Se cumplen quinientos años de la muerte en Roma de Rafael Sanzio. Nació en Urbino, en abril de 1483. En su breve vida, sólo treinta siete años, el maestro del alto Renacimiento italiano tuvo tiempo de dejar una prolífica obra que es imprescindible para entender, no sólo las claves del clasicismo, sino las de muchos pintores posteriores.

Sus restos descansan por deseo propio en el Panteón de Agripa de Roma bajo un epitafio que resume el alcance de su obra:

Unas líneas sobre la vida de Rafael de Sanzio

Aclamado en vida como arquitecto, diseñador y pintor, creció como artista en Florencia, Roma, Urbino y Perugia (a las órdenes de «Il Perugino», cuya influencia en su obra fue notable).

Trabajó bajo el mecenazgo de los más influyentes de su tiempo como la corte de los Montefeltro de Urbino, para quienes trabajara su padre, como pintor y poeta, y fue bajo el apoyo de los papas Julio II y León X cuando gozó de reconocimiento y lujos, ya en su época romana.

Contemporáneo de Leonardo da Vinci y Miguel Ángel compuso con ellos una especie de triunvirato artístico nunca más repetido en la Historia del Arte. Fue también contemporáneo de una pléyade de genios italianos como Bramante, Antonio da Sangallo el Joven, Bellini, Giorgione, Tiziano o Tintoretto. Nombres que son sólo la parte más visible de una época irrepetible.

La obra de Rafael Sanzio en el mundo

Para recorrer la estela de Rafael de Sanzio hace falta un largo viaje. Sus obras se encuentran repartidas por diversos museos del mundo. Claro que es en Italia donde se conserva la parte más densa de su obra.

En Roma la cita con Rafael está en El Vaticano, en la Galería Borghese, en la Galería de Arte Antiguo, en la Galería Doria Pamphili, o en la Villa Farnesina en el Trastevere romano. En Florencia hay obras en Galería Ufizzi y en el Palacio Pitti. También lo encontramos en el Palacio Ducal de Urbino, en el Museo de Capodimonte de Nápoles o en la Pinacoteca de Brera en Milán, entre otros lugares del país.

Fuera de Italia hay obras en el Louvre parisino o en el Museo Condé de la ciudad francesa de Chantilly. En la National Gallery, de Londres. En el Hermitage de San Petersburgo. En la Alte Pinakothek de Múnich, y en la Gemäldegalerie Alte Meister de Dresde. En la Galería Nacional de Arte de Washington y en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York. Y ya en Madrid en el Thyssen-Bornemizza y en el Museo Nacional Del Prado.

Hoy nos acercamos a Rafael Sanzio en una visita al museo de los museos de España: El Museo del Prado. Aunque en los fondos del Museo hay ocho obras de Rafael, sólo hay cinco expuestas. Todas ellas están en la Sala 049.

Obras de Rafael de Sanzio en el Museo Del Prado

Sagrada Familia del Cordero

Esta Sagrada Familia la pintó Rafael en 1507 y es un óleo sobre una tabla de 28 x 21,5 cm.

Durante los cuatro años que Rafael vivió en Florencia, asimiló las influencias de Miguel Ángel y Leonardo. De aquella época es esta tabla que forma parte de una serie de madonnas que representan distintas miradas sobre el tema del amor maternal. Concretamente esta Sagrada Familia bebe de un dibujo preparatorio que hizo Leonardo da Vinci. Estaba destinado para el altar mayor de la Annunciata de Florencia pero no llegó a realizarse.

Las claves de esta obra son la conversación de los personajes, que consigue Rafael con la disposición de los cuerpos y la dirección de las miradas. La sutil sugerencia de un descanso en la huida a Egipto la explica con una escena secundaria en la que se ven unos personajes caminando por un sendero.

La presencia de elementos arquitectónicos no italianos, que aparecen en el paisaje, debió tomarlos de grabados nórdicos. En cuanto a los elementos de botánica, que ocupan el primer plano, tienen una clara influencia de Hans Memling. Rafael conoció la obra de este pintor alemán, miembro de la escuela flamenca, en la Galería de los Ufizzi de Florencia.

El pintor Carlo Maratta compró esta obra para el rey Felipe V en 1724. Estuvo expuesta en el Monasterio del Escorial y de allí pasó al Museo del Prado en 1837.

El Cardenal

Este extraordinario retrato lo realizó Sanzio hacia 1510. Es un óleo sobre tabla de 79 x 61 cm. El protagonista del retrato no ha sido identificado, aunque todo apunta a que sea Francesco Alidosi, cardenal de Pavía asesinado por el duque de Urbino en 1511.

Rafael nos presenta a un cardenal retratado sin adornos. Nos acerca a la psicología del personaje plasmando el porte y la mirada del retratado. Sanzio consiguió con este retrato fijar para la posteridad la imagen de un cardenal del Renacimiento.

Si la potencia de los rasgos del cardenal se quedan en la retina del espectador, las calidades la seda roja de la ropa, de clara influencia de la pintura veneciana, tampoco son fáciles de olvidar.

Su composición triangular entronca claramente este retrato con Leonardo da Vinci y en particular con la famosa Gioconda. Los cuatro años que permaneció en Florencia, cerca de Miguel Ángel y Leonardo, se reflejan poderosamente en la obra de Rafael, dicen que el joven de Urbino era una esponja.

Sagrada Familia con Rafael, Tobías y San Jerónimo, o Virgen del pez

Esta Sagrada Familia salió de las manos de Rafael entre 1513 y 1514 y es un óleo sobre tabla pasada a lienzo que mide 215 x 158 cm.

Mientras San Jerónimo, vestido de cardenal y acompañado a sus pies por el símbolo que lo representa, el león, lee la Biblia Vulgata -que él mismo tradujo-, María sostiene al Niño Jesús sobre el respaldo del trono en el que aparece sentada. El niño deja caer su brazo izquierdo sobre la Vulgata y dirige su mirada, como su Madre, hacia el joven Tobías.

El Arcángel acompaña a Tobías que aparece suplicando un milagro, y lleva en la mano un pez con el que sanará la ceguera de su padre.

En la Antigüedad, la ceguera era considerada un castigo divino y, como tal, era incurable salvo que mediara un milagro de Dios. Rafael de Sanzio refleja el momento de la súplica ante esta bellísima madonna y su divino Hijo, con una composición maestra llena de complejas formas triangulares, rectangulares y diagonales.

La obra que la adquirió el virrey de Nápoles para Felipe IV, pasó por la capilla del desaparecido Alcázar de Madrid. Luego por el Monasterio de El Escorial, para finalizar formando parte de las colecciones del Museo del Prado.

Caída en el camino del Calvario

Esta obra, conocida popularmente como «El Pasmo de Sicilia» porque, fue encargada para el Monasterio de Santa María del Spasimo de Palermo, está fechada entre 1515 y 1516, y es otro óleo sobre tabla pasada a lienzo, que mide 318 x 229 cm.

El cuadro tiene una compleja composición que Rafael diseñó en torno a dos diagonales. Ambas convergen en la figura de Cristo. La historiografía relaciona la composición con los cartones que realizara Sanzio para el Vaticano. Rafael tiene presente al realizar esta obra sus conocimientos de los grabados nórdicos de Durero y Lucas De Leyden.

En torno a este cuadro han circulado algunas leyendas. La más conocida nace del historiador de la época, Giorgio Vasari, que aseguraba que en el traslado a Palermo, el cuadro sufrió un naufragio del que milagrosamente se salvó. Relaciona así Vasari este milagro con el de la venerada imagen siciliana de la Annunziata de Trapani, que en la Edad Media se salvó milagrosamente de otro naufragio.

La expresión de la Virgen de «El Pasmo», de entereza y valor ante el sufrimiento de su Hijo, es una expresión buscada por el artista para reflejar la posición oficial de la Iglesia. Era un mensaje sobre la resignación cristiana y la generosidad de la Madre, que entregando a su Hijo se convierte en una madre universal.

Este cuadro lo consiguió el virrey de Sicilia para Felipe IV. Formó parte del altar mayor de la capilla del Alcázar para pasar después a la colección del Prado.

Sagrada Familia, conocida como la Perla

El sobrenombre de La Perla, según la tradición oral, le viene a este óleo sobre tabla de 147,4 x 116 cm., realizado en 1518, de la exclamación de Felipe IV al verla por primera vez. Ante el magnífico regalo de don Luis de Haro comentó: ¡He aquí la perla de mis cuadros!

La Perla estuvo en El Escorial hasta que las tropas francesas se la llevaran a París en 1813. Fue devuelta en 1818 al Monasterio y en 1857 pasó a la colección del Museo del Prado.

La escena, de composición piramidal, bebe de influencias leonardescas. Representa a María que abraza a su madre Santa Ana, que aparece muy meditativa. Mientras San Juan y Jesús, dos preciosos niños, interactúan entre miradas y ofrendas de frutas. La escena enmarcada en un fondo de paisaje, es observada por San José desde una ventana que aparece a la derecha del grupo.

La Perla esta considerada como obra de madurez. Faltaban sólo dos años para el fallecimiento del artista. La muerte le aguardaba a pocos meses del calendario. Agotado por el volumen de trabajo, cuenta Vasari que falleció por sus excesos amorosos con su amante La Fornarina. Aunque le demos credibilidad al comentario de Vasari, hubo también al parecer, algunos fallos médicos.

La obra fue analizada con reflectografía, descubriendo entonces que hubo cambios importantes sobre el dibujo previo, posiblemente destinados a restarle serenidad, para aportarle más tensión a la composición.

Esta es una obra en la que participan el maestro y su taller. A los expertos les cuesta mucho discernir hasta dónde llega la mano del maestro y dónde está el trabajo del taller.

Sagrada Familia del roble

Fechada entre 1518 y 1520, esta tabla de 144 x 110 cm., trabajada en óleo, se la regaló Niccolò Ludovissi a Felipe IV en 1640. Estuvo en el Monasterio de El Escorial en 1667, hasta que pasó a formar parte de la colección del Museo del Prado.

En una composición diagonal, la Sagrada Familia aparece protegida por un roble. El árbol, que le da nombre al cuadro, separa la escena principal del paisaje del fondo y de las ruinas de las Termas de Caracalla que se ven a la izquierda.

Mientras San José y la Virgen, apoyados en una ruina clásica, miran con ternura al niño, éste les devuelve una mirada juguetona y feliz. Junto al niño, San Juanito extiende un rollo con la inscripción Ecce Agnus Dei: «Este es el cordero de Dios». Esta frase hace referencia a la Pasión de Cristo quien se entregará en sacrificio, como la tradición judía hacía con los corderos, para salvar a los hombres del pecado.

Se sabe que la obra fue diseñada por Rafael, que probablemente también realizó un primer boceto, pero fue retocada por Giulio Romano, pintor que la terminó.

«La información sobre estas obras ha sido tomada de la web del Museo Nacional del Prado»

La entrada Rafael Sanzio en el Museo del Prado se publicó primero en Ruta Cultural.

El 18 de julio de 1972 Madrid celebraba la apertura al público del Templo de Debod, un templo del Antiguo Egipto con una historia en sus piedras de más de dos mil años. Procedente de la región de Nubia, fue erigido en pleno desierto en una meseta cuya inclinación miraba al valle del Nilo. Hoy se alza en un alto junto al paseo del Pintor Rosales (Parque del Oeste), en el mismo lugar donde se encontraba el Cuartel de la Montaña desaparecido en la Guerra Civil.

Desde esta atalaya madrileña se disfruta de unas vistas espectaculares. Los cultos a los dioses Amón, Isis y Osiris se han tornado en visitas a la historia y a la arquitectura del mundo egipcio. Ver atardecer desde el exterior del templo es un reclamo que concentra a muchos madrileños y foráneos, no es de extrañar, son unos minutos que merecen la pena.

¿Cómo llegó el Templo de Debod a Madrid?

El Templo de Debod está en Madrid como recompensa por la ayuda española tras un llamamiento internacional: La Campaña de Salvamento de los Monumentos de Nubia, que lanzó la Unesco y que tuvo una gran respuesta de participantes y ayudas técnicas, científicas y económicas, que salvaron entre otros el emblemático templo de Abu Simbel. España participó en esta campaña, ante la que el gobierno de Egipto decidió donar algunos templos a los países participantes. La donación no estuvo exenta de problemas entre los gobiernos, pero al final se entendieron y hoy Madrid disfruta de este hermoso testigo de la historia del país de las pirámides.

El templo se desmontó y sus piezas se enviaron a la isla Elefantina. De allí fue trasladado a Alejandría para llegar años después al puerto de Valencia desde donde se trasladó a la capital de España. El gobierno español decidió montar el templo en Madrid, y el lugar elegido fue este promontorio para el que se habilitó un parque cuyo motivo central es el monumento egipcio, situado sobre una plataforma rodeada por un estanque.

La instalación no fue fácil, se habían perdido muchas piezas de las partes exteriores (fachada y vestíbulo). Se tuvo que afrontar una restauración que se hizo bajo los principios de las anastilosis (diferenciando con claridad las piezas nuevas de las antiguas). También su interior había sufrido un deterioro importante, como la pérdida del cromatismo de sus relieves y pinturas, porque durante años estuvo expuesto a las inundaciones provocadas por la primera presa de Asuán, que lo cubrían nueve meses al año.

El tema de la conservación del monumento en su nuevo emplazamiento ha suscitado mucha polémica. No parece muy conveniente su uso, como así ha sido, para pases de cine de verano o de teatro, para anuncios publicitarios o spots musicales. Además está la contaminación y el clima de Madrid que le han afectado de manera importante. Según la Carta de Venecia sobre la conservación de un monumento histórico, la conservación y utilización de este templo no cumplía los preceptos mínimos.

Al ser declarado en 2008 Bien de Interés Cultural las expectativas sobre su conservación han alimentado esperanzas en ese sentido. El problema de la temperatura en el interior del templo se está intentando solucionar en la actualidad mientras permanece cerrado a las visitas, y se habla de su apertura en febrero de 2019.

Las historias que guarda en su interior el Templo de Debod

Su construcción, que se dilató en el tiempo durante aproximadamente doscientos años, comenzó en época ptolemaica. Situado en la frontera entre el reino nubio de Meroe y el Egipto de los Ptolomeos, formó parte, desde sus principios, de un itinerario religioso que unía Tebas con la isla Filé, donde según la religión egipcia, Isis dio a luz a su hijo Horus.

Al parecer el templo era el santuario dedicado a Amón e Isis, y el núcleo central de una ciudad a la que posiblemente le daba nombre al templo: Debod. Pero los restos arqueológicos no dan muchos datos sobre ella.

