que pretendía para Pillnitz y el Zwinger. No obstante, Moritzburg iba más encaminado a los placeres mundanos y a festejos relacionados con la caza. Su idea era la de tener un templo a Diana (diosa de la caza) rodeado de animales exóticos, con lo que iba a ser una especie de zoológico. Aunque, tras su muerte, en 1733, los trabajados quedaron paralizados para siempre.

Los últimos cambios en el Palacio de Moritzburg fueron hechos por el nieto de Augusto II el Fuerte, el elector Federico Augusto III. Entre 1770 y 1776, amplió los terrenos, dejándolos con una extensión cercana a lo que podemos visitar hoy.

El Palacio de Moritzburg

La pequeña localidad de Moritzburg se abre al lago artificial que domina el palacio. Una pasarela amplia y alargada llega hasta el islote del edificio, cuyas verjas reciben a los visitantes.

El aspecto sencillo y alegre de este barroco no hace menos imponente al Palacio de Moritzburg, cuyas torres le dan cierto aspecto de castillo. No obstante, prima la delicadeza y la belleza con la que está diseñado.

Un gran edificio rectangular es el punto de acceso, que a su vez está atravesado por otro edificio más grande, también rectangular, y que forma dos patios en el interior. De las esquinas de esta sección nacen las cuatro torres.

En el interior, una de las salas más llamativas es la del comedor, donde hay una de las mayores colecciones de trofeos de ciervos del mundo, así como el más pesado de ciervo rojo (19.8 Kg).

Buena parte de los interiores tienen una decoración cuyo leitmotiv es la caza, los animales, lo salvaje. Se puede ver también una interesante colección de porcelana asiática y de la vecina Meißen.

Por otra parte, también podemos contemplar algunas habitaciones en un barroco más recargado que en el exterior. Guirnaldas de oro, tapices y grandes lámparas que, no obstante, no llegan al horror vacui, al contrario, suelen ser salas y habitaciones con mucha luz, alegres.

Los jardines del Palacio de Moritzburg

En el mismo islote donde se alza el palacio, en ambos lados hay dos embarcaderos que se funden con el lago. En la parte trasera, un corto camino salva un delgado canal y nos lleva hacia el jardín francés en forma de 'U'. A pesar de su hermosa apariencia, nunca llegó a terminarse, ni en tiempos de Augusto, ni en los de su nieto Federico Augusto.

Desde este parterre en forma de 'U' el visitante tiene un varias posibilidades para disfrutar del resto de los jardines, que son, prácticamente un bosque trazado por caminos.

Lo más interesante del conjunto está en línea recta hacia el este. Allí, después de una buena caminata, encontramos el Palacete de los Faisanes y el Faro de Moritzburg. Este pequeño palacio en estilo rococó fue mandado construir por Augusto II el Fuerte como un lugar de celebraciones alrededor de los faisanes, y como punto de caza de dichos animales, casi a las orillas de otro lago.

En los alrededores podemos encontrar la fuente de Venus, que está conectada mediante canales a los diferentes lagos de la zona.

Por su parte, tanto el faro (el único en toda Sajonia) como los embarcaderos de la zona, servían a los Wettin para navegar por los lagos que rodean Moritzburg, pero hay algo más. Este lago sirvió para recrear la batalla de los Dardanelos en 1770, que terminó en victoria de Rusia sobre Turquía (enemigo de la cristiandad). Aquí se organizó una batalla naval a pequeña escala en la que los barcos disparaban fuegos artificiales.

En el parque también se puede ver un antiguo edificio barroco tapiado, llamado casa del infierno. Sólo se puede ver por fuera pero la vista es cautivadora, incluso podría haber salido en alguno de los cuadros de Caspar David Friedrich.

Horarios y precios del Palacio de Moritzburg

El Palacio de Moritzburg abre todos los días del año de 10 de la mañana a 6 de la tarde, y está cerrado del 5 al 17 de noviembre.

El Palacete de los Faisanes está abierto del 1 de mayo al 31 de octubre, así como el faro, pero este además puede estar cerrado según la situación del clima. El palacete, además, puede estar disponible para visitar sólo en grupos guiados, así que te recomendamos que preguntes al llegar si es visitable y cómo.

El precio para visitar Moritzburg depende de la temporada, ya que según esta, lo que podemos ver es diferente. No obstante siempre cuesta 8€ la normal y 6,50€ la reducida.

En verano, del 19 de marzo al 25 de octubre, podemos comprar la entrada para la exhibición Barroca, lo que sería el Palacio de Moritzburg como residencia eventual de la corte de los Wettin. Te puedes enganchar a un tour guiado por 2€ más, aunque no están en español.

En invierno, del 17 de noviembre al 3 de marzo, se puede comprar la entrada para la exhibición "Tres nueces para Cenicienta". El palacio se convierte en un cuento de hadas centrado en la película de 1973.

Por último, siempre que esté disponible, se puede comprar una entrada combinada para ver el Palacio de Moritzburg y el Palacete de los Faisanes por 11€ la normal y 9€ la reducida.

La entrada El Palacio de Moritzburg, la perla barroca de Sajonia se publicó primero en Ruta Cultural.

El Partenón es un icono de la arquitectura. Un edificio ultraconocido, universal. Entre todos los templos griegos destaca por su personalidad propia, por su belleza humanizada y joven. Ya en la Antigüedad, el historiador romano Plutarco dijo que "según nacía ya era antiguo y llega recién hecho y como nuevo hasta el presente".

Conocer los avatares de su construcción, la serie de catastróficas desdichas que lo han dejado en su actual estado o los retos que afronta su futuro no es necesario para disfrutarlo. Cualquiera con un mínimo de sensibilidad apreciará su belleza porque es atemporal. He ahí la grandeza del clasicismo.

Pero advertir todo eso sí tiene importantes ventajas: lo acerca a nosotros, lo humaniza, nos ayuda a comprender la época y las personas que lo construyeron. Aprendemos, en suma. Lo bajamos del podio en el que nosotros mismos lo hemos puesto, y lo convertimos en lo que es: un fragmento milagrosamente conservado de una época maravillosa, pero conflictiva y difícil. Así lo disfrutaremos más, lo entenderemos y podremos opinar con información de causa.

Porque el Partenón, hoy símbolo no sólo de Atenas y de Grecia, sino de Europa y de la civilización misma, no nació para ser una pieza de museo. Es un monumento complicado, lleno de contradicciones. Su estado actual es problemático, y no sólo por la destrucción y el expolio. Su significado no es el que parece. Su construcción, hace más de dos mil quinientos años, estuvo llena de polémicas. Sus impulsores tuvieron que vencer una férrea oposición.

Capítulo 1. El Partenón y el imperio ateniense, o por qué no todo es tan bonito como parece.

En el año 477 a.C., Atenas, junto con Esparta y un amplio grupo de ciudades griegas, derrotó al temible invasor persa en la segunda de las Guerras Médicas. Había construido para ello una poderosa flota de trirremes que le dio la hegemonía marítima indiscutida sobre todas las ciudades griegas. La única que podía hacerle frente, Esparta, fue siempre una potencia terrestre.

Y Atenas se aprovechó de ello. Cuando terminó la guerra impulsó una alianza militar, la Liga de Delos, junto con otras ciudades marítimas. El objetivo era protegerse mutuamente de los persas y, en un principio, era un alianza igualitaria. En las reuniones había un representante de cada ciudad y las decisiones se tomaban por mayoría.

Entonces llegó Pericles. En el año 462 a.C. se hizo con el poder en Atenas y a partir de ahí todo cambió.

Pericles llevaba por bandera un programa político democrático, es decir, tendente a la igualdad de todos los ciudadanos. Pero no sólo a la igualdad política, que consistía entonces en la igualdad de derechos (isonomía) y la libertad de expresión (isegoría). También a la igualdad económica. Los griegos sabían muy bien que los derechos políticos de poco le sirven al desamparado y al dependiente.

Un proyecto como ese solo podía lograrse de una manera: dando trabajo a toda la ciudadanía y subsidiando al que no pudiera trabajar. Y en un mundo como aquél, donde no había impuestos directos ni herramientas fiscales como las de los estados actuales, y en lo que no dejaba de ser una ciudad pequeña, obtener fondos para tamaña empresa era complicado.

Los estados antiguos habían dependido hasta entonces de las aportaciones personales de reyes y aristócratas, que proporcionaban hombres para la guerra y financiaban construcciones a cambio de obtener favores y, sobre todo, de mantener un status quo que los situaba en la cima.

El estado ateniense cobraba capitaciones a los extranjeros y ciertos impuestos indirectos, como multas y aduanas. Y quería, de pronto, dar trabajo a todos los ciudadanos, mantener la flota más poderosa de Grecia y reconstruir monumentalmente una Acrópolis destruida por los persas. Era imposible.

Pero Pericles lo hizo. Primero, detuvo la guerra para permitir que floreciera el comercio, que era la principal riqueza de Atenas. Detuvo la guerra pero mantuvo intacto el poderío naval de Atenas, impuso a sus aliadas su moneda, sus leyes y su forma de gobierno, prohibiendo además abandonarlo. La Liga de Delos se convirtió de facto en un Imperio Ateniense.

Y utilizó el dinero de sus aliados no como fondo común para la defensa, sino como premio. Con él financió la prometida igualdad económica y la grandiosa reconstrucción de Atenas, además de fortalecer su posición como líder de la ciudad. Fue una verdadera desviación de fondos, pues sólo la Atenea Parthenos de Fidias costó el equivalente a doscientos treinta trirremes.

Las críticas fueron amplias. El bando aristocrático intentó por todos los medios deshacerse de Pericles. Utilizaron todo tipo de tácticas, atacaron a sus amigos, criticaron el libertinaje de Aspasia y las ideas de Anaxágoras, consiguieron encarcelar a Fidias, acusado de retratarse a sí mismo en la Parthenos.

Tampoco los grandes filósofos defendieron la democracia. Había algo inmoral entre bambalinas y una profunda hipocresía tras la pompa de los discursos.

Pericles argumentó que la flota de Atenas proporcionaba un valioso servicio a Grecia y que por tanto era legítimo utilizar el dinero para su propio embellecimiento. La gran masa de braceros tenía trabajo: unos servían en las trirremes, otros levantaban templos o desempeñaban puestos en unas instituciones cada vez más infladas. Todos recibían un salario y aplaudían a Pericles. Dijo Tucídices que en Atenas "todo aquel que es capaz de servir a la ciudad no encuentra impedimento alguno".

Era verdad. Pero, ¿era sostenible? Luciano Canfora, en El mundo de Atenas, un libro maravilloso para entender las contradicciones esta época y desmitificar la Atenas de Pericles, recoge este punto de vista:

Fue una extraordinaria política de trabajos públicos, consistente en utilizar masas de trabajadores pagados a dos óbolos la jornada, que no es un precio demasiado elevado para una política urbanística que cambió la cara de Atenas. Cratino, el gran «maestro» de Aristófanes, hace decir a un personaje en la escena: «Están construyendo el Partenón y no lo terminan nunca.» Quiere decir que se prolongan los trabajo ad infinitum, para seguir suscitando consenso a través de la indefinida prolongación de los trabajos públicos. Una política que al mismo tiempo da prestigio y es socialmente admirada.

El gobierno griego reclama desde hace décadas la devolución de las piezas expoliadas del Partenón porque su presencia en el Museo Británico es un resultado claro del imperialismo, pero, ¿no lo es también el propio Partenón?

La historia es rica en paradojas.

La Atenas de Pericles era sin duda la más fuerte de las ciudades griegas de su época y propuso un mundo basado en el comercio. Hizo frente a Esparta, que vivía para la guerra. Hizo frente también al imperio persa.

Empleó para ello un dinero que no le pertenecía, pero lo hizo a cambio de una protección real que garantizó casi cincuenta años de paz. Dio trabajo a todo el mundo y construyó algunas de las obras más hermosas de la historia de la humanidad. Se convirtió en el faro de todo el que, posteriormente, persiguió la libertad y el humanismo.

Emitir un juicio tajante es complicado. El Partenón fue un premio que Atenas se dio a sí misma y fue parte también de lo que hoy llamaríamos un programa político populista.

Hoy el premio es nuestro, de todos, del mundo. Y está hecho un desastre.

Capítulo 2. Diez episodios que cambiaron el Partenón, o por qué verlo hoy puede ser considerado un milagro.

El Partenón comenzó a construirse en el año 447 aC. A su cargo estaban los arquitectos Ictino y Calícrates, aunque el verdadero impulsor y cerebro fue Fidias, amigo de Pericles y director de todas las obras que se realizaban en la Acrópolis.

Para construirlo se utilizó un único material, el mármol, inclusive en las tejas. Dos mil quinientos años después sigue en lo alto de la Acrópolis, y aunque parezca que su estado es penoso, si miramos hacia atrás concluiremos que su estado de conservación sólo puede calificarse de milagroso.

El Partenón es un símbolo materializado en una creación basada en la deconstrucción y la reconstrucción, en restauraciones, desrestauraciones y complejas labores de desmontaje y remontaje; es materia empleada para servir de vehículo de comunicación de valores intangibles unidos a ella, más que arquitectura propiamente dicha, a pesar de que, con toda su azarosa historia, las ruinas que hoy contemplamos sigan impresionándonos vivamente.

Repasemos los hitos más importantes de esa historia, los siete momentos que cambiaron el Partenón.

1. ¡Que vienen los bárbaros! El incendio del 267 dC y la restauración de Juliano el Apóstata.

Como decíamos, el Partenón se construyó entre 447 y 423 aC y se mantuvo poco menos que intacto durante unos setecientos años. En el año 267 dC, un incendio en la Acrópolis, ocasionado por la ocupación de los hérulos, afectó a la cubierta original, a la columnata interior, a los techos de mármol del peristilo, a varias columnas de los pórticos y a la cara interna de las paredes de la cella.

Nada se hizo entonces. Pero un siglo y medio después, un enamorado de la cultura clásica como Juliano el Apóstata, mientras luchaba por detener el auge del cristianismo y por relanzar la religión antigua, lo restauró.

Esta era ya una época muy distinta, y las técnicas de construcción y la finura de los artesanos no era la misma que en la época clásica. Así que la calidad de la intervención dejó bastante que desear. Nada grave, comparado con algunas restauraciones modernas.

2. ¡Que vienen los cristianos! El Partenón se convierte en la Panaguia Atheniotissa.

Hasta la época de Juliano las esculturas no sufrieron ningún daño. Pero aquella era una época de disturbios, con el auge de un cristianismo vengativo y orientado a acabar con los vestigios de los dioses paganos. En el siglo V dC el Partenón se convirtió en iglesia y fue en ese momento cuando se perdieron las primeras esculturas.

Construyeron, en la vieja pronaos, en la sección este del edificio, un ábside semicurcular. Y para ello tuvieron desmontar el muro de ese lado de la cella. En la otra fachada levantaron una nueva entrada, perforando a su vez el muro de ese lado. Allí se colocó el nártex.

Lo más grave fue que eliminaron seis bloques de friso para abrir ventanas y también un buen número de esculturas, dado que la representación de dioses paganos era incompatible con la función de una iglesia cristiana.

Se perdieron entonces las estatuas más grandes situadas en el centro del frontón oriental, el que representaba el nacimiento de Atenea. Y también se golpearon las metopas de los lados este, norte y oeste, haciéndolas irreconocibles. Se salvó una metopa, que se conserva hoy in situ en el lado norte, por su parecido con la escena de la Anunciación.

También se perdió el nombre. El Partenón dejó ser el Partenón y se convirtió en la iglesia de la Panaguia Atheniotissa. Pero mantuvo su importancia. A partir del año mil se convirtió en un importante centro de peregrinación y se conserva documentación de que en el año 1018 fue visitado por el emperador Basilio II.

3. ¡Que vienen los cruzados! Al Partenón le crece un campanario.

En 1208 Atenas fue ocupada por los francos, tras la Cuarta Cruzada, y el Partenón se siguió utilizando como iglesia, en este caso latina, durante dos siglos y medio. Pocos cambios sufrió en esta etapa, más allá del importante añadido de un campanario de mármol sobre el opistodomos.

Atenas cambió de manos. La ocuparon los almogávares de la Gran Compañía de Atenas y perteneció a la Corona de Aragón. Aún hoy el Rey de España ostenta el título de Duque de Atenas. Luego pasó a manos de Florencia y de Venecia.

Terminó la Edad Media. Habían pasado mil ochocientos años desde su construcción y el Partenón, aun con algunos añadidos y algunas pérdidas dolorosas, seguía siendo reconocible. Estaba entero, y seguía reinando con orgullo desde lo alto de la Acrópolis.

4. ¡Que vienen los turcos! El Partenón como mezquita.

En 1458 los turcos otomanos tomaron Atenas y el Partenón se convirtió en mezquita. Dicho así parece un cambio radical, pero no lo fue tanto. El campanario se convirtió en un alminar y se hicieron algunos cambios cosméticos, pero los nuevos ocupantes en nada alteraron la estructura ni le causaron daño alguno.

Llegaron entonces los ecos del Renacimiento, y el Partenón comenzó a valorarse como edificio clásico. Muchos empezaron a viajar a Ateas para conocerlo. Y entre aquellos primeros viajeros hubo uno muy especial: Jacques Carrey.

Viajaba como acompañante, en el séquito del embajador francés en Constantinopla, un hombre llamado Charles-Francçois Olier, Marqués de Nointel. La visita se hizo en el año 1674, y Jacques Carrey realizó en sus cuadernos unos dibujos que luego serían valiosísimos. En ellos aparecen todas las esculturas en el estado en el que se encontraban en 1674. Son de crucial importancia no por su valor artístico sino documental, pues de haber llegado Carrey veinte años más tarde no habría tenido mucho que dibujar.

5. 26 de septiembre de 1687. El día en que el Partenón saltó por los aires.

Según Cornelia Hadziaslani, historiadora del arte experta en el Partenón, aquel día tuvo lugar "la más grave destrucción en la historia de la cultura griega".

Hasta entonces sólo la pérdida de algunas esculturas, realizada tras la llegada del cristianismo, había tenido un carácter definitivo. El resto de los cambios eran perfectamente reversibles y el edificio estaba completo y en buen estado. Lo que pasó aquel día de septiembre fue, en cambio, una tragedia.

Ocurrió en el marco de una guerra entre el Imperio Otomano y la República de Venecia. Los turcos tuvieron la genial idea de utilizar el Partenón como almacén de pólvora, y unos mercenarios de la Armada veneciana, liderados por Francesco Morosini, bombardearon la Acrópolis desde las zona baja de la ciudad.

Ocurrió lo inevitable. Una de las explosiones fue a dar al centro del Partenón y el templo saltó por los aires. Cayeron los muros de la cella y casi toda la columnata de la pronaos, seis columnas de la cara sur, ocho de la norte y toda la techumbre. El estado ruinoso que tiene el templo hoy en día se debe básicamente a lo que sucedió aquel 26 de septiembre de 1687.

Además, aquello inició otra catástrofe: la del saqueo y el expolio. Empezaron los propios venecianos, que se llevaron como trofeos los caballos de los carros de Atenea y Poseidón que adornaban el frontón oeste. Poco después el francés Count Choisul-Goufier, embajador en Constantinopla, se llevó una metopa y una parte del friso de las panateneas, que hoy se exponen en el Museo del Louvre.

Pero lo peor estaba por llegar.

6. ¡Que vienen los coleccionistas! El día en que Lord Elgin destrozó el Partenón.

Elgin llegó a Atenas en 1800 como embajador del Imperio Británico en Constantinopla. Antes de partir hacia Turquía ya había expresado su deseo de que le acompañara un grupo de artistas y dibujantes para documentar el Partenón y el resto de templos de la Acrópolis, pero el gobierno de Londres ignoró sus peticiones.

Aun así, Elgin pagó de su bolsillo a un buen grupo de artistas que realizara la tarea. E hizo algo más. Encontró un Partenón en estado ruinoso y decidió llevarse no un souvenir, sino todo lo que pudo.

Falsificó un permiso del sultán y, con la excusa de estudiar, documentar y dibujar cada pieza, arrancó metopas y piezas de frisos sin el menor cuidado y las embarcó hacia Inglaterra. Ya en su época hubo quejas incluso entre sus propios compatriotas, como Lord Byron.

Habiendo escapado de la rabia de los turcos y godos, tu país envía un usurpador peor que los otros dos

Desde entonces se conocen como Mármoles de Elgin. Iban a decorar su residencia privada, pero un oportuno divorcio lo dejó sin fondos y se vio obligado a vender sus piezas, que acabaron, como es sabido, en el Museo Británico. Para ver de verdad el Partenón hay que ir a Londres.

7. ¡Que vienen los restauradores! El día que los románticos quisieron reconstruir ¡y corregir! el Partenón.

Y después de los cristianos, los musulmanes, los venecianos y los coleccionistas, llegó el nacionalismo.

Grecia logró en 1822 despegarse del yugo otomano y se erigió en país independiente. Y las ruinas del período clásico cobraron de pronto un nuevo valor. Un valor político. La joven nación quería identificarse con aquella época gloriosa y para ello eran incompatibles los añadidos cristianos y musulmanes. Sobraba cualquier cosa, en general, que no "pareciera" del siglo V a.C. Y lo primero que hicieron fue eliminarlas.

Entre 1835 y 1844 se llevaron a cabo restauraciones desastrosas, con un criterio mucho más romántico que científico. Se llegaron a "corregir" las desviaciones ópticas de las columnas para erigir un templo de líneas rectas y a construir nuevas columnas de hormigón forradas de materiales que parecían antiguos.

Afortunadamente, a finales de siglo comenzaron otras restauraciones que, con criterios mucho más sólidos, utilizaron materiales y técnicas antiguas y distinguieron las intervenciones.

Capítulo 3. La arquitectura del Partenón, un templo renovador, imaginativo y moderno.

Hasta aquí la historia del Partenón. Hay que conocerla para entender por qué lo que tenemos delante se nos presenta de esta manera y no de otra. Y con un edificio tan antiguo y tan relevante, la historia es larga. Veamos ahora qué tiene el Partenón que ofrecernos, y en qué debemos fijarnos para aprovechar la visita.

El Partenón es un templo dórico, aunque con algunas particularidades. El Partenón es un templo octástilo, es decir, tiene ocho columnas en sus dos fachadas, que miden 31 metros de anchura. En sus laterales, de 69,50 metros, se disponen diecisiete columnas. Y el Partenón es un templo períptero, es decir, tenía una columnata exterior que rodeaba todo su perímetro.

La cella la tiene (o la tuvo) dividida en dos partes desiguales. Un muro transversal la convertía en un especie de doble templo, con dos grandes estancias. La celebre Parthénos de Fidias ocupaba la mayor de ellos. Flanqueaba la estatua una columnata dórica sobre la cual corría un arquitrabe que soportaba una segunda hilera de columnas que sostenía la techumbre. La altura era necesaria, pues la Parthénos medía unos pantagruélicos trece metros de altura.

El otro recinto de la cella servía para guardar el tesoro, una función muy habitual en este tipo de edificios, y no solo en Grecia. Aquí guardó Pericles el tesoro de la Liga de Delos, tan polémico.

Los arreglos visuales, una sinfonía de curvas e inclinaciones

Parece mentira, pero el Partenón tiene pocas líneas rectas.

Los arquitectos utilizaban muchas veces pequeñas desviaciones para evitar la sensación de excesiva rigidez. La más conocida afectaba a las columnas, que en lugar de ser completamente rectas, se ensanchaban muy ligeramente en su zona central. A este fenómeno se lo conoce como éntasis.

En el Partenón, este tipo de arreglos se llevaron al extremo. El más importante es el que afecta a un viejo problema de los templos dóricos, resuelto aquí de forma audaz y elegantísima.

El canon dórico tenía una norma inquebrantable: el eje de las columnas debía coincidir con el de los triglifos, cuyo centro quedaba así perfectamente alineado y transmitía una sensación de orden y pureza. Pero el espectador avispado se dará cuenta enseguida de un problema: los triglifos son más estrechos que las columnas.

