El Albert Memorial está situado en Kensington Gardens, alineado en un eje central con el Imperial College de Londres y con el Royal Albert Hall, que forman parte del Salón Central, complejo conocido también como Albertópolis (en South Kensington); una manzana de arquitectura victoriana y de extraordinario valor cultural y educativo.

En ella están, entre otros centros, los museos Victoria&Albert, Natural History Museum y el Science Museum que visitamos en la lista de museos de Londres.

El nombre de Albertópolis es el reconocimiento al príncipe Alberto, por ser el impulsor de este complejo. La zona la compró la «Royal Commission for the Exhibition of 1851» (de la que Alberto era Presidente), con los beneficios obtenidos de la Exposición Universal de 1851, para la que se construyó en Hyde Park, el célebre Palacio de Cristal de Joseph Paxton.

¿Porqué se levantó este monumento?

Es verdad que el impulso más importante para su construcción fue el empeño de la reina Victoria de homenajear a su amado esposo Alberto, que había fallecido en 1861, con tan sólo cuarenta y dos años, de fiebres tifoideas. Dicen que Victoria no superó nunca su muerte y su nostalgia llenó Reino Unido de homenajes a Alberto .

Pero este memorial en realidad se había planeado ocho años antes, como agradecimiento por su decidida apuesta por la que fue la primera Exposición Universal de la historia. La idea era levantar un monumento en memoria de la Exposición presidido por una estatua del Príncipe, su principal promotor.

La intención primordial de aquella Exposición era mostrar al mundo la superioridad de la industria británica. Por eso la organizaron en Londres bajo el nombre de la "Gran Exposición de los Trabajos de la Industria de Todas las Naciones" o, simplemente, la "Gran Exposición", e invitaron a participar en la misma a países de cuatro continentes: Europa, América, Asia y África.

Hasta entonces se habían celebrado otras en París, en Madrid y en Berlín. Pero todas ellas tuvieron un carácter nacional. De modo que los primeros en celebrar un evento de carácter internacional fueron los ingleses. El éxito fue rotundo.

El Príncipe Alberto y sus efigies.

Cuando le sugirieron a Alberto la idea de la estatua, como parte de un memorial a la exitosa Exposición de 1851, no le hizo mucha gracia. Sobre este tema escribió:

Pero en le transcurso entre la idea y su realización el príncipe falleció, y la Reina y sus asesores decidieron levantar el actual Albert Memorial.

En realidad fueron muchos los monumentos erigidos en su honor, a pesar de la petición de Alberto de que no se crearan efigies suyas, las hay por todo el Imperio británico.​ Los más destacados de estos homenajes son el Royal Albert Hall y el Albert Memorial en Londres. A Victoria todo le parecía poco para que el pueblo no olvidara nunca a su marido.

Del exceso de memoriales erigidos en honor de Alberto da una idea un comentario que Charles Dickens le hacía a un amigo, en el que le decía que estaba buscando una «cueva inaccesible» para escapar de ellos.

Después de muchas deliberaciones y proyectos diferentes, el monumento le fue encargado a George Gilbert Scott.

El Albert Memorial, una loa a la cultura y a la industria

El estilo elegido por Sir George Gilbert Scott fue una interpretación muy libre del neogótico. El monumento es un recargado dosel que contiene la estatua del Príncipe Alberto mirando hacia el complejo que él ideó.

El dosel se levanta en la parte más alta de una plataforma construida de forma escalonada con piedra de granito, en cuyas esquinas reinan grupos escultóricos con vocación simbólica, relacionados con temas de la Exposición Universal y con la personalidad del Príncipe Alberto.

Inaugurado en 1872, después de diez años de trabajos, tiene ciento cuarenta y ocho pies de alto y costó alrededor de ciento veinte mil libras.

Los cimientos del monumento

Los cimientos del Albert Memorial, que según Scott son "una serie de catacumbas curiosamente intrincada y pintoresca", están compuestos por ochocientos sesenta y ocho arcos de ladrillo, construidos sobre una base de hormigón de diecisiete pies de espesor.

Sobre este "panel de abejas" se apoyan los escalones de granito, que elevan el monumental homenaje a un príncipe humanista.

La estatua del Príncipe Alberto

La estatua del Príncipe, obra de John Henry Foley, se instaló en bronce, sin dorar, en noviembre de 1875 y un años después se doró (no sabemos que opinaría él al verse tan reluciente). Alberto sostiene con su mano derecha un catalogo de la Gran Exposición de 1851.

La estatua sedente del Príncipe está situada sobre una base de mármol, y cubierta por un dosel de formas góticas con una decoración "generosa".

A finales del siglo XX el monumento tuvo que ser restaurado y la estatua de Alberto se cubrió de láminas doradas, devolviéndole todo el esplendor pues, durante ochenta años, estuvo cubierta con pintura negra.

No está claro porqué estaba cubierta de negro. Hay dos teorías al respecto; una habla de que fue cubierta deliberadamente para evitar que fuera un objetivo fácil en los bombardeos de la Primera Guerra Mundial.

Otra teoría es la que sugieren las investigaciones del English Heritage, que creen que el recubrimiento negro era anterior a 1914 y fue debido a una reacción a la polución atmosférica, que había eliminado la primitiva capa dorada.

El Friso del Parnaso del Albert Memorial

Conocido como el Friso del Parnaso (el lugar donde habitaban las musas de la mitología griega), es una base de mármol sobre la que descansa el dosel que cubre al Príncipe protector de la cultura. Este friso está decorado con estatuas que representan a los pintores, arquitectos, escultores, poetas y músicos más importantes de la Historia.