Amón, dios protector de Tebas, es uno de los dioses más representados de Egipto, es el dios del viento, de los pobres y de la piedad personal. Osiris es el dios egipcio de la resurrección, la vegetación y la agricultura, símbolo de la fertilidad y regeneración del Nilo. Su esposa Isis, que siguió siendo venerada en el mundo grecorromano, fue la artífice de la resurrección de Osiris (asesinado por su hermano Seth, dios de la fuerza bruta, de lo tumultuoso, lo incontenible), concibiendo un hijo suyo: Horus, el dios del cielo, de la guerra y de la caza. Vinculado a la realeza, el faraón era la representación de Horus en la tierra.

Los devotos romanos de Isis celebraban fiestas en su honor como la Navigium Isidis. Una fiesta celebrada en la primera luna llena después del equinoccio de primavera. Se formaba una procesión en la que la diosa salía del templo llevada por sacerdotes en un cortejo con música y danza. En esta procesión algunos personajes iban adornados con una máscara de Anubis. El cortejo llegaba a la costa y embarcada a Isis en una nave de madera decorada con ofrendas florales. Se abría así la temporada de navegación.

Con la tradición católica la Navigium Isidis se dividió en Pascua (la resurrección después del equinoccio de primavera), embrión lejano de la Semana Santa, y el Carnaval (carrus navalis, la procesión de las máscaras).

En el primer milenio antes de Cristo, tanto Egipto como su vecina Nubia, construyeron templos dedicados principalmente a Isis. Como el templo de Debod que compartió su dedicación con Amón. El templo de Isis en File era un centro religioso para egipcios y nubios por igual. El poder mágico de esta diosa era mayor que el del resto de dioses; protegía al reino de sus enemigos, gobernaba los cielos y la naturaleza y tenía poder sobre el propio destino. Algunos de sus devotos decían que Isis abarcaba todos los poderes divinos femeninos del mundo.

Los templos ptolemaicos se caracterizan en general por el "horror vacui" «horror al vacío». Por ello como se ve en este de Debod sus muros, pilonos, pilastras, columnas, e incluso techos se cubren de relieves e inscripciones, en las que se repiten las escenas del faraón realizando ofrendas a los dioses.

Las distintas miradas que hicieron posible el Templo de Debod

Por lo dilatado de su construcción y por la historia de las distintas civilizaciones que habitaron la zona, el templo de Debod es un reflejo de las diferentes miradas religiosas a los dioses.

El origen del templo está en la "Capilla de los relieves" de su etapa Meroítica. Esta capilla, de difícil datación, es la parte más antigua y su construcción se debe al rey Adijalamani de Meroe, cuyo reinado se estima entre el 200 y el 180 a.C.

En época ptolemaica y a partir de esta pequeña capilla, se transformó y amplió el edificio, pero al no quedar a penas decoración, no se conocen los nombres de los faraones que estuvieron detrás de esta ampliación. Sólo por algunos nombres que quedan en las piedras y por los testimonios de viajeros se conocen tres faraones implicados en su construcción:

Ptolomeo VI Filómetor, faraón entre 180 y 145 a.C. que, con su hermana y esposa, Cleopatra II, aparece en la inscripción que figuraba en la gola del segundo pilono.

El siguiente faraón identificado en la ampliación del templo es Ptolomeo VIII, del 145 al 116 a.C., que le dedicó una naos o sagrario a la diosa Isis. Esta naos, destruida en el siglo pasado, era de unas dimensiones superiores a la que actualmente se conserva.

El último faraón ptolemaico del que se tienen datos en el templo es Ptolomeo XII, del 80 al 51 a.C., cuyos cartuchos aparecen en las inscripciones de la naos actualmente conservada, dedicada al dios Amón.

No es seguro que el resto de las estancias las realizaran éstos faraones o son obra de los siguientes reinados. La llegada de Roma pudo estar involucrada en ellas, pero no es seguro. Lo que sí es cierto es que el Imperio Romano dominó Egipto hacia el año 30 a.C. y, según los cartuchos que decoraban el vestíbulo y la fachada posterior del templo, documentados por algunos autores, mencionan a Octavio Augusto y a su sucesor Tiberio.

Los romanos añadieron elementos decorativos aunque no terminaron los programas. También intervinieron en su arquitectura, aunque tampoco esto lo terminaron, quedando el templo inacabado. Más o menos como lo encontraron los primeros viajeros europeos en los siglos XVIII y XIX

De la época romana sería el embarcadero que cerraba una vía sacra murada que conectaba el templo con el Nilo.

La relación entre el templo de Debod con el culto de Isis y su principal santuario, en la isla de Filé, salvó su existencia para asegurar el mantenimiento del culto a lo largo de los últimos siglos de dominación romana y comienzos de la bizantina.

Hacia el año 450 d.C., los nóbadas y blemmies se sublevaron contra los romanos y consiguieron un permiso para continuar con los cultos a la diosa y asistir a los festivales de Isis en Filé. Incluso procesionaban una escultura de Isis por la Baja Nubia para bendecir sus tierras.

Fue entre los años 535 y 537, cuando el emperador Justiniano, tras conquistar Nubia para el Imperio Bizantino, cerró el templo de Isis en Filé, lo consagró a San Esteban y puso fin a su culto en la zona.

No se sabe que el templo de Debod fuera dedicado a ningún culto cristiano, parece que no, por lo que fue abandonado para siempre. Al no ser reutilizado por credos distintos, su estructura quedó a salvo de modificaciones. Este hecho es, posiblemente, el que propició su conservación en los doce siglos que median entre su abandono y su redescubrimiento en el siglo XVIII.

En las etapas cristianas y árabe, apenas hay señales en sus piedras; sólo algunas cruces coptas en un pilono y en la capilla de la naos (posiblemente para exorcizar a los dioses paganos); unos grabados en sus fachadas exteriores en los que se ve una caravana de camellos y alguna inscripción árabe; y la mutilación del falo del dios Min.

Hubo también una vivienda en época medieval, y otras de cronología incierta, en el primer patio.

Los viajeros románticos y sus testimonios sobre el Templo de Debod

Atraídos por el exotismo de los países africanos, ávidos de aventuras y de conocimientos sobre otros modos de ver el mundo, desde finales del siglo XVIII y durante el siglo XIX, viajeros europeos, en su mayoría ingleses, alemanes y franceses (pintores, arqueólogos, historiadores o exploradores), se embarcaron en una aventura viajera que les llevó a conocer el Sur de Europa: Grecia, Italia, Portugal, España y, algunos países africanos como Marruecos y Egipto.

A ellos les debemos los testimonios gráficos de cómo eran estos rincones del mundo, que aunque mirados a través del tamiz del romanticismo, sirven hoy para ver la evolución de un patrimonio que pertenece a la historia de la humanidad.

Aunque algunos aprovecharon para llevar a sus países auténticas joyas pertenecientes a las culturas donde las encontraron, como los Mármoles del Partenón, que se exponen en el Museo Británico de Londres, o tantos tesoros artísticos de Grecia o Egipto que hay que buscar en Museos de Berlín. A pesar de los cuidados y de la difusión de los mismos, esto genera una polémica que sigue viva.

Pero volviendo a Madrid y al Templo de Debod, nos encontramos unos cuantos nombres de viajeros románticos, cuyos testimonios ayudan a entender su historia.

El capitán y explorador danés Frederic-Louis Norden, en su famoso «Voyage d’Egypte et de Nubie», publicación sobre el viaje que realizó en 1737, dejó el testimonio del estado del Templo de Debod en dos dibujos del monumento. El embarcadero, con sus muros delimitando la vía sacra que lleva al templo y el edificio principal que se conservaba íntegro, además de los tres pilonos. Y no aparecen las torres laterales, a excepción de una de ellas, en el segundo pilono, que permanecía aún en pie.

La primera descripción exacta del edificio que se tuvo en Europa la elaboró en 1813 el explorador suizo Johann Ludwig Burckhardt. Enviado para inspeccionar y detallar la zona por orden de Napoleón, a quien le debe la historia el nacimiento de la egiptología. Champollion (historiador francés que consiguió descifrar la escritura jeroglífica gracias al estudio de la piedra de Rosetta), visitó Debod, dejando una breve referencia del edificio.

En 1819, el arquitecto y arqueólogo alemán François-Christian Gau, (nacido en Colonia pero formado en París), proporcionó una valiosa información a través de sus dibujos del edificio y de sus relieves, en los que se ve aún completo, aunque se habían robado ya algunas de sus piedras, la torre del segundo pilono y parte del embarcadero.

Joseph Ssenkowsky, profesor de lenguas orientales en la Universidad de San Petersburgo, describía así el estado del templo en 1821:

"En Wadi Debod hay un pequeño templo de tan sólo 75 pies de longitud, en muy buen estado de conservación. Frente a él se hallan tres moles, alineadas, que sirvieron en su día de accesos a través de diversos muros que debieron rodear el templo. Hoy, tan sólo los restos del segundo de estos muros es visible. Este templo contiene, además del vestíbulo, siete cámaras de las cuales sólo la central está decorada con relieves. Parece que debió estar dedicado a Isis. Su proximidad a Filé me convence de que se trata de la antigua Parembole, lugar que se hallaba tan sólo a 16 000 pasos de Asuán".

David Roberts, un viajero y pintor romántico que desde su Edimburgo natal recorrió España (difundiendo una imagen de Andalucía pintoresca y exótica). En su periplo romántico llegó a Tánger y Egipto, donde entre 1846 y 1850 realizó una hermosa colección de dibujos de distintos monumentos del país de los faraones. Entre ellos se se encuentran los del Templo de Debod. Sus acuarelas y grabados muestran un templo cuya fachada está aún prácticamente intacta, aunque con pérdidas de sillares en su base.

Entre 1849 y 1851, el arqueólogo francés Máxime Du Camp realizó trabajos arqueológicos en la zona. En una de sus fotografías se ve en pie la fachada principal, aunque ya tiene pérdidas en su esquina norte, en la que se había derruido parte del muro. A partir de aquí las desdichas se suceden sobre el Templo de Debod.

Entre 1851 y 1875 se hunde definitivamente la fachada principal y una buena parte del vestíbulo. Se achaca a un terremoto que hizo temblar la zona en 1868, pero las sospechas apuntan más bien al robo de los sillares. El pillaje continuó impasible hasta que en 1907 comenzaron las obras de la segunda fase de la construcción de la presa antigua de Asuán, que inundaba los templos de la zona la mayor parte del año.

En 1907,el templo fue reconstruido por el arquitecto egipcio Al Barsanti. De esta época queda una obra fundamental para entender este edifico. La firma G. Roeder, quien estuvo encargado del estudio y descripción del mismo antes de que las aguas de la presa desmoronaran algunas partes, borraran las pinturas y desgastaran los relieves. Sólo se podía visitar en verano.

Después vino el salvamento internacional y el viaje a Madrid.

Qué hace único al Templo de Debod

Este santuario milenario varado a miles de kilómetros de su lugar de origen es, a pesar de estar construido por distintos ideólogos, el contenedor de un mismo mensaje: el breve paso por la vida es el camino hacia «el otro lado». Para ese viaje se preparaban en el Antiguo Egipto de maneras que aún hoy siguen estando llenas de misterio.

En cuanto a la arquitectura es una especie de milagro, del que se conserva lo esencial para entender su presencia en la lejana Nubia. En las líneas que siguen dejamos unas pinceladas breves sobre lo que verás cuando lo visites.

En el vestíbulo o pronaos hipóstilo hay un programa decorativo realizado por Augusto y Tiberio, (perdido en su mayor parte por el terremoto del siglo XIX y por el robo de sillares).

La antesala del naos de pequeñas dimensiones, es el lugar donde se distribuye al visitante entre las tres capillas de cabecera. En lo alto de esta sala un vano abocinado proporciona la luz necesaria, que llega desde la terraza, y que ilumina la capilla central y a los naoi.

La Sala de los naoi, que es la capilla central de la cabecera, tiene el único naos que se conserva en la actualidad y fue dedicada a Isis y a Amón de Debod.

La Capilla de Adijalamani o de los relieves es el núcleo arquitectónico del santuario, como vimos, es la parte más antigua conservada del templo y su estado de conservación, menos la policromía, es aceptable. Decorada con imágenes del rey adorando a los dioses y ofreciendo sacrificios.

Son motivos que relacionan el culto regio a los dioses de la zona y que vinculan a la monarquía con el ámbito sagrado. Consagrada al dios Amón de Debod y a divinidades como Isis, Hathor, Osiris, Horus, Apset, Mut y otros dioses. A Imhotep, el primer arquitecto conocido de la historia, lo encontramos en un lugar destacado en el acceso a la misma.

Mammisi es una palabra de origen copto que significa «lugar de nacimiento». Se supone, aunque hay discusiones al respecto, que es la sala donde Isis dio a luz a Horus, el dios egipcio del cielo, de la guerra y de la caza. Era el lugar de celebración del «misterio del nacimiento divino».

Se cree que esta fue última aportación que el Egipto romano hizo a la arquitectura del templo. Su construcción rompe la simetría axial del mismo. En su vestíbulo aparecen relieves realizados en tiempos de Augusto y Tiberio. En el muro sur hay una claraboya, una fuente de luz indirecta necesaria para las ceremonias que se celebraran en ella.

La Capilla osiriaca es la capilla-relicario de Osiris y está situada en la terraza, junto a la escalera ritual de acceso. Aquí se veneraba una reliquia de Osiris que tenían que proteger del agua de la lluvia porque no era beneficiosa para este Dios. Por eso está techada. En esta terraza tenían lugar importantes ceremonias solares, como el Ritual de Año Nuevo.

Hay unas capillas en la cabecera que flanquean la capilla del naos y que se atribuyen a Osiris. Se conserva también el Ouabet, que era el lugar de purificación de los sacerdotes antes de acceder al templo.

El Templo de Debod es uno de los pocos templos ptolomaicos que tenía criptas. La principal es la Cripta del Tesoro donde se guardaban las estatuas de los dioses hechas con materiales nobles. Hay otra cripta que se cree que fue el llamado Laboratorio, donde se producían y guardaban los perfumes de las divinidades.

El Templo de Debod ha ido acumulando más de doscientos grafitos en su exterior. Los hay hechos por los antiguos fieles, por posibles eremitas cristianos, por religiosos islámicos y por los viajeros y exploradores del siglo XIX. Estos grafitos han sido una valiosa información para los estudios de su historia.