Era imposible cumplir la norma en todos los casos, pues los triglifos exteriores, los de la esquina de cada fachada, no podrían llegar al extremo. Como el último de los triglifos debía finalizar justo en el extremo de la fachada, quedaba no solamente desalineado con su respectiva columna, sino que impedía también que todas las metopas midieran lo mismo.

¿Cuál fue la solución tradicional? Agrandar el tamaño de las últimas metopas. ¿Qué se hizo en el Partenón? Saltarse la norma.

Las metopas del Partenón van reduciendo su tamaño gradualmente desde el centro hasta los extremos. Las centrales son las más anchas, y las laterales las más estrechas. Como cada una mide un poco más, ninguna de ellas está perfectamente alineada con la columna que tiene debajo. Pero como la desviación es tan pequeña, se hace imperceptible a simple vista. Sólo sacando el metro puede uno darse cuenta del engaño. Y a los griegos de la época clásica les importaba más el ojo que el metro.

Así es todo en el Partenón. No lo parece, pero, además:

• Las columnas exteriores son un poco más voluminosas que las demás, pues de otra forma parecerían más delgadas.
• Todas las columnas del peristilo tienen una ligera inclinación hacia dentro, hacia la cella, para corregir el efecto óptico que nos llevaría a pensar que se nos vienen encima.
• El entablamento, en contraste, está echado ligeramente hacia adelante.
• El espacio entre las columnas se va estrechando conforme nos acercamos a los extremos. Pero a su propio ritmo, no al mismo que las metopas.
• El estilóbato, los tres escalones que soportaban el templo, está a su vez abombado: es más alto en el centro que en los extremos.

No hay en el Partenón elementos pasivos que "simplemente" soporten el peso, junten o apoyen. Todo está vivo, todo juega un papel activo que participa en la contemplación de la obra.

El Partenón es eso, una obra hecha para contemplarse. Es, más que un edificio, una escultura gigante. Y tiene sentido, pues si un edificio normalmente se construye desde su interior, que ha de cumplir una función, el templo griego tiene un interior vedado al público. La mayoría de la gente sólo podía contemplarlo por fuera y ese exterior debía estar a la altura de un dios, pues era su casa.

Lo que alcanza el Partenón es una maravillosa relación de equilibrios y contrastes entre sus partes. Supera por fin la vieja rigidez de los templos arcaicos. Es grácil, pero no débil. Es fuerte, pero no robusto. Está hecho pensando exclusivamente en los ojos que habían de contemplarlo, en las imperfecciones de la mirada humana. Igual que sus esculturas representaron a los dioses de una forma más humana que nunca, las normas se adaptaron también a los espectadores.

Dijo Francisco Andrados que el Partenón fue incluso demasiado moderno. Que los griegos de su tiempo no encontraban en él la espiritualidad propia de los edificios religiosos. Que la diferencia entre el Partenón y un templo arcaico podía ser la misma que entre una iglesia románica y una renacentista. Que el Partenón de Fidias, como las iglesias de Brunelleschi, era más humano que divino.

Pero aún no hemos hablado de las esculturas.

Capítulo 4. Las maltratadas, destrozadas, robadas y maravillosas esculturas del Partenón.

La decoración escultórica del templo comprende tres partes:

1. el friso que ciñe los muros de la cella, que un templo dórico no debería existir pero que en el Partenón sí existe.
2. las metopas, que ya sabemos que son los espacios libres que quedan entre los triglifos
3. los frontones, los espacios triangulares que coronan ambas fachadas

Fidias fue el encargado de su realización, pero obviamente él no pudo hacerlo todo. Debió tener un número importante de ayudantes, no sólo por la cantidad de trabajo sino por las diferencias estilísticas que se aprecian entre unas y otras.

Las metopas

En cada una de las fachadas menores había catorce metopas. En los laterales, treinta y dos. Noventa y dos metopas en total, todas y cada decoradas con altorrelieves que representaban luchas míticas:

• La Gigantomaquia en la fachada oriental.
• La Amazonomaquia en la fachada occidental.
• La Iliupersis, o Guerra de Troya, en la septentrional.
• La Centauromaquia en la meridional.

Hoy día, como es tristemente obvio después de haber visto las historia del Partenón, las metopas no se conservan in situ. Para verlas hay que ir al Museo de la Acrópolis, al Louvre y al Museo Británico.

El friso de las panateneas

El principal alejamiento del Partenón con respecto a los templos dóricos clásicos es la existencia de un friso sobre toda columnata interior. El Partenón, como templo períptero, tenía un doble columnata alrededor de todo su perímetro. Sobre la exterior se situaban los triglifos y las metopas de los que ya hemos hablado. Sobre la interior se desplegaba un friso, una superficie decorada, sin interrupciones, que era un rasgo propio de los templos jónicos.

El tema del friso era uno solo: la procesión de las panateneas. Cada año, y de forma especialmente significativa cada cuatro años, las doncellas tejían y bordaban un precioso peplo destinado a la diosa protectora de la ciudad, y lo llevaban en procesión hacia el templo que la custodiaba, el Partenón.

El friso es maravilloso en su calidad técnica y en su concepción, pues aquí, entre doncellas y dioses, aparecen y son reconocibles personajes de Atenas de la época, sobre todo ancianos. Humano es el Partenón hasta en los últimos detalles.

Este friso ya no está en el Partenón, cuyos muros interiores se han perdido. Y si estuviera, no lo veríamos a la altura y al detalle al que puede contemplarse en el Museo Británico. Sí, fue una de las muchas piezas de escultura que se llevó con Lord Elgin.

Los frontones

También están el British los dos frontones, o lo que quedaba de ellos en 1800.

Las escenas de los frontones tenían como protagonista a Atenea. En el oriental se representaban su nacimiento. En el occidental, su enfrentamiento con Poseidón para lograr el dominio de la región ática.

Empecemos por el nacimiento de Palas Atenea, representado en la fachada oriental del edificio. Citamos aquí al que sigue siendo el libro de referencia en los asuntos del arte griego, el manual de Antonio Blanco Freijeiro, que disfrutará enormemente cualquier interesado en esta materia:

En medio del frontón oriental encontrábase Zeus, sentado en su trono, y frente a él Atenea, recién nacida de la cabeza de su padre como la encarnación de una idea. Lejos de recordar a la vivaracha muñequita de las representaciones tradicionales, Palas Atenea viene al mundo con la figura de una fuerte doncella, que es coronada por Niké. Hefesto y Hermes, que han asistido a Zeus en su extraño alumbramiento, hacen ademán de huir, asombrados por el prodigio. Dos grupos de dioses olímpicos presenciaban aquel estupendo suceso: comenzando por la izquierda, Hera y su sirvienta, Iris, en pie; Démeter y Koré, sentadas, y Dionisos, tendido —la única estatua de los frontones que todavía conserva la cabeza en su sitio—, embelesado en la contemplación del carro de Helios, que en aquel momento surgía del mar.

Ver todo esto de cerca, en el Museo Británico, es un experiencia de las que ponen los vellos de punta. Seguramente sería aún mejor verlo en el Museo de la Acrópolis, que tienen habilitada una sala, hoy vacía, para albergarlos algún día. Una sala desde la que se ve el propio Partenón.

Pero sigamos.

A mano derecha del espectador, en la otra ala, había tres figuras femeninas envueltas en finísimos vestidos, las tres llamadas tradicionalmente Parcas; una de ellas tiénese hoy como representación de Ártemis, y la otra, reclinada en su regazo, como efigie de Afrodita, que se entretiene, de modo equivalente al Dionisos del extremo opuesto, contemplando la inmersión del carro de Selene en las ondas del océano. La cabeza del caballo de Selene, última escultura del frontón, es obra de una perfección tal, que Goethe la señala como ejemplo insigne de superación de la naturaleza por el arte.

Interrumpimos para hablar un momento de los frisos, un elemento muy particular. Estaba ya ahí cuando se levantaron los primeros templos, y los arquitectos siguen recurriendo a él en la actualidad cuando quieren transmitir solemnidad y elegancia. Pero el friso es problemático, o mejor dicho, lo es su decoración. Es un elemento que obliga al escultor a adecuarse a diferentes alturas, que se van haciendo imposiblemente pequeñas cuando se acercan a los extremos.

La figura de Zeus no ocupaba exactamente el centro del frontón, sino que estaba un poco desviada hacia la izquierda, porque los atenienses, a diferencia de los demás griegos, no eran amigos de colocar una figura en el centro geométrico de los frontones. Los atónitos cirujanos Hefestos y Hermes se apartan de Zeus con vivos ademanes, que las demás figuras repiten, atenuando gradualmente su fuerza, hasta llegar a las de los extremos, que por su carácter estelar, cósmico, acogen con indiferencia el nacimiento de una diosa destinada a guiar a los mortales. Así, pues, en este frontón se observa un movimiento que irradia del centro y se debilita en los extremos, un decrescendo.

En los templos más antiguos, la mayoría de las veces se representaban monstruos, animales y figuras mitológicas. Un ejemplo es la célebre Gorgona del Templo de Artemisa de Corfú. Las figuras más grandes ocupaban el centro del friso, y en sus laterales se representaban, simplemente, figuras secundarias que adoptaban un tamaño menor, de acuerdo a su menor relevancia en la escena.

Pero esta era un solución imperfecta. El arte griego iba tendiendo al naturalismo y estos trucos eran un incordio. Con el tiempo, se empezaron a utilizar monstruos marinos o animales alargados, como serpientes, en las zonas donde el friso reducía su altura. Hasta que la eclosión de una religión cada vez más antropocéntrica obligó a utilizar las soluciones que vemos aquí. Cuando prácticamente son figuras humanas las que ocupan la totalidad de la escena, se representan de pie en las zonas centrales y se van sentando y tumbando hacia los lados. Si hace falta un caballo, se muestra solo su cabeza. La necesidad agudiza el ingenio.

Sigamos con el frontón occidental, donde se desarrollaba la lucha entre Atenea y Poseidón por el dominio del Ática. Damos paso, de nuevo, al maestro Freijeiro:

En un magnífico alarde de fuerza elemental, el señor de los mares hería la tierra con su enorme tridente y hacía surtir de la brecha un manantial de agua salada; al mismo tiempo, Atenea clavaba su lanza en el suelo y su golpe producía el olivo que le dio la victoria. A espaldas de los dioses litigantes, los corceles de sus carros, gobernado el uno por Niké y el otro por Anfítrite, se levantaban de manos hasta tocar con sus cabezas la sima del frontón. Como jueces asisten al duelo Hermes e Iris, «ojos y oídos de Zeus», y los héroes locales: la familia de Kekrops y la de Erecteo. Finalmente, en los ángulos se encontraban dos figuras tendidas, una femenina y otra varonil, que sin razón alguna se llaman por costumbre «divinidades fluviales». Las gigantescas figuras de este frontón se mueven con inusitada violencia. Los dos grandes rivales están «fuera de sí» espiritualmente y fuera de su centro de gravedad materialmente. Las demás figuras, incluso los caballos, parecen conmovidas por la formidable lucha que se desarrolla en el centro y que rompe el frontón en dos mitades hostiles. Es muy probable que ambas composiciones se forjasen en la mente de Fidias, aun cuando luego el mismo artista confiase su ejecución a sus mejores discípulos.

En el interior del Partenón, como ya hemos comentado, había dos salas. Una guardaba al tesoro. La otra, la principal, albergaba una gigantesca estatua de la diosa a la que estaba dedicada al templo. La protectora de Atenas, Palas Atenea. Esta estatua era obra de fidias y estaba hecha toda ella de oro y de marfil, por lo que se conoce como crisoelefantina. Hoy, tristemente, no se conserva.

Capítulo 5. Unos apuntes finales.

Para ver el Partenón hay que ir Atenas, claro. Y allí no sólo hay que ver la ruina del Partenón, sino también el moderno Museo de la Acrópolis. Las autoridades griegas esperan que en un futuro próximo se pueden mostrar allí los mármoles de Elgin, cuya campaña de recuperación sigue en marcha.

También hay que ir a París, al Louvre, donde se conservan una serie de metopas y esculturas. Y por supuesto hay que ir también a Londres, donde hoy por hoy y quién sabe durante cuánto tiempo están los mármoles de Elgin. El Museo Británico no tiene, de momento, intención de devolverlos.

Para aprender más sobre el apasionante edificio, y sobre su época, recomendamos este artículo en Exploralibros sobre los mejores libros de arte clásico. Por aquí te dejamos los dos que más nos han servido para la elaboración de este artículo:

El de Antonio Blanco Freijeiro sigue siendo el mejor manual sobre arte griego disponible en español. Y no sólo era un experto en la materia y un apasionado, sino un excelente escritor. Su lectura es una gozada.

Arte griegoAntonio Blanco FreijeiroTapa dura. 464 páginas. Consejo Superior de Investigaciones Cientificas.Comprar

El de Luciano Canfora es el libro que mejor describe la época en la que se construyó el Partenón. Por su amplia visión, su tratamiento desmitificador y su profunda mirada crítica, la la lectura de El mundo de Atenas es una idea excelente para comprender en toda su complejidad la Atenas de Pericles.

El mundo de AtenasLuciano CanforaTapa blanda. 544 páginas. Editorial Anagrama S.A..Comprar

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A veces es complicado decidir qué ver en Berlín, pues visitar la capital alemana es entrar de lleno en la historia de la formación del país germano desde el remoto y pequeño Margraviato de Brandenburgo. También es asomarse a uno de los puntos clave del pasado más reciente de Europa, con el telón de acero escenificado en el muro de Berlín o los numerosos rastros todavía visibles que dejó la Segunda Guerra Mundial en sus calles.

El callejero de la capital alemana está repleto de historia con su famosa Puerta de Brandenburgo o en el Reichstag y su aclamada remodelación, brilla con la eterna modernidad de sus estaciones de tren que dan la bienvenida a los viajeros y los deleita con palacios como el de Charlottenburg o el de Sanssouci en la cercana Potsdam.

Os presentamos en este artículo un extenso recorrido por la capital alemana para que decidáis qué ver en Berlín (te recomendamos nuestra selección de libros para conocer mejor la ciudad), ya sea en una escapada de unos pocos días, una estancia más prolongada o incluso varias visitas; la ciudad se presta a perderse en ella durante semanas.

Capítulo 1 Berlín, una ciudad ligada a los Hohenzollern

Los inicios de Berlín se remontan de manera difusa cerca del año 1200, cuando se fundaron dos colonias (Berlín y Cölln) en torno al río Spree. En el 1307 ambas colonias se fusionaron y la unión adoptó el nombre de Berlín. Un siglo más tarde la localidad seguía prosperando poco a poco pero ocurrió algo que, sin duda, aceleró el proceso. En 1417, el burgrave de Nuremberg, Federico (de la dinastía Hohenzollern), compró Brandenburgo al emperador Segismundo y, desde entonces, la suerte de Berlín estuvo siempre ligada a los Hohenzollern.

Federico I se convirtió así en margrave (marqués) del margraviato de Brandenburgo y fijó su residencia en Berlín, que se convirtió en la capital brandenburguesa. Era un territorio electoral, con lo que el margrave se hizo con voto en el Sacro Imperio Romano Germánico (SIRG), accediendo a un poder de negociación que será vital para el futuro de Brandenburgo y Berlín.

Poco a poco, esta rama de la familia expandió sus tierras con compras y herencias que salieron de manera adecuada para los descendientes de Federico I. El margraviato, además, no se dividía al morir el cabeza de familia, precisamente uno de los motivos que empujó a Federico I a hacerse con estas tierras. Era algo común en aquella Alemania, lo que la convirtió en un verdadero mosaico cuyas teselas eran minúsculos estados constantemente divididos, reunificados y vueltos a repartir.

Capital de Prusia y del Imperio Alemán

Los Hohenzollern fueron muy pacientes, maestros de las relaciones dinásticas y, con los siglos, forjadores de un ejército cohesionado que levantaba envidias y todavía es estudiado con admiración en academias militares. Dos elementos que conjugaron durante el siglo XVI y XX no sin exponerse a enormes peligros que a punto estuvieron de borrar la dinastía de la faz de la Tierra.

Berlín seguía siendo la capital y Brandenburgo se convirtió en el Reino de Prusia, territorios alejados hacia el noroeste que ofrecieron a la dinastía una preciada salida al mar. Si fueron reyes de Prusia y no de Brandenburgo fue para consolidar su derecho a aquellas tierras, ambicionadas por otras tantas familias. No obstante, la capital siguió siendo Berlín y la corte dejó su impronta en ella, convirtiéndose, poco a poco, en una de las ciudades más importantes de Alemania.

Prusia continuó su caminar hasta convertirse en uno de los mayores estados alemanes; disputó el poder a Austria e incluso plantócara a Rusia, Francia e Inglaterra. En 1871, tras haber aplastado a Austria en el 66, Prusia venció en la guerra franco-prusiana y declaró el Imperio Alemán en el Palacio de Versalles. Aquello fue una dulce venganza ya que Napoleón había disuelto el SIRG (I Reich) en 1806, fue en su patria donde los prusianos formaron el II Reich (y por esta sucesión lógica, el de Hitler fue el III Reich).

Berlín en el XX: ciudad del pecado, la opresión y la libertad

No duró mucho el II Reich. Durante el final de la Primera Guerra Mundial el Imperio Alemán se descomponía desde el interior mientras sus jóvenes morían en las trincheras. De aquel colapso nació la República de Weimar, un intento democrático en una Alemania constantemente asaltada por los extremos políticos.

Berlín siguió siendo la capital, ahora de un Estado convulso constantemente agitado y, como capital, se convirtió en el punto por el que entraba todo lo de fuera. Llegó a verse como una ciudad del pecado, como una Babilonia (preciosamente recreada en la serie Babylon Berlin) símbolo de los males que diferentes bandos políticos querían cercenar, lo que finalmente se decantó hacia el nacionalsocialismo en 1933. Llegó un nuevo Reich con un halo de represión que se incrementó con los años.

Con el fin de la Segunda Guerra Mundial y del III Reich, Berlín quedó dividida en sectores tal y como el propio país. Gobernada por potencias extranjeras que fueron dando poco a poco libertad a los alemanes hasta 1991, cuando llegó el fin de la Unión Soviética y la zona oriental alemana y de Berlín marcharon a la reunificación. Un periodo todavía visible en Berlín, ciudad de la reunificación y la libertad, de periodos de grandeza y oscuridad. Una ciudad, ahora, hermosa, moderna, multicultural y respetuosa con su pasado.

Capítulo 2 Qué museos tienes que ver en Berlín para una visita completa y enriquecedora

Ahora que sabemos situar Berlín en un eje cronológico y conocemos algo de su pasado y cómo este se engarza en la historia alemana, es hora de preguntarnos qué ver en Berlín. Lo primero que haremos será sumergirnos de lleno en lo que nos cuentan sus museos, de los que hay muchos y para todos los gustos. Los museos que vamos a recomendar a continuación no sólo contienen objetos que aportan información, también nos cuentan más sobre la historia de Alemania y sobre la de Berlín porque sabemos quién los hizo y por qué tienen las colecciones que tienen.

§1. Museo de Historia Alemana (DHM – Deutsche Historische Museum) es un punto de partida perfecto para el viajero interesado en la historia de Alemania. Está situado en la famosa avenida Unter den Linden, una zona concurrida y que queda a mano de los principales puntos de interés, con lo que no hay excusa para no visitarlo.

Se trata de un museo muy didáctico y entretenido que parte del reinado de Carlomagno, pues tras su muerte en Europa quedaron plantadas las semillas de lo que hoy son Francia y Alemania. Con ese punto de partida llega al pasado más reciente a través de pintura, escultura, objetos que hablan de la vida cotidiana y otras partes de la colección sobre grandes personajes e historia militar.

El museo fue inaugurado en 1987 con motivo del 750 aniversario de Berlín (el mismo año que Ronald Reagan pidió, con la Puerta de Brandenburgo de fondo, el fin del muro). Por entonces algunos pensaron que sería mala idea poner el nacionalsocialismo en un museo porque «se distancia del recuerdo». Hoy es un ejemplo de seriedad académica en un país, por lo general, crítico y frío con su pasado más reciente.

§2. Cuando uno se pregunta qué ver en Berlín, la isla de los museos es esencial, y es famosa, principalmente, por el Museo de Pérgamo. Fue construido entre 1910 y 1930 como tres enormes alas que representan por fuera parte de lo que guardan; su fachada principal recuerda al Altar de Pérgamo, joya de la corona del museo. Pero además de reflejar lo que protege, refleja a la perfección la excelente escuela alemana de arqueología que es, todavía, una de las mejores y más activas del mundo.

El de Pérgamo, en realidad, podría ser considerado como tres museos, pues tres son sus grandes colecciones. Se puede visitar en un día con una entrada completa, pero el visitante que se toma su tiempo necesitará varios días para ver con tranquilidad el museo.

La colección de antigüedades clásicas es la más famosa, pues es la que tiene el Altar de Zeus (no visitable hasta 2020 por reformas) de la antigua ciudad de Pérgamo (hoy en Turquía). El altar fue trasladado (y muy probablemente salvado de su destrucción) piedra a piedra por Carl Humann y en torno a esta joya de la arquitectura se construyó el museo. Esta colección también tiene la Puerta del Mercado de Mileto y una muy buena colección de esculturas helenísticas.

La colección del antiguo Oriente Próximo también contiene varias joyas nada desdeñables. La Puerta de Istar de Babilonia es una parte esencial del museo y sería un pecado irse de Berlín sin verla. Otros atractivos de esta colección son la vía procesional, también de Babilonia, un modelo de la Torre de Babel y una copia del Código de Hammurabi.

Aunque no es la más conocida, la colección de Arte Islámico también es algo indispensable que ver en Berlín. La fachada del Palacio de Mushatta es indispensable, aunque, desgraciadamente, fue dañada durante la batalla de Berlín en la Segunda Guerra Mundial. También destacan en esta colección el precioso salón de Alepo y el delicado Mihrab de Konya.

§3. Aunque el rey indiscutible de la isla de los museos sea el de Pérgamo, el Museo Nuevo (Neues Museum) tiene una joya en su colección que bien vale un peregrinaje cultural a Berlín. Los colores del busto de Nefertiti, la esposa del faraón Akenatón, resplandecen en la oscura sala que lo guarda. Su sola presencia en la colección del museo hace que la entrada merezca la pena.

El Museo Nuevo fue el segundo en construirse en la isla de los museos. Aunque en parte reconstruido por sufrir graves daños durante la Segunda Guerra Mundial, data del XIX, cuando fue proyectado para albergar parte de la creciente colección del Altes Museum (Museo Antiguo). Tras décadas en un pecaminoso estado fue restaurado en 2009 mientras su antigua colección andaba repartida por otros museos y ahora es uno de los principales lugares que ver en Berlín.

Además del famoso busto de Nefertiti, el Museo Nuevo contiene una completa colección de artículos egipcios que hacen de la visita algo obligatorio para todos los amantes del Antiguo Egipto, y un interesante conjunto de objetos prehistóricos que pueblan las preciosas salas del edificio.

§4. También en la muy poblada isla de los museos la Antigua Galería Nacional (Alte Nationalgalerie) se presenta como una parada muy interesante. Se trata de un museo cuya colección se compone de obras del siglo XIX pertenecientes a la Fundación Cultural de Herencia Prusiana.

La galería es una clara muestra de la posición prusiana a lo largo del XIX, una corte capaz de adquirir obras de grandes autores e incluso de reunirlos en ese ambiente de bonanza. En estas salas veremos pinturas de Friedrich como «El monje a la orilla del mar», el «Concierto a flauta de Federico II» de Menzel o «En el conservatorio» de Manet.

§5. Aunque si el viajero está interesado en una pinacoteca repleta de grandes maestros que ver en Berlín, la Gemäldegalerie debería ser una visita obligada. Cerca de la Potsdamer Platz, la galería está ubicada en el Kulturforum, un espacio dedicado a acoger diferentes edificios culturales para compensar la concentración de museos la zona este de la ciudad.