Son ciento sesenta y nueve esculturas que representan a: Mozart, Beethoven, Leonardo da Vinci, Rafael Sanzio, Alberti, Brunelleschi, Shakespeare o Milton, entre otros.

Henry Hugh Armstead talló las ochenta figuras de las partes sur y este: los pintores, músicos y poetas. John Birnie Philip se encargó de las figuras de las partes oeste y norte: los escultores y arquitectos, que están ordenados por orden cronológico.

EL Friso del Parnaso del Albert Memorial es la referencia más clara de este monumento a la cultura. Sobre él está anclado el templete y sobre él descansa la estatua de Alberto. También lo son sus mosaicos que veremos después.

Los grupos escultóricos que rodean el monumento

Sobre las esquinas del Friso del Parnaso hay cuatro grupos escultóricos que representan los cuatro continentes que participaron en la Exposición Universal de 1851: Europa, Asia, América y África, identificados por un animal y varias figuras humanas vestidas con ropa típica de cada lugar.

Europa está representada por un toro, que alude a la historia mitológica de la seducción que la bella Europa desplegó sobre Zeus. América por un búfalo, África por un camello y Asia por un elefante.

En el dosel relucen, doradas como la del príncipe, una serie de esculturas alusivas a las artes prácticas y las ciencias: la Astronomía, Geología, Química, Geometría, Retórica, Medicina, Filosofía y Fisiología, y a las Virtudes: la Fe, la Esperanza, la Caridad y la Humildad, y la Entereza, la Prudencia, la Justicia y la Templanza.

Encima de éstas, si dirigimos la mirada hacia lo alto del monumento, aparecen ángeles, también dorados, con los brazos levantados hacia el cielo y una cruz dorada que remata el dosel.

En los tímpanos del dosel, brillan también una serie de mosaicos que rinden homenaje, por medio de una figura alegórica, a las cuatro artes: poesía, pintura, arquitectura y la escultura.

Y en las enjutas de los arcos, apoyando a las alegorías, hay una serie de personajes históricos: el rey David y Homero (poesía), Apeles (el pintor más famoso de la Grecia Antigua) y Rafael Sanzio (pintura), Ictinos (el arquitecto del Partenon) y Salomón (arquitectura), y Fidias (el más famoso escultor de la Atenas de Pericles) y Miguel Ángel (escultura).

Estos mosaicos fueron diseñados por la firma Clayton and Bell y realizados por la casa Salviati de Murano, en la laguna de Venecia, cuyos trabajos se encuentran en tantos edificios emblemáticos de Londres.

Bajo los mosaicos una inscripción recorre todo el dosel: Reina Victoria y Su Gente – A la Memoria del Príncipe Consorte Albert – Como un Tributo de su Gratitud – Por una Vida Dedicada al Bien Público”.

En torno al templete encontramos, en las esquinas más bajas de los escalones, otros cuatro grupos de esculturas que representan el Comercio, la Ingeniería, las Manufacturas y la Agricultura, actividades que eran la base de la economía del país.

Materiales del Albert Memorial

Scott y sus colaboradores utilizaron, además de los granitos de colores, bronce, esmaltes, piedra dura, dorado (muy generoso), mosaicos de vidrio y mármol "siciliano" (de las canteras de Calonnata y Paleri en Carrara) llamado "campanella".

Los bloques de granito llegaron de Escocia e Irlanda, no sin problemas, porque el trasporte hasta Londres fue toda una odisea. Acabaron llegando por el Támesis, después de pasar por auténticas aventuras.

Los ocho grupos de esculturas son de mármol, mientras que la estatua del Príncipe, bajo su dorada cubierta protectora, es de bronce metalizado, cosa que no agradó a todos, pues el mármol les parecía a muchos un material más elegante.

El Albert Memorial tiene además y sobre todo, el material del que están tejidos los sueños; los que hicieron posible aquella primera Exposición Universal, los que tejieron el Salón Central y los de una Reina que sobrevivió más de cuarenta años al amor de su vida.

El Albert Memorial ha resistido al tiempo y a las bombas, a las críticas, a las restauraciones y a las modas, y hoy es un protagonista cotidiano de los paseos por los jardines de Kensington. En sus escalinatas descansan y charlan vecinos y visitantes.

Su silueta señala el camino hacia esa prodigiosa manzana cultural londinense, en la que se dan cita el saber, la belleza, la ciencia, el arte, la historia y los espectáculos que se celebran en uno de los teatros más importantes del mundo: El Albert Royal Hall, el otro gran monumento al Príncipe Alberto.

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La arquitectura, la cerámica y la escultura occidentales hunden sus raíces en el arte griego, cuyas obras, tras más de dos milenios, están dispersas por una miríada de museos y galerías. Francia, Inglaterra, Alemania, Italia y Grecia conserva las principales obras maestras, aquellas que pudieron conservarse en su estado original o esas otras que, perdidas, podemos aún disfrutar gracias a las copias que hicieron los romanos.

Lo que sigue no es un ranking, pues faltan muchas maravillas. Pero sí es una selección de lo mejor de las distintas y variadas épocas y estilos por los que atravesó ese fenomenal conjunto de creaciones que hoy llamamos arte griego.

Cleovis y Bitón, un sensacional ejemplo del arte griego arcaico

El grupo escultórico de Cleovis y Bitón es uno de los mejores representantes que aún puede verse del arte griego arcaico. Representan un tipo muy común en aquel tiempo: el kuros u hombre joven desnudo, una representación idealizada del atleta y del soldado