Entre los grafitos de Debod destacan caravanas y rebaños de dromedarios, una gacela, una barca de remos, cruces patadas (coptas), contabilidades, inscripciones griegas, coptas, árabes (de carácter religioso) y una treintena de firmas de viajeros.​

Y en la terraza del templo hay depositados varios bloques de sillares con los que se ha formado un pequeño museo. En ellos hay jeroglíficos, datos incompletos en alguna estela, fragmentos de columnas del vestíbulo y una maqueta de la Baja Nubia sobre los que ofrecen información unos audiovisuales.

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Vanitas vanitatis son dos términos relacionados con un pasaje del Eclesiastés: «Vanitas vanitatum omnia vanitas» («Vanidad de vanidades, todo es vanidad»), que intenta transmitir la inutilidad de los placeres mundanos ante la certeza de la muerte y el absurdo intento del hombre de parecerse a Dios, olvidándose de que es un ser mortal y finito.

Vanitas es un término latino que podemos traducir por vanidad, en el sentido de insignificancia. Asimilable a la expresión "en vano".

En el mundo del arte se denominan "Vanitas" a una categoría de bodegones que se practicaron mucho en la época barroca, sobre todo en Holanda. Pero la vanidad y la muerte se han tratado en el mundo del arte antes y después del Barroco.

Autores como Dalí, Picasso o el controvertido contemporáneo Damien Hirts (un ejemplo es su famosa calavera de diamantes), han interpretado el tema de la vanidad y del memento mori bajo la mirada de su tiempo.

Durante el Barroco se desarrolló de una manera especial la percepción de la debilidad del ser humano, la fugacidad de la vida y la presencia de la muerte. La sensación social de la situación del hombre estaba en el siglo XVII en un clarooscuro continuo; de la lujuria de las fiestas barrocas, en las que se combinaban la celebración religiosa con la risa y los placeres sensoriales, lo sagrado con lo profano, se pasaba a entonar el mea culpa en iglesias y manifestaciones populares. Fue en esta época cuando empezaron a tomar fuerza los desfiles procesionales de la Semana Santa.

El arte reflejó esta situación utilizando de manera dramática la luz y las sombras en busca del impacto, la conmoción del espectador. Y los bodegones llamados "Vanitas" fueron una ayuda muy útil en la predicación devocional. Eran mensajes "moralizantes" que proliferaron en el siglo XVII, con un mensaje claro: el "memento mori" (recuerda que has de morir). Tanto en el Norte como en el Sur de Europa, en el ámbito cristiano y en el protestante, se usaron una simbología e intenciones muy parecidas.

Pero sin ser bodegones al uso, hubo otros pintores, como Caravaggio, que se acercaron a las "Vanitas" desde un punto de vista muy personal, incluyéndolos en representaciones de santos. Antes del barroco ya hubo grandes pintores, influenciados por las ideas medievales, que relacionaron la muerte y el pecado, como lo hicieron por ejemplo El Bosco o Brueguel el Viejo, o Tintoretto en el Renacimiento con su alegoría de la muerte.

El tema de las vanitas se llevó a la escultura e incluso a la arquitectura como en la capilla Magadalenenklause, construida en los jardines del Palacio Nymphenburg de Múnich. Una vanitas arquitectónica levantada en un jardín idílico para meditar sobre lo efímero de la vida.

Estamos en vísperas de una celebración muy especial, el Día de todos los Santos y el Día de los difuntos. Son fechas en las que se visitan los cementerios y se celebran cultos para honrar a los que se fueron y rogar por su descanso eterno.

Traemos aquí unos cuantos ejemplos que recuerdan a través del "memento mori" la fugacidad de la vida, con un mensaje claro por nuestra parte, el que acuñó el poeta romano Horacio: "Carpe diem, quam minimum credula postero" (Aprovecha el día, no confíes en el mañana).

1-El Jardín de las Delicias. Jheronimus van Aken el Bosco

Comenzamos este acercamiento a la representación del pecado y la muerte en el mundo del arte con una obra fascinante. El Jardín de las Delicias de El Bosco. En él el maestro holandés va desgranando la creación del mundo, desde el tercer día, cuando se separan el cielo y la tierra (imagen del tríptico cerrado).

En las tres tablas interiores de la obra, El Bosco nos empuja a entender el mundo desde la Creación del hombre (tabla de la izquierda), a la inconsciente felicidad del Jardín de las delicias (tabla central) y al destino inevitable en el Infierno musical (tabla derecha).

Hay mucho de vanitas en estas tablas enigmáticas y sarcásticas, pero en el recorrido por las etapas de la presencia del hombre en la tierra, son, la tabla central (el Jardín de las delicias) y la derecha (el Infierno), las que nos sirven para encabezar este recorrido por las vanitas.

En el Jardín de las delicias El Bosco nos presenta una situación de la humanidad inmersa ya en el pecado, especialmente el de la lujuria, aunque toca otros como la avaricia, que lo llevan a la perdición. Escenas eróticas heterosesuales, homosexuales y onanistas llenan la tabla de personajes entregados al disfrute. Entre los numerosos desnudos aparecen muchos tipos de frutas, en clara alusión a los placeres sexuales. En la Edad Media "coger la fruta" significaba tener comercio carnal. Además las frutas son un símbolo de la fugacidad de la vida y del placer, por su rápido deterioro.

Los animales que vemos en esta tabla se han interpretado como un símbolo de lujuria y los estanques de agua son símbolos de concupiscencia. Las mujeres que están en el interior del estanque van tocadas con cuervos e ibis, símbolos de vanidad, que veremos después en los bodegones de vanitas.

En la parte inferior derecha de la tabla un personaje vestido, el único, que mira al espectador mientras señala a la culpable de toda la situación: Eva, la que trajo el pecado al mundo. El arte occidental ha dejado auténticas maravillas respecto al erotismo, en las que siempre aparece la mujer como provocadora de los pecados.

Y como la humanidad ha caído en desgracia, sólo tiene un destino posible: el infierno.

La tabla del infierno, conocida como "EL infierno musical" porque está llena de instrumentos musicales (no se sabe porqué El Bosco relaciona la música con el castigo eterno), es la más sombría de las tres y explica que los innumerables tormentos que esperan a la Humanidad serán el pago por sus desmanes.

Personajes que defecan monedas, juegos de cartas y dados, en clara alusión a la avaricia, envuelto todo en un caos de torturas y confusión. Una sombría visión de las consecuencias de los pecados del hombre.

Se necesitan muchas horas para transitar esta maravilla datada entre 1500 y 1505, que se puede ver en el Museo del Prado de Madrid. Siempre hay algo en ella por descubrir.

Su influencia como obra moralizante ha sido enorme y muchos de los símbolos que en ella aparecen han inundado las obras de Vanitas del Barroco: juegos de mesa, monedas, instrumentos musicales, frutas, aves, etc.

2-El triunfo de la muerte. Pieter Brueghel el Viejo

Este cuadro que también se puede ver en el Museo del Prado de Madrid, lo realizó el maestro flamenco en 1562, un siglo antes de que nacieran los bodegones de Vanitas. Lo compró Isabel de Farnesio, la madre de Carlos III, en el siglo XVIII y pasó a la colección del Prado en 1827.

Es una obra moralizante que te sitúa ante el triunfo de la muerte sobre las cosas mundanas. Ésta está simbolizada por un gran ejército de esqueletos que arrasan la Tierra. Y dentro de él ya podemos ver algunas Vanitas (miradas con la sátira de Brueghel).

En la esquina derecha del cuadro encontramos un reloj de arena, marcando el final de la vida de un rey que tiene cerca unos barriles llenos de monedas (dos objetos muy utilizados en los bodegones de Vanitas). Al rey de nada le sirven ni el escudo, ni su apariencia lujosa, ni su alto rango para perecer como los demás.

Justo en la esquina contraria una pareja de enamorados son incapaces de ver que el músico que deleita su arrobamiento no es otro que un soldado de la muerte.

Influenciado por El Bosco, Brueghel inunda el cuadro de una desoladora realidad; la muerte es la vencedora inapelable ante la que es inútil resistirse. Entre los personajes desesperados, unos luchan contra lo evidente mientras otros se resignan a lo que les espera.

3-Vanitas. Anónimo holandés

En esta tabla datada en el siglo XVII, de la que se desconoce el autor, vemos una mirada sarcástica, típica de los maestros holandeses, al género de "Vanitas". El viejo avaro, sólo y rodeado de objetos que aparecen apiñados sin sentido decorativo, pura avaricia, mira asombrado al esqueleto que lleva colgado un bolso verde, ¿que llevará dentro?. Tocado con un sombrero de plumas, le dedica una canción antes de llevárselo.

Hay un cuadro, a la izquierda de la composición, en el que se ve la advertencia que ya le hizo el tétrico músico en la juventud: "memento mori": recuerda que vas a morir.

Los animales de las esquinas son también un divertido mensaje del anónimo autor. El lujurioso mono, que acaricia tranquilo la esfera terrestre mientras fuma (el tabaco como placer e indicio de mortalidad), parece expresar que con él no va la cosa, mientras el perro, símbolo de fidelidad, puede que se refiera aquí, a la interpretación iconográfica que utiliza a este animal para acompañar a los muertos en su tránsito por la laguna Estigia en su camino hacia el Hades, aunque en esta escena, el perrillo parece ladrar asustado ante el tétrico cantante.

4-Leonard Kern. El infante dormido o la alegoría del tiempo.

Del escultor alemán Leonard Kern, que se llevó de su estancia en Roma el amor por el arte clásico, traemos este "Niño Dormido" que realizó en marfil en el siglo XVII.

Es una obra de "Vanitas", que representa una alegoría del tiempo. Se puede ver en el Departamento de Artes decorativas del Louvre de París.

Sus escasos treinta centímetros retratan con una maestría, podríamos decir que minimalista, la esencia de las "Vanitas". Apoyado el brazo, sobre el que descansa su laureada cabeza, en una calavera (memento mori), que corona un reloj de arena, utilizado como un pedestal, mientras mide el tiempo de la vida.

La antorcha invertida entre sus piernas reafirma la sentencia de la muerte. El laurel que provoca sueños premonitorios, corona la cabeza del niño, que dormido nos envía un mensaje inequívoco.

5-Clara Peeters. Alegoría de la Vanidad

La pintora flamenca Clara Peeters nos dejó en este posible autorretrato del siglo XVI un bodegón Vanitas, que es una alegoría de la vanidad. La obra pertenece a una colección particular.

En ella se muestra vestida de manera lujosa, con un espejo abierto en la mano y apoyada en una mesa repleta de objetos que no son otra cosa sino muestras simbólicas utilizadas en las Vanitas.

Monedas, joyas, flores a punto de marchitarse, la bola de cristal que refleja lo que ha de venir y el generoso escote que deja ver sus pechos turgentes. Hay aquí mucha materia de la que vimos en el Jardín de las delicias.

6-Michelangelo Caravaggio. San Jerónimo escribiendo

Este "San Jerónimo escribiendo" fue una de las últimas obras de Caravaggio en su etapa romana, que se puede ver en la Galería Borguese de la ciudad eterna.

En él el santo escritor de la Vulgata aparece pobremente vestido y acompañado de una calavera para no olvidar el "memento mori".

Lejos de representarlo acompañado con el león, compañero iconográfico de este santo, reduce sus atributos al mínimo, lo representa en la pobreza más absoluta y absorto en su trabajo de escribir. Esta es una Vanitas moralizante, con un mensaje claro de cuál es la actitud a tomar si se quiere afrontar el momento de la muerte sin miedo al infierno.

La austeridad que transmite San Jerónimo fue inspiradora de la Orden de clausura monástica que lleva su nombre, que ha llevado su voz a tantos rincones de Europa. En su nombre se han fundado monasterios por muchos lugares, pero como vimos en nuestro recorrido por el Monasterio de Los Jerónimos de Belem, o el extraordinario Monasterio del Escorial, la vanidad de sus creadores se alejó mucho del mensaje del santo ermitaño.

7-Juan Valdés Leal. Las postrimerías de la vida

El maestro del barroco sevillano de cuya obra se puede ver una amplia muestra en el Museo de Bellas Artes de su ciudad, dejó en la Capilla del Hospital de la Caridad dos cuadros de Vanitas, fechados hacia 1670 que son considerados como obras cumbres de este género, no sólo por la magnífica factura técnica de ambos, si no por el nivel intelectual que derrochan.

Inspirado por "El discurso de la verdad" que escribió Don Miguel de Mañara, fundador del Hospital de la Caridad de Sevilla, Valdés Leal pintó dos lienzos conocidos como «Las postrimerías de la vida», que cuelgan en la Iglesia de San Jorge en el citado Hospital.

El primero lo tituló: In ictu oculi (En un abrir y cerrar de ojos).

La muerte, representada por un esqueleto que lleva un ataúd bajo el brazo, destroza con su guadaña la esfera celeste, mientras en un "abrir y cerrar de ojos" apaga la vela de la vida dejando sin sentido alguno los restos desordenados de todo lo que tiene poder en el mundo: una corona, una tiara, ricos vestidos y libros de eruditos científicos y de historia.

Entre éstos hay uno abierto por un grabado de Theodor van Thulden sobre un dibujo de Rubens: es uno de los arcos triunfales con que fue recibido en Amberes el cardenal-infante don Fernando de Austria tras la batalla de Nördlingen. Entre los que aparecen cerrados se ve el nombre de Plinio (quizá su Historia Natural) y la primera parte de la Historia y la vida de Carlos V, de fray Prudencio de Sandoval.

Pero las glorias del mundo acaban en el segundo cuadro: "Finis gloriae mundi" (El fin de la gloria del mundo), con dos cadáveres en descomposición en primer plano; un obispo y un caballero calatravo, como lo fue Mañara.

La muerte, paso previo para el juicio del alma, aparece como un brazo, como en un rompimiento de gloria, cuya mano sostiene una balanza con las inscripciones: Ni más, Ni menos.

En el platillo de la izquierda se pesan los pecados capitales. Sirviéndose de animales simbólicos, Valdés Leal pesa la soberbia, la gula, la avaricia o la pereza. No se necesita más para caer en pecado mortal.

Mientras que en el de la derecha, representado por rosarios, libros y enseres de iglesia, explica que no se necesita menos que la oración para salir de él.

Este "menos" enlaza con el discurso iconográfico desarrollado en la serie de cuadros de Murillo en la nave del templo. Todo el discurso artístico en esta iglesia lleva a la obra de Miguel de Mañara.

8-Antonio Pereda. La vida es sueño

Del vallisoletano Antonio Pereda traemos aquí un óleo fechado en 1650 que se puede ver en La Real Academia de las Artes de San Fernando de Madrid, titulado "El sueño del caballero".