Esta pinacoteca presenta una de las mayores colecciones de Europa y es, sin duda, una de las mejores para conocer a los maestros alemanes. Pero, con unas 1.500 obras, la galería no se centra únicamente en los germanos, ya que cuenta con obras de pintores europeos desde el siglo XIII al XVIII.

En sus salas podremos contemplar obras de Alberto Durero, Lucas Cranach el Viejo, Hans Holbein, Rogier van der Weyden, Jan van Eyck, Tiziano, Caravaggio o Pedro Pablo Rubens. Una mención especial merecen las pinturas de Vermeer (de quien, en general, hay poco), la sala octogonal dedicada a Rembrandt y otra dedicada a Rafael Sanzio con cinco de sus madonas. Es una galería que no puedes perderte.

§6. Volviendo a la isla de los museos, el Museo Antiguo (Altes Museum) es uno de los primeros edificios del mundo construidos con la idea de albergar una colección, y como tal, lugar indispensable que ver en Berlín. Construido por el maestro del neoclasicismo alemán, Friedrich Schinkel, el Altes Museum es una de las joyas arquitectónicas de la capital alemana y uno de los edificios más representativos de Schinkel.

Alberga una extensa y rica colección de arte romano que lo hace muy llamativo para los amantes de la Antigua Roma. Pero las joyas del museo son otras: una de las mayores colecciones de arte etrusco, una gran muestra numismática del siglo VII a.C. al III d.C. y una excelente colección de arte griego, entre las que destacan la diosa del trono de Tarento o la diosa de Berlín.

Con esta imponente colección es difícil no recomendar la visita al Altes Museum que, además, ofrece una maravillosa vista por fuera con su preciosa fachada. Por si fuera poco, contemplar su colección entre sus hermosas salas, especialmente el atrio interior que recuerda al Panteón de Agripa, conforma un motivo más para comprar la entrada.

Capítulo 3 Visita Berlín y disfrútala a través de sus lugares más representativos

§7. Alexanderplatz está considerado como el centro neurálgico de la ciudad, lo que lo hace un lugar indispensable que ver en Berlín. En torno a esta zona se desarrolló la ciudad desde el 1200 y, a pesar de lo mucho que ha crecido la urbe, sigue estando prácticamente en el centro geográfico de la misma. De hecho, el Nikolaiviertel (barrio de Nicolás), es la zona más antigua de Berlín y está a unos pocos pasos de la imponente torre de televisión de Alexanderplatz.

Además de la torre de televisión, en Alexanderplatz hay un poco de todo y es una buena idea alojarse cerca o con una buena conexión de transporte con la plaza, ya que está cerca (teniendo en cuenta que Berlín es una gran ciudad) de los grandes atractivos de la urbe. A lo largo de la enorme zona peatonal hay comercios (incluido un gran centro comercial), el reloj mundial, la Marienkirche (iglesia de Santa María), el todavía imponente ayuntamiento, la fuente de Neptuno y, lindando con el río, el parque Forum Marx-Engels (si lo quieres visitar, no olvides leer antes los libros de Marx y Engels), junto al que se encuentra el AquaDom, un acuario de fama internacional.

§8. Como si fuera una esquina de Alexanderplatz, el Nikolaiviertel está encajado entre el ayuntamiento y el parque Marx-Engels. Berlín creció en un inicio en torno a la Nikolaikirche (iglesia de San Nicolás) meintras al otro lado de río Spree lo hacía Cölln hasta que, como ya indicamos, ambas poblaciones se juntaron.

El barrio fue durísimamente castigado durante la Segunda Guerra Mundial hasta que en 1987 (con el sempiterno 750 aniversario de la ciudad en mente) se reconstruyó buscando la fidelidad a lo anterior. Gracias a esta iniciativa, el Nikolaiviertel se mantiene como un rincón berlinés con sabor añejo y se pueden ver algunas casas con cierto estilo hanseático junto al coqueto palacio de Ephraim y el el interesante museo barroco (de vida cotidiana burguesa) Knoblauchhaus. Sin duda, una de los lugares imprescindibles que ver en Berlín.

§9. Al otro lado del Spree, junto al Altes Museum, la Catedral de Berlín embellece, si cabe más, la zona. El actual edificio se terminó de construir en 1905 tras demoler el anterior (reformado por Schinkel) por orden del Káiser Guillermo II. La idea del nuevo edificio era «competir» con la basílica de San Pedro del Vaticano con un gran templo protestante.

En un estilo neobarroco, la Catedral (aunque nunca ha sido sede de obispo es llamada así) fue adornada con bastante ostentación para los estándares protestantes, en buena medida debido al gusto por el lujo de Guillermo II. Lo más llamativo del interior es, sin duda, la maravillosa cúpula de 98 metros de altura ricamente decorada y que inunda de luz el edificio.

La catedral también cuenta con un pequeño museo que incluye la cripta de los Hohenzollern donde puede verse parte del recorrido de la dinastía. Como último regalo del precioso edificio también se puede subir a los tejados, donde el viajero puede disfrutar de una vista muy bonita. A su izquierda se encuentra ahora en reconstrucción el Palacio Real, aunque todavía no es un punto esencial que ver en Berlín, sin duda hay que marcarlo para los próximos años.

Qué ver alrededor de Unter den Linden, la avenida más bonita de Berlín

§10. Unter den Linden es la avenida más famosa de Berlín. En el siglo XVI, Juan Jorge de Brandenburgo abrió una senda hacia el parque Tiergarten, por entonces coto de caza real, para unirlo directamente con la residencia Hohenzollern en Berlín (lo que se fue convirtiendo en el Palacio Real). En 1647, Federico Guillermo I sembró la avenida de tilos, de donde le viene el nombre, en español «bajo los tilos». A pesar de tomas, saqueos o bombardeos, desde entonces la ciudad siempre ha procurado de que sus ciudadanos disfruten de la sombra de los tilos en su preciada avenida.

Más allá del bonito origen de su nombre, la avenida siempre ha sido un punto muy importante del callejero de Berlín. En la actualidad conecta la Puerta de Brandenburgo con la isla de los museos y, en extensión, con Alexanderplatz. La propia avenida está salpicada de algunos de los edificios más señeros que ver en Berlín, como la Universidad de Humboldt, el Museo de Historia Alemana o la Nueva Guardia.

§11. Uno de los primeros edificios que vemos en Unter den Linden, si venimos desde la isla de los museos, es el de la Nueva Guardia, una especie de templete conmemorativo con una preciosa portada dórica. En un inicio se construyó para conmemorar la derrota ante Francia y la posterior liberación de Berlín, sentido original que con el tiempo ha ido cambiando. Hoy guarda en el interior la escultura de una madre sosteniendo a su hijo muerto como homenaje a todas las víctimas del mundo sin importar qué hayan sufrido.

§12. Frente a la Universidad de Humboldt la Bebelplatz es otro punto muy interesante de la Unter den Linden. En esta plaza los nazis realizaron la famosa quema de libros prohibidos de 1933. Hoy la guardan el edificio de la Ópera, la biblioteca de la universidad y, en una esquina, la muy curiosa catedral católica de Santa Eudivigis. En el centro de la plaza, un gran panel de cristal simula unas estanterías vacías del tamaño de los libros quemados en 1933.

§13. Muy cerca de la Bebelplatz, a sólo dos manzanas de Unter den Linden, la Gendarmenmarkt es una de las plazas más bonitas que ver en Berlín. Su construcción responde a una reurbanización de 1688 para acoger a hugonotes franceses (protestantes) y, como muestra de ese hermanamiento, se construyó una iglesia francesa para los exiliados.

En 1708, los vecinos luteranos alemanes construyeron una iglesia prácticamente idéntica en la otra cara de la plaza, lo que reforzó ese ideal de hermanamiento entre comunidades protestantes. En época de Federico II el grande se añadieron torres casi idénticas, por lo que la plaza es conocida como la de las iglesias o torres «gemelas».

Entre ambas iglesias el edificio de la Konzerthaus (casa del concierto), actual sede de la Filarmónica de Berlín, remata de manera sublime el conjunto. Se trata de uno de los proyectos de Schinkel que en su día fue la Schauspielhaus (casa del drama, es decir, teatro) y fue prácticamente destruido durante la Segunda Guerra Mundial, pero que se reconstruyó respetando al máximo el edificio original.

§14. Si te entra hambre en Berlín hay muchas opciones para recargar las pilas y, aunque las porciones de pizza son una opción universal ampliamente extendida por la capital alemana, lo mejor es decantarse por un currywurst. Se trata de un plato de salchichas con salsa al curry y patatas fritas típico de Alemania que nos recargará de energía para seguir conociendo Berlín. Si eres un enamorado de la gastronomía y te gusta el plato, el museo del Currywurst se encuentra a tres manzanas al sur de la Gendarmenmarkt.

Aunque si pasamos varios días en Berlín y queremos saborear Alemania todavía más, los Bratwurst, un tipo de salchicha que encontraremos como perrito caliente en diferentes puestos, también son una muy buena opción para comer callejeando. Para sentarnos tranquilamente en un restaurante lo mejor sería degustar un Eisbein (codillo de cerdo) o un Schnitzel, algo parecido a un san jacobo procedente de Austria. Y, para finalizar, no hay mejor tentempié que un Bretzel, el bollo alemán por excelencia, que podemos encontrar salado o dulce.

Sumérgete en la historia de Berlín y Alemania en la Plaza de París y el Tiergarten

§15. El final (o el principio) de Unter den Linden desemboca en la Pariser Platz (Plaza de París), rematada por la Puerta de Brandenburgo, un edificio esencial de la historia de Prusia. Inspirada en las puertas de acceso de la Acrópolis de Atenas, la puerta debía llevar la paz hacia Berlín. De hecho en su origen la diosa de la paz (Eirene) cabalgaba en una cuadriga hacia la ciudad.

Cuando Napoleón tomó Berlín se llevó a la diosa a París para exhibirla como símbolo de la victoria. Años después, Napoleón fue derrotado y los prusianos recuperaron a su diosa, pero volvió a subir a su puerta como Victoria, llevando, ahora, los ánimos vencedores hacia Berlín.

Paz, victoria y símbolo de reconciliación entre la Alemania del este y del oeste, la Puerta de Brandenburgo ha sido y sigue siendo uno de los símbolos esenciales de Berlín, tanto que se ha convertido en un souvenir casi omnipresente.

§16. A tan solo unos pasos al norte de la Puerta de Brandenburgo el Reichstag ocupa un bello espacio entre el Tiergarten y el río Spree. Fue construido a finales del XIX debido a que, al fundar el Imperio Alemán, aquel enorme y flamante Estado necesitaba una gran casa parlamentaria.

Con una vida relativamente corta y convulsa, el Reichstag fue testigo de la muerte de la democracia alemana. Durante la batalla de Berlín sufrió gravísimos daños y poco hay que culpar a los atacantes, el partido nazi había convertido el parlamento prácticamente en un búnker.

Tras la guerra, como tantos otros edificios de importancia, quedó abandonado hasta que se remodeló en los 60 pero no fue hasta la reunificación en 1991 cuando alcanzó la configuración actual. El Bundestag (dieta federal en vez de imperial) volvió a Berlín y situó su residencia en el edificio del Reichstag, con una importante reforma (de Norman Foster) que le devolvió su cúpula, terminada en 1999, y lo ha convertido en uno de los principales atractivos que ver en Berlín.

§17. El Reichstag linda con el Tiergarten, el parque más importante de Berlín, que tiempo atrás había hecho de coto de caza para algunos Hohenzollern. Hoy es el pulmón de la ciudad y es verdaderamente querido por los berlineses. Cuenta con un zoo y unas grandes y preciosas arboledas, y sus canales y pequeños lagos lo convierten en un lugar en el que echar una tarde de relax. También da al palacio de Belleuve, residencia del Presidente de la República Federal Alemana, y hay un enorme monumento a los soldados soviéticos (que participaron en la toma de la ciudad durante la Segunda Guerra Mundial).

§18. Casi al final del Tiergarten está, que duda cabe, su principal atractivo: la Columna de la Victoria. En un principio fue construida para celebrar la victoria sobre Dinamarca en 1864, pero cuando por fin se pudo inaugurar Prusia se había convertido en el Imperio Alemán, por lo que también sirvió para conmemorar las victorias sobre Austria en 1866 y sobre Francia en 1871.

§19. Si salimos del Tiergarten llegamos la zona de Charlottenburg, un área repleta de galerías de arte y el Museo de la Fotografía. Aunque si hay algo por lo que merece la pena llegar prácticamente a los límites de la ciudad es el Palacio de Charlottenburg.

Federico I de Prusia fue el primer monarca prusiano desde 1701. Antes de formar el nuevo reino, Federico había mandado construir un palacio veraniego en Berlín para su esposa Sofía Carlota, pero cuando se coronó decidió renovarlo lujosamente para que estuviera a la altura de una reina. Sofía Carlota no vio este trabajo terminado y, en su memoria, Federico I lo renombró como Charlottenburg.

Hasta la creación del Imperio Alemán, cuando los Hohenzollern hicieron del Palacio Real de Berlín prácticamente su única residencia, Charlottenburg fue el lugar preferido por algunos de los monarcas de la familia, lo que llevó a algunos a realizar ampliaciones y reformas. Hoy es un precioso palacio cuyos jardines y algunas de sus salas son auténticas obras de arte y también expone una formidable colección de pinturas francesas del XVIII.

§20. Hacia el sur de la Puerta de Brandenburgo está una de las zonas más modernas y que más han crecido de Berlín en la pasada década. La Potsdamerplatz (que está en el camino a la cercana Potsdam) es un enorme cruce de caminos rodeado de puntos de interés que merece la pena visitar.

El Sony Center se ha convertido, quizás, en el mayor símbolo de la Potsdamerplatz. Se trata de un conjunto de edificios que forman una especie de patio interior rematado por una suerte de cúpula de acero y cristal iluminada de colores al caer la noche. Una zona repleta de restaurantes y otros comercios que la convierten en una de las más concurridas del lugar.

La zona del Daimler Chrysler también es un referente de modernidad, algo más tranquilo que el Sony Center. Los apasionados del cine no se resistirán a contemplar el Berlinale Palast, donde se celebra el festival de cine berlinés. Muy cerca está el Kulturforum, donde hay otros museos de Berlín que merecen la pena visitar y donde la filarmónica tiene otra casa. Y antes de partir, subir al Panoramapunkt de la torre Kollhoff es prácticamente obligatorio, tiene una de las mejores vistas que ver en Berlín.

§21. Todos necesitamos una parada para refrescarnos de vez en cuando y los cerveceros están de suerte en Berlín. Alemania siempre está en el top tres de consumidores de cerveza y tienen una amplísima variedad de sabores. Berlín está repleta de locales en los que degustar una buena cerveza alemana y sería un pecado marcharse sin haber tomado aunque sea una.

§22. Casi en línea con la Potsdamerplatz pero al otro lado del Tiergarten, hay un vestigio del pasado que se alza orgulloso con sus heridas entre los edificios modernos. La iglesia-memorial Kaiser Willhem permanece semiderruida tras los bombardeos de la Segunda Guerra Mundial. La estructura permaneció así tras la guerra hasta que, en la década de los 50, se planeó demolerla pero los vecinos se negaron.

Gracias al empeño de los vecinos la iglesia permaneció en pie y ahora es un monumento que conmemora lo que se pierde en las guerras, y está acompañado de una capilla y un campanario nuevos. Además justo en la iglesia da comienzo la Kurfürstendamm, la otra gran avenida de Berlín que, aunque no es un lugar típico de turismo, es una de las zonas preferidas de ocio por los berlineses y hay varias galerías de arte.

Disfruta de Berlín a través de su río

Berlín es una ciudad con una cantidad enorme de puentes, pues está cruzada por el río Spree y diferentes canales, además, el área de la ciudad es considerablemente grande. Algunos cuentan 969 puentes, otros llegan a más de 2.000. Sean tantos o «tan pocos», hay varios que son imprescindibles.

§23. El más bonito de todos, sin duda, es el Oberbaumbrücke (brücke es puente en español). Es una de las joyas que ver en Berlín y enamora a vecinos y viajeros con su estilo gótico en ladrillo rojo y sus dos torres. Sin duda, una maravilla que merece la pena visitar, y que está junto a la East Side Gallery (de la que hablaremos más adelante).

§24. El Oberbaumbrücke está muy cerca del Badeschiff, una zona de baño pública que, literalmente, es una piscina sobre el río Spree. Estos muelles que conectan la rivera del río con la piscina es la forma que Berlín encontró para mantener la costumbre berlinesa de bañarse de manera segura en su Spree. Si pasas el tiempo suficiente en la ciudad en verano seguramente agradecerás un baño.

§25. Entre los alrededores del Reichstag y Unter den Linden hay un par de puentes que merecen mucho la pena. El Molktebrücke conecta la zona noroeste de Berlín con el Tiergarten y es otro de los puentes más bonitos de la ciudad con su acabado rojizo y sus bellos decorados. Dando acceso a Unter den Linden desde la isla de los museos, el Schlossbrücke embellece, la que de por sí es, una de las zonas más bonitas de Berlín.

Qué ver en Berlín para adentrarte en la Guerra Fría

Berlín fue uno de los centros más importantes durante la Guerra Fría, época en la que todo giró en torno a los grandes mastodontes que fueron Estados Unidos y la URSS. La ciudad estuvo, tras la Segunda Guerra Mundial dividida en cuatro sectores, aunque con los años se comenzó a hablar de dos, el occidental y el oriental.

Alemania había sido ocupada tras su derrota y dividida en esferas de influencia para tutelar su futuro. En medio de los vencedores, acabó por ser, en parte, otra trinchera entre los bloques capitalista y comunista que formaron aquella Guerra Fría. La tensión llegó a tal punto que el lado soviético levantó un muro que dividió Berlín y que sigue (con algunos tramos) formando parte de la ciudad.

§26. Siguiendo con los puentes, hacia el suroeste el río Havel delimita de forma natural la separación entre Berlín y Potsdam. El puente que las conecta es el de Glienicke, conocido por haber sido el puente de los espías durante la Guerra Fría, un concurrido lugar de intercambio de prisioneros, pues era la frontera entre la Alemania occidental y la oriental.

§27. Muy cerca del Oberbaumbrücke hay una buena sección en pie del muro de Berlín y es conocido como la East Side Gallery. Es la galería de arte al aire libre más grande del muro (recorre 1,3 km) y en lo que una vez sirvió para separar la ciudad, ahora sirve para exponer grafitis de artistas de todo el mundo. En esta zona de encuentro artístico internacional una de las obras más conocidas es la del beso de Brezhnev y Honecker. Un lugar obligatorio que ver en Berlín.

§28. Aunque el puente de Glienicke es uno de los pasos fronterizos más famosos del mundo, el Checkpoint Charlie lo es en la propia Berlín. Tras la construcción del muro, el alcalde consiguió que sus ciudadanos pudieran visitar el este con numerosas restricciones y el paso era esta caseta fronteriza. Ahora es una atracción turística que aparenta estar todavía en pleno funcionamiento, con el cartel que avisa que estamos dejando el sector americano y con un par de soldados montando guardia.

§29. En la misma calle que el curioso puesto fronterizo está el Museo del Muro del Checkpoint Charlie, que contiene una interesante colección de objetos relacionados con el muro de Berlín. El museo cuenta la historia de la ciudad durante aquella época de Guerra Fría y, especialmente, de la capacidad de resiliencia de los berlineses y sus ingenios para cruzar de un lado a otro.

Berlín, la cultura judía y la memoria del Holocausto

Como capital de Alemania durante el Holocausto, Berlín es un gran lugar para conocer más de cerca uno de los momentos más terribles de la historia reciente de Europa. Tanto la ciudad como el gobierno alemán han mirado a su pasado con dolor y autocrítica y son varios los lugares que recuerdan a las víctimas y explican lo ocurrido.

§30. Scheunenviertel es un barrio que ha tenido un gran desarrollo en las últimas décadas. En la orilla norte del Spree, frente a la isla de los museos, esta zona se la conoce como «barrio judío», aunque no es ni fue un distrito exclusivo. Aquí se concentró gran parte del odio contra los judíos desatado durante «la noche de los cristales rotos» en 1938.

Hoy el barrio ha adquirido un aire bohemio y romántico único en Berlín. Los vecinos lo cuidan con todo su mimo y tiene varios lugares muy interesantes. La Nueva Sinagoga, parcialmente reconstruida, es una preciosa joya por fuera pero que deja que desear por dentro, con un escueto museo que cuenta su historia y la sinagoga en sí misma, no obstante, cerrada al público.

Junto a la sinagoga hay un conjunto de patios interiores con un ambiente excepcional para tomar algo y que son esa muestra inmejorable de la modernidad y el aire bohemio de la zona. Nuestro mayor consejo para disfrutar Scheunenviertel es que os perdáis caminando por sus preciosas calles y respiréis el ambiente único del barrio, que lo convierten en un lugar muy interesante que ver en Berlín.

§31. Entre la Puerta de Brandenburgo y el Potsdarmerplatz 2.711 bloques de hormigón forman el Monumento al Holocausto de Berlín. Un memorial a los judíos asesinados hecho para sobrecoger al visitante mientras se pasea entre los pasillos que forman los bloques.

El centro de información sobre el Holocausto, también allí, no sobrecoge menos. Ofrece un repaso a la historia de la persecución de los judíos por parte de los nazis y, una de las salas, está cubierta por los nombres de las víctimas, sus años de nacimiento y los de su muerte.

§32. Uno de los últimos museos en abrir en Berlín es el de la Topografía del Terror (muy cerca de la Potsdarmerplatz), que rastrea la etapa de gobierno de los nazis. Aunque no se limita sólo al tema del Holocausto, está directamente relacionado al ser una política del partido nazi. Es un museo muy impactante que deja huella en cada visitante.

§33. Otro de los lugares que ver en Berlín para los interesados en el Holocausto y en la cultura judía el Museo Judío de Berlín, no demasiado lejos (al sur) del Chekcpoint Charlie. Se trata de un imponente edificio que cuenta la historia de la cultura judío-alemana que también expone un impactante monumento al Holocausto.

§34. Hacia el norte de Berlín, en Oranienburg, se encuentra el campo de concentración Sachsenhausen, el más cercano a la capital alemana. Fue un campo de concentración donde llegaron a estar recluidos unas 200.000 personas, entre los que murieron miles debido a los trabajos forzados, enfermedades y las técnicas de exterminio de los nazis, ya que contaba incluso con hornos crematorios. La visita es demoledora pero absolutamente recomendable.

Capítulo 4 Dónde alojarte en Berlín

§35. En Berlín hay una amplia oferta hotelera, por lo general, con una gran comunicación con la excepcional red de transportes de la ciudad. Nuestra recomendación es que busquéis hoteles en zonas céntricas, suelen tener muy cerca estaciones con muy buenas combinaciones y os permitirán pasear para hacer algunas de las visitas. Combiene recordar al viajero con tiempo que, entre Alexanderplatz y el Tiergarten hay una enorme cantidad de puntos de interés, alojarse a lo largo de esa zona es la mejor forma de visitar Berlín para vivirla con tranquilidad.

El Pestana Hotel Tiergarten es una magnífica opción. Pegado al precioso parque y algunas de sus zonas más bonitas (incluida la Columna de la Victoria), la cercana estación de autobuses lo deja a unos 20 minutos de la mayor parte de puntos de interés.

Aunque algo caros, los Apartaments am Brandenburger Tor tienen una localización excepcional, al estar a una calle de la Puerta de Brandenburgo. Se trata de una zona perfectamente comunicada desde la que se puede pasear a muchos de los lugares más bonitos de Berlín. Aunque los apartamentos sean algo caros, el precio está totalmente justificado.

Algo más hacia el sur (cerca de Topografía del Terror) y muy bien comunicado, el Three Little Pigs Hostel Berlin es una opción excelente, bien recomendado y bastante más económico. El lugar es difícilmente mejorable, ya que ocupa un antiguo convento.

El Hotel Zoe, del grupo Amano, es una opción muy interesante. Muy cerca de Alexanderplatz, tiene muy a mano la isla de los museos y el comienzo de Unter den Linden, con una combinación de transportes inmejorable y muy bien recomendado, el hotel sigue manteniendo unos precios muy razonables.