La obra describe cómo un ángel le muestra a este caballero, vestido elegantemente a la moda del siglo XVII, entregado en los brazos Morfeo, lo efímeros que son los placeres, las riquezas, la gloria y los honores.

Una colección abigarrada de objetos, que hemos visto repetidos a lo largo de este artículo: joyas, monedas, una vela apagada, juegos, armas, un reloj, la onmipresente calavera y una careta que simboliza la hipocresía. Con ellos el autor va desgranando la advertencia del ángel, que le muestra un jeroglífico en el que una flecha vuela sobre el sol, con tanta velocidad como pasa el tiempo de nuestras vidas.

9-Cézanne. Pirámide de calaveras

Este óleo de Cézanne fechado en 1901, pertenece a una colección particular. Realizado cinco años antes de su muerte, la composición es un tétrico "memento mori" que tiene toda la fuerza de las pinceladas del maestro que sembró las bases del cubismo.

No se sabe si Cézanne, el pintor de Aix-en-Provence, realizó estos cuadros como consecuencia de ver cerca su final (hizo varias "Vanitas" en sus últimos años), o simplemente como otro tipo de bodegones, pero cambiando sus famosas manzanas por estas calaveras.

10-Carpe Diem. Mosaico romano de Pompeya.

Terminamos este recorrido con una loa al "carpe diem" representado en este mosaico romano, hallado en la libertina ciudad de Pompeya, al que le dieron el nombre de "Scheletro copiere" (esqueleto copero). Se expone en el Museo Arqueológico de Nápoles.

No es el único "carpe diem" encontrado en la ciudad de Pompeya representado en el viejo arte del mosaico. Formaban parte estas obras de los suelos del comedor de algunas casas insignes.

Aunque algunos historiadores relacionan estas obras con las religiones mistéricas orfico-dionisíacas, la interpretación más apoyada, a la que ayuda el lugar de la casa donde se encontraron, es que se trata de un claro "carpe diem". Una invitación a disfrutar de los placeres de la vida, en este caso los placeres de la mesa y más concretamente del buen vino: «mientras te quedas como yo, aprovecha y disfruta», parece ser el mensaje del viejo esqueleto compuesto con pequeñas teselas de piedra en blanco y negro, que ha llegado a nuestros días.

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Madrid disfruta de un lujo conocido como el «Triángulo del Arte» en el que se encuentran tres magníficos museos; el Museo Del Prado, el Museo Reina Sofia y el Museo Thyssen. Triángulo del que forman parte también las Salas de Caixaforum y las cercanas de la Fundación Mapfre. No muy lejos hay otra joya que conserva las huellas arqueológicas de la historia de España: el Museo Arqueológico Nacional. Son los más visitados. Pero Madrid tiene una oferta museística impresionante. Hoy nos acercamos a otros museos de Madrid, una serie de pequeños museos interesantes por su temática, tranquilos de visitar por el menor aforo a sus salas, y siempre enriquecedores.

Ya nos paseamos en Ruta Cultural por dos edificios de conservan en su interior auténticas joyas de inexcusable visita, no son oficialmente museos, pero no se los pierdan, son La ermita de San Antonio de la Florida y el Monasterio de las Descalzas Reales.

Contenedores del conocimiento humano, ya sea artístico, científico, técnico o histórico, nos acercamos a ellos como medios de comunicación. Sus salas nos llevan al conocimiento lejos de las formalidades académicas, y son una magnífica herramienta para la difusión de la cultura.

1 Real Observatorio Astronómico de Madrid

Empezamos por un espacio muy interesante y poco conocido de la capital de España, el Observatorio Astronómico de Madrid. Está situado en el rincón suroeste del Parque del Retiro, la zona del parque más próxima a la estación de Atocha, en el número tres de la calle Alfonso XII.

Fundado gracias al empeño del científico y navegante español Jorge Juan y a la iniciativa de Carlos III. Ninguno de los dos lo vería ni tan siquiera comenzar. Fue después de la muerte de ambos, en 1790, cuando se firmaría el Decreto que aprobaba su creación y se empezaría a construir el edificio principal, obra de Juan de Villanueva.

Formaba parte del soñado “Eje de las Ciencias”, al que se sumaban entonces la Academia de Ciencias (ahora Museo del Prado) y el Jardín Botánico. En la actualidad todo el recinto del Observatorio está catalogado como conjunto histórico artístico.

Además del edificio de Villanueva, están la Sala del Meridiano de Madrid o de la hora, el Pabellón de Herschel y la Sala de Ciencias de la Tierra y del Universo.

En el recorrido, una visita guiada de aproximadamente hora y media, se puede ver el péndulo de Foucault o el telescopio ecuatorial de Grubb.

Es un museo que nos ayuda a conocer la evolución de la Astronomía y otras ciencias como la Geodesia, la Cartografía, y la Geofísica.

La visita es previa reserva. Toda la información de la misma y de los contenidos del museo se encuentra en su web

2 Museo Naval

Piratas y románticos en busca de aventuras. Batallas entre el oleaje que decidieron las fronteras en tierra firme. Caminos de descubrimientos de mundos desconocidos. Rutas comerciales que influyeron en la gastronomía, el arte, la moda, la música o la literatura.

De todos estas aventuras vistas desde la historia naval española, hay información detallada y muy interesante en este museo situado en el número cinco del Paseo del Prado.

Las colecciones que se exponen en sus salas contienen objetos históricos de muy diversa índole; mapas, pinturas y grabados, instrumentos de navegación, armas, reproducción a escala de distintas embarcaciones, uniformes y banderas que van desde el siglo XV hasta la actualidad. En un recorrido cronológico que permite seguir la evolución de la Marina española desde los Reyes Católicos a la actualidad.

Hay también retratos muy interesantes, en su mayoría de los siglos XIX y XX, entre los que destacan obras de Vicente López Portaña, Joaquín Sorolla o Fernando Álvarez de Sotomayor.

Una de las joyas de este museo es el mapa de Juan de la Cosa, la representación del continente americano más antigua que existe, es del año 1500.

Conferencias, presentaciones de libros, exposiciones temporales como la última que se celebró sobre El Galeón de Manila, y otras actividades de las toda la información está en la web del Museo Naval.

3 Museo Sorolla

En el número treinta y siete del Paseo del General Martínez Campos, en la que fue su última casa y taller, se mantiene hoy como Casa-Museo de Joaquín Sorolla un precioso e interesante espacio que ayuda a acercarse no sólo a la obra, si no al ser humano que hay detrás del «Maestro de la Luz»

Creado a petición de su viuda, Clotilde García del Castillo, que donó al Estado los fondos para la fundación de un museo en memoria de su marido.

Obras del propio Sorolla y de otros pintores como Aureliano de Beruete, Anders Zorn o Martín Rico Ortega, de escultores como Rodin, Troubetzkoy, Mariano Benlliure, Josep Clarà, Miguel Blay, José Capuz o de su hija Elena Sorolla, y muy diversos objetos que reunió durante su vida, dan idea de cómo era el autor de obras tan llenas de luz como Paseo a orillas del mar, que cuelga en esta espléndida colección.

Toda la información sobre visitas y sobre sus muchas e interesantes actividades en la web del museo.

​4 Casa Museo Lope de Vega

“De poetas no digo: buen siglo es éste. Muchos están en ciernes para el año que viene; pero ninguno hay tan malo como Cervantes ni tan necio que alabe a don Quijote«.

Es un párrafo de una carta que Lope de Vega envió a un amigo, en plena guerra literaria y personal entre él y el glorioso Cervantes. Por las vueltas que da la vida hoy la Casa Museo Lope de Vega, que fue residencia del autor durante sus últimos veinticinco años, se encuentra en la calle Cervantes, en el atractivo Barrio de las Letras de Madrid.

Allí vivió Lope de Vega y escribió algunos de sus textos más notables, y sufrió algunas de sus mayores pérdidas. Entre esos muros murió su hijo Carlos Félix cuando solo tenía siete años. La casa fue el hogar final de Juana, que falleció en ella al nacer Feliciana, la última hija legítima del autor. Y allí también terminó sus días, demente y ciega, Marta de Nevares, otro de sus grandes amores (“Resuelta en polvo ya, más siempre hermosa”).

En ella se encuentra un patrimonio artístico y literario de la época del poeta, que si bien no pertenecieron a Lope, sirven para que el visitante se puede hacer una idea bastante certera de lo que fue el Siglo de Oro español. Y aunque el contenido no perteneciera a Lope emociona saber que aquellos muros son testigos de un cuarto de siglo de su vida.

Toda la información sobre las variadas actividades que ofrece esta casa-museo y sobre horarios de visitas se encuentra en su web.

5 Museo Nacional de Artes Decorativas

En el numero doce de la Calle de Montalbán, a pocos minutos del Museo del Prado, encontramos este precioso museo que pasa por ser uno de los más antiguos y ricos de Madrid. Es un museo sorprendente. En su web está toda la información relativa a las actividades, exposiciones, y horarios de visita.

Creado en 1912 como lugar para el aprendizaje de los artesanos, fabricantes, artistas y conocedores de las artes industriales, con un concepto similar al que siguieron en otros museos del mismo tipo, como Victoria and Albert Museum de Londres, y el Musée des Arts Dècoratifs de París.

Es especialmente importante la colección de arte oriental, cuyo núcleo procede del conjunto atesorado por Carlos III para el Gabinete de Historia Natural.

Las artes decorativas occidentales son las más abundantes, e incluyen artes del fuego (cerámica, loza, porcelana, vidrio), mobiliario, textiles, orfebrería y metalistería, marfiles, cordobanes y guadamecíes, nacimientos, obra sobre papel y algo de pintura y escultura.

6 Museo Lázaro Galdiano

El Museo Lázaro Galdiano, es el legado del editor José Lázaro Galdiano, que al morir en 1947 lo dejó al Estado español junto con su residencia madrileña, la sede de su editorial La España Moderna y una biblioteca de 20.000 volúmenes.

La colección de arte, amplia y heterogénea, es excepcional. Entre sus obras de arte más valiosas destaca la presencia de Goya, El Bosco, Lucas Cranach el Viejo, El Greco, Murillo, Zurbarán y Luis Paret, así como una miniatura en pergamino de Giulio Clovio y dos estatuillas de Giambologna. Y una obra singular: la pintura sobre tabla El Salvador joven, del círculo de Leonardo da Vinci.

Hay mucho más, a lo que hay que sumar que las actividades de este museo son interesantes y variadas. Recomendable cien por cien, es un museo para volver, del que se encuentra toda la información en su web.

7 Museo de Ciencias

El Museo Nacional de Ciencias Naturales (MNCN) es uno de los museos de Madrid que más llaman la atención de los niños, sobre todo por las colecciones de fósiles de dinosaurios y animales disecados. A lo largo del año organizan muchas actividades enfocadas al disfrute de los más pequeños. Todo lo relacionado con la naturaleza y la investigación científica tiene cabida en el Museo de Ciencias Naturales. Situado en el antiguo Palacio de la Industria y de las Artes del paseo de la Castellana de Madrid.

Las colecciones del Museo Nacional de Ciencias Naturales tienen su origen en el Real Gabinete de Historia Natural que fundó en 1771 Carlos III. Esta es su web.

8 Museo Nacional de Antropología

El Museo Nacional de Antropología fue el primer museo dedicado a esta ciencia que se creó en España. Su fundación se debió a la iniciativa personal del médico segoviano Pedro González Velasco, un médico eminente que dedicó parte de su vida y de sus recursos a recopilar objetos con los que hacer un museo científico.

En los pabellones laterales tenía su casa, su clínica, su laboratorio y un anfiteatro quirúrgico donde daba clases.

Una de las salas del edificio formó parte de la Facultad de Medicina y entre 1901 a 1931 tuvo aquí su laboratorio el Premio Nobel de Medicina Santiago Ramón y Cajal.

Lo inauguró en 1875 el rey Alfonso XII como Museo Anatómico o Antropológico, que con el tiempo se convirtió en un museo dedicado exclusivamente a la Antropología Cultural.

La colección original del doctor fue creciendo con los objetos traídos por diferentes expediciones organizadas por las instituciones científicas españolas en los últimos años del siglo XIX y con los fondos museográficos que de este tipo tenía el Museo de Ciencias Naturales, incluida la colección etnográfica que formó parte de la Exposición sobre Filipinas organizada en 1887 en el Parque del Retiro, la última gran muestra colonial del imperio español.

Hoy el museo tiene la misión de «transmitir los valores de respeto y convivencia con todas las culturas». Toda la información en su web.

9 Museo de América

El Museo de América se encuentra en el número seis de la avenida de los Reyes Católicos, en la Ciudad Universitaria. En él se encuentran más de 25.000 piezas que recorren cronológicamente desde el Paleolítico hasta la actualidad reflejando todo el continente americano.

El incendio del Alcázar de Madrid de 1734 destruyó las colecciones americanas de los reyes de España, que incluían las piezas ofrecidas a la Corona por los conquistadores. De aquellas colecciones se salvaron sólo las piezas que se encontraban en otros lugares, como los códices y las mitras de plumas que se conservan en el Monasterio de El Escorial y algunos códices mexicanos que estaban en la Real Biblioteca Pública, hoy Biblioteca Nacional de España.

No es un museo que figure en la agenda de muchos turistas, pero es sin duda uno de los más singulares de Madrid, por su colección, única en Europa, y porque se encuentra en un curioso edificio que recrea la arquitectura de las misiones franciscanas. Quien se acerque a este museo se va a encontrar muy cerca del Faro de Moncloa, desde el que podrá disfrutar de las mejores vistas de Madrid y del interesantísimo Museo del Traje.

Mapas, maquetas, reproducciones, colecciones de cerámica precolombina, todo tipo de materiales etnográficos, mobiliario y pintura, recorren la historia de todo el continente, a través de los distintos modelos de sociedad, religiones y culturas. Un mosaico cultural impresionante.

10 Museo Cerralbo

En un palacio construido con las ideas clasicistas del movimiento «Neo» del siglo XIX, el marqués de Cerralbo levantó un edificio destinado más que a su residencia (se pasó la vida viajando), como un lugar de ostentación de su gusto por el arte y la arqueología. Su importante colección de arqueología la donó en su mayoría al Museo Arqueológico Nacional.

A pesar de varias restauraciones el palacio conserva el ambiente de la época en la que fue construido, y además de muebles y enseres de su propietario, guarda este palacio una valiosa y ecléctica colección de pintura con obras de Zurbarán, el Greco, Federico de Madrazo, Ludovico Carracci, o Giulio Cesare Procaccini, entre otros y grabados y dibujos de Tadeo Zuccaro, Pietro da Cortona, Adriaen van Ostade, Francisco Rizi y Goya.

Esculturas desde la época romana, cerámicas griegas y porcelanas de Meissen, armas y armaduras europeas y orientales, extraordinarias pinturas murales, etc., hacen más que interesante una visita a este antiguo palacio.

Toda la información sobre el contenido, actividades y horarios de visita están en su web.

11 Museo del Romanticismo de Madrid

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Ambientado como el Cerralbo en el siglo XIX, pero centrado en el movimiento Romántico, este interesante museo fue creado por el II Marqués de la Vega-Inclán (1858-1942), que lo donó al Estado en 1921.

Gracias al trabajo del Marqués de la Vega-Inclán por revalorizar y difundir el Patrimonio Cultural Español al frente de la Comisaría Regia de Turismo creada por Alfonso XIII en 1911, este precursor del «turismo cultural» no sólo nos dejó este magnífico espacio que explica cómo era la vida de la élite española en la época romántica; creó un museo monográfico sobre El Greco en Toledo, recuperó la casa que habitó Cervantes en Valladolid, convirtiéndola en biblioteca y museo, y revitalizó el Patrimonio en todo el territorio nacional con vistas a difundirlo entre los visitantes de todo el mundo.

Rafael Alberti fue director del Museo del Romanticismo durante la Guerra Civil, lo que da una idea del rico patrimonio que guarda este edificio situado en el numero trece de la calle San Mateo de Madrid.

De sus muchas e interesantes actividades, como los conciertos que celebra en colaboración con el Museo Cerralbo, sus horarios y precios, toda la información en su web.

12 Museo de San Isidro

Para terminar este recorrido en el que se quedan fuera algunos muy interesantes, nos acercamos al Museo de los orígenes de Madrid o de San Isidro. Está en el número dos de la plaza de San Andrés y su colección procede en su mayoría del desaparecido Instituto Arqueológico y del Museo Municipal de Madrid.

En la conocida como Casa de San Isidro, reconstruida sobre los cimientos de la original (un palacio del siglo XVI) que se demolió en 1972 por su mal estado, se puede hacer un recorrido por la historia de la ciudad desde la prehistoria hasta el establecimiento de la Corte a través de piezas arqueológicas, maquetas y grabados.

Esta casa era el palacio de los Vargas amos de Isidro Labrador y Santa María de la Cabeza. Aquí por lo tanto vivió y murió el matrimonio y sucedieron los milagros que la tradición le concede a San Isidro, como el del pozo del que fue salvado su hijo.

En cuanto a la historia de Madrid desde que fue nombrada capital de la Corte, se guarda en el Museo de la Historia de Madrid, que esta situado en el número setenta y ocho de la calle Fuencarral. Un extraordinario museo en el que completar la historia de la capital de España y comprender mejor su evolución urbanística.

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La fuente de Cibeles que preside con orgullo la diosa frigia de la tierra, la fertilidad y la prosperidad, es uno de los símbolos de la capital de España junto con la Puerta de Alcalá, que lleva esperándola algunos siglos ya, y se ha de conformar con verla al final de la cuesta que fluye entre las dos plazas a las que ambas les dan sus nombres, Alcalá y Cibeles.

Aún tiene Madrid otro icono, el Oso que se pierde el espectáculo de la magnífica diosa, entretenido como está buscando madroños en la Puerta del Sol, al principio de la calle de Alcalá.

Aparte de Atenas que debe su nombre a la diosa Atenea, nada menos que la hija guerrera, sabia y estratega de Zeus, pocas ciudades europeas tienen como referencia icónica una diosa mitológica. Madrid luce orgullosa a Cibeles que preside su plaza más importante, de hecho se llamó plaza de Madrid, para pasar a llamarse después plaza de Castelar, hasta que las autoridades pertinentes, después de la guerra civil, se pusieron de acuerdo con la voz popular y acabaron llamándola «Cibeles» en honor de su diosa. Sobre los secretos que esconde esta diosa, y todo Madrid, encontraréis información en los libros de este artículo. Pero aquí vamos a recorrer la historia de esta magnífica fuente y sus personajes.

Quién es Cibeles y quienes la acompañan en Madrid

Cibeles es una de las madres nutricias de la mitología, esta madre de dioses es venerada desde el Neolítico. Dueña de lo oculto de la naturaleza, lo mistérico, lo primigenio, la fecundidad, la prosperidad, la tierra, el renacer. Ovidio describió a Cibeles «en su carro tirado por leones atravesando el cielo». Dejaba a su paso una estela en la que sonaba la música de los címbalos y de las flau­tas.

Uno de los hijos de Cibeles es Neptuno, dios del mar, que tiene también una fuente en el Paseo del Prado y que antecede en este ilustre Paseo al dios Apolo, dios del fuego y de las artes, que emerge poderoso en otra de las fuentes que ennoblecen el antiguo «Salón del Prado».

En Roma el culto a Cibeles se celebraba con ruidosos rituales y procesiones. Durante su festividad sus sacerdotes, los Galli (eunucos al servicio del culto a Cibeles) enterraban un pino, símbolo de la resurrección de Attis, un hermoso semidiós.

El guapo semidiós era el amante de Cibeles. Hay como en toda la mitología, varias versiones sobre el bello Attis. Al parecer se enamoró de una ninfa y olvidó su promesa de fidelidad a Cibeles, y ésta enfurecida y celosa, cortó el árbol al que estaba ligada la vida de la ninfa y enloqueció a Attis que en su delirio se castró.

En otra versión Attis se castró junto a un pino, por eso se le identificaba con éste árbol, y murió bajo su copa. Cibeles enterró sus miembros viriles junto al pino y la tierra regada con la sangre de Attis, se tapizó de violetas.

Sea como fuere, esta historia de amor y celos llevó a Attis, convertido ya en eunuco, a servir para siempre a la diosa, y era él quien conducía su carroza tirada por dos leones. Representado en la fuente madrileña por un mascarón de cuya boca brota el surtidor de agua que fluye hacia los leones.

Esos dos leones, son en realidad otras dos víctimas de la exigente Cibeles, que no perdona un pecado. La bellísima Atalanta (destinada a la virginidad) e Hipómenes, un hermoso y arrogante nieto de Apolo, que ayudado por Afrodita, venció todos los obstáculos y enamoró a Atalanta que perdió su virginidad nada menos que en un templo donde se veneraba a Cibeles. ¡Criaturas!

El castigo de Cibeles lo podemos ver en la fuente madrileña, los convirtió en leones, los condenó a tirar de su carro para toda la eternidad, y además a no poder ni mirarse a la cara por los siglos de los siglos. ¡En fin, cosas de la mitología!

Ostenta Cibeles una corona almenada que parece un castillo, lo que interpretó Ventura Rodríguez (su discutido autor), junto con los leones, atributos ambos de las armas de España en el escudo de Castilla y León, como una representación del Estado español.

La mitología explica esta corona como símbolo de uno de los poderes de esta diosa: es protectora de ciudades y lleva en su mano izquierda una llave que abre el cofre de la prosperidad de la ciudad.

Historia de la fuente de Cibeles de Madrid

La fuente de la Cibeles de Madrid nació gracias al «mejor alcalde de Madrid», el rey Carlos III, que tuvo la feliz idea de hacer de esta zona de la ciudad un emblemático reflejo de la cultura y el arte, y elevar la capital del reino al nivel de otras ciudades europeas.

Puso para ello la urbanización del «Salón Del Prado», entonces una zona rural llena de solares y prados, en manos de José de Hermosilla, hombre cultísimo y buen conocedor de la vecina Italia (que al parecer fue el auténtico cerebro detrás del diseño de la fuente de Cibeles). Hermosilla se encargó de diseñar el Salón del Prado levantando algunos de los más emblemáticos edificios que lo delimitan, y haciendo un paseo de grandes arboledas entre las que emergen estas tres fuentes terminadas por Ventura Rodríguez. La diosa y el carro son obra del escultor Francisco Gutiérrez, a los sufridos leones los creó Roberto Michel y el adornista Miguel Ximénez se encargó de la ornamentación decorativa.

Sobre la historia de la creación de la fuente de Cibeles y el tiempo de Carlos III, os recomendamos la interesante y entretenida novela negra «La navaja inglesa» cuyo autor es José de Cora. A través de los secretos de la estatua de La Cibeles, refleja con humor e ironía el tiempo de Carlos III.

El primer emplazamiento de la espléndida fuente de la Cibeles, situó a la diosa de Madrid frente al Palacio de Buenavista, en el principio del Paseo de Recoletos. Era entonces una fuente de uso público y en su taza abrevaban los animales, mientras los madrileños utilizaban el agua de dos antiguos surtidores que fueron reemplazados por un grifo y un oso, que hoy están en el Museo de la historia de Madrid y en su lugar, colocados en la parte trasera del carro, dos amorcillos sujetan un ánfora con el nuevo surtidor.

Trasladada al centro de la plaza perdió el uso de fuente pública, pero con el tiempo se ha convertido en custodia divina del tesoro del oro español. Si Cibeles escuchara las alarmas de la Cámara de Oro del Banco de España, ésta se inundaría en segundos con el agua que la diosa enviaría desde la fuente.

Buscando la fortuna y la protección de Cibeles, la fuente madrileña es también lugar de celebraciones futboleras. Desde 1991 cuando los seguidores del Atlético de Madrid se fueron a celebrar su triunfo contra el Real Madrid en la Copa del Rey, abrazándose a su hijo Neptuno, abandonaron a Cibeles a quien compartían con el Real Madrid, convertida desde entonces en el emblema de los triunfos del equipo «merengue».

La fuente de Cibeles de Madrid, al otro lado del Atlántico

Esta diosa omnipresente en casi todos los puertos del Mediterráneo en la Antigüedad, que lleva protegiendo a la ciudad de Madrid doscientos treinta y cinco años sentada majestuosa en su magnífico carro, ha resistido guerras, ataques desalmados de algún enemigo del arte y la mitología, celebraciones de enfervecidos seguidores del deporte rey, y alguna que otra polémica.

Vencedora de todos, cruzó el Atlántico en una réplica exacta de la fuente madrileña para presidir una plaza en Mexico DF. Fue una donación de un grupo de españoles que viven en México DF, como símbolo de hermanamiento entre ambos países.

En México el nombre oficial de la plaza que preside es Plaza de la Villa de Madrid, aunque tanto mexicanos como españoles residentes allí, conocen la glorieta como plaza de Cibeles. Fue inaugurada el 5 de septiembre de 1980 por el entonces presidente mexicano, José López Portillo, por «El viejo profesor» Enrique Tierno Galván, entonces alcalde de Madrid y el Jefe del Departamento del Distrito Federal, Carlos Hank González.

Alojamientos cerca de la diosa Cibeles

Si estáis de visita en Madrid y os apetece alojaros cerquita de la diosa, aquí os dejamos algunas propuestas para todo tipo de bolsillos.

El primero, un lujo en todos los sentidos. En la cercana Carrera de San Jerónimo, a mano del llamado Paseo del Arte, os recomendamos sinceramente el bellísimo hotel Urban.

Otra excelente opción es el Tryp Madrid Cibeles Hotel. Un precioso hotel a medio camino entre la plaza de Cibeles y Callao, y muy cerca de la Puerta del Sol, la plaza Mayor y el parque del Retiro, y del “Paseo del Arte”

El aparthotel Splendom Suites Gran Via, cerquísima de la diosa, es otra buena opción.

Y uno más asequible, con muy buenas críticas es el hostal JQC Rooms

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La basílica de San Francisco el Grande es un monumento poco visitado de Madrid. Sus impresionantes espacios interiores, los tesoros artísticos que guarda de la pintura y la escultura españolas de los siglos XVII a XIX, entre los que se encuentran las firmas de Zurbarán, Benlliure, o Goya, de quien ya visitamos los frescos de la madrileña ermita de San Antonio, y el hecho de ser la tercera planta circular de mayor diámetro de la cristiandad, justifica más que de sobra una visita a este edificio cuya titularidad corresponde a la Obra Pía de los Santos Lugares de Jerusalén, organismo autónomo dependiente del Ministerio de Asuntos Exteriores y de Cooperación.

El 19 de octubre de 1980 fue declarada Monumento Nacional, según Real Decreto, recibiendo por tanto la condición de Bien de Interés Cultural (BIC).

Está situado en un lugar céntrico de Madrid, no muy lejos del Monasterio de las Descalzas Reales, otra joya imprescindible de la capital de España. Si quieres entender Madrid desde muchos puntos de vista, mira este artículo, donde se recomiendan catorce libros para conocerla.

Su dilatada historia

Construida en los terrenos en los que según la leyenda, San Francisco de Asís en su periplo por España con la idea de convertir un territorio islamizado, mandó levantar una ermita-convento en 1217. La ermita pasó a ser un eremitorio llamado «cuarto viexo» con una ermita dedicada a la Virgen y una fuente milagrosa. Fue ampliada en el siglo XIV y se dedicó a la advocación de Jesús y María, para pasar a llamarse de San Francisco por costumbre popular. Este templo de estilo gótico fue el que acabó conociéndose como ‘el grande’ gracias a las donaciones de las familias nobles madrileñas que fundaron capillas para ser enterrados en ellas, cuando Madrid se convirtió en capital del reino por decisión de Felipe II.

El convento creció en importancia y riqueza y llegó a recibir la custodia de los Santos Lugares conquistados por los cruzados, mediante una Junta Protectora de la Obra Pía de Jerusalén, y el Comisariado General de Indias.

A lo largo del tiempo y además de convento, ha sido hospital, polvorín, almacén de objetos religiosos, museo, y durante el gobierno de la Primera República, Panteón de Hombres Ilustres, donde descansaron los restos de Alonso de Ercilla, Garcilaso de la Vega, Francisco de Quevedo, Ventura Rodríguez, Juan de Villanueva, Federico Gravina, Juan de Lanuza, y Gonzalo Fernández de Córdoba (el Gran Capitán), entre otros, que a partir de 1874 fueron devueltos a sus respectivos lugares de origen.

Pedro Calderón de la Barca también descansó en San Francisco y fue precisamente su coche fúnebre, de vuelta al cementerio de San Nicolás, el primer vehículo en recorrer en 1874, el recién inaugurado viaducto de la calle Bailén.

Durante la dictadura franquista el templo fue «la iglesia del régimen» Franco escuchó misa muchas veces en esa espléndida rotonda, escoltado por su guardia desde las mismas ventanas en las que en los siglos XVIII y XIX, los reyes seguían las ceremonias.