Otra opción para alojarse con buenos precios y comunicación es el EnergieHotel Berlin City West, situado en el barrio de Charlottenburg. La zona es tranquila y moderna, con el Tiergarten cerca y el precioso Palacio de Charlottenburg no demasiado lejos.

Esta lista de Booking de hoteles céntricos ofrece una buena gama de opciones.

Capítulo 5 Qué ver cerca de Berlín

Potsdam

§36. «La ciudad de la corte prusiana» es la reina absoluta para las excursiones cerca de Berlín. Potsdam es una localidad pequeña y preciosa que creció mucho desde que Federico Guillermo I la convirtió en su retiro para cazar en 1660. Allí los Hohenzollern construyeron mucho, cuyo mayor exponente es el hermoso palacio de Sanssouci y sus jardines.

El curioso barrio de Alexandrowka, colonia rusa, le da un toque diferente a la ciudad, ya que incluso cuenta con una coqueta iglesia ortodoxa. El imponente Palacio Nuevo, el Museo Barberini, el Palacio de la Orangerie y el barrio holandés son otros lugares destacados que deberían estar incluidos en cualquier visita.

Leipzig

§37. Algo más lejos, a unos 160 km, la ciudad de la música es sin duda un destino muy atractivo para una escapada. El vínculo de Leipzig con la música es difícil de ignorar, y es que ni más ni menos que Johann Sebastian Bach trabajó 27 años en la ciudad, primero en el Coro de Santo Tomás y luego en la Gewandhaus, primera orquesta civil de Alemania. Wagner, natural de Leipzig, también estudió aquí y desarrolló sus primeros pasos como músico en su ciudad natal.

Visitar Leipzig es hacerlo para escuchar música, de alguna de sus orquestas o en los diferentes festivales que hay a lo largo del año. Las galerías comerciales del centro de la ciudad son un buen lugar para ir de compras y callejear por las cuidadas calles. Los interesados en la era napoleónica, además, tienen el colosal monumento a la batalla de las naciones de 1813 como visita obligada.

Dresde

§38. Prácticamente a la misma distancia que Leipzig, Dresde es una ciudad que ha resurgido de las cenizas de la Segunda Guerra Mundial. Unas semanas antes del fin del conflicto, un terrible bombardeo Aliado desató una tormenta ígnea que convirtió la población en un amasijo de esqueletos de hormigón. Hoy Dresde brilla de nuevo con el esplendor de antaño.

Ciudad de margraves, electores y reyes, Dresde está repleta de joyas en un casco antiguo donde no hay una calle sin edificios o detalles que merezcan la pena una parada para maravillarse. El Palacio Zwinger es un tesoro en sí mismo que además guarda varios museos como la Galería de los Maestros Antiguos, muy cerca, el aire toscano del Palacio Real de Dresde enamora con su estilo renacentista y las vistas desde su torre. Iglesias como la Frauenkirche y la Hofkirche completan un casco antiguo como pocos en Europa.

Estos son sólo algunos de los muchos atractivos de Dresde que recomendamos visitar con detenimiento en nuestra guía de la ciudad. Una estancia aquí se vería recompensada con visitas a un entorno magnífico, con el Palacio de Moritzburg y la ciudad de Meißen muy cerca de Dresde, así como las maravillas naturales de la Suiza Sajona.

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Visitar Florencia es pasear por un museo al aire libre en el que te encuentras a cada paso con el Renacimiento, época gloriosa de la ciudad, que emerge entre sus evocadoras calles medievales. En ellas está la historia de una ciudad que durante la Edad Media y el Renacimiento (sobre el que te recomendamos aquí una lista de libros) fue un referente de la vida intelectual y artística europea.

En el siglo XXI Florencia es un hervidero de actividades culturales. En este año 2021 sus teatros y salas de conciertos comienzan a despertar lentamente del golpe de la pandemia, a la que muy pronto esperamos poder ofrecerte acceso desde este post. Y en lo referente a fiestas populares, (a estas alturas pendientes de la evolución de la pandemia) como muy recomendable es «Il Calcio» que se celebra el 24 de junio y en la que se conmemora el nacimiento del futbol que, según la historia de la ciudad del lirio, nació a orillas del Arno y de allí se exportó al Támesis. Disputas aparte, la fiesta es de lo más interesante.

Cuna del Renacimiento y del Humanismo, desde su caserío monumental los ecos de estas corrientes se extendieron por toda Italia y por Europa entera. Y llegaron desde España hasta el Nuevo Mundo. Pero es además una ciudad dinámica que sin perder “milagrosamente» su esencia, mantiene un pulso de actualidad envuelto, eso sí, en una belleza sin igual.

Un primer consejo para disfrutar Florencia antes de abrumarte con la enorme oferta de esta ciudad: piérdete por sus calles y déjate llevar por tu instinto.

Una leve mirada a la historia de la etapa más brillante de Florencia

Los protagonistas de uno de los momentos de mayor auge cultural fueron algunos de los mejores y más influyentes escritores de todos los tiempos: Dante, Petrarca y Bocaccio. El único florentino es en realidad Dante. Petrarca aunque hijo de florentinos nació en Arezzo y Bocaccio en Certaldo. En todo caso todos eran toscanos, todos residieron en algún momento de sus vidas en Florencia y se conocieron, y lo más importante escribieron en su dialecto toscano: el florentino.

Dado el alcance de sus obras, comenzaron a extender el dialecto toscano entre toda la clase culta de Italia. De manera que cuando la unidad italiana fue un hecho, los lingüistas y los escritores de la nueva nación, tuvieron una poderosa herramienta identitaria y unificadora: una lengua, el florentino, que para entonces tenía ya más de quinientos años de antigüedad y un prestigio indiscutible.

En 1865 Florencia fue durante seis años capital de Italia, y el florentino era la lengua culta que habían utilizado todos los escritores influyentes de Dante a Galileo.

Pero volviendo a la época final de la Edad Media, mientras las letras se inundaban de gloria, Giotto diseñaba en 1334 el famoso campanille del Duomo. Cimabaue había cubierto de teselas de oro el interior de la cúpula del Baptisterio, y los pinceles de Masaccio dejaron en la Capilla Brancacci de Santa Maria del Carmine, la “otra” Capilla Sixtina del Renacimiento.

La llegada al gobierno de los Médici, una influyente familia de banqueros, a partir de 1434 hicieron de Florencia su feudo y el afortunado objetivo de su mecenazgo. El primero de ellos, Cosme “el Viejo” fundó en 1459 La Academia Platónica de Florencia, donde se terminó de gestar toda la base ideológica del Renacimiento. De ella formaron parte entre otros Marsilio Ficino; traductor y difusor de las obras completas de Platón, Pico della Mirandola; filósofo y teólogo, o León Battista Alberti; el influyente arquitecto renacentista.

Después sus descendientes siguieron potenciando esta hegemonía cultural y Florencia se benefició de ello, y nosotros también. Hacia mitad del siglo XV, en Florencia trabajaron casi simultáneamente Donatello, Brunelleschi, y Boticelli. Como lo haría también Michelangelo, bajo el patronato de los Médici.

Desde Florencia las grandes innovaciones artísticas, los descubrimientos en técnicas artísticas, y las modas pasaron a Roma y de Roma se difundieron por toda Europa.

Del mecenazgo mediceo son las extraordinarias colecciones de arte que podemos disfrutar hoy en sus museos, como lo es lo más señero de la arquitectura que convierte esta ciudad, como decíamos antes, en un museo al aire libre, una ciudad bellísima a la que seguro querréis volver.

Consejos para que visitar Florencia sea una experiencia inolvidable

Esta ciudad es arte, que en sí mismo es un disfrute, pero además en ella fluye como en toda la península italiana, una especie de pacto con el destino que se centra en disfrutar de la vida, a pesar de la vida misma. Para que visitar Florencia sea una experiencia inolvidable, os dejamos una serie de consejos que os ayuden a planificar vuestra visita sabiendo de antemano qué podéis ver, cuáles son los mejores alojamientos de Florencia, su gastronomía, y alguna pista para ver algo más de lo que ve todo el mundo.

1. Alojarse en Florencia

Florencia es como decimos una ciudad pequeña, pero es tal la densidad de lo que ofrece y hay tal invasión de turistas, que como os aconsejábamos en el post de Venecia, merece la pena pasear por sus calles en horas de silencio. Subir al Mirador de Michelangelo (Piazzale de Michelangelo) por la orilla del Arno cuando el silencio sólo lo rompe el trino de los pájaros, y cruzar el famoso Ponte Vecchio con las tiendas aún cerradas disfrutando del amanecer sobre el Arno, son sensaciones que no se olvidan.

Para ello lo mejor es buscar un hotel en Florencia, lo que os permitirá disfrutar de la ciudad cuando los grandes grupos de turistas se marchan y así podréis encontraros con el pulso cotidiano de sus calles.

Aquí os dejamos algunas recomendaciones para todos los bolsillos:

EL Albergue plus Florence. Muy cerca de la estación de Santa María Novella. Tiene habitaciones individuales y compartidas. Por experiencia de nuestros clientes muy bien recomendado y a unos precios buenísimos.

El Alfieri9. Muy cerca de la Galeria de la Academia, este pequeño hotel tiene una estupenda relación calidad-precio y unas críticas inmejorables por parte de nuestros clientes.

El Astrid Hotel está situado muy cerca de la estación de Santa María Novella, a diez minutos a pie de la zona del Duomo y con unas críticas excelentes.

Para bolsillos pudientes:

Grand Amore Hotel and Spa Este céntrico y lujoso hotel está situado a trescientos metros del Duomo. Los clientes vuelven encantados y recomiendan encarecidamente su restaurante.

1865 Residenza d’Epoca. Puro lujo en el corazón de Florencia. Si el bolsillo os lo permite, este hotel es una pasada.

Al Palazzo del Marchese di Camugliano Residenza d’Epoca A poco más de 400 metros del Duomo, este palacio del siglo XVI es un auténtico lujo que recomendamos especialmente para viajes románticos.

El Palazzo Vecchietti – Residenza D’Epoca, otro auténtico lujo florentino situado en el corazón de la ciudad, os hospedaréis en un palacio renacentista del que todos los clientes hablan de una buenísima relación calidad-precio.

Museos y palacios imprescindibles para que visitar Florencia sea una inmersión en el arte

Si el interés del visitante es el arte y pretende ver todos los museos de Florencia, sus palacios y sus iglesias, que también son museos, necesitará tiempo, una planificación para no perderse al menos lo más significativo, y una indumentaria cómoda. Disfrutará muchísimo y aunque no lo podemos asegurar, si se organiza, no sufrirá el síndrome de Sthendal. A continuación dejamos algunos de los considerados imprescindibles.

2. La Galería de los Uffizzi

Es la pinacoteca más visitada de Italia. Su colección de arte es una de las más antiguas y famosas del mundo. La construcción del edificio la comenzó en 1560 Giorgio Vasari, por deseo de Cosme I de Médicis. Levantado con la idea de albergar las oficinas de las magistraturas florentinas, cuando el Palazzo Vecchio se les quedó pequeño, de donde deriva su nombre «Galería de los Oficios». Terminado en 1581 fue durante años el almacén de las piezas de arte de la magnífica colección de la familia Médici.

Son tantos los autores y tan importantes las obras que encontraréis en este museo que os servirá para entender la evolución de la pintura desde Giotto a Jacopo Bellini y Gentile da Fabriano pasando por Masacio, Paolo Uccello, o Fra Angelico, y Piero della Francesca, o Botticelli, estrella de la sala más famosa del museo, de quien analizamos su famosa Primavera en un post anterior, y donde se encuentran obras de los pintores flamencos Hugo van Der Goes y Rogier van Der Weyden.

Además Perugino, Correggio y Mantegna, Miguel Ángel, Rafael, Leonardo, Tiziano, Tintoretto, Alberto Durero, Rembrandt, Velázquez, El Greco, Goya, Jusepe de Ribera, Jan Brueghel el Viejo, Van Dyck, o Charles Le Brun, Bartolomeo Manfredi, Guido Reni, Caravaggio, y muchísimo más.

3. La Galería de la Academia

Otro museo imprescindible de Florencia, que guarda el original del famosísimo David de Miguel Ángel.

De Miguel Ángel se encuentran en la Academia el San Mateo y los “Esclavos” conocidos como “Los Prisioneros”, que fueron diseñados por Miguel Ángel para la tumba del Papa Julio II, erigida en la Basílica de San Pedro en Roma, donde al final no se utilizaron. Tras la muerte de Miguel Ángel, acabaron en la tumba del Duque de Toscana Cosme I, en la cueva de Buontalenti en los Jardines de Boboli, junto al Palazzo Pitti, donde permanecieron hasta 1909 cuando fueron trasladados a la Academia. El nombre de prisioneros evoca esa lucha de siglos que parecen estar librando con la piedra de la que no terminan de escapar.

Sólo estas obras merecen ya una visita pero hay muchas glorias más repartidas en sus once espléndidas salas.

Como en los Uffizzi os aconsejamos que os dejéis guiar por los expertos que además conocen todos los secretos y las historias de estas obras y de los artistas que las realizaron.

4. Museo del Bargello

Este histórico edificio alberga la que pasa por ser la colección de escultura renacentista más importante de Italia, que hasta 1865 en que fue trasladada aquí, se encontraba en los Uffizzi pues también es parte de la colección de los Médici.

Además de los diseños del Sacrificio de Isaac que Lorenzo Ghiberti y Filippo Brunelleschi, presentaron al concurso convocado para la construcción de la segunda puerta del Baptisterio en 1401, aquí hay obras como Baco con un sátiro, de Miguel Ángel, y su delicado Tondo Pitti, o el maravilloso David y el Tabernáculo de San Jorge de Donatello o el Baco de Jacopo Sansovino.

Este museo es menos visitado que los dos anteriores, lo que hace que su visita sea más relajada.

5. Museo dell’Opera del Duomo

En uno de los laterales del Duomo está este pequeño y maravilloso museo que tiene un atractivo extraordinario: apenas es conocido y por tanto está libre de aglomeraciones. En él os encontraréis con la María Magdalena de Donatello, y con la Pietá Bamdini que Miguel Ángel realizó para su tumba, os aseguramos que la experiencia merece la pena. La impresión que causa esta dramática obra y la cercanía con la que podréis verla es algo único. También están allí la espléndida Tribuna de los Cantores de Luca Della Robbia, y los cuatro paneles originales de la Puerta del baptisterio «Puerta del Paraíso» de Ghiberti.

6. Museo di San Marco.

Este museo cercano a la Galería de la Academia se encuentra en la parte monumental de un antiguo convento dominico, en el que vivió Fra Angelico. En él se exponen obras de Fra Angelico, Jacopo Vignali, Domenico Ghirlandaio, Fra Bartolomeo, Plautilla Nelli, Fra’ Paolino y otros. Aquí se encuentra el fresco de la Anunciación de Fra Angelico sobre la escalera que lleva a las celdas.

7. Arqueológico Nacional.

Espléndido museo con una interesantísima colección de arte egipcio y una colección de arte etrusco extraordinaria. Y no lo es menos la de arte griego, que tiene entre otras joyas la famosa crátera de figuras negras datada hacia 570 a. C. conocida como el Vaso François que está decorado con una serie de narraciones mitológicas griegas rodeando su volumen.

Hasta ahora nos hemos acercado a los museos florentinos cuya llamada es más fuerte que la de los edificios que los albergan. Ahora nos encontraremos con tres de sus más insignes palacios que guardan tras sus muros auténticos museos.

8. Palazzo Médici Riccardi

Frente a la iglesia de San Lorenzo se encuentra el palacio Médici en la Vía Cavour. Era la morada de Cosme de Médici “El Viejo”, fundador de la dinastía. Realizado por Michelozzo di Bartolomeo en el año 1444. Es una visita imprescindible que más allá de su espléndida fachada guarda en su interior un despliegue de clasicismo y lujo artístico. Es famosa la sala de los Magos, conocida como la Capilla de los Magos. Sus muros están cubiertos por un ciclo de frescos que realizó Benozzo Gozzoli, demostrando su maestría tanto en retrato, como en paisaje y en el mundo ecuestre.

Es junto al Vecchio y al Pitti uno de los más importantes palacios de Florencia. Visitable de martes a jueves de 9 de la mañana a 7 de la tarde, y no suele haber colas.

9. Palazzo Vecchio

El Palazzo Vecchio (en español Palacio Viejo) está en una esquina de la Piazza della Signoria y además del Ayuntamiento de Florencia guarda en su interior otro museo, el Museo dei Ragazzi en el que se exponen obras de Bronzino, Miguel Ángel y Giorgio Vasari, entre otros.

Llamado en origen Palazzo dei Priori o Palazzo Novo, se cambió el nombre por el de «Palazzo della Signoria», el organismo principal de la República florentina, en el siglo XV. Cuando Cosme I de Médici en 1540 lo utilizó como residencia, y pasó a ser el «Palacio Ducal”. Y en 1565, cambió el nombre por Palazzo Vecchio al haberse mudado Cosme I al Palazzo Pitti.

Comenzado en 1299 tiene en su fachada principal uno de los emblemas de la ciudad, la Torre de Arnolfo. y en su interior sobresale el Salón de los Quinientos, cuya decoración mural se encomendó a Leonardo da Vinci (La batalla de Anghiari) y a Miguel Ángel (La batalla de Cascina). Pero no se terminaron y sus muros fueron decorados con los frescos diseñados por Giorgio Vasari. También a Vasari se le debe la Sala de los mapas Geográficos de Cosme de Médici por encargo de Cosme I.

10. Palazzo Pitti

Unido por el Corredor de Vasari al Viejo palacio de la Piazza della Signoria, y ya en el otro lado del Arno, sus comienzos en 1458 se deben al banquero florentino Luca Pitti. Fueron sus descendientes quienes lo vendieron a Leonor Álvarez de Toledo y Osorio, esposa de Cosme I de Médici, que añoraba la lujosa corte de su padre, Pedro Álvarez de Toledo y Zúñiga, el Virrey de Nápoles.

Cosme I le encargó a Giorgio Vasari la ampliación del palacio para ofrecerle a su esposa todo el lujo que ella añoraba. El tamaño del edificio aumentó considerablemente y se construyó el pasadizo elevado desde la antigua residencia real, el Palazzo Vecchio, atravesando los Uffizi y el Ponte Vecchio, al Palazzo Pitti. (El Corredor de Vasari)

Construyeron los Jardines de Bóboli, en cuyo diseño original había un anfiteatro, en el que se representaban obras de teatro para la cultivada corte florentina.

Hoy es un impresionante conjunto museístico cuya visita puede llevar más de una mañana, de la que podéis descansar en los jardines del Bóboli y montaros un picnic. Para haceros una idea de lo que aguarda en su interior, os contaremos sólo que en la Galería Palatina donde permanece la colección privada de los Médici, hay obras de Rafael, Botticelli, Tiziano, Correggio, Caravaggio, Rubens, Artemisia Gentileschi y Pietro da Cortona, entre otros.

Además de la extraordinaria colección de la Galería de Arte Moderno: cuarenta cuartos que guardan la colección privada de María Estuardo, están Las Estancias privadas de los Médici, el Museo de la Plata conocido como «El Tesoro Médici”, un Museo de la Porcelana en el «Casino del Cavaliere» de los Jardines de Bóboli, la Galería de TrajesMuseo de Carruajes

11. Ospedale degli Innocenti

Aunque no es un palacio, este antiguo orfanato construido y dirigido por el rico y poderoso «Arte della Seta» o Gremio de la Seda de Florencia, es un brillante ejemplo de la arquitectura del primer Renacimiento, en cuyo diseño y construcción está implicado el nombre Filippo Brunelleschi. Siguiendo la ruta de Brunelleschi captaréis toda la magnitud de lo que significó este arquitecto para Florencia. Su interior, cómo no, guarda una interesante pinacoteca.

12. Museo del Palazzo Davanzati

En él encontraréis cómo era una casa de la época de los Médici.

13. Loggia dei Lanzi o della Signoria.

Como decíamos al principio esta ciudad es un museo al aire libre. Esta Loggia situada en la espléndida Piazza della Signoria nació en el siglo XIV como pórtico de las asambleas públicas populares y las ceremonias oficiales de la República florentina. Entre su exposición de escultura destaca la obra de Benvenuto Cellini, Perseo con la cabeza de Medusa.

Un descanso para disfrutar de otros placeres mundanos de Florencia en sus más históricas cafeterías

Entre tanto disfrute artístico se hace necesario reponer fuerzas y saborear otros placeres como el de los imprescindibles “gelattos” italianos que en cualquier establecimiento que entréis estarán de lujo. Además en cualquier plaza de esta ciudad hay motivos para detenerse y saborear un delicioso café italiano.

14. Si estáis pensando en subir al Campanille os sugerimos un capuchino en el famoso Caffe Scudieri, en la Piazza San Giovanni, y como tenéis que subir unos “cuantos” escalones deberíais acompañarlo de cualquiera de sus sabrosos pasteles. Imposible aconsejar, apetecen todos.

15. Detrás del Duomo está la Biblioteca delle Oblate. Si estáis cansados de tanto jaleo de turistas, este es vuestro sitio. En la segunda planta hay una cafetería de ambiente estudiantil con estupendas vistas a la cúpula de Brunelleschi. Los miércoles y jueves desde las 18:30 la cafetería organiza aperitivos. Una aconsejable costumbre italiana.

16. Si os encontrais por la Piazza de la Signoria os aconsejamos el famoso Caffe Rivoire, tan imprescindible como los Uffizzi. Aquí además del omnipresente café, el chocolate es el indiscutible protagonista y es parte de la historia de la ciudad desde el siglo XIX. Las tentaciones son tantas en este local que os aconsejamos que os dejéis llevar. Su terraza frente al Palazzo Vecchio es un espectáculo inolvidable al caer el sol.

Y si estáis en la Piazza della Reppublica, hoy Piazza Vittorio Emanuele II, tenéis varias opciones, casi obligaciones, relacionadas con el mundillo cultural de Florencia:

17. Está eL café Paszkowski (declarado Monumento Nacional) nació en 1846 como el Caffè Centrale.

18. El Caffé Le Giubbe Rosse, desde 1827 que le debe el nombre a los uniformes que llevaban sus camareros. En él desde principio del siglo XX, se reunían numerosos intelectuales de la época.

19. El Caffè Gilli, puro estilo Belle Époque, que desde principios del siglo XX fue un elegante café literario, frecuentado por artistas e intelectuales.

20. Una última recomendación en la zona: El Caffe Giacosa se encuentra en el claustro del Palacio Strozzi. A escasos metros después de atravesar el arco de triunfo de la Piazza de la República os llamará la atención el fastuoso Palazzo Strozzi. En su interior aguarda otra cafetería de tradición literaria. En su patio encontraréis un bello y elegante refugio para descansar del ajetreo turístico.

Iglesias de Florencia

En cuanto a las iglesias os aconsejamos que si andáis paseando sin rumbo fijo, entréis a cualquiera que os salga al paso porque ninguna os defraudará. Por ejemplo caminando hacia la Piazza della Signoria,en la Via dell’Arte della Lana, encontraréis la iglesia de Orsanmichele en cuyo exterior ya tenéis una exhibición de escultura impresionante. Y si os interesa el mundo judío, la Sinagoga di Firenze que guarda un Museo ebraico y está muy cerca de la plaza de la Santa Croce, os encantará. Pero como estamos aconsejando lo imprescindible os dejamos con las más impresionantes.

21. Il Duomo. Santa Maria del Fiore. Cuando llegas por primera vez a la plaza del Duomo, si accedes callejeando desde la estación ferroviaria de Santa María Novella, la sensación es inexplicable.

Sólo el exterior de este conjunto monumental (Duomo, Baptisterio y Campanile) es un derroche de belleza tal, que apabulla. Una vez dentro el derroche continúa, aunque la mayor atracción es la Cúpula de Brunelleschi. Para ver los frescos de Vasari y Zucaro es imprescindible subir los más de 400 escalones que llevan “al cielo”, además las vistas desde la linterna son espectaculares.

Aunque a nuestro juicio las vistas desde el Campanile de Giotto son mejores porque además de Florencia, se disfruta de una vista de la magnífica cúpula que es impagable. Entre las dos subidas hay unos 900 escalones, (tomadlo con calma, hay 24 horas para visitar todo el conjunto con el mismo billete). La entrada para subir a la cúpula es obligatoriamente con reserva y con ella tenéis acceso a la Cattedrale, la Cúpula, el Baptisterio, el Campanile, la Cripta, y el Museo dell’Opera del Duomo. Toda la información la tenéis en la misma web de las entradas.

22. San Miniato al Monte.

Esta joyita románica está a unos cinco minutos andando desde el mirador del Piazzale Michelangelo. Os recomendamos subir a primera hora paseando desde la orilla del Arno en el barrio de Oltrarno (Al otro lado del Arno). Las vistas de Florencia con la cúpula del Duomo “flotando” sobre la ciudad son inolvidables. Las puestas de sol son también espectaculares. Su pequeño y artístico cementerio mira eternamente a la bellísima Florencia.

23. Basílica de la Santa Cruz.

Si tuvieseis que elegir una iglesia entre todas las de Florencia, os aconsejamos ésta. Es la iglesia franciscana más grande del mundo. El interior impresiona por la sobriedad y claridad de su lenguaje arquitectónico, típico de los franciscanos, y su contenido en escultura y pintura es extraordinario. Es el panteón de Florencia, en ella hay más de 300 tumbas, entre las que destacan las de Galileo Galiei, Maquiavelo, Lorenzo Ghiberti o Miguel Ángel. Para que os hagáis una idea de la belleza que guarda, basta contaros que durante la visita de Stendhal en 1817, incapaz de soportar tanta hermosura, sufrió los síntomas del que se ha dado en llamar desde entonces “el Síndrome de Stendhal»

Su imponente arquitectura gótica, el despliegue de maravillosos frescos, los retablos, sus preciosos vitrales que datan de 1380, y las numerosas y extraordinarias esculturas, hacen de esta iglesia, una de las páginas más importantes de la historia del arte florentino desde el siglo XIII. Os aconsejamos encarecidamente que si vais por vuestra cuenta, hagáis el recorrido con la audiguía. Una de las mejores que hemos escuchado.

Para recuperaros de la profusión de obras maestras, en uno de los claustros os encontraréis con la serena Capilla Pazzi. Recinto funerario de esta familia, obra de Filippo Brunelleschi, de la que os hablamos en nuestra Ruta de Brunelleschi, a la que os hemos remitido ya en este post.

24. La Basílica de San Lorenzo.

Con un exterior poco llamativo por­que su fa­cha­da, que iba a di­se­ñar Mi­guel Ángel, quedó sin ter­mi­nar, tiene sin em­bar­go, un in­te­rior im­pre­sio­nan­te y re­vo­lu­cio­na­rio. De ella os hablamos en el citado post sobre Brunelleschi. Gestionada como un complejo monumental, la visita completa incluye además de la Basílica, el Museo delle Cappelle Medicee y la La Biblioteca Medicea Laurenziana. Toda la información y las entradas en esta web.

25. Santa María Novella.

En la plaza del mismo nombre y muy cerca de la estación de tren, que también lleva su nombre, esta basílica dominica construida en el siglo XIII guarda entre las firmas que intervinieron en su construcción la de León Baptista Alberti en la fachada. En el interior uno de los primeros intentos para dominar la perspectiva: «el fresco de La Trinidad» de Masaccio, además de unas bellísimas vidrieras en el altar mayor y en el rosetón de la entrada, de autores desconocidos, o la tumba del pintor Domenico Ghirlandaio en su intimísimo cementerio. Es un joya del Gótico italiano y también del Renacimiento.

También encontraréis allí la farmacia más antigua de Europa que lleva en activo casi 4 siglos. «La Farmacia de Santa María Novella”, con acceso también desde el nº 16 de Via della Scala.

Uno de los productos más antiguos fabricados en esta farmacia es la fragancia Acqua della Regina que al parecer fue preparada por los monjes para la reina de Francia Catalina de Médici, y se sigue fabricando con los mismos ingredientes. El inolvidable aroma que invade el precioso local es culpa de productos como el agua de lavanda, los jabones de oliva y los variados perfumes y aceites fabricados con sustancias naturales, (no os importe no comprar, están acostumbrados a ser una especie de visita turística más que un local de ventas, pero no os la perdáis)

Y en el Barrio de Oltrarno (al otro lado del Arno), otra imprescindible visita:

26. La Iglesia del Carmine.

Esta iglesia forma parte de un convento carmelita que sigue activo hoy día. Está en la plaza del mismo nombre y se mantiene erguida desde 1268. Esta iglesia guarda en su interior, sobreviviente de un tremendo incendio, la Capilla Brancci. Conocida por algunos como la «Capilla Sixtina del primer Renacimiento» por su magnífico ciclo de frescos, que se encuentran entre las más famosas e influyentes de la época y que fueron realizados por Masaccio, Masolino y Filippino Lippi.

Algunos consejos para que visitar Florencia sea una experiencia gastronómica

La cocina florentina está basada en la sencillez y la calidad de sus ingredientes. Entre sus platos más típicos destaca el «bistecca alla fiorentina”, la ribollita: una sopa de verduras, pan y judías, la pappa al pomodoro: sopa de pan y tomate, y la Tagliata con rucola: un tipo de ensalada con rúcula, romero, escamas de que parmesano, aceite y pimienta.

En los bares de vinos, allí enotecas, encontraréis buenísimos quesos y embutidos toscanos.

En cuanto a postres: los cantuccini: galletas de almendra, se sirven con un vino santo (vino dulce toscano) y se mojan en el vino, o si preferís con café, o cualquier dulce de las cafeterías recomendadas son un espléndido broche a una comida en Florencia.

27. La mejor comida rápida: los trippai. Los trippaio son puestos ambulantes en los que sirven “caninos con callos”. Dos rebanadas de pan que guardan dentro callos sazonados de diversas formas.

Los encontraréis con facilidad en cualquier esquina y saciaréis el hambre por algo más de tres euros.

28. Algunos locales muy recomendables.

Amici di Ponte Vecchio Da Stefano – Pizzas al taglio (al corte) y bocadillos variados. Excelente, tiene concedidas las tres BBB. Están en Oltrarno en Via de’Bardi, cerquita del Ponte Vecchio.

Y ya que estamos en Oltrano os sugerimos Il Ristoro, un local sencillo, imprescindible, económico, con dos salas y un mostrador en el que podéis comprar charcutería.

Il Pizzaiuolo (Via dei Macci 113) – Está siempre lleno de jóvenes florentinos (buena señal), encantados con su pizza napolitana de masa gruesa en horno de leña. Hay que reservar.

Gustapanino (Piazza Santo Spirito) la larga cola de florentinos y foráneos, que aguardan frente al pequeño local, calificado por muchos florentinos como la mejor enopaninoteca: (una moderna parada para tomar vino y un sándwich) de su ciudad. No hay asientos, por lo que las escaleras de la iglesia del Santo Espírito están siempre repletas de consumidores del Gustapanino.

En L’Osteria di Giovanni (Via del oro 22, en Santa María Novella) ofrecen una cocina absolutamente toscana y muy creativa.

La Trattoria Mariode la Via Rosina, junto al Mercado Central. Abarrotada de florentinos, a pesar de aparecer en todas las guías. Los lunes y los jueves se sirven callos, los viernes, pescado y los sábados, bistecca alla fiorentina. No se puede reservar y no aceptan tarjeta de crédito.

Si no conseguís comer en la Trattoria de Mario, a la vuelta está el maravilloso Mercado Central. Aquí además compraros sabrosos recuerdos a los mejores precios de Florencia, podréis comer en cualquiera de los múltiples puestos que preparan comida en el momento y catar vinos en la enoteca Gallo Nero.

O disfrutar de Tosca el restaurante del Mercado Central de Florencia, donde podréis comer cómodamente sentados disfrutando de una vista panorámica del interior del bullicioso mercado y eligiendo en el menú entre una gran selección de platos preparados al momento. ¡Ah y tienéis Wi-fi libre! La contraseña en el punto de información del mercado.

Qué comprar en Florencia que os evoque la ciudad en la lejanía

29. Después del auténtico disfrute del Mercado central (abierto de 10 de la mañana hasta la media noche) y ya que estamos en el barrio de San Lorenzo, os recomendamos que paseéis por sus animadísimas calles llenas de tiendas donde podéis encontrar a buenos precios uno de los artículos mas preciados de la ciudad: la marroquinería. Ojo hay muchas imitaciones que tendréis que valorar. Hay también muchos puestos de baratijas, camisetas máscaras venecianas y un sinfín de artículos.

30. La Scuola del Cuoio (Piazza di Santa Croce, 16), es un taller del cuero que se creó para proporcionar a los huérfanos un modo de ganarse la vida, pero hoy es toda una institución. Es un lugar de referencia en cuanto a la piel y el cuero, más caro pero razonablemente asequible.

31. Florencia es también famosa por sus manufacturas de papel. Entre las tiendas especializadas más populares están Signum (Lungarno Archibusieri, 14/r), Il Papiro (Via Cavour 49/r) y Giulio Giannini e Figlio (Piazza Pitti, 37) que cuenta con una larga tradición a sus espaldas y es todo un clásico de Florencia. Todas en las cercanías del Duomo.

32. Y la seda florentina. Si quieres conocer más sobre los artículos de seda en Florencia, un buen lugar que visitar es el Antico Setificio Fiorentino.

33. Y si el dinero no es vuestro problema sumergiros en la céntrica Via Tornabuoni. Una calle repleta de palacios que se ha convertido en un muestrario del lujo y la alta moda. En ella os encontraréis por ejemplo con Gucci y Ferragamo. Y en las cercanías del Ponte Vecchio repleto de joyerías, está la Via Por Santa María, Via Calimala y sus calles perpendiculares y paralelas encontraréis también tiendas exclusivas donde haceros un regalo inolvidable.

34. Un consejo imprescindible si os gusta la artesanía, perderos por el barrio de Oltrarno y callejeando sin rumbo os vais a encontrar con tiendas de artesanos de toda la vida. Tiendas de cerámica, velas, papelerías y productos gastronómicos locales, y bares y tratorías a las que no llegan muchos turistas. Si vais a visitar Florencia entre finales de abril y principios de mayo, estáis de enhorabuena, porque en esos días se celebra la la Feria Internacional de la Artesanía. Florencia se convierte en esos días en «La aldea global del arte, el misterio y la cultura». Muebles, objetos de decoración, cerámica, gastronomía, moda, productos de belleza. Un sin fin de posibilidades para disfrutar.

Teatros de Florencia

Acudir a un espectáculo de ópera o de teatro en Florencia es otra excelente opción.

35. La Musica es una parte importante en la historia de Florencia. Las primeras operas nacieron aquí al final del siglo XVI siguiendo las teorias y la experiencia de la Camerata de’ Bardi. Las posibilidades de asistir a algún concierto de ópera en este u otro espacio son múltiples a lo largo de todo el año.

36. En cuanto a los teatros, el de la Pérgola, Teatro alla Pergola, es el más antiguo de Europa y tiene durante todo el año una oferta de obras de teatro de alta calidad. Si os gusta el teatro os aconsejamos que os acerquéis, se puede visitar cuando no hay espectáculos.

Excursiones desde Florencia

Florencia es la capital de la Toscana y es un inmejorable lugar desde el que acercarse a lugares tan emblemáticos como Siena, Pisa, la zona del Chianti, Montalcino o cualquiera de los maravillosos Arezzo o Lucca, y la también cercana y bellísima Umbria, donde os espera la espectacular Perugia, la dulce Asissi que guarda auténticos tesoros en los muros de la Basílica de San Francisco, o la sorprendente joyita de Gubbio, donde llevan creando maravillas con el barro desde el año 1300.

Desde Florencia podéis acercaros a todos estos lugares por vuestra cuenta, bien alquilando un coche o utilizando la buenísima red de Trenitalia. Pero si preferís la comodidad de los servicios organizados os proponemos algunas excursiones muy recomendadas.

37. Cinque Terre, cinco pueblitos rodeados por colinas y viñedos que parecen suspendidos entre la tierra y el mar.

38. O la clásica y recomendable a Pisa, San Giminiano y Siena

39. O esta otra a Pisa, San Giminiano y Chianti con la particularidad de una degustación en una bodega de Chianti.

De momento y después de unos días en esta bellísima ciudad nos despedimos con un sentido ¡CIAO BELLA!

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La Piazza Navona es uno de los espacios públicos más maravillosos de Roma. Tiene tres fuentes espléndidas, una iglesia monumental, el toque genial de Bernini y Borrimini y un ambiente lleno de vida, especialmente al atardecer.

Por si fuera poco, está en el corazón de la Roma barroca. Tiene cerca el Tíber, Castel Sant’Angelo y el Vaticano, y casi al lado San Luis de los Franceses y el Panteón.

Si quieres darte un capricho o celebrar una ocasión especial, reserva una habitación con vistas en el hotel Rhea Silvia Navona. Tienen habitaciones con balcones que dan al centro de la plaza, al obelisco y a la fachada de Santa Inés. El precio es alto pero no prohibitivo. Y como es natural, vuelan. Es recomendable reservarlas con mucha antelación.

La Piazza Navona es un lugar para pasar y para quedarse, para ver una y otra vez, para enamorarse de Roma. No hace falta hacer colas, planificar horarios ni reservar entradas para disfrutarla. Y es un lugar que lleva ahí siglos, que tiene un historia antiquísima. Su extraña forma tiene que ver, de hecho, con su antigüedad.

Al fin y al cabo, ¿dónde se ha visto una plaza así, tan larga, tan estrecha, con tantas fuentes y con uno de sus extremos de forma ovalada?

Capítulo 1 El estadio de Domiciano

Durante los primeros siglos de Roma, toda esta zona estaba fuera de la ciudad, más allá de las murallas servianas. Desde muy antiguo lo habían utilizado los militares para sus entrenamientos, y en algún momento desconocido, alguien debió sufragar un pequeño templete dedicado al dios de la guerra, Marte. De ahí salió su nombre: el Campo de Marte.

Con el tiempo las cosas han cambiado mucho. Hoy es uno de los veintidós barrios de Roma. Ya no tiene nada de campo ni se utiliza para la guerra. De hecho, es el verdadero centro de Roma y está plagado de calles antiguas y monumentos. Lo que no ha perdido es el nombre y está bien que así sea. Es un nombre bonito, el Campo de Marte.

Fue en tiempos de Augusto cuando se urbanizó. La Siete Colinas se habían quedado pequeñas y los romanos más ricos buscaron áreas más espaciosas donde construir sus domus y sus villae. El Campo de Marte estaba cerca del centro y el Tíber dibuja allí un bonito meandro que lo protege y lo refresca. Además, había espacio de sobra.

La idea fue de Julio César –siempre adelantado a su tiempo– pero, como tantas otras, el que la puso en marcha fue su ahijado. Augusto construyó allí su mausoleo, su hermoso altar de la paz, su gigantesco reloj de sol. Se instaló en el Monte Palatino por motivos simbólicos, pero la Roma de Augusto es básicamente esta: el Campo Marzio, un campo de la guerra grandioso, marmóreo y sin soldados.

Allí nació la Piazza Navona, unos ochenta años después.

Domiciano fue uno de esos gobernantes que no quisieron o no supieron rodearse de una corte de aduladores escritores y artistas. Como consecuencia, todos los historiadores antiguos hablaron mal de él.

Los modernos dicen en cambio que no fue para tanto. Que, de hecho, fue un gobernante eficaz, un buen líder y un gran gestor. Lo que está claro es que fue el creador de la Piazza Navona.

La extraña forma de la plaza se debe a que nació como una instalación deportiva.

¿Un circo para las carreras de cuadrigas?

No exactamente, aunque muchas guías lo digan así. Nunca fue un circo, sino un estadio. Algo muy parecido, en realidad, a nuestros modernos estadios de atletismo. No se utilizaba para carreras de carros sino para competencias atléticas, para carreras a pie.

En aquella época Roma ya tenía un circo, uno espléndido y colosal llamado, no por casualidad, Circo Máximo. No hacía falta otro, ni había espacio para él en el ya abigarrado Campo de Marte.

Lo que ocurrió fue que los romanos se aficionaron a la costumbre griega del atletismo.

Cualquiera que haya paseado por el Circo Máximo sabrá que aquello no servía para las carreras a pie. Sería como poner a un atleta moderno por un circuito de fórmula uno. Había que construir algo más coqueto, más pequeño, y eso fue lo que hizo Domiciano. En sus gradas cabían veinte mil personas y justo al lado se edificó un Odeón, un pequeño teatro para conciertos de música y de poesía.

Ese fue el origen de la Piazza Navona. El Estadio de Domiciano le dio su forma alargada y estrecha. Y parece que también le dio su nombre moderno. Eso dice Robert Hugues, un experto crítico de arte y literatura que ha escrito uno de los más exquisitos libros dedicados a la ciudad de Roma (sin duda la mejor lectura que se puede hacer antes de visitarla):

Al ser un lugar donde se realizaban intensos esfuerzos físicos, se había llegado a conocer como circus agonalis o platea in agone, lo cual fue transformado por el dialecto romano en «Plaza Navona».

Voilà. Hoy, sentados en sus elegantes –y carísimas– terrazas para turistas, viendo al ajetreo de los pintores y los vendedores ambulantes, cuesta imaginar la elegante piazza con su suelo de arena y sus gradas llenas de enfervorecidos seguidores y apostantes. Pero existió. En este mismísimo lugar. Hace casi dos mil años.

Después de Domiciano se sabe que el estadio se utilizó a veces para espectáculos de gladiadores, y ahí podemos incluir cualquier barbaridad imaginable.

Es un suelo, el de la Piazza Navona, bañado de sangre, y no solo de gladiadores.

Cuando la persecución de los cristianos alcanzó su fase más grave a muchos los ejecutaron allí, en la arena o entre las viejas gradas. Hombres y mujeres como santa Inés, en cuyo honor se levantaría, siglos después, la iglesia que hoy domina la piazza.

Cuando el Imperio cayó quedaron pocos viviendo en Roma. Los que lo hicieron solían ocupar los viejos monumentos abandonados. Las gradas del estadio de Domiciano se convirtieron en vivendas. Parte de la arena quizá albergó también algunas casas improvisadas, y otra parte debió convertirse en lo que es hoy: un lugar de encuentro, una plaza. La Piazza Navona es seguramente una las plazas más antiguas del mundo.

Capítulo 2 El martirio de Santa Inés

La iglesia romana siempre ha tenido especial cariño a las primeras mártires vírgenes cristianas, cuanto más hermosas mejor. Una de las primeras, a la que más se ha honrado de todas, y la única a la que se le dedicó una iglesia de peregrinación, fue santa Inés, del siglo IV, cuya fe se mantuvo tan incólume a lo largo de sufrimientos (infligidos, según una versión, durante la persecución de Diocleciano, mientras que otros afirman que fue la de Decio) que habrían hundido a cualquier virgen normal.

Santa Inés debía tener doce o trece años. Había cometido el crimen de declararse públicamente cristiana cuando un edicto imperial lo prohibía expresamente. Cuentan las fuentes que una cohorte de paganos enfurecidos la agarraron y la desnudaron, pero que sus cabellos crecieron súbitamente para ocultar su cuerpo. Un joven lujurioso propuso entonces humillarla destinándola a un burdel, pero mientras se deleitaba mirando su cuerpo Dios lo dejó ciego. Al final la mataron a espadazos.

Tiempo después, en el lugar del martirio construyeron un santuario al que llamaron Sant’Agnese in Agone, Santa Inés en Agonía. En la Edad Media Roma carecía de riqueza, pero los fieles lo fueron ampliando, poco a poco.

Cuando llegó el Renacimiento, con su esplendor y su dinero, y más tarde el Barroco, con sus grandes familias y sus grandes mecenas y sus grandes arquitectos, alguien se ocupó por fin de convertir la modesta iglesia de Santa Inés en un templo monumental, a la altura su historia.

El dinero vino de una familia de nuevos ricos, los Pamphilj o Pamphili. La maestría, de tres arquitectos: uno menos conocido, Rainaldi, y los dos monstruos de la época: Bernini y Borromini.

Borromini rediseñó la fachada de Santa Inés como una curva cóncava y ovalada entre los campanarios que esta tenía a cada lado. La fachada de la iglesia que se ve desde la plaza, por consiguiente, es un palimpsesto de la obra de tres arquitectos: Borromini hasta la comisa, después un frontón clásico realizado por Bernini, y finalmente la cúpula y las partes superiores de los campanarios, que son obra de Rainaldi. Es un caballo diseñado por un comité.

En el interior se conserva la reliquia del cráneo de Santa Inés, y también el sepulcro monumental del papa Inocencio X. Giovanni Battista Pamphili fue quien sufragó la renovación de la iglesia y el palacio adyacente y las grandes fuentes de Bernini. Su dinero pagó la Piazza Navona tal y como la conocemos hoy en día.

Capítulo 3 El orgullo de los Pamphili

Los Pamphili habían llegado a Italia –eso dicen ellos– en la época de Carlomagno. Se asentaron en la preciosa ciudad de Gubbio y allí debieron prosperar como pequeños signori hasta que, a mediados del siglo XV, se trasladaron a Roma.

Era donde debía estar cualquier familia ambiciosa, y los Pamphili lo eran. Iniciaron entonces una política de alianzas matrimoniales que los llevará a convertirse, casi dos siglos después, en el clan aristocrático más rico e influyente de la ciudad.

En la época de Bernini y Borromini, de las fuentes y las plazas, eran ya los dueños del dinero y del poder. Uno de ellos, Giovanni Battista, se convirtió entonces en el papa Inocencio X.

La Piazza Navona era uno de los pocos lugares de Roma que aún se podía engrandecer y embellecer. Inocencio asumió la tarea y la convirtió en un espacio dedicado a la glorificación pública de su familia. Construyó el Palacio Pamphili como anexo a la iglesia de Santa Inés, cuya renovación también financió. En su día, iglesia y palacio estaban conectadas secretamente, al estilo de los Medici.

Junto a los dos edificios estaba también el palacio familiar de los Doria (curiosamente estas dos familias se unirían siglos después), pero la vieja platea in agone era otra cosa. Un magnífico espacio abierto, como hoy, lleno de vida:

frecuentada tanto por los gerifaltes que daban su passeggiata vespertina como por todo tipo de malabaristas, contorsionistas, carteristas, proxenetas, prostitutas, vendedores ambulantes y patanes cuyos descendientes aún abarrotan la plaza cuando empieza a oscurecer.

Cuenta Robert Hughes que hasta finales del siglo XVIII la plaza se inundaba con agua de cuando en cuando, y los romanos se refrescaban allí mientras un desfile de carruajes tirados por caballos desfilaban dando vueltas a su alrededor.

Debió de ser un espectáculo realmente digno de verse, aunque la inmersión prolongada en el agua no debió de hacer demasiado bien a los chasis y las ruedas con radios de madera de las carrozze. Pero a veces un romano no tiene más remedio que mostrar una bella figura, aunque su carruaje se deforme.

La Piazza Navona en la época barroca fue un centro para el teatro callejero, para las procesiones y las ceremonias folklóricas. Una de las más famosas era la Giostra del Saracino, una competición de justas en la que el blanco de las lanzas era una efigie de un sarraceno montada sobre un poste.

Pero ninguno de estos placeres del effimero barocco podía compararse con lo que Inocencio X, mediante las atenciones dispensadas por Bernini, hizo de la plaza.

Faltaba algo, en efecto. Una decoración, un detalle festivo y lúdico, en el centro de ese amplio y monumental espacio vacío. Faltaban las fuentes.

Capítulo 4 Un etíope, un dios y cuatro ríos para terminar la Piazza Navona

El problema es que el papa no podía llamar a Bernini.