Hoy las cosas han cambiado mucho y este espacio vive de vez en cuando la magia que se crea cuando la música de algunos conciertos vuela entre las obras de arte que acogen sus muros.

De la obra neoclásica levantada con los fondos de la Obra Pía, ha desaparecido una parte importante del convento, habitado entonces por ciento cincuenta monjes y hoy sólo por ocho, dos de los cuales viven entre Madrid y Tierra Santa. Los terrenos del antiguo convento los ocupa en la actualidad un jardín botánico dedicado a las dalias abierto en 2007 y cuyo solar pertenece al Ayuntamiento de Madrid.

La última restauración se terminó en 2001, después de 29 años de trabajos y la ayuda económica del Ministerio de Cultura. Obras que significaron la recuperación de la grandiosidad de este templo que atesora un importante testimonio de la historia de España hasta el siglo XIX.

La construcción de la basílica de San Francisco el Grande

Sobre el histórico solar los franciscanos planificaron una gran basílica realizada a mediados del siglo XVIII en estilo Neoclásico a partir de un diseño del monje Francisco Cabezas, que continuó Antonio Pló y terminó Francesco Sabatini, en tiempos ya del rey Carlos III que asistió a la misa de inauguración celebrada el 6 de diciembre de 1784.

De planta central y circular coronada por una extraordinaria cúpula. Su espacio interior se desarrolla en torno a ese espacio central que está rodeado por seis capillas circulares coronadas a su vez por seis pequeños domos, y está encabezada por un vestíbulo y cerrada por un ábside donde se encuentra el altar mayor.

La rotonda central sobre la que vuela la cúpula, es un auténtico espectáculo.

La Cúpula más grande de España

La cúpula de San Francisco el Grande tiene 33 m de diámetro y 58 m de altura (72 m desde el suelo), es la más grande de España, y como decimos arriba es la tercera en mayor diámetro de las iglesias cristianas de planta circular, por detrás de la del Panteón de Agripa (43,4 m) y de la de San Pedro del Vaticano (42,5 m), y es la cuarta tras la de Santa María di Fiore, de Florencia (42m), aunque ésta es de planta octogonal.

Tiene mayor diámetro que las cúpulas de Santa Sofía (31,8 m), en Estambul, la Catedral de San Pablo (30,8 m), en Londres, y la de Los Inválidos (24 m), en París.

Fachada principal

Orientada al este, esta fachada neoclásica diseñada por Francesco Sabatini, está configurada de forma convexa para adaptarse a la planta circular.

Reciben al visitante tres arcos de medio punto que se apoyan en pilastras de orden dórico, en el primer cuerpo, que se combina con el orden jónico del segundo cuerpo, en el que aparecen tres ventanales adintelados.

En el clasicista frontón triangular que centra la portada, una cruz de Jerusalén, el escudo de San Francisco y La Corona real identifican la historia del templo, coronado por seis estatuas esculpidas en Londres en 1883 entre las que vemos a San Francisco.

Es la imagen de la Basílica que nos recibe desde la Carrera de San Francisco, compuesta con un ritmo que juega con el número tres: tres arcos y tres ventanas sobre las que se alza en el centro la cúpula escoltada por dos torres.

El tesoro interior

La decoración interior del templo se realizó en un eclecticismo suntuoso a lo largo del siglo XIX, en la que intervinieron diferentes artistas españoles entre los que destacan pintores de la fama de Carlos Luis de Ribera y Fieve, Alejandro Ferrant y Fischermans, José María López-Merlo Pascual, Casto Plasencia, Germán Hernández Amores, Manuel Domínguez Sánchez, José Casado del Alisal, José Moreno Carbonero, Antonio Muñoz Degraín, Salvador Martínez Cubells, Francisco Jover y Casanova, Eugenio Oliva y Rodrigo, José Marcelo Contreras y Muñoz y Manuel Ramírez Ibáñez. La mayoría de sus estudios y bocetos se conservan en el Museo del Prado.

Y escultores de la talla de Jerónimo Suñol, Justo Gandarias Plazón, Mariano Benlliure, Ricardo Bellver, Juan Samsó y Antonio Moltó.

La rotonda central la custodian doce grandes esculturas de mármol blanco de los apóstoles. En la capilla mayor, reciben dos púlpitos diseñados por Amador de los Ríos, y en ella se encuentran las estatuas de los cuatro evangelistas y la sillería renacentista que procede del monasterio segoviano de Santa María del Parral.

Es aconsejable hacer la visita con uno de los guías (son muy buenos), pues de su mano se aprovecha mucho más la historia de toda esa joya artística de la que venimos hablando. No sólo la espectacular arquitectura del templo, si no un recorrido iluminado de manera especial cuando la visita es guiada, por las obras de Goya, González Velázquez, Alonso Cano, Luca Giordano, Zurbarán y Mariano Benlliure, además de los ya citados, y las curiosidades de las piezas decorativas que fueron realizadas por los mejores artistas de finales del siglo XIX.

Aquella restauración la emprendió Antonio Cánovas del Castillo en 1881 (era presidente del gobierno), con la idea de hacer de San Francisco el monumento artístico que es en la actualidad. De aquellos días proceden las 19 campanas, encargadas a los londinenses de Warner & sons, las estatuas de la fachada neoclásica, las vidrieras de la cúpula, que se hicieron en la casa Mayer de Múnich, las verjas, las esculturas del interior, los lienzos, las bellísimas puertas con relieves del pórtico, o los altares de las capillas.

Y aunque se pueden encontrar algunos elementos ornamentales que proceden de los templos anteriores como los mosaicos del siglo XV de una de las capillas, fue aquella voluntad emprendida en 1881, la que hizo de la Basílica un museo del siglo XIX a pesar de haber sido levantado cien años antes.

Un jardín botánico, la dalieda de San Francisco

La Dalieda es un precioso jardín que está situada al abrigo de uno de los muros de la Basílica, en el lugar donde se levantó la primitiva ermita, que antes eran parte de los terrenos de la muralla árabe de la ciudadela defensiva que en un principio era Magerit.

Inaugurada el 7 de mayo de 2007 con algunos de los especímenes de dalias que se cultivaban en la antigua dalieda que había junto al Palacio de Cristal de la Arganzuela.

Las primeras noticias que se tienen en España de la dalia, flor oficial de México, datan de 1517, cuando los expedicionarios españoles descubrieron la península de Yucatán. El médico personal de Felipe II, Francisco Hernández, fue enviado a la Nueva España para que informara de los descubrimientos botánicos y describe en 1570 la enorme belleza de dos especies de flores que los nativos conocían con el nombre de pipa de agua y bastón de agua.

La colección de esta dalieda tiene el considerable número de 724 dalias y la mejor época para verlas en todo su esplendor es principios de junio, luego agostan y vuelven a remontar a finales de septiembre o comienzos de octubre.

Disfrutar de esta emblemática zona de Madrid

Para moveros con comodidad por la zona centro de la capital de España os recomendamos que os alojéis en algún hotel desde el que podáis acceder con comodidad tanto a la Basílica como a cualquiera de los múltiples atractivos que encontraréis en el primitivo Madrid, como disfrutar de los famosos huevos rotos de Casa Lucio, o perderos entre la variadísima oferta gastronómica del Mercado de San Miguel, o en cualquiera de los mesones que rodean la Plaza Mayor.

Desde aquí os recomendamos por experiencia propia y de nuestros clientes, hoteles como Francisco I en la peatonal calle Arenal. A un paso de la Puerta del Sol, y de la Plaza de Ópera/ Teatro Real, o de la Plaza Mayor/ Mercado de San Miguel, y muy cerquita de la Gran Vía/ Plaza de España.

Los apartamentos del igualmente céntricos Palacio Plaza Conde de Miranda en la plaza del mismo nombre con una relación calidad precio excelentes.

Otro céntrico y recomendable hotel, con críticas excelentes es el cercano a la Plaza Mayor, frente al Mercado de San Miguel, el Petit Palace Mayor Plaza, en el que contáis con un servicio gratuito de bicicletas

Si buscáis un lugar especial y a un precio asequible, el Hostal Central Palace Madrid, situado en la Plaza de Oriente con vistas a los Jardines de Sabatini, y al Palacio Real, es vuestro hotel

Y si os gusta el lujo y la exclusividad el The Principal Madrid Hotel, situado en la confluencia entre la Gran Vía y la calle Alcalá os ofrece todo el lujo que se os ocurra, incluido el de las mejores vistas desde su elegante terraza en la azotea y desde su restaurante/coctelería en el Ático.

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La historia de España se puede contar de muchas maneras. Un acercamiento a la misma puede ser a través de las novelas históricas, de las que hay algunos ejemplos en esta lista, a través de los legajos que nuestros archiveros (descubre el Archivo de Indias) cuidan y clasifican, con las obras de arte que muestran instantáneas, también hay jardines y fuentes que tienen mucho que contar y, por supuesto, el patrimonio material que aún pervive (como estas maravillas del gótico español). Hay lugares con tanta historia que es imposible abarcarlos al completo y otros que pasan más desapercibidos pero su singularidad los convierte en esenciales. Recorremos la historia de España en diez lugares.

El Dolmen de Menga

De norte a sur de la Península Ibérica, los que una vez poblaron estas tierras ya dejaron tras de sí un legado del que tiempo después, y todavía en nuestros días, nos asombramos. Con técnicas y herramientas rudimentarias, lograron levantar estructuras megalíticas que siguen en pie. Del 4.700 a.C. se estima que es el Dolmen de Menga, que pertenece al complejo arqueológico de los Dólmenes de Anteguera, en Málaga.

Recientemente ha sido reconocido por la UNESCO como patrimonio de la humanidad. Un título que merece porque, más que un legado de nuestro propio pasado, es uno de los mejores ejemplos de las primeras grandes construcciones de la humanidad. Una de las grandes estructuras de la Hisoria, y que tenemos la suerte de tener en nuestro país.

Se puede visitar y se encuentra junto a los dólmenes de Viera y el Romeral, que completan el conjunto arqueológico.

El Puente de Alcántara, un testigo de la historia de España que nació en la Hispania romana

Al norte de Extremadura, en la provincia de Cáceres, los romanos construyeron uno de los puentes de mejor factura en Hispania. Levantado entre el 104 y el 106 a.C., lo corona un arco honorífico al emperador Trajano justo en el centro del puente.

Cruza el río Tajo en el municipio de Alcántara con una imponente presa de fondo y el convento de las Comendadoras, que es de obligada visita, domina un montículo que resguarda la localidad.

El puente, además, tiene una larga vida repleta de demoliciones parciales por haber estado siempre en un paso estratégico en diferentes contiendas. Aunque, por suerte, siempre ha sido reconstruido, tan sólido e imponente como en época romana.

La Mezquita-Catedral de Córdoba, auténtico hito de la historia de España, un palimpsesto cultural espejo de civilizaciones

La Mezquita-Catedral de Córdoba es uno de los edificios más importantes de España, no sólo por el palmeral interior de arcos de herradura con dovelas de dos colores, o las cúpulas musulmanas y cristianas. Se trata de un lugar por el que han pasado, y todavía comparten espacio, varias de las culturas y religiones que han habitado España.

Desde un templo visigodo sobre el que se comenzó a edificar la Mezquita en el año 785, hasta una conversión a catedral cuando Fernando III de Castilla reconquistó Córdoba. El edificio ha sufrido diversas modificaciones y ampliaciones, y podemos apreciar diferentes estilos artísticos musulmanes y cristianos, e incluso materiales de acarreo romanos y del templo visigodo.

Santa María del Naranco

Sobre el monte Naranco se alza esta peculiar iglesia que no fue construida para serlo. Ramiro I, el octavo rey asturiano, mandó edificar un conjunto palaciego en esta elevación a 4 kilómetros de Oviedo.

Hoy nos queda una parte del palacio, destinada para ser aula regia del mismo, y que siglos después fue convertida en iglesia. Fue la primera construcción de estilo ramirense, y está a sólo 100 metros de San Miguel de Lillo, otra de las grandes joyas de este prerrománico asturiano.

El Real Alcázar de Sevilla, un extraordinario relato de la historia de España

Este conjunto palaciego podría servir para recorrer casi toda la historia de España, de ahí su representatividad. Levantado por los musulmanes sobre un anterior asentamiento romano y visigodo, sirvió de residencia de los dirigentes árabes desde el año 720.

Tras la reconquista de Sevilla en 1248 por Fernando III, su hijo Alfonso X ya mandó construir estancias góticas. 100 años después, Pedro I levantó el palacio mudéjar, que reúne lo musulmán y lo cristiano como uno de los mejores exponentes de este estilo arquitectónico.

Siglos después continuó siendo un elemento esencial para la Monarquía Hispánica, y en sus estancias se han tomado decisiones de estado que marcaron el rumbo de la historia. Epicentro del descubrimiento y colonización del Nuevo Mundo, y vivienda de Fernando VII cuando los Cien Mil Hijos de San Luis cruzaron los Pirineos.

La Alhambra de Granada, la bellísima fortaleza roja que guarda momentos esenciales de la historia de España

La fortaleza roja es el último vestigio del dominio musulmán en la Península Ibérica. Se conocen referencias de asentamientos fortificados en la zona desde el 899, pero no fue hasta la desmembración del Califato de Córdoba desde el 1009, cuando la Taifa de Granada comenzó a desarrollar con empeño su ciudad palatina.

En el 1238 pasó a ser residencia real para el primer monarca del Reino Nazarí de Granada, el último bastión musulmán de España, hasta que capituló con Boabdil en 1492.

Atesora algunas de las mayores obras andalusíes existentes, y un sistema de abastecimiento de agua casi inigualable para la época. El Palacio de Carlos V, símbolo de la victoria cristiana fue, además, la vanguardia artística del momento con un manierismo temprano.

El Monasterio de Yuste, refugio final de Carlos I de España

En Cuacos de Yuste se encuentra el Monasterio de Yuste, lugar donde Carlos V decidió retirarse tras sus abdicaciones como monarca y emperador. Al norte de Cáceres, la Sierra de Gredos guarda este monasterio ampliado como casa-palacio cuando Carlos V se trasladó a pasar sus últimos días.

Entre Cuacos y el monasterio, encontramos un cementerio de soldados alemanes que fallecieron en las dos guerras mundiales, cuyos cuerpos llegaron a nuestras costas. La estampa es insólita y sobrecogedora.

A unos pocos kilómetros, por las serpenteantes carretas de la sierra, está el valle del Jerte. Esta maravilla natural, que nace en Tornavacas y desemboca en Plasencia, redondea una escapada perfecta que mezcla historia y naturaleza.

El Monasterio de San Lorenzo de El Escorial, simbólico edificio de la historia de España

En la pequeña localidad de San Lorenzo de El Escorial, se encuentra una imponente edificación que contiene un palacio real, basílica, panteón real, biblioteca y monasterio. Fue construido entre 1563 y 1584 como el mayor encargo de Felipe II.

El complejo era una muestra de poder político y monetario del monarca. El absolutismo hecho edificio, un lugar desde donde Felipe II controlaba todos los resortes del Estado.

Al igual que Felipe II, el Escorial es de un renacimiento sobrio, sin ornamentos, discreto pero majestuoso. En su interior contiene algunos de las muestras más importantes del arte español.

La Plaza de la Constitución de México DF

En el casco histórico de la ciudad de México D.F. se encuentra la Plaza de la Constitución, conocida informalmente como “el Zócalo”. Es la representación perfecta de la expansión española por el Nuevo Mundo.

Está rodeada por algunos de los edificios más importantes de la México D.F. actual, erigidos en época de Hernán Cortés. Presidiendo el Zócalo está la Catedral Metropolitana, que tiene en su fachada este el museo del Templo Mayor, con los restos de los templos más importantes de los aztecas.

Pero en todos los lados de la plaza hay historia de la colonización. Están el Palacio Nacional, hoy sede del Poder Ejecutivo Federal de México, el Antiguo Palacio del Ayuntamiento y el Portal de Mercaderes. Todo forma una visión de 360 grados como pocas en el mundo.

La Ciudadela de Jaca

A los pies de los Pirineos se encuentra esta pequeña y apacible localidad en la que se respira montaña. Allí, muy cerca de la frontera con Francia, se mantiene cada piedra de la Ciudadela de Jaca, uno de los fuertes o castillos modernos que mejor se conservan del mundo.

Construido según la traza italiana, con muros bajos y gruesos, pensados para contrarrestar la potente artillería francesa, la Ciudadela comenzó su construcción en 1592 para defender la frontera con Francia.

Sin embargo, esta estrella de cinco puntas fortificada apenas ha tomado partido en conflictos armados, salvo durante la Guerra de Independencia, precisamente contra los franceses.

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Aranjuez

Aranjuez es Conjunto Histórico-Artístico desde 1983, y desde 2001 el Paisaje Cultural de Aranjuez es Patrimonio de la Humanidad.

A unos 50 km. de la capital, su entorno natural la convirtió en objeto de deseo de nobles y reyes. Atravesada por los río Tajo y Jarama, tiene en su término municipal tres reservas naturales protegidas.

Su riqueza hidráulica ha propiciado el crecimiento de jardines históricos unidos a las construcciones palaciegas de la monarquía.

Felipe II la declaró en 1560 Real Sitio y levantó un Palacio Real sobre los cimientos del palacio que construyeron los Reyes Católicos. Sus autores fueron Juan Bautista de Toledo y Juan de Herrera.

En 1890 se le concede el título de villa, con lo que su denominación oficial es la de «Real Sitio y Villa de Aranjuez»

Imprescindible conocer esta inspiradora y monumental huerta, conocida por las fresas y los espárragos, que arrancó del alma de Joaquín Rodrigo el famoso Concierto que llevaría su nombre a todos los rincones del planeta.

Aquí tienes una excursión desde Madrid para no perderte nada de este precioso rincón de la Comunidad. O bien esta visita al Palacio que comienza en Aranjuez.

Alcalá de Henares

A sólo 31 km. de Madrid, Alcalá de Henares, la Complutum romana es conocida como la Ciudad del Saber, y además de Ciudad Patrimonio Mundial por ser la de primera ciudad universitaria del mundo planificada como tal, es una de las nueve ciudades españolas clasificadas por la Unesco como únicas.

La ciudad de las cigüeñas, la ciudad literaria, la de las tres culturas, la de Cervantes, con un patrimonio arquitectónico y museístico más que interesante, ofrece además un envoltorio verde que le propicia el río Henares y una gastronomía típica castellana de la que los golosos no olvidan sus típicas costradas.

Esta visita guiada es una buena opción para conocer la cuna de Cervantes

San Lorenzo de El Escorial

Según una leyenda medieval, Lucifer abrió una de las siete puertas de acceso a las tinieblas en San Lorenzo de El Escorial. A pesar de conocer la leyenda -o precisamente por ello- Felipe II levantó sobre esa puerta, el fabuloso palacio-monasterio renacentista.

Dada la grandilocuencia del monarca, la idea de sellar una puerta del Diablo con un templo basado en el Templo de Salomón, un diseño divino, pudo tentar al hijo de Carlos V, al fin y al cabo era dueño de un imperio donde no se ponía el sol.

Hay muchas y tenebrosas leyendas en torno al Monasterio. Lo que no es una leyenda es la magnífica colección de arte que alberga y su extraordinaria arquitectura.

Tampoco es una leyenda su entorno privilegiado, la Sierra de Guadarrama, y el placentero caserío del pueblo, refugio de los calores veraniegos de la meseta, y del bullicio de la Villa de Madrid, de la que le separan algo más de 60 km.

Te recomendamos una visita guiada por este monumento imprescindible que incluye también la visita al Valle de los Caídos. O bien esta otra en la que se recorre el pueblo de San Lorenzo y el Monasterio. También puedes viajar desde Madrid en el tren de Felipe II.

Patones de Arriba

El olor a horno de leña en su calles con nombres tan sugerentes como La Bruja o el Alquimista; sus casas hechas de pizarra (Patones forma parte de la ruta de los pueblos de la arquitectura negra, la mayoría en Guadalajara); rutas de senderismo y cicloturismo, exposiciones y rutas guiadas.

Además de una rica gastronomía bien regada con vino de la zona, yacimientos arqueológicos y un más que interesante patrimonio arquitectónico, justifican el nombramiento como Bién de Interés Cultural, de este pueblo pintoresco que conserva su aspecto medieval.

Cualquier época es buena para pasear por sus calles, la mayoría peatonales, pero el otoño es especial. Si te gusta la fotografía te costará dejar de disparar.

Chinchón

La Plaza Mayor es el monumento más emblemático de Chinchón. Su planta irregular arropada por casas de dos y tres alturas con balcones de madera corridos en galerías adinteladas, ha sido y es escenario de múltiples actividades y espectáculos.

Chinchón está a 45 km. de Madrid, y su oferta gastronómica, sus productos típicos, como el anís con denominación de origen que se viene destilando desde el siglo XI, y las variadas actividades turísticas que ofrece: senderismo, etnografía, rutas culturales, de las que tienes toda la información aquí, justifican el atractivo que despierta en quienes la visitan.

La iglesia de Nuestra Señora de la Asunción (1534-1626), saqueada e incendiada por las tropas napoleónicas en 1808 (al igual que su castillo del siglo XV), es otro de sus tesoros. Restaurada 1828, en su interior deslumbra el magnífico cuadro de La Asunción de la Virgen, pintado por Goya.

Hay en sus casonas nobles, en sus casas solariegas, en sus patios y galerías soportadas por columnas dóricas, jónicas, y toscanas, una belleza atrapada en el tiempo que te espera en esta joyita del sureste de la Comunidad.

Rascafría

Rascafría es un precioso rincón de la Sierra de Guadarrama, situada en el valle del Lozoya.

Dentro de su término municipal encontramos el Parque Natural de Peñalara, el Arboreto Giner de los Ríos, y un paraje poco conocido, «Naturaleza Viva», donde se puede escuchar el silencio.

Privilegiados miradores como el de Los Robledos o el del Valle, y la oferta de variadas actividades de turismo activo como el esquí alpino o de fondo, senderismo, rutas ecuestres, o recogida de setas en temporada.

Monumentos como el Monasterio de El Paular, y focos de interesante artesanía como la madera, las vidrieras o el cuero, y La Sala permanente Luis Feito, en Oretuelo del Valle. El abanico de propuestas es más que interesante.

Si añadimos la magnífica oferta gastronómica y hotelera, y todas las ofertas de ocio, de las que encontrarás información aqui, sólo nos queda recomendarte que no dejes de visitar este precioso refugio para desconectar.

Buitrago de Lozoya

Buitrago de Lozoya mantiene íntegro su recinto medieval amurallado. Situado a los pies del puerto de Somosierra, a unos 70 km. de Madrid, en plena Sierra de Guadarrama, guarda el aire de antigua fortaleza al hilo de sus murallas amparadas por el foso natural de las frías aguas del Lozoya.

Es Conjunto Histórico-Artístico y Bien de Interés Cultural desde 1993, y su recinto amurallado es Monumento Nacional desde 1931.

Desde la finca El Bosque, en un cerro frente al meandro, donde aguantan las ruinas del palacio de recreo de los Mendoza, las vistas son únicas. Otros tesoros de su patrimonio son la iglesia de Santa María del Castillo del siglo XIV y la fortaleza gótico-mudéjar del siglo XV, convertida en plaza de toros.

Eugenio Arias, barbero y amigo de Picasso, donó la colección de obras que éste le regaló y que se pueden ver en el Museo de Picasso.

Manzanres El Real

Al pie de la Sierra de Guadarrama, a 46 km. de Madrid y en la orilla del embalse de Santillana que alimenta el río Manzanares, este es uno de los pueblos de la Comunidad con mayor interés ecológico.

Forma parte del Parque Nacional de la Sierra de Guadarrama, y del Parque Regional de la Cuenca Alta del Manzanares. Su término atesora espacios naturales como La Pedriza y las Cabezas de Hierro, la segunda montaña más alta de la Sierra de Guadarrama, que comparte con Rascafría.

En cuanto a su rico patrimonio histórico-artístico, en Manzanres destaca el castillo de los Mendoza, uno de los más importantes de España.

Una rica gastronomía que se intuye en el olor a horno que inunda sus calles, espera como recompensa a las actividades de turismo activo que se pueden practicar, además de la variada oferta cultural . Seguro que querrás volver.

Cercedilla

Cercedilla situada muy cerca del puerto de Navacerrada y a 57 km. al noreste de Madrid, en la sierra de Guadarrama, es refugio de verano de muchos vecinos de la capital.

Nació como lugar de paso y hospedaje de la antigua calzada romana Vía Antonina, que unía Titulcia con Segovia, de la que aún quedan cuatro puentes bien conservados. De hecho, es una de las vías romanas mejor conservadas del mundo. ¡Un lujo para el senderismo!.

Su relación con la naturaleza marca todas las actividades posibles en este encantador rincón madrileño cuyos bosques ya disfrutó Carlos V en sus cacerías.

De Cercedilla dejaron sus impresiones viajeros como Willem Weydts, de Brujas, que pasó por aquí en el siglo XVI y Jean de L’Hermite, humanista de Flandes, que llegó a la corte madrileña de Felipe II para educar a su hijo, el futuro Felipe III, y quedó entusiasmado con sus bosques.

Tampoco fue inmune a sus encantos Francisco de Quevedo que llevó a una posada del lugar a su famoso Buscón, Don Pablos.

La Hiruela

Para terminar te proponemos un refugio extraordinario, se llama La Hiruela y está a poco más de cien km. de la capital.

Su patrimonio etnológico es más que interesante. Hay una senda guiada que lo recorre y lleva a: El molino harinero, La carbonera, El colmenar y su Museo Etnológico, que retrata a la perfección como es y ha sido la vida en tan precioso lugar.

Inmerso dentro de la Sierra del Rincón, reserva de la Biosfera desde 2005, este pequeño municipio aislado para su suerte de las grandes rutas, ha conservado inalterados desde hace siglos, los paisajes que lo rodean. Sus caminos son el paraíso de los amantes del senderismo.

Su caserío es otro ejemplo de conservación. Su proverbial aislamiento ha propiciado que el reloj se parara en el Medievo, cuando parece ser que se fundó el pueblo, en tiempos de la Reconquista allá por los siglos XII y XIII.

Nunca fue un lugar muy habitado, hoy no suman 80 sus vecinos que reciben a los visitantes con lo mejor del lugar: buena comida, paz, naturaleza, y hospedaje. De todo ello os informan aquí.

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Entre los siglos XII y XIII vivió Fernando Martins de Bulhôes, nombre que a la mayoría de nosotros no nos dice mucho. Sin embargo si decimos San Antonio de Padua nos situamos con facilidad en la figura del patrón de Lisboa y de Padua, además de otras muchas ciudades del mundo. Tomó el nombre de Antonio en honor de San Antonio Abad. En España es el santo de las modistillas y de las mozas solteras que le piden un amor duradero y cuya fiesta se celebra cada trece de junio, fecha de su fallecimiento allá por 1231.

San Antonio nació en el seno de una familia acomodada alrededor de 1191 en el barrio de la Alfama de Lisboa. Su labor como sacerdote franciscano guió sus pasos por la Europa medieval hasta recalar en Padua donde está enterrado y es venerado en la espléndida Basílica que lleva su nombre. Este Doctor de la Iglesia tuvo una gran facilidad para comunicar la fe cristiana a las gentes sencillas. A pesar de su importante formación fue un santo humilde, cercano al pueblo y pródigo en milagros.

Uno de los milagros más portentosos de Antonio fue el que le permitió demostrar la inocencia de su padre, acusado de asesinato en Lisboa, donde llegó desde Padua transportado por ángeles. Allí resucitó a la víctima para que contara quién fue su verdadero asesino. La narración de este prodigio fue elegida por Goya para decorar la ermita del Paseo de la Florida.

La ermita de San Antonio

Se acercaba a su fin el siglo XVIII cuando en el monte de lo que hoy es la estación de Príncipe Pío, el rey Carlos IV le regaló a su esposa María Luisa de Parma un palacete de recreo, del que no se conserva nada pues fue destruido para levantar la antigua Estación del Norte. El conjunto se completó con una ermita entre los jardines que se derramaban hacia el Manzanares en el actual Paseo de la Florida de Madrid, entonces Cuesta de los Areneros, sustituyendo a una anterior diseñada por Sabatini. Felipe Fontana levantó la ermita que conocemos hoy como de San Antonio de la Florida con un sencillo diseño de cruz griega en estilo neoclásico, terminándose en 1798, declarado Monumento Nacional en 1905.

En 1928 se construyó a su vera una iglesia idéntica para sustituir sus oficios como parroquia, y preservar así los magníficos frescos del deterioro que le suponía el humo de las velas. Esto ha permitido convertir la primera en un museo sobre Goya, cuya tumba se encuentra bajo la cúpula.