El gran Gian Lorenzo había sido el artista preferido del pontífice anterior, Urbano VIII, que pertenecía a la denostada familia de los Barberini. Los Barberini y los Pamphili no se llevaban bien, y Bernini había levantado para los primeros el Baldaquino del Vaticano y otros muchos encargos.

Inocencio X no podía valerse del mismo, pues sería como admitir que su predecesor había hecho algo bien.

Y aunque Bernini era un grande, había más opciones. Un tal Francesco Borromini anda suelto, y todo hacía indicar que sería el nuevo dominador, el arquitecto de cabecera de los Pamphili.

Cuando el proyecto de una fuente monumental frente a Santa Inés salió a concurso, Bernini estaba vetado y Borromini planteó un proyecto ganador. Ideó incluso un acueducto que llevara agua a una fuente colosal que representaría cuatro ríos como símbolos de las cuatro regiones del mundo conocido. Era irresistible.

Sin embargo, ganó el proyecto de Bernini.

Dicen que recibió la ayuda de un amigo poderoso, el príncipe Nicolás Ludovisi, muy amigo del Papa.

"Diseña la fuente", le dijo, "y yo me encargaré de que la vea el Papa". Y Bernini diseñó la fuente. Y Ludovisi la colocó en una estancia de paso en el Palacio Pamphili. Y el Papa la vio. Y dicen que dijo:

Será necesario emplear a Bernini a pesar de quienes no lo desean, pues aquel que no desee valerse de los planes de Bernini debe tener cuidado de no verlos.

Suena todo demasiado apócrifo, pero no hay duda de que Bernini supo tocar la fibra sensible de cualquier familia poderosa: su proyecto era un halago profundo al orgullo de los Pamphili.

La fuente incluía una abigarrada fantasía de monstruos marinos que simbolizaban los cuatro ríos como símbolos de los cuatro continentes. La idea no era suya, sino de Borromini, aunque en realidad proviene de la mitología griega y de la forma como normalmente se representaba el paraíso.

El paraíso heleno contenía, en su centro, una fuente o un mantantial, desde el cual manan cuatro ríos que riegan las cuatro partes del mundo. El Gihón, el Pisón, el Tigris y el Éufrates. Como en la época de Bernini el mundo conocido era más extenso, los nuevos ríos fueron el Danubio, el Nilo, el Ganges y el Río de la Plata.

Pero Bernini tuvo la idea genial de incluir, en medio de ellos, un obelisco egipcio. Se conservaba en el circo de Majencio, en la Via Appia, y él lo trasladó y lo puso sobre la montaña de Travertino de los Cuatro Ríos. Y en lo más alto, en el piramidión, colocó una paloma de bronce.

La paloma era el símbolo del Espíritu Santo. Pero también era el símbolo de los Pamphili.

Todo aquello sería un asombroso golpe de efecto: ese enorme obelisco sostenido sobre un agreste arco de piedra, de pie en un vacío sobre el agua; una imagen del mundo, imago mundi, sin parangón en la escultura anterior.

El mensaje era tan obvio y tan atractivo que el papa no pudo negarse.

Del paraíso surgen los cuatro ríos que riegan el mundo, pero ya no con el mensaje de los dioses paganos sino con la palabra de Cristo, que ha vencido sobre todos los paganismos del mundo conocido. Y sobre el obelisco, la paloma. La paloma de los Pamphili, custodios allá arriba del mensaje divino.

Tan contento quedó el Papa que le hizo a Bernini otro encargo para su plaza.

Varias décadas llevaban adornando los extremos de la piazza dos fuentes monumentales. Las había realizado Giacomo della Porta para celebrar la construcción del Aqua Vergine, el acueducto que trajo de nuevo el agua al Campo de Marte. La de Neptuno estaba bien, pero al Papa no le gustaban los delfines que adornaban la del extremo meridional. Encargó a Bernini un arreglo, y este se sacó de la manga el formidable diseño de la figura principal. "Un etíope luchando con un delfín". La fontana del Moro es su nombre popular.

Las esculturas originales, por cierto, están en la Galería Borghese. En la Piazza Navona se muestran copias desde el siglo XIX. Con buen criterio, pues hace pocos años un vándalo destrozó en una noche varias estatuas.

Dice Robert Hugues que sólo hay, y solo puede haber, una Piazza Navona…

… y afortunadamente esta se halla justo ante usted, cortada transversalmente por los chorros de agua resplandeciente: un regalo para usted y para el resto del mundo, hecho por unas personas que ya están muertas y que, no obstante, no pueden morir. Con un solo lugar como este, junto con todos los demás que aquí se hallan, sin duda basta.

Basta, sin duda. Pero se puede añadir una guinda dando un pequeño y agradable paseo.

Capítulo 5 (y final) El mejor retrato de todos los tiempos

No está en Piazza Navona, sino en la Via del Corso. Muy cerca, en todo caso. Y merece la pena el paseo. Esto es lo que hay que hacer: salir de la Piazza Navona por la Via del Salvatore, pasar junto a San Luis de los Franceses y la Piazza della Rotonda, rodear el atemporal Panteón, tomar la Via del Pie di Marmo, dejar atrás Santa Maria sopra Minerva (Roma es así: llevamos solo quinientos metros) y llegar al Palazzo Doria-Pamphili.

Allí, dentro, entre algunas obras maestras que parecen, como dijo Joshua Reynolds, dibujos de pergamino en comparación, se conserva el que Hipolito Taine calificó como "el mejor retrato de todos los tiempos".

Es, claro, el retrato que pintó Diego de Velázquez. "Una de las imágenes más cautivadoras e inquisitoriales del poder humano jamás plasmadas en un lienzo", como dice Robert Hughes.

Inocencio X dominó la Iglesia en su época de mayor gloria, levantó palacios, fue adulado por propios y extraños y dirigió la renovación de una de las plazas más bonitas del mundo, encargando arquitecturas de fantasía erigidas sobre espejos de agua. Cuando vio su retrato terminado, dicen que exclamó: "troppo vero!".

Demasiado veraz.

Un retrato radicalmente realista de un hombre que sufragó las arquitecturas y las esculturas más serpenteantes y fantásticas de Roma, que puso su escudo familiar en lo alto de un piramidión y que se esforzó por engañar a todos y hacerles creer que era más que un hombre de mirada inquisidora y sagaz.

Quizá lo fuera. Como Velázquez, Bernini y Borromini. Al fin y al cabo, como dice Robert Hughes, ya ninguno de ellos puede morir.

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Como aficionados a los viajes, al arte y a la cultura, debemos considerar como una excelente noticia que Siena haya cambiado tan poco en los últimos ochocientos años. Porque, como tan bien ha dicho el escritor, y miembro de la Academia francesa, Dominique Fernández:"Siena es una de las raras municipalidades en el mundo que han llevado a lo largo de los siglos una política, consciente y obstinada, de belleza".

En el ondulado corazón de la Toscana nos espera una de las ciudades más bonitas de Italia. Una ciudad que, en los siglos finales de la Edad Media y en los inicios del Renacimiento, brilló con luz propia y llegó a rivalizar con la Florencia de los Medici. Quizá ese dato baste para evidenciar la magnificencia que llegó a alcanzar aquella ciudad de banqueros y papas, de aventureros y artistas.

Capítulo 1.Qué ver en Siena más allá de lo que todo el mundo ve

Siena es una ciudad pequeña, pero sus calles conservan numerosos palacios, museos e iglesias. ¿Se puede ver todo en un día? La respuesta es no. Se puede ver, en un día, lo principal. Es lo que casi todo el mundo hace. Pero se habrá visto una Siena volátil, una Siena de instagram. Si no hay más remedio –porque el tiempo apremia, o porque la visita es parte de un circuito– habrá que renunciar a los museos y a ciertas exquisiteces. Pero si es posible, nosotros recomendamos visitarla con calma e ir más allá de lo que visita todo el mundo.

Siena, como explicaremos más abajo, es además un punto perfecto desde donde salir a explorar las maravillas de la región. Está en el corazón de la Toscana, de esa Toscana de postal, casi lujuriosa, de colinas dibujadas y cipreses. Como si alguien lo hubiera hecho a propósito, los más bellos pueblos de la Toscana están situados a su alrededor. Las excursiones, desde Siena, son un disfrute.

Pero no nos adelantemos. Ya saldremos de sus calles. De momento hablemos de lo que hay en ellas:

1. El histórico Palazzo Publico, enclavado en la Piazza del Campo, esa en la que García Márquez vio materializada la armonía.
2. El Duomo, una de las maravillas del Gótico europeo, y su museo.
3. La Fortezza Medicea, hoy un parque agradabilísimo donde reflexionar con una copa de vino.
4. La Pinacoteca Nazionale, con sus abundantes tesoros de la Escuela de Siena.
5. La iglesia de San Domenico y la Casa de Santa Catalina de Siena, fascinante personaje más allá de su interés religioso.
6. El Palazzo Piccolomini y el curiosísimo Museo delle Tavolette

Lo que ve todo el mundo son los elementos 1 y 2, y a salto de mata. Nada más. Se pierden una barbaridad.

El esplendor del Palazzo Publico y la Piazza del Campo.

Los sieneses del siglo XIII estuvieron a la vanguardia de un proceso histórico que fue fundamental para el desarrollo del mundo moderno. Se trataba, nada menos, que de la reaparición de la ciudad. Y con ella, de la política (que viene de polis, ciudad).

Después de siglos de una Edad Media parva en grandes asentamientos humanos; cuando en Francia y Alemania la gente vivía en el campo y sólo se construían castillos y ermitas, reapareció, en el norte de Italia, la ciudad. Florencia, Venecia, Pisa, Lucca, Milán. Siena.

¿Las razones? Una fértil agricultura y, sobre todo, la expansión del comercio y el nacimiento de las finanzas modernas hicieron posible que cada vez más gente se concentrara en la ciudad. Con ellos volvió la vida urbana, con sus dulzuras y también sus problemas: la política. La lucha de las facciones por un poder cada vez más jugoso. El debate entre república y tiranía. Y las artes al servicio no ya –solo– de la iglesia, sino del poder civil.

De todo ello se puede reflexionar, quizá como en ninguna otra parte, en la Salla della Pace del Palazzo Pubblico de Siena. Allí se conserva un conjunto de frescos que fueron pintados por Pietro y Ambrogio Lorenzetti entre 1338 y 1340. Se les conoce por el nombre de Alegoría del Buen y el Mal Gobierno, y son una de las mayores joyas del entonces incipiente Renacimiento italiano. Recordaban a los gobernantes la importancia de su labor y que sus decisiones, por pequeñas que fueran, podían tener efectos benefactores o malévolos para la comunidad. Hoy quizá deberíamos colgar una reproducción de esta obra en cada diputación, en cada congreso, en cada ayuntamiento.

Pero además de esta joya histórico-artística de los hermanos Lorenzetti, el Palazzo (que sigue siendo Ayuntamiento de la ciudad) alberga mucho más. Hay una preciosa habitación llamada Sala del Mappamondo, donde los Lorenzetti pintaron, también al fresco, un gigantesco mapa del mundo conocido. Hay una preciosa Maestá, pintada en 1315 por uno de los grandes de la escuela sienesa, Simone Martini. Hay también una Vida de la Virgen de otro maestro, Taddeo Bartolo.

En el patio está la entrada a la impresionante Torre del Mangia, que corona la ciudad a noventa metros de altura. Quizá sea, junto a la Torre Grossa de San Gimignano, el lugar desde donde mejor se puede apreciar esa belleza mórbida, lírica, del paisaje toscano; sus valles verdes, sus colinas cruzadas por ordenadas líneas de cipreses que dibujan caminos y separan viñedos. Y también el fastuoso esplendor de la ciudad. Si París es la ciudad de la luz, Siena es la ciudad de la piedra. Tejados de terracota, piedra de color beige, piedra gris y, sobre todo, ese inconfundible ocre arcilloso. A los pintores les gustó tanto que terminaron bautizando un color en su honor.

Y la piazza, ese corazón de la ciudad que es un canto a la armonía. La sede del Palio, una de las carreras más famosas del mundo (más abajo damos un consejo si quieres verlo y no te gustan las aglomeraciones), el verdadero icono de Siena. Por la mañana y en las primeras horas de la tarde está atiborrada de turistas. Por la noche son los sieneses los que la ocupan. Pasean por allí ejecutivos vestidos de Armani, conductores de Vespas casco en mano, niños alborotando a la ingente población de palomas. Siena es uno de esos lugares con muchos turistas y pocas pernoctaciones. Ya decimos que merece mucho la pena quedarse a dormir.

La joya: el Duomo y el Museo dell’Opera del Duomo.

No hay forma de quedarse corto: el Duomo de Siena es un edificio deslumbrante. Su fachada principal reúne todos los rasgos ese colorido Gótico italiano tan particular, tan diferente del francés, del inglés y del español.

Pero, magnífico como es, lo que más impresiona es su interior.

Acostumbrado a la austeridad de las grandes iglesias florentinas, el viajero se lleva aquí una verdadera sorpresa. No hay austeridad de ningún tipo, sino todo lo contrario. En las paredes, en los pilares, en las bóvedas, en las capillas, en todos lados solo encuentra lujosa decoración. Una permanente sucesión de los dos colores de la ciudad, el blanco y el negro. Una abigarrada condensación de belleza, riqueza y lujo. Bóvedas de lapislázuli, vidrieras, como la maravilla que corona el altar mayor, conocida como «el occhio del Duomo», capiteles de oro, altares y mosaicos que asombran a quien pone los ojos en ellos.

Como no podía ser de otra manera, hay también, dispersos por toda la iglesia, un conjunto selecto de obras de arte. Obras de Donatello, de Pinturicchio, de Miguel Ángel o de Nicola Pisano, autor de un púlpito conmovedor y anonadante. En el Museo dell’Opera del Duomo se pueden ver de cerca algunas de las obras que originalmente colgaron de sus muros, como la Maestà de Duccio, su obra maestra, una de las cimas del arte del Medievo.

Cuando la hayas recorrido, cuando hayas visto que no es, precisamente, una iglesia pequeña, piensa en lo siguiente. A mediados del siglo XIV, Siena había alcanzado un nivel de riqueza y esplendor tan extraordinario, que sus gobernantes pusieron en marcha un plan para triplicar el tamaño de su catedral. Has leído bien: para triplicarlo. La idea era convertir el edificio ya construido –el que sigue en pie hoy en día– en el crucero de una iglesia nueva y gigantesca. Los planes estaban hechos, aprobados y presupuestados. Pero entonces llegó la Peste Negra de 1348. La ciudad quedó asolada y el proyecto se abandonó.

Dio tiempo, no obstante, a construir parte de la fachada del nuevo templo. Hoy sigue ahí, la llaman el facciatone. Se puede comprar una entrada completa para visitar el museo y subir a las alturas del facciatone, que tiene unas vistas impresionantes. Mejores, quizá, que las de la Torre del Mangia, porque desde el facciatone, además de todo, se ve la Torre del Mangia.

La Fortezza Medicea, el recuerdo de los vencedores.

Los más aficionados a la Historia tienen aquí una visita que les será sin duda gustosa. También los amantes del vino, de la música, de la tranquilidad…

La fortezza lleva el nombre de los Medici porque fue construida por estos, entre 1561 y 1563. No es hito, por lo tanto, del esplendor de la historia de Siena, sino de su decadencia. Ya debilitada, Siena había hecho lo posible por oponerse al dominio de sus vecinos florentinos y de una potencia emergente que amenazaba toda Italia: la España de Carlos V. Las fuerzas de Carlos habían tomado la ciudad en 1548 e iniciado la construcción de una ciudadela defensiva, que fue destruida muy pronto, cuando los sieneses retomaron el control de su ciudad.

Parecía atajada la pesadilla del control extranjero, pero llegó la paz de Cateau-Cambresis, y entonces Siena perdió el apoyo de su gran aliado, Francia. La ciudad pasó a manos de Florencia, aliada de España. Y los Medici erigieron la enorme Fortezza Medicea para evitar cualquier rebelión.

Siena nunca volvió a ser independiente, aunque la fortaleza se mantuvo militarizada hasta el siglo XVIII. Hoy es un parque público, sede de conciertos y festivales y exposiciones de arte. Hay allí una estupenda enoteca donde probar los excelentes vinos de la región.

La Pinacoteca Nazionale, un templo de la pintura.

Los amantes de la pintura no pueden dejar atrás el principal museo de la ciudad, pues allí se conserva lo mejor, lo más granado de la encantadora Escuela de Siena. La Madonna dei Fracescani y obras obras de Duccio, el Agostino Novello de Simone Martini, las Dos Vistas de Pietro Lorenzetti, la Adoración de los pastores de Pietro da Domenico. Un recorrido completo que abarca el período comprendido entre los siglos XIII y XVII.

Las pinturas sienesas son líricas, delicadas y simbólicas. La escuela de Siena, dicen los libros de historia del arte, se mantuvo más apegada a la influencia bizantina. Esos omnipresentes fondos dorados. En realidad, aquellos ávidos pintores bebieron de todas las fuentes que tuvieron a su alcance. En sus cuadros se puede ver el minucioso detallismo del Gótico Internacional, la contundencia compositiva de Bizancio, la incipiente búsqueda de realismo de sus vecinos florentinos. Y una sensibilidad poética que debe darla la tierra. En resumen, maravillas únicas, como esta.

Las huellas de Santa Catalina, en su casa natal y en la iglesia de Santo Domingo.

Como todas las ciudades, Siena tiene su patrona, que en sucaso no es una más. Catalina Benincasa nació en una familia numerosa (numerosa es poco: fue la hija número 23 del matrimonio de un tintorero y la hija de un poeta). Fue desde pequeña –y hay que entenderla– una niña rara, refugiada en sí misma y amante del silencio. Pocas salidas tenía en aquel mundo más allá del hábito, y a ese objetivo se consagró hasta que su padre desistió de casarla. Siendo aún muy joven, Catalina entró en la Orden Tercera de los Dominicos.

Si hacemos caso a las fuentes, Catalina debió ser una personalidad genial como pocas. Entre visiones y estigmas, y sin venir de una familia poderosa, tuvo tiempo de cartearse con los principales líderes de la Europa de su tiempo. Les intentó persuadir –difícil empeño– de los beneficios de la paz.

En una visita a Avignon como embajadora de la República de Florencia dicen que consiguió convencer al Papa, Urbano VI, de volver a Roma y poner punto final al Cisma de Occidente. Murió en Roma en 1380 y fue enterrada en Santa María sopra Minerva, aunque su cráneo se llevó a Siena y se conserva en la iglesia de Santo Domingo. Casi un siglo después fue canonizada por el también sienés Pio II (Enas Silvio Piccolomini, del que enseguida hablamos). Catalina es patrona de Siena, decíamos, pero es también co-patrona de Italia, co-patrona de Europa y Doctora de la Iglesia.

Junto a su casa natal se construyó un Santuario. Hoy se puede visitar la celda en la que dormía y, quizá, tramaba sus planes de paz. Donde intentó arreglar aquella –en palabras de Mújica Laínez– Europa frenética, huérfana de Dios.

El Palazzo Piccolomini y el Museo delle Tavolette.

El más imponente de los palacios de Siena lo construyó la familia del más exitoso de los sieneses del Renacimiento: los Piccolomini: Eneas Silvio Piccolomini, el papa Pío II. Uno de los mayores talentos del Renacimiento.

Nacido en una familia noble empobrecida, sus padres lo empeñaron todo para que prosperara de la única forma que podía alguien de su clase: estudiando. Eneas fue destacando por todas las facultades y se ganó la vida de múltiples maneras, entre ellas escribiendo relatos eróticos que se vendieron como autenticos best-sellers. Viajó, hizo contactos, se hizo un hueco en la Iglesia (la otra opción era la abogacía, que no le gustaba) y lideró una facción que abogaba por despojar de poder a los papas, en favor de los concilios.

En 1458 se convirtió él mismo en Papa. Nada podía ser sorprendente en la Italia del Renacimiento. Como pontífice Pío pidió que se olvidaran de todo lo que había hecho y dicho hasta entonces: "no deis más importancia al laico que al pontífice: rechazad a Eneas, acoged a Pío".

Su actividad como Papa fue febril, pero hablemos de su legado material. Eneas había nacido en Corsignano, un aldea desconocida en las cercanías de Siena. Como era poca cosa, decicidió rebautilzarla: Pienza, la tierra de Pío. Y la llenó de monumentos. Hoy es uno de los pueblos más espectaculares de la Toscana.

Con todo, vivir en Pienza no era práctico. Era mejor residir en la capital. Los sobrinos y herederos de Eneas, que nadaban en el lujo, levantaron un nuevo palacio, aún más grande que el de Pienza, en la propia Siena. Se lo encargaron a Bernardo Rossellino, uno de los arquitectos más en boga en Florencia, y este se fijó en lo mejor que se había construido por entonces, los palacios Medici Ricciardi y Ruccellai de Florencia, y el propio Palazzo Piccolomini de Pienza.

El palacio alberga hoy el Archivo Histórico de Siena y un museo de lo más curioso: el Museo delle Tavolette di Biccherna.

La Biccherna era el nombre de la magistratura encargada del control de las finanzas de la república, y tenía una bonita costumbre. Cada año, cuando cerraba las cuentas, encargaba a uno de los artistas de la ciudad que pintara en una tabla de madera (una tavoletta) la cubierta o portada del libro donde se habían hecho todas las anotaciones del año. Esas escenas eran a veces religiosas, a veces cívicas, a veces simbólicas, a veces se dejaban al deseo del pintor.

Por supuesto, estos libros son hoy en día auténticas maravillas. Por dentro, un tesoro documental para los historiadores. Por fuera, joyas de la pintura para el disfrute de todos.

Capítulo 2. Qué ver en las cercanías y dónde alojarse

Desde Siena, con un coche de alquiler, se puede alcanzar en poco tiempo casi toda la Toscana, una región rica en maravillas urbanas y paisajísticas. Está al alcance la región del Chianti, el precioso Val d’Orcia, abundantes pueblos y varias ciudades históricas repletas de monumentos. Damos unas ideas:

• Una excursión a la abadía benedictina de San Galgano, a unos 40 minutos. San Galgano es muy conocida por encontrarse en ruinas y carecer de techumbre.
• Una excursión a la preciosa ciudad de Arezzo, inicio de la Ruta de Piero della Francesca, ciudad monumental y bellísima de la que hace tiempo hablamos aquí en Ruta Cultural.
• Una visita a los más bellos pueblos de la Toscana. En concreto, desde Siena, se pueden visitar fácilmente San Gimignano, Volterra, Massa Marítima, Montalcino, Pienza, Montepulciano y Cortona. Todos estos pueblos son auténticas maravillas: no exageramos.
• Un día dedicado a conocer la paradisíaca región del Chianti, conociendo pueblos como Greve y aldeas como Montefioralle, visitando los viñedos, catando los vinos más conocidos de Italia.
• Un tour por los estupendos baños termales que salpican la región. En este artículo hay mucha información al respecto.
• Por supuesto, a tiro de piedra está también la inigualable ciudad de Florencia. Por si falta algo por ver…

En cuanto a los alojamientos, es mejor optar por uno que no esté en el mismísimo centro histórico, especialmente si se opta por el coche de alquiler para salir de Siena a excursionar. Dentro de la ciudad hay numerosas restricciones de tráfico, y obtener licencias de circulación y aparcamiento puede ser un engorro. Como la ciudad es pequeña, es fácil acercarse a pie a la zona del Duomo y Piazza del Campo desde las colinas circundantes.

Capítulo 3.Ocho consejos para ver Siena como es debido

Terminemos con unos apuntes prácticos –gastronómicos, temáticos, de todo tipo en realidad– para disfrutar más y mejor de la estancia en Siena.

§1. En toda Italia es muy socorrido recurrir a una pizza al taglio como comida o cena improvisada, o como merienda. En Siena también se recurre a ella como postre. En pizzería San Martino venden una modalidad de pizza con nutella para tal fin… En cualquier caso, el taglio sienés es muy apreciado. Son pizzas más crujientes y con menos masa que las romanas o las florentinas. Ideales cuando se va mal de tiempo o para reponer fuerzas a mitad del día.

§2. La Antica Osteriada Divo es la más famosa y con mejor reputación de la ciudad. Número uno en TripAdvisor por su excelente relación calidad-precio. Si quieres pagar un poco más, son muy recomendables la Osteria del Coro y La Chiacchera. La Grotta di Santa Caterina tiene el aspecto de una casa sienesa del Renacimiento, y su carta un menú tradicional y sencillo. Quizá sea el mejor sitio para probar el stracotto (hervido de buey con patatas y salsa de tomate) y los scaloppini de ternera. Tiene excelentes postres y vinos del Chianti. Para disfrutar de la pasta hecha al modo tradicional, lo mejor es la Trattoria La Torre.

§3. No debe uno irse de Siena sin probar sus dos postres más característicos: el panforte y los ricciarelli. Y el Nannini es el mejor sitio para probarlos

§5. Hablemos del Palio. Es la fiesta grande de Siena: carreras de caballos en plena Piazza del Campo. Color, tradición y ambiente. Es un verdadero espectáculo, pero, como todos los eventos que han alcanzado fama mundial (una de los últimas películas de James Bond empieza justamente en Siena, en pleno Palio) atrae cada vez a más turistas. Verlo en directo desde la plaza es casi misión imposible, pues desde primera hora está todo virulentamente ocupado. Y la carrera no dura más de dos minutos. Si te gustan el gentío y la vocinglería, lo disfrutarás. Si prefieres un turismo más tranquilo, no es lo más recomendable. ¡Pero quiero ver un Palio de cerca! No te preocupes. Lee el consejo número cinco.

§5. El Palio no es una costumbre únicamente sienesa. Se celebran carreras similares, a veces idénticas, en numerosos pueblos de la Toscana, de la Lombardía y del Piamonte. No tienen el marchamo de celebrarse en la Piazza del Campo, pero sí la emoción, el color y la historia. En Saracino, en Torrita di Siena, en Micci, en Balestra, en Pescia, en San Paolino, en Rioni di Castiglion Fiorentino o en Marinaro se celebran palios llenos de historia y con mucho –¡mucho!– menos público.

§6. Siena es ciudad de turistas pero, como ya hemos dicho, la mayoría no se quedan a dormir. Vienen de Florencia o de Roma, bajan del autobús, se hacen fotos en la Piazza del Campo, visitan el Duomo, comen y se van. A la hora del atardecer ya quedan poquísimos. En ese momento, acércate al Duomo, aunque ya lo hayas visto. Verás que, cuando el sol se pone y el ocre de la ciudad se tiñe de dorado, cuando dan los últimos rayos en las estatuas y los mosaicos y la fachada entera parece iluminarse en una infinita gama de naranjas, te alegrarás de haberte quedado. Es un espectáculo. Un premio.

§7. Esto es para tí, que lees hasta el final. Además del Duomo, la Piazza y la Pinacoteca, Siena otra joyita artística. Se trata del hospital de Santa Maria della Scala. Es uno de los hospitales más antiguos del mundo, y en su interior, que hoy es museo, hay salas deslumbrantes. Allí se conservan algunos de los frescos más hermosos que se pueden ver en la Toscana. Fueron obra, casi todos, de los pintores de la escuela sienesa. Dicen que en el exterior pintaron maravillas increíbles, pero tristemente se perdieron. Los del interior no. Se pueden ver aún, y muy pocos lo hacen.

§8. Una última cosa. El interior del Duomo tiene un pavimiento que es en sí mismo un obra de arte. Es tan delicado y valioso que, normalmente, está tapado. Los visitantes no pueden pisarlo ni apreciarlo. Sólo se abre una pequeña parte. Sin embargo, en algunos momentos del año, normalmente en verano y coincidiendo con las fechas del Palio, pero también en otros días, y a veces de improviso, los custodios del Duomo retiran todo el cubrimiento, y ese suelo histórico y prodigioso se aprecia en toda su extensión. En esas fechas el precio de la entrada se triplica (de 3 a 9€). Aunque duela, no dudes ni por un momento si merece la pena.

La entrada Qué ver en Siena para verla de verdad se publicó primero en Ruta Cultural.

La Primavera de Botticelli es uno de los grandes iconos del Renacimiento italiano. Está en la Galleria degli Uffizi, el mejor de los museos de Florencia, donde comparte sala con El Nacimiento de Venus, cuadro complementario pero no hermano, cuadro, también, de comprensión más sencilla.

Dijo C.S. Lewis que lo primero que exige toda obra de arte es una entrega, que “nos instalamos ante un cuadro para que éste nos haga algo, no para hacer nosotros algo con él”. Para ello, conviene saber qué es lo que tenemos delante, qué lenguaje se hablaba en su época, incluso en aquellos casos, como éste que nos ocupa, en que el misterio se esconde en su propia forma expresiva.

Botticelli pintó una obra extremadamente sofisticada, destinada al disfrute de los sentidos pero, sobre todo, al goce intelectual. Su destinatario era Lorenzo di Pierfrancesco de Medici, primo de Lorenzo el Magnífico. En su concepción participaron las grandes mentes de de Angelo Poliziano y Marsilio Ficino, los neoplatónicos de Florencia.

La Primavera no es, por lo tanto, un cuadro sencillo. Las escenas que representa son ambiguas y difíciles de interpretar. Su público objetivo era humanista, culto, iniciado en los misterios de las religiones antiguas pero conocedor también de las complejidades de la teología cristiana. Quienes lo iban a apreciar eran amantes de la filosofía, la poesía y la música. Estaban convencidos de vivir en una época de florecimiento comparable a la de la Antigüedad grecorromana, y con ella se medían

La Primavera, es sin embargo un cuadro que cualquiera puede disfrutar. De hecho,la mayoría de los visitantes de los Uffizi lo citan entre sus favoritos. Es un cuadro bonito. Sus cualidades narrativas se prestan a la interpretación y a la fantasía. Pero etiquetarlo con la simpleza de “una alegoría de la primavera” es quedarse a medias. Y describirlo como “una representación del neoplatonismo de la época”, siendo correcto, dice poco de su contenido y su mensaje.

Lo que queremos es disfrutar del cuadro desde su entendimiento. Saber cuál es cada escena y qué quiere decir su autor, pues creemos que siempre disfruta más aquél que sabe lo que está viendo. Así que recurrimos a los expertos. En concreto, a Edgar Wind, en cuya obra Los misterios paganos del Renacimiento se encuentra el análisis más preclaro y completo de La Primavera de Botticelli. Quien disfrute artículo sin ninguna duda amará este libro, que recomendamos encarecidamente como manual para adentrarse en el maravilloso mundo del arte y el pensamiento renacentistas.

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Cómo mirar La Primavera de Botticelli

Botticelli organizó la escena de tal modo que la primera pista se nos revela como evidente: el cuadro ha de mirarse de derecha a izquierda. Esto no significa que tenga un principio y un final, como veremos más delante, sino que, para entender su mensaje, debemos seguir ese orden.

Las pistas son claras: vemos un bosque cerrado y oscuro presidido por una figura central, Venus. Tras algunos árboles y por encima de sus copas vemos luz; es decir, este jardín o bosque no es un universo cerrado; hay mundo más allá. Lo tupido de los troncos sólo se rompe en un extremo del cuadro: aquél por el que irrumpe enérgico la figura azul que enseguida identificaremos como Céfiro, el viento que anuncia la llegada de la primavera.

Todos los personajes se inclinan hacia el otro extremo: Flora, el personaje más cercano al espectador, camina hacia la izquierda. En lo alto, Cupido aparece y apunta su flecha en esa misma dirección. Venus misma parece decirnos: continuad por aquí. Del grupo de las Tres Gracias, triangular, encerrado en sí mismo, escapamos por la mirada de una de ellas, que se dirige hacia la izquierda. Y en ese extremo del cuadro aparece una última figura que también se dirige hacia ese lado.

Parece obvio, pues, que el pintor diseñó una narración que sigue este orden. El sentido narrativo de los cuadros era muy común en el Renacimiento. Los cuadros cuentan historias, y a veces cuentan historias complejas, con varios capítulos.

El grupo Céfiro, Cloris y Flora

El primer grupo de figuras es por tanto el de Céfiro, Cloris y Flora. Son tres, o mejor, dos más uno, pues los dos primeros están representado una metamorfosis ovidiana. Lo explicamos enseguida.

Ovidio fue uno de los poetas más destacados del mundo clásico. Vivió en época de Augusto (que lo terminó deportando por irreverente) y escribió una obra que ha pasado a la historia como el mejor resumen de la antigua mitología grecorromana. Se llama Metamorfosis, y reúne centenares de estos cambios, con los cuales va contando toda la historia de los dioses y los héroes griegos y romanos. En el Renacimiento, y especialmente en el círculo de los humanistas florentinos, había auténtica devoción por Ovidio.

En La Primavera vemos a Céfiro, el viento del Oeste, irrumpir súbitamente en la escena en persecución de Cloris, una muchacha desnuda que huye pero que, en último momento, a él se vuelve. Ambos entran en contacto y del aliento de Cloris surgen flores. Ha nacido Flora, el tercer personaje.

Error común: identificar a Flora con Primavera. Flora anuncia la llegada de la primavera con su vestido lleno de flores. Ha nacido de la pasión de Céfiro por Cloris. Ovidio lo narra en otra de sus obras, los Fastos. Céfiro, tras tomar por la fuerza a Cloris, arrepentido, la transforma en Flora y le regala un hermoso jardín, donde reinará eternamente la primavera.

Gozo de una primavera eterna… / mi esposo cubrió de flores este jardín y me dijo: / Tú, diosa, ostenta la soberanía de las flores

El grupo de las Tres Gracias

La zona izquierda del cuadro tiene como protagonista una representación sofisticada, refinadísima –y hasta podríamos decir pedante– de las Tres Gracias.

Hijas de Zeus y nietas de Océano, las Gracias son las diosas de la alegría, del hechizo y de la belleza. Aparecen en escenarios que tienen que ver con el placer, como los banquetes y los espectáculos de danza. Son jóvenes y bellas, pero también sabias y elocuentes. En la mitología romana, que es la que inspira la representación de Botticelli, se llaman Castitas, Pulchritudo y Voluptas, y simbolizan a la Virgen, la Esposa y la Amante.

En La Primavera, la figura central es Castitas. A ella se dirige el flechazo de Cupido. Castitas no lleva adorno alguno. Sus cabellos van recogidos y su rostro es pensativo y melancólico. Un aspecto muy distinto muestra su hermana Voluptas, que aparece a su izquierda. Su pasión decidida se refleja en el animado movimiento de sus pliegues y en sus ondulantes cabellos sueltos. La tercera, situada a la derecha, es Pulchritudo, la más serena y orgullosa, la que dirige el grupo y anima la danza.

La presencia de Las Gracias se explicará bien al final, pero está relacionada con los temas principales del cuadro: el placer, el amor y el aprendizaje. Las manos de Voluptas y Pulchritudo, las dos hermanas más expertas, se juntan dibujando una corona sobre la cabeza de Castitas, que está siendo iniciada en la danza. Si sus dos hermanas simbolizan dos arquetipos opuestos (recordemos: la esposa y la amante), Botticelli pone algo de cada uno en una Castitas indecisa: su hombro izquierdo se nos muestra desnudo, en el lado de Voluptas; a su derecha está su pelo recogido y su mano bien sujeta por la serena Pulchritudo.

La misma lucha parecen librar los dioses del amor. Cupido lanza su flecha con pasión, pero una moderada Venus parece atemperar el efecto, y mantiene la danza, como dice Edgar Wind, "dentro de los límites de un melodioso comedimiento".

No hay duda de a dónde se dirige la mirada de Castitas. Hacia ese misterioso joven que, en el extremo izquierdo del cuadro, parece ajeno a lo que sucede a sus espaldas.

La figura aislada de Mercurio

Este joven es Mercurio, el Hermes de los griegos, y su papel es crucial para cerrar la narrativa y entender el mensaje de La Primavera.

El papel más conocido de Mercurio es el de mensajero de los dioses, pero sus funciones y poderes iban mucho más lejos. Mercurio es el psicopompos, el "guía de las almas", que conduce al Más Allá. Mercurio es el más astuto y el más veloz de los dioses. Mercurio es el que, con su vara, como dice Virgilio, "conduce los vientos y traspasa las nubes tempestuosas". Ahora miremos atentamente al cuadro y veremos que Mercurio hace esto exactamente, traspasar unas nubes. Miremos de nuevo al otro extremo del cuadro y recordemos qué personaje irrumpe con fuerza por aquella zona.

Mercurio era también el guía de las Gracias, y aunque aquí aparezca la espalda del grupo, éstas le siguen a través de Castitas. Para los humanistas, por último, Mercurio era el dios ingenioso e indagador, el revelador del conocimiento secreto o, por decirlo con precisión, del conocimiento "hermético", al que presta su nombre.

Para Marsilio Ficino, cuya filosofía impregna y educa el cuadro de Botticelli, Mercurio "hace que la mente regrese a las cosas celestiales mediante la fuerza de la razón". He aquí el asunto del cuadro. Mercurio, con su vara, está despejando unas nubes y simbolizando la fuerza iluminadora de la contemplación intelectual.

El lenguaje de los misterios y el significado de La Primavera

En el neoplatonismo de estos leídos, cultísimos, sofisticados y encantadores pedantes del círculo de Ficino, la Verdad nunca debía mostrarse a plena luz, pues su luz cegadora haría inútil la empresa. Todo esto, por supuesto, bebe directamente de Platón y de sus diálogos. "Velos enigmáticos y encubrimiento poético debe ocultar las cosas divinas", dirá otro neoplatónico empedernido como Pico della Mirandola. Así, el Mercurio de Botticelli es el interpres secretorum, el que abre un hilo de luz para contemplar las verdades sin que esa luz divina ciegue al contemplador.

Mercurio, el dios indagador que juguetea con las nubes en un extremo del cuadro, envía por el otro a Céfiro impetuoso, que reinicia el círculo con la fuerza de la pasión.

Detengámonos un momento a leer a Marsilio Ficino y lo entenderemos todo de un plumazo:

"… esta belleza divina ha engendrado en todas las cosas el amor, es decir, el deseo de ella misma. Ya que si Dios rapta para sí el mundo y el mundo es raptado por Él, hay un continuo atraerse entre Dios y el mundo; que comienza en Dios y pasa al mundo, y finalmente en Dios termina, y que, como un círculo, de allí de donde partió allí retorna. Así que un solo y mismo círculo de Dios al mundo y del mundo a Dios es designado con tres nombres. En cuanto comienza en Dios y atrae hacia sí, belleza; en cuanto, pasando al mundo, lo rapta, amor; en cuanto que retorna al autor y une a él su propia belleza, placer. Por tanto, el amor comienza en la belleza y termina en el placer. Y esto lo entendieron Jeroteo y Dionisio Areopagita en aquel himno excelente en el que los teólogos cantaron así: El amor es un círculo bueno que gira eternamente de bien a bien."

Razón y Pasión. Placer y Belleza. El Amor Profano y el Amor Divino. Los neoplatónicos no entendían una cosa sin la otra y esa es la razón de las divinidades del amor, Venus y Cupido, cuiden de este jardín de la eterna primavera. Y de que todo comience y termine en Mercurio, el dios indagador que dirige esta hermosa y cíclica procesión de los placeres. "El amor es un círculo bueno que gira eternamente de bien a bien". Y que se reinicia cada primavera. Disfrutemos.

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A Venecia llegan cada día decenas de miles de turistas, pero más de la mitad se van antes de que caiga la noche. Peor para ellos. Sólo ven una pequeña parte de la ciudad, y lo hacen a trompicones. Enojan a los venecianos, que están hartos de ellos. En muchos casos, pecato!, se pierden el tramonto, ni se acercan al Zattere y se van sin saber lo que es un cicchetti.

¿Nuestra recomendación? Dedicar a Venecia no un único día, sino varios. Dormir en la propia isla, pasear por sus barrios menos visitados, frecuentar los lugares más famosos a horas menos concurridas, pasar más de una vez por los mismos sitios, habituarse a los canales.

Capítulo 1. Qué hacer antes de la visita para ir buscando algo más que un selfie en San Marcos

§1. La historia de Venecia está asociada directamente a la del evangelista San Marcos, que llegó a los canales en el siglo IX, desde Alejandría. Es un historia envuelta en leyendas y sin duda llena de exageraciones, pero merece la pena conocerla. Hace algún tiempo la tratamos con bastante detalle, así que te recomendamos que empieces por este artículo.

§2. La muerte en Venecia es quizá la más famosa de las novelas ambientadas en la ciudad. Que su tema fúnebre y su ambientación -a ratos- malsana no espanten al lector/viajero, pues quien sepa disfrutarla descubrirá una Venecia oscura y fantasmagórica que se esconde en los reflejos, espejos, máscaras, jardines escondidos, ventanas cerradas y voces invisibles. O en su más famoso medio de transporte, la góndola, que Aschenbach, el protagonista de La muerte en Venecia, compara con los ataúdes.

Y entonces volvió a ver el más prodigioso de los desembarcaderos, esa deslumbrante composición de arquitectura fantástica que la República Serenísima ofrecía a las respetuosas miradas de los navegantes; la liviana magnificencia del Palacio Ducal y el Puente de los Suspiros; las columnas de la orilla, rematadas por el león y el Santo; el fastuoso resalto lateral del Templo encantado, con el portal y el gran Reloj en escorzo, y ante semejante visión pensó que llegar a Venecia por tierra, desde la estación, era como entrar en un palacio por la puerta de servicio, y que sólo como él lo estaba haciendo, en barco y desde alta mar, debía llegarse a la más inverosímil de las ciudades.

En el fondo vale decir que Venecia, como la vida misma, tiene su parte amarga. Quien espere un parque temático debería cambiar de destino. Y, como dice Antonio Escohotado, “el que asume lo amargo de la naturaleza se hace acreedor también a sus virtudes”. Además, La muerte en Venecia es un clásico de la literatura, recomendable también si no vamos a viajar.

§3. La ciudad de los Ángeles caídos, de Jon Berendt, autor de la premiada Medianoche en el jardín del bien y del mal, sitúa entre los canales venecianos una historia detectivesca, centrada en el incendio de la ópera La Fenice en 1996.

§4. Si eres un apasionado de los libros, seguramente te gustará saber que en Venecia tuvo su sede la primera editorial propiamente moderna. Nació por impulso de un humanista irrepetible, Aldo Manuzio, que inventó lo que hoy conocemos como libros de bolsillo y le dio un impulso incalculable a la difusión de la cultura. La imprenta aldina estaba en la plaza hoy conocida como Campo Manin, en el sestriere de San Marco.

§5. El atractivo estético de una ciudad que parece un escenario teatral ha sido aprovechado hasta la saciedad por el séptimo arte. Muchas son las películas que sitúan en Venecia sus finales, muchas veces con muertes dramáticas: véase el trágico final de Casino Royale, o el de El talento de Mr. Ripley. Para una recreación de la Serenísima en sus años de apogeo comercial y marítimo, es recomendable el visionado de Más allá de su destino, la historia de una cortesana que atrae a lo más granado de la república. Es una cinta algo liviana que se recrea en la belleza de los canales y que, por tanto, despertará gravemente las ganas de viajar.

§6. Rousseau escribió lo siguiente sobre los gondoleros:

“Escuchando a los gondolieros venecianos, escuchando las barcarolas venecianas, me parecía como si nunca antes hubiera escuchado cantar”.

Los gondoleros cantaban en una ciudad que ha sido siempre capital de la ópera. Fue, de hecho, el espíritu emprendedor de los venecianos el que la convirtió en un fenómeno de masas. Los teatros donde se representaba eran entonces muy distintos: nada del espectáculo elitista de gente bien vestida al que estamos acostumbrados hoy. Era más bien un fenómeno popular, al que accedían todas las clases sociales, que comían, bebían y comentaban la obra. En la Iglesia de San Mauricio se puede visitar un Museo de la Música con abundantes instrumentos históricos. En la piazza de San Marco es común escuchar a músicos callejeros que, armados de instrumentos de cuerda, representan fragmentos vivaldianos.

§7.. Antonio Vivaldi es el gran nombre de la música veneciana. Autor de decenas de óperas y conciertos, curiosamente escribió la más famosa de todas en Mantua. Para saber más de su vida, no te pierdas este capítulo de This is Opera.

Captítulo 2. Dónde alojarse para evitar aglomeraciones y ver por la calle menos turistas que venecianos

Para conocer una ciudad hay que alojarse en ella misma, y no en las cercanías. No sólo por la incomodidad de los desplazamientos, sino, sobre todo, porque así se pierde uno de los mayores placeres: pasearla cuando ya se han ido los grandes grupos de turistas, cuando sólo quedan sus habitantes habituales. Es un nivel mayor de intimidad que la mayoría de los visitantes se pierden.

Pasear por San Marco tras el caer de la noche, o a primera hora de la mañana, y poder saborear casi solos una copa o un delicioso café en el emblemático Café Florian, es una de esas experiencias que siempre recomendamos, y sólo es posible si nuestro alojamiento está en la propia ciudad.

¿Cuál es la mejor zona? Depende del bolsillo y de los gustos.

§8. El barrio -a partir de ahora diremos sestriere– de San Marco es el más céntrico, y también el más caro. No es nada recomendable en temporada alta. En temporada baja puede serlo más, pero hay que tener en cuenta que la mayoría de tiendas y restaurantes están ahí para los turistas.

§9. Muy cerca están San Polo y Santa Croce. San Polo es una zona fantástica, llena de locales y tiendas. En sus callejuelas medievales se organiza el famoso mercado de pescado de Venecia. Santa Croce tiene menos atractivos turísticos y es mucho, mucho más tranquilo. Allí está La Zucca, uno de los mejores restaurantes de la ciudad, y un buen número de pizzerías asequibles.

§10. Dorsoduro está en el extremo Sur de la ciudad, pero no carece de atractivos. La Galería de la Academia y la collección Peggy Gugenheim están allí. También el Zattere, un lugar fantástico para ir a pasar la tarde. Es también zona universitaria, por lo que está lleno de servicios asequibles y tiene una atractiva vida nocturna. Hay mercado de pescado y verduras y multitud de lugares que visitar. Los que busquen más tranquilidad lo encontrarán algo bullicioso, pues es zona universitaria y habitual zona de marcha. Además, atrae cada vez más la atención de los turistas.

§11. Nos quedan los sestrieri del Norte. En el Noreste está Castello, que se divide en dos zonas: la más cercana a San Marco está igual de aglomerada y debe evitarse; la más alejada es mucho más atractiva, más tranquila y llena de servicios.

Las cercanías de Via Garibaldi hay multitud de lugares tranquilos para disfrutar. San Pietro de Castello es una iglesia fantástica que está siempre vacía, y el Arsenale, donde se organiza la Bienal de Arte, es otro lugar lleno de historia. Si no te importa caminar, este es un lugar fantástico para alojarse.

§12. La última opción es Canareggio, en el Noroeste de la ciudad. Es un sestriere tranquilo, muy bonito y lleno de vida local. Está lleno de tiendas y restaurantes y muy cerca del Gran Canal, pero convenientemente alejado de los circuitos turísticos. Es uno de los pocos lugares de Venecia donde se ven más venecianos que turistas, y eso se nota, sobre todo, en una mayor tranquilidad y en precios más asequibles. En lugares como el Campo Santa Maria Nova es imposible no enamorarse de Venecia, y el Gueto Judío es una zona impresionante y libre de turistas. Canareggio es una de las joyas ocultas de Venecia.

§13. Si estás preparando un viaje para una ocasión especial, nuestra recomendación es Al Ponte Antico. Es un cuatro estrellas situado en un palacio del siglo XIV, a pie del Gran Canal y con vistas a Rialto. Tiene precios elevados, como no podía ser de otra manera, pero no prohibitivos.

§14. Para presupuestos más ajustados hay numerosas opciones en Canareggio. La Locanda Ca’ San Marcuola ofrece precios muy competitivos a sólo doscientos metros de Rialto.