El feliz encargo de los frescos

Su cargo como Pintor de Cámara le procuró a Goya el encargo que sus amigos Jovellanos y Saavedra, entonces ministros, le hicieron para que realizara la decoración pictórica de la iglesia que se consagró a San Antonio de Padua, y se convertiría a finales del siglo XIX en un popular centro de romería cada trece de junio. Romería que se sigue celebrando en la actualidad.

Ayudado por Asensio Juliá entre agosto y diciembre de 1798, Goya nos dejó en la cúpula de la ermita la narración del milagro medieval trasladado al Madrid de su época. El tumulto popular que se organizó en el cementerio lisboeta lo transfiere el genio de Fuentetodos alrededor de una barandilla, procedimiento utilizado anteriormente por Mantegna, Correggio o Tiépolo, tras la que aparece una nutrida representación de personajes humildes del pueblo de Madrid. El tema y el lugar nos obligan a pensar en una pintura religiosa, pero Goya da un giro al encargo y convierte esta obra en mucho más. Al respecto Valeriano Bozal dice lo siguiente en un pequeño y luminoso libro sobre el genio aragonés titulado GOYA:

«…No me atrevo a decir que sea religiosa, a pesar de su tema, la decoración al fresco de San Antonio de la Florida, en Madrid…Representa aquí el milagro de San Antonio de Padua en la cúpula y la Adoración de la Santísima Trinidad en las pechinas, pero no es una pintura especialmente piadosa ni incita al recogimiento. Lo que más llama la atención son los ángeles, más hermosas jóvenes -de "manolas" han sido calificados- que seres angélicos, y el grupo de mendigos y harapientos, el pueblo de Madrid, que rodea a San Antonio de Padua».

Goya rompe todos los esquemas tradicionales

De esta forma Goya nos invita a un tour en el que los pobres del pueblo de Madrid asisten maravillados, atónitos o melancólicos al milagro franciscano y a un hito en la Historia del Arte. Goya rompe la tradición representando en lo más alto de la iglesia a las gentes humildes que rodean al santo y coloca en el resto de paramentos a la corte celestial.

Hay en los rasgos de éstas imágenes un eco inconfundible de Los Caprichos, que Goya había realizado un año antes de crear estos frescos.

Las majas de la imagen siguiente serán la inspiración que llevará a tantas mozas melancólicas, sensuales, inspiradoras y hermosas a los pinceles del mismo Goya o del francés Manet, entre otros muchos.

Estos personajes forman parte de un universo que lejos de adaptarse a las normas académicas, a las que su creador estaba atado oficialmente, son un impulso de libertad creadora que el aragonés practicaba fuera de los círculos oficiales, y comienza a mostrar públicamente en esta pequeña ermita. Ellos son los primeros testimonios de ese universo goyesco que abre la puerta de la modernidad, a pesar de ser un encargo para la Casa Real.

La expresividad de las figuras son un abandono del academicismo, y anticipan el Expresionismo del siglo XX, y su pincelada suelta, llena de manchas de luz y color las sitúa al borde del Impresionismo.

La llamada "Capilla Sixtina de Madrid" guarda en la parte superior de las paredes laterales y en los interiores de los arcos una serie de figuras de ángeles, conocidas como las Ángelas a las que nos referíamos arriba, cuya sensualidad y belleza han dado lugar a la difusión de tópicos surgidos de los mentideros de la época.

Hace unos años el historiador Juan Carrete Parrondo publicó el libro San Antonio de la Florida. Francisco de Goya, publicado por IberCaja, en el que hace una revisión de la iconografía de los frescos de la Florida. Interesante y renovadora mirada a esta originalísima obra en la que se refiere, entre otros aspectos, a las figuras de ángeles y ángelas, que fueron identificadas con las damas más hermosas de la corte de Carlos IV representadas como ángeles, e incluso aporta una queja de la duquesa de Alba por incluir a «todas las putas de Madrid».

Recorriendo Madrid tras la obra de Goya

La Comunidad de Madrid ofrece gratuitamente una Guía de Goya en Madrid, que desarrolla un recorrido por las obras del maestro dispersas por la ciudad y por la provincia, con parada en Chinchón, dividida en cuatro itinerarios que permiten localizar lo más representativo que salió de sus pinceles, y entre las que se encuentra también una visita a la Basílica de San Francisco el Grande.

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Para llegar a la ermita de San Antonio de la Florida desde la Puerta del Sol, tenéis toda la información en el enlace. Todos los hoteles recomendados están muy cerca de esta emblemática Plaza. Si estáis pensando en visitar Madrid en este artículo se recomiendan catorce libros para conocerla de verdad.

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A cinco minutos de la Puerta del Sol se encuentra este edificio conocido como "Las Descalzas Reales". Todo el bullicio del corazón de Madrid enmudece tras sus muros. Concebido como convento para mujeres de la realeza y la aristocracia, las monjas debían ser nobles e hijasdalgo y por lo menos queremos que sean limpias de sangre. Escapó a la Desamortización de Mendizábal y hoy conserva una interesante colección de arte y una historia ligada al devenir político y social de la España de los Austrias. Entre sus muros se encuentran entra otras, las tumbas de las dos hijas de Carlos V. Hoy el Monasterio mantiene su función de clausura (clarisas), siendo propiedad de Patrimonio Nacional. Una parte del edificio es visitable.

Las dos hijas que tuvo Carlos V con su prima Isabel de Portugal; María y Juana, buscaron refugio en este edificio cuando viudas de sus respectivos maridos, decidieron alejarse de sus cortesanas vidas.

Huérfanas de madre desde muy pequeñas, Juana tenía cuatro años y María once cuando falleció la Emperatriz Isabel, y alejadas de su padre, por los contínuos viajes de éste, fueron educadas con el esmero que correspondía a tan soberanas niñas, junto a su hermano Felipe, que heredaría la corona española, como Felipe II. Quizá por todas estas circunstancias creció entre los tres hermanos una complicidad que duraría hasta el final de sus vidas.

Juana, Princesa de Portugal, Gobernadora de España, Jesuita y Mecenas.

Juana, la más pequeña, fundó el convento de Las Descalzas recontruyendo el palacio en el que vino al mundo el 24 de junio de 1535. La casa la compró Alonso Gutiérrez, secretario del Emperador, y la convirtió en un magnífico palacio para el que trajo los ecos italianos del momento, espacios clásicos, mármoles de Génova y esculturas renacentistas, cambiando así su apariencia tardomedieval, de la que quedan algunos testimonios en sus artesonados del siglo XIV, pasando a ser el más suntuoso palacio de Madrid en aquellos momentos.

El matrimonio de Juana fue parte de un acuerdo por el cual el príncipe Felipe se casaría con su prima María Manuela de Portugal y Juana con el hermando de ésta y heredero al trono portugués, el príncipe Juan Manuel. Sellaba así el Emperador la tan ansiada unión de las coronas, buscada desde tiempos de sus abuelos los Reyes Católicos, de fundir en una sóla corona la Península Ibérica.

La felicidad le fue esquiva a Juana, las ausencias de sus seres queridos, por motivos políticos, y la sombra de la muerte, estuvieron siempre sobrevolando su vida.

Con diecisiete años Juana se casó con su primo, de quince años y dueño de una salud frágil que le pasó factura al no poder controlar el deseo adolescente por su bellísima prima, que según cuentan le costó la vida, pues murió dos años después sin llegar a conocer a su hijo, el príncipe Sebastián. El niño nació sólo unos días después de morir su padre.

Viuda con apenas diecinueve años, a los cuatro meses de nacer su hijo, y dada la hostilidad hacia su persona que latía en la corte lusa, Juana abandonó Lisboa envuelta en un velo negro, para ocultar su dolor por la muerte de su marido y por tener que abandonar a su pequeño Sebastián.

No volvió a casarse, nunca más regresó a Lisboa y no volvería a ver a su hijo que falleció en Alcazarquivir (Marruecos), con tan sólo 24 años y cuyo cenotafio se puede ver en el Monasterio de los Jerónimos de Belém. Su hermano la reclamó en España como gobernadora del reino, durante los cuatro años que él fue rey consorte de Inglaterra por su matrimonio con María Tudor.

Gobernó España con mano firme, desde julio de 1554 hasta mediados de 1559, y se hizo cargo de su sobrino Carlos, con quien hubo intentos de casarla. Fueron los últimos años de gobierno de Carlos I (abdicó en 1556), y los primeros de su hermano Felipe II. Cuando la historia resume el reinado de ambos, pasa de puntillas por las sabias e inteligentes decisiones de la pequeña de la casa.

Con el estado en bancarrota por los excesivos gastos que supusieron las contínuas guerras y ampliaciones del imperio, Juana decidió declarar en 1557 una suspensión de pagos, el conocido default, saneando las cuentas con una rigurosa política económica. Felipe II tuvo que hacer frente a la impopularidad que le causó el default. Se calcula que fueron más de trescientas mil las personas que tuvieron que emigrar a América debido a la situación económica del país, siendo los castellanos y extremeños los que más emigraron.

Fue amiga y cómplice de su cuñada Isabel de Valois, y se ocupó de las dos hijas de ésta, Isabel Clara Eugenia y Catalina Micaela, cuando falleció con tan sólo veintitrés años en el parto de la segunda.

Con tan sólo diecinueve años y apoyada de Francisco de Borja, consiguió formar parte de la Orden de los jesuitas, convirtiéndose en la única mujer jesuita de la historia.

Juana de Austria es considerada una de las mujeres más relevantes del Renacimiento español, ejerciendo una destacada labor en el campo cultural. De ello da fe su importante colección de arte y su protección a pintores como Antonio Moro, Alonso Sánchez Coello, o Sofonisba Anguissola, autores de quienes se pueden ver obras en el Monasterio de Las Descalzas.

Los orígnenes del Monasterio de Las Descalzas Reales

Juana fundó en el año 1557, siendo Regente, el convento de Nuestra Señora de la Consolación para las clarisas descalzas. En este proyecto tuvo de nuevo la complicidad de su confesor, el futuro San Francisco de Borja, quien le aconsejó escoger entre las religiosas del convento de Santa Clara de Gandía a las integrantes del nuevo convento.

A finales de 1564 se finalizaron las obras y se trasladó el Santísimo Sacramento a la nueva iglesia del Monasterio, con una gran procesión donde las varas del palio fueron llevadas por Felipe II y su hijo Don Carlos, los archiduques Rodolfo y Ernesto, el duque de Alba, el marqués de Pescara, seguidos de la reina Isabel de Valois (tercera esposa de Felipe), y la propia princesa Juana.

Las obras corrieron a cargo del maestro Antonio Sillero. La autoría de la iglesia, concluída en 1564, ha sido muy discutida. Atribuida a Juan Bautista de Toledo, a quien se atribuye la fachada, en severo estilo clásico, el resto de la iglesia parece ser obra del ingeniero italiano Francesco Paciotto. Las gradas del altar, el coro y la sacristía fueron obra de Juan Gómez de Mora en 1612. El aspecto actual del interior del convento responde a la remodelación de Diego de Villanueva a mediados del siglo XVIII.

Juana de Austria murió en el Escorial, a causa de un tumor, el ocho de septiembre de 1573, con tan solo 38 años. Está enterrada en las Descalzas Reales, en un sepulcro situado en el presbiterio, siguiendo sus deseos, en una capilla al lado de la Epístola atribuida a Juan Bautista Crescenzi. Desde aquí ella asistía a los oficios religiosos. El sepulcro lo adorna una estatua de mármol blanco en actitud orante, atribuida por muchos a Pompeyo Leoni, es en realidad obra de Jacobo da Trezzo, un escultor de la corte de Felipe II.

María de Austria, Emperatriz, Lugarteniente de España y las Indias y Mecenas de las artes

María también ocupó la regencia en el trono español. Había nacido en el Alcázar de Madrid en 1528 y conoció a su padre con cinco años. A los veinte años se casó con su primo Maximiliano, hijo de su tío Fernando y archiduque de Austria, y comenzaron su matrimonio como Lugartenienes de España y las Indias, mientras que Felipe marchaba a Flandes.

Desde 1551 María vivió con su esposo en Viena, tuvo quince hijos, de los que sobrevivieron sólo ocho. Al morir su esposo en 1576, regresó a Madrid con su hija Margarita, feliz porque en España no había herejes, corría el año 1582. María acarició la idea de que su hija Margarita se casara con Felipe, pues su otra hija Ana (cuarta y última esposa de su hermano Felipe), falleció en octubre de 1580. Pero Felipe no volvió a casarse y Margarita decidió tomar los hábitos en el Convento de Las Descalzas.

En Madrid la emperatriz viuda desarrolló una intensa vida de mecenazgo, destacando en el apoyo a uno de los principales músicos de la Europa de su época, Tomás Luis de Victoria. En el ámbito político y aún estando lejos de España, siempre fue un apoyo leal a su hermano.

María se retiró al Monasterio de las Descalzas convirtiendo sus aposentos en el famoso Cuarto Real, donde murió en febrero de 1603. En él se educó Isabel Clara Eugenia, hija de Felipe II e Isabel de Valois, que donó al convento una espléndida serie de tapices sobre la Eucaristía, diseño de Rubens que permanecen en el convento. Seis de las tablas preparatorias de los mismos cuelgan en el Museo del Prado.

En el Coro se encuentran los sepulcros de la Emperatriz María de Austria y de su hija menor, sor Margarita de la Cruz. El de María es un sepulcro en mármoles y bronce que hoy guarda sus cenizas, diseñado por Juan Bautista Crescenzi, autor del Panteón de Reyes en El Escorial. El sepulcro de su hija Margarita, que se encuentra en el mismo sitio pero en plano inferior, mucho más sencillo es de madera con adornos de metal dorado.

Todas las mujeres de la Casa de Austria estuvieron ligadas a este convento y le legaron valiosos tesoros convirtiendo el edificio en un pequeño Escorial. Obras de Pedro de Mena, Gaspar Becerra, Rubens, Tiziano, Sofonisba Anguissola, Sánchez Coello, Brueghel, Luini o Antonio Moro entre otros, se conservan en un edificio concebido como un complejo religioso-social cuya extensión fue considerable, pues además del convento y la iglesia, tenía una huerta y a él estaban vinculados edificios como la Casa de los Capellanes, un hospital y un orfanato dentro de la Casa de la Misericordia.

Es una joya del plateresco castellano que mira decididamente al Renacimiento, como se ve tanto en la fachada principal como en el claustro.

Del siglo XVII se conservan pinturas al fresco en la escalera y en la Capilla del Milagro.

La mezcla entre la austeridad de la orden franciscana y el lujo de las dotes de sus moradoras traducido en obras de arte, hacen de él una cita impresdindible para acercarse a la vida de aquellas poderosas mujeres de la España de los siglos XVI y XVII.

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