Por último, el Bed & Breakfast Ca’ Fontanea está situado en el Campo dell Beccarie, en el extremo norte de Canareggio. Tendrás que andar un poco más, lo cual no es un problema entre canales venecianos, pero a cambio estarás mucho más relajado y apartado de las masas.

Captítulo 3. Dónde comer para probar los platos típicos y saber lo que es un cicchetti

Probar los sabores típicos y conocer los bares y restaurantes más frecuentados por los locales son otra forma de adentrarse profundamente en una ciudad y salir de los circuitos turísticos más habituales. En Venecia hay una cultura gastronómica rica y variada, de excelentes restaurantes y sabrosas tapas.

La consolidada costumbre de salir a tomar una tapa acompañada de una copita de vino. Las tapas en Venecia se llaman cicchetti. Las hay de todo tipo, aunque las más venecianas son, por motivos obvios, las de pescado. Las llaman marianara: se puede pedir al camariere un cichetti marineto (pronunciado chi-que-ti). También son muy consumidos los cichetii de verduras.

§15. El lugar idóneo es prácticamente cualquier bar abierto poco antes de almorzar o de cenar. El Calle dei Do Mori, en San Polo, presume de ser el bar más antiguo de Venecia, pero por eso mismo es muy concurrido y aparece en todas las guías turísticas. Si hay suerte y no hay mucha gente, conviene visitarlo. Si no, hay otras opciones.

§16. En San Marco está Alla Botte, que suele congregar tambien a grades masas, en este caso de venecianos. Como siempre, ver un alubión de habitantes locales suele ser indicio de algo bueno, y es que los cichetti de Alla Botte son excelentes.

§17. Ai Promessi Sposi, en la preciosa Strada Nuova en Canareggio, es no sólo uno de los mejores bares de tapas de Venecia, sino también uno de los más baratos. Perfecto para cenar tranquilamente tras una larga jornada de turismo. Ya digimos que Canareggio era un lugar perfecto para buscar hotel…

Capítulo 4. Qué ver más allá de lo que hay que ver

La Basílica y la Plaza de San Marcos. El Palacio Ducal. La Galería de la Academia. El Puente de Rialto. Esto es lo que todo el mundo ve. Y por supuesto, no es que no debas verlo. Es que debes ver mucho más si quieres conocer Venecia de verdad.

§17. Cualquiera que visite estos lugares habrá visto lo que hay que ver en Venecia, pero se habrá perdido no pocas maravillas, así como lugares especiales y apartados de los grandes recorridos. Nuestra recomendación, si se dispone de algo de tiempo, es pararse y buscar otras iglesias museos, otras calles y plazas que nos introduzcan en otra Venecia. Una más real.

§18. La Scuola di San Georgio dei Schiavoni, en Castello, conserva siete impresionantes paneles obra de Vittore Carpaccio, del siglo XVI. Es una pequeña maravilla que dejan atrás la mayoría de los viajeros.

§19. El gueto judío de Venecia es el más antiguo de Europa. Fue creado por orden de los papas, para recluir a la pudiente comunidad judía de la ciudad en el siglo XVII. Se aprovechó un islote de Canaraggio que sólo disponía de dos entradas, y el hacinamiento de la comunidad llevó a la construcción allí de los edificios más altos de la ciudad. Hoy afortunadamente carece de su sentido histórico, pero sigue siendo un lugar repleto de historia y con un encanto muy especial.

§20. La iglesia de San Salvador, de fachada barroca e interior renacentista, conserva en su interior dos Tizianos, la Anunciación y la Transfiguración, y una Cema en Emaús de Giovanni Bellini. Situada entre San Marcos y Rialto, y sin coste más allá de los céntimos que requiere la iluminación de los cuadros, debería ser visita obligada para todo amante del arte.

§21. San Giacomo dell’Orio es una viejísima iglesia románica que empieza a enamorar desde el exterior, pero cuya verdaderas maravillas están colgadas de sus paredes. Cuadros del Veronés, de Francesco Bassano o de Lorenzo Lotto la convierten en un pequeño y selecto museo de techo de madera y columnas de mármol verde traídas por los venecianos tras saquear Constantinopla.

§22. Acudir a una ópera en La Fenice requiere mucha antelación, pero, si no hay suerte, es posible visitar el museo durante el día en cómodas visitas guiadas. A los amantes de la música les gustará también Musica a Palazzo, un modo verdaderamente interesante de disfrutar de grandes óperas en el marco de un lujoso palacio veneciano: el Palazzo Barbarigo Minotto.

§23. Sea como sea nuestra visita, conviene reservar entradas o bien encargar visitas guiadas a los lugares más reconocidos de la ciudad: la Basílica de San Marcos es un conglomerado de arte e historia que pasará desapercibido a menos que vayamos bien aconsejados; la Galería de la Academia conserva maravillas del arte occidental que brillarán más a la luz de una buena explicación.

§24. Murano, Burano y Torcello son tres islas llenas de encanto y a muy poca distancia. En una mañana se pueden visitar y merecen mucho la pena: la primera por su cristal, la segunda por su color y la tercera por su tranquilidad y su belleza.

§25. Para descubrir esa otra Venecia más difícil de descubrir, recomendamos las visitas guiadas de L’altra Venezia. Originales, documentadas y de calidad.

Capítulo 5. Dónde comprar recuerdos que signifiquen algo

El que quiera traerse un recuerdo de su viaje que vaya más allá del típico souvenir, aquí tiene una pequeña selección de tiendas. Lo mejor es alejarse de San Marco y rebuscar en lugares menos concurridos.

§25. En el sestriere de Castello se encuentra la librería Aqua Alta, que suele figurar entre las más originales del mundo. Es una librería de viejo con un impresionante catálogo de libros en muchos idiomas. Éstos están colocados en bañeras, en góndolas, formando arcos y escaleras… Un lugar muy especial.

§26. En el barrio de Santa Croce se encuentra Arca, tienda y galería de Teresa della Valentina, cuyos objetos de cerámica harán las delicias de cualquiera y serán un recuerdo perfecto que llevarnos de Venecia. Escenas de la ciudad, animales, vegetales, todo con un estilo alegre y a un precio muy razonable.

§27. Legatoria Piazzesi. Una papelería que hará las delicias de los aficionados a los cuadernos, las agendas y los papeles de calidad. Presume de ser la papelería más antigua de Venecia y tiene objetos que son verdaderas obras de arte.

§28. La Bottega dei Mascarieri es una tienda especializada en la venta de tradicionales máscaras venecianas de carnaval. Hechas por un artesano y de calidad. Merecen la pena.

Y eso es todo. Revisa también nuestros otros artículos sobre Venecia y el Véneto. Y si vas a viajar por Italia, tenemos guías similares sobre Florencia, Siena y Nápoles.

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Baeza

Centro geográfico de la provincia de Jaén, Baeza la inexpunable ciudad medieval, guarda entre sus piedras ecos llegados desde hace más de seis mil años. Su repertorio arquitectónico lleva al visitante desde el románico tardío de la iglesia de Santa Cruz, a los restos de la poderosa Muralla Almohade, del gótico flamígero de la fachada del Palacio de Jabalquinto, al delicado plateresco en la Portada de la iglesia de San Andrés, y al derroche renacentista, que la hermana con la vecina Úbeda, siguiendo los pasos de Vandelvira. Le quedan testigos del portentoso Colegio de Santiago de la Compañía de Jesús, rival de la cercana Universidad en una de cuyas aulas, siendo ya Instituto de Enseñanza Media, dio clases de francés, el poeta sevillano Antonio Machado.

Para seguir con detalle un paseo por sus múltiples monumentos, hay por suerte un preciso y precioso libro: Baeza histórica y monumental. Patrimonio de la Humanidad, cuyo autor es un ilustre hijo de Baeza, el profesor D. Juan Cruz Cruz.

«…Y además tiene Baeza…/no sé qué dulzura tiene/que se enreda en el tonillo/del ¡ea! de sus mujeres.»

Úbeda

Declarada Patrimonio Cultural de la Humanidad junto con Baeza, cuenta con un importante número de edificios renacentistas, envueltos en una más que encomiable y aparente facilidad, por los volúmenes de lenguajes árabes, góticos o barrocos.

La leyenda ha atribuido la fundación de la ciudad a un descendiente de Noé, un rey llamado Tubal, pero la arqueología lleva sus principios a la Edad del Cobre, y desde entonces guarda Úbeda secretos y testimonios de una historia apasionante que tiene su punto álgido en el siglo XVI. Sólo en la Plaza Vázquez de Molina hay tal despliegue monumental que justificaría por si sóla una visita.

Aldeaquemada

El famoso bandolero Jose María el Tempranillo, tenía una de sus famosas guaridas en el abrigo de la Cueva de los Muñecos, en un paraje de extraordinaria belleza muy cerca de Aldeaquemada.

Se fundó en 1768, por Carlos III, que repobló estas tierras con foráneos venidos de Alemania, motivo por el cual hoy por sus calles encontramos jaeneros rubios y de ojos azules, pero la existencia de vida en la zona se pierde en la Prehistoria. Desde 1998 la Unesco declaró Patrimonio de la Humanidad el arte rupestre levantino, en el arco mediterráneo español, quedando Aldeaquemada incluida en este nombramiento por los diecinueve yacimientos que posee donde se encuentran numerosas pinturas rupestres.

Si la práctica del senderismo puede llevarnos a lugares llenos de magia, en este pequeño pueblo serrano tenemos uno: el Paraje Natural de la Cascada de la Cimbarra. Inolvidable paraje donde encontrar paz entre aromas a jara y tomillo.

Baños de la Encina

Si por algo es conocido este municipio situado a los pies de Sierra Morena es por su castillo, del que ya hablamos en una lista de los Castillos de Andalucía

Pero hay mucho más. Además de sus importantes yacimientos arqueológicos, su casco antiguo es dueño de un interesante patrimonio monumental, que le valió la consideración de Bien de Interés Cultural, y en él se cruzan varias rutas culturales: la Ruta de los Nazaríes, la Ruta de los Castillos y Batallas, y la Ruta del Renacimiento.

Al formar parte del Parque Natural de la Sierra de Andújar, disfruta de un entorno natural privilegiado para realizar una variedad importante de rutas de senderismo y variados deportes de naturaleza, como recorridos en kayac, cicloturismo, o mountain bike.

Alcalá la Real

Posiblemente esta ciudad fuera uno de los últimos lugares donde habitaron los Neanderthales. Con muy pocas evidencias del mundo ibero, que pudo ser arrasado por Roma de cuya presencia hay testimonios en el cerro de La Mota. Su privilegiada situación geográfica hicieron de ella un lugar estratégico y codiciado a lo largo de la historia, que la convirtió en frontera medieval con el Reino de Granada. Tras la toma de Granada su fortaleza pierde su principal motivación defensiva y Alcalá se extiende bajo la falda de La Mota dando lugar al espléndido caserío que llega a nuestros días.

Cuna de artistas como Remigio del Mármol, Pablo de Rojas y Martínez Montañés, cuyas creaciones engrandecen la Semana Santa de Sevilla, la variedad turística que ofrece Alcalá: naturaleza, cultura, gastronomía, es cuidada por una asociación de empresas turísticas que buscan implantar el llamado SICTED (Sistema de Calidad Turística en Destino).

La Guardia de Jaén

La Mentesa Bastia referida por Plinio en la Historia Antigua, era la 32ª y última mansión de la vía militar que bajaba desde los Pirineos a Cazlona (Cástulo). Fuertemente defendida, desde Mentesa se podía controlar la Vía Augusta (Vía Hercúlea). Habitada desde el Neolítico como prueba el yacimiento de Cueva Cabrera, fue un importante asentamiento ibero y cabecera de diócesis en tiempos visigodos, cuando era el mayor enclave de la comarca gracias a su relevancia heredada de la época romana, y a su posición estratégica sobre el valle del Río Guadalbullón que le procuró un importante protagonismo también en época árabe, pues fue la capital de la extensa Cora de Yayyán. Es en La Reconquista cuando La Guardia toma el topónimo de La Guardia de Jaén, por su papel en la defensa de la frontera castellana. Su importancia decayó con la Toma de Granada.

Situada en las estribaciones de la Sierra de Mágina, es parada obligatoria de la Ruta de los Nazaríes. Dueña de un patrimonio que explica su larga historia, hoy La Guardia es uno de los pueblos con más encanto de Jaén.

Martos

Martos es el resultado de un camino recorrido al abrigo de esa especie de Tótem que es la Peña, abrazo y protección de sus gentes, e imagen identificativa de la ciudad. La Peña, cuya cima alcanza los 1.003m. de altitud, riega las tierras de Martos con generosos manantiales que han hecho posible la vida en un entorno privilegiado desde la Prehistoria. Iberos, romanos, visigodos y árabes que la rodearon de murallas y levantaron dos castillos. La imponente fortaleza de la Peña y un Alcázar cerca del núcleo urbano y dentro de la muralla, fueron dando carácter a Martos para llegar a un brillante siglo XVI del que encontramos auténticas perlas en su caserío, y ejemplos del barroco, del eclecticismo historicista, del regionalismo andaluz y del modernismo, por lo que Martos asegura un repertorio inigualable para seguir el hilo de la historia.

Esta «Cuna del Olivar» tiene por techo un cielo que le ha valido la distinción de Reserva Astronómica Internacional Starlight. Lo que propicia en la zona el llamado Astroturismo, cada vez más en auge.

Cazorla

Cazorla es una de las principales poblaciones del Parque Natural Cazorla Segura y las Villas. Su conjunto histórico-artístico y el entorno que la envuelve hacen de ella un lugar inolvidable. Marcada como tantas poblaciones jienenses por ser frontera entre reinos, Cazorla muestra orgullosa las heridas de su pasado y los testimonios de su cultura milenaria.

Además del atractivo turístico de sus potentes bosques, hay una clara apuesta por la cultura. Lo demuestra su Festival Internacional de Teatro de Cazorla, o el Festival Internacional de Blues, Bluescazorla, que se celebra a principios de Julio.

A la vera de La Hiruela, y en las cercanías de Peal de Becerro o Pozo Alcón, forma parte de la mancha verde más al sur de Europa. Las posibilidades de disfrutar de senderismo, gastronomía y cultura son tan grandes como este inmenso parque natural, que es el más grande España. Os dejamos el link de una guía con un viaje de 130 kms. desde Tiscar en Quesada, (cuna del pintor Rafael Zabaleta), hasta Siles, que seguro os hará soñar con volver.

Segura de la Sierra

Una de las posibles cunas del poeta Jorge Manrique, Segura de la Sierra forma parte del mismo Parque Natural que Cazorla de la que la separan unos 90 kilómetros hacia noreste. La Orospeda griega y la Secura árabe pasó a formar parte de la Orden de Santiago en el siglo XII, quedando de aquellos tiempos testigos suficientes para ser declarada Conjunto Histórico Artístico en 1972.

Es uno de los trece municipios que forman la Comarca de la Sierra de Segura, entre los que se encuentra la medieval Siles, y el espectáculo de la atalaya del Castillo de Hornos, declarado Bien de Interés Cultural, datado entre los siglos XII al XIV, es un lujo para disfrutar el paisaje y las estrellas en su Cosmolarium. Senderismo entre sonidos de agua, rutas de fotografía en una naturaleza espectacular y mucho más nos aguarda en el corazón de los verdes caminos de estas tierras.

Solera

Y para terminar nos dejamos llevar por la magia de Mágina, bajo el pico más alto de la provincia, el Mágina, hay lugares llenos de leyendas y parajes de inigualable belleza como la Senda de los Adelfares, bosque de galería de adelfas situado en las riberas del río Cuadros, en el término de Bedmar y Garcíez, o el Monumento Natural del Pinar de Cánava, en Jimena a los pies del pico de Aznaitín, donde ya en la Prehistoria los hombres convocaban a sus dioses en la Cueva de de la Graja, o el Nacimiento de Mata-Bejid, recóndito espectáculo de silencio y belleza entre Cambil y Huelma, bajo el vuelo del águila real. Senderos llenos de sorpresas como el de Fuenmayor y su cascada del Zurreón, caudaloso salto de agua convertido en escultura cuando el frio lo congela.

Mágina tiene la denominación de origen del aceite Sierra de Mágina, y una interesante Ruta de la Cultura del Olivo que pasa por Baeza, donde empezamos este recorrido. Privilegiada atalaya de la Loma que se asoma al valle del Guadalquivir desde las murallas que paseara Machado, y desde un amanecer de cine hasta un crepúsculo de naranjas imposibles, disfruta de toda la magia de las sierras de Jaén.

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El embajador veneciano en la corte de Francisco I se refirió en una ocasión al rey con las siguientes palabras: “Siempre está persiguiendo algo. Ahora venados, ahora mujeres”. No es mal resumen del carácter vividor, conquistador y hasta cierto punto extravagante del monarca, famoso por su afición a la caza y por sus inagotables colecciones de amantes. Incluso una de las arias más famosas de la lírica occidental, La Donna È Mobile de Rigoletto, está basada presuntamente en unos versos suyos, seguramente embellecidos por la pluma de Víctor Hugo.

Sea como fuere, lo cierto es que Francisco I no sólo persiguió la caza y las mujeres. Fue un rey absoluto en el más pleno sentido de la expresión. Fue un rey poderoso, y fue un rey culto. Invitó a su corte a los artistas más egregios de su época, formó un equipo de buscadores de libros para aumentar la biblioteca de la corona y las crónicas dicen que incluso los leyó. Guerreó con suertes diversas pero lo hizo a menudo en primera persona y al frente de sus ejércitos, lo que le trajo algún que otro quebradero de cabeza en su eterna lucha contra el emperador Carlos V. Y, desde sus primeros años en el trono, no paró de construir castillos, un tipo de construcción que, paradójicamente, ya no servía para nada.

Todo este amor por el disfrute cotidiano, todo este despliegue de poder, ego y riqueza, todo este desprecio por las cosas mundanas se encuentran de forma nítida en el fabuloso Castillo de Chambord, hoy quizá el más impresionante de los que componen los Castillos del Loira.

El Capricho de Chambord

El Castillo de Chambord, una verdadera enormidad únicamente en lo que a la construcción se refiere, están rodeado de un muro de dos metros y medio de alto que se extiende a lo largo de 32 kilómetros. Fue la muralla más larga de Francia y su objetivo no era evitar la aproximación del enemigo sino el escape de los animales. Porque Chambord era un castillo sólo formalmente; en realidad era un parque de caza para el rey.

El edificio consta de 440 habitaciones, 365 chimeneas, y 84 escaleras. Las habitaciones no estaban amuebladas ni decoradas, sino que era la corte la que debía traer consigo, para cada estancia, los muebles, tapices y utensilios necesarios para toda la comitiva. Si la construcción fue cara, carísimo también iba a ser su uso. Y una pesadilla logística.

El emplazamiento es una zona boscosa junto al Loira, alejada de cualquier ciudad, pueblo o aldea donde se pudieran satisfacer necesidades mundanas impropias de un rey absoluto, como por ejemplo la cuestión de vituallas. Sin mercados cercanos donde comprar, la comitiva también tenía que ocuparse de trasladar su propia comida. Las estancias venían por tanto con fecha de caducidad.

El castillo fue construido por jefes de obra y albañiles franceses, utilizando las técnicas de construcción que habían aprendido de sus antepasados, es decir, técnicas de construcción medievales. Pero había sido diseñado por arquitectos italianos, pues era esa la arquitectura de moda y el ejemplo a seguir, no sólo por sus cualidades estéticas sino por sus reminiscencias clásicas y su inspiración en la Roma de los Césares. Francisco, que había recibido una educación humanista y hablaba italiano a la perfección, encargó el trabajo a Domenico da Cortona, aunque son cada vez más los que atribuyen al menos parte del diseño (en especial la gran escalera del interior) a Leonardo da Vinci, que pasó sus últimos años al servicio del rey francés en el cercano castillo de Amboise.

Los arquitectos italianos añadieron, a los recios muros del castillo, arcadas, pilastras y enormes ventanales más apropiados para el clima de la Toscana o del Lazio que el del norte de Francia. Añadidas al enorme tamaño de las habitaciones –pues todo en Chambord se hizo a escala colosal– y a la altura de los techos, dificultaban no poco la tarea de calentar el castillo.

Para terminar el repaso al capricho de Chambord, cabe recordar lo ya esbozado antes: que la construcción de castillos en pleno siglo XVI era ya un rémora, una inutilidad basada más en el prestigio y en la nostalgia que en la verdadera necesidad militar. En la Edad Media los castillos habían sido fortalezas inexpugnables, pero en la era de la pólvora y la artillería ni siquiera los enormes torreones circulares de Chambord habrían podido resistir mucho tiempo un asalto decidido. Construir un castillo era totalmente innecesario y la protección que garantizaba era más simbólica, estética o ideológica que real. Más aún en pleno corazón de Francia, lejos de cualquier ciudad importante y a cientos de kilómetros de cualquier frontera.

El propio Francisco I acudió a Chambord pocas veces, y la historia posterior del edificio es una sucesión de ocupaciones interrumpidas e insostenibles. Probablemente nunca haya tenido el castillo una función más útil y sensata que la que tiene ahora como atracción turística, pues los turistas suelen traer su propia comida y no se quedan a pasar la noche.

El Castillo de Chambord

Con todo, no cabe duda de que el castillo de Chambord es una belleza y una maravilla de la arquitectura. Y no sólo por su grandeza sino por su originalidad y su buen gusto. Por su mezcla de decoración renacentista y fábrica medieval. Por el juego de las torres que, casi al modo orientalizante de los alminares, decoran sus tejados con fantasía romántica, como si quisieran subrayar el carácter entre nostálgico y juguetón del edificio, o como si quieran burlarse de los recios torreones que los “protegen”.

Los detalles clásicos y renacentistas de Chambord son abundantes. Incluyen la sucesión de pilastras que rodea toda la fachada, los capiteles con pequeñas cabezas talladas, las conchas que adornan los frisos o las balaustradas de las terrazas. También en la combinación de los materiales (las fachadas están hechas de piedra caliza proveniente de canteras locales del valle del Cher, los tejados son de pizarra), en la que algunos han querido ver un intento de imitar la policromía de los mármoles del Renacimiento italiano.

En la fachada trasera, que fue entrada para los obreros y ahora es entrada para los turistas, se aprecia mejor la inutilidad defensiva del castillo. Los muros por ese lado no se completaron hasta un siglo después de la muerte de Francisco I, obra ya de Jules-Hardouin Mansart, y son considerablemente más bajos que los de la fachada principal. Los grandes torreones de las dos esquinas traseras, que habían de ser idénticos a las delanteras, se quedaron sin terminar y sólo alcanzan el nivel de los muros.

Maravilla aparte es el tejado, que no sólo cuenta con terrazas con impresionantes vistas, desde donde Francisco quizá esperaba que las mujeres de la corte admirasen sus hazañas cazadoras, sino que dibuja un bosque fantástico de pináculos, claraboyas y tiros de chimenea, donde la exuberancia de la ornamentación queda subrayada por la policromía de la piedra taraceada con pizarra.

El interior del castillo tiene las habitaciones agrupadas en apartamentos independientes, un rasgo peculiar y tradicional de los castillos franceses, y un elemento extremadamente original: la excepcional escalera de doble espiral situada justo en el centro, que permite subir y bajar pisos sin que los circuitos de subida y bajada se crucen, sin que siquiera se vean sus ocupantes.

Este atributo de la escalera, unido a la disposición central del edificio, a las torres semejantes a alminares y otros detalles menores han llevado a varios especialistas a atribuir a Leonardo da Vinci, si no todo el plan, sí al menos la concepción original del proyecto. La tesis hoy más apoyada es que Domenico da Cortona, que ya estaba al servicio de Francisco I cuando Leonardo llegó a la corte en 1516, pudo tomar el proyecto que el maestro había trazado para el ambicioso palacio de Romorantin, proyecto que quedó abandonado, y lo adaptó a las nuevas exigencias del castillo de Chambord. En cualquier caso, dada la inexistencia de documentación, la participación de Leonardo siempre quedará en una –plausible– hipótesis.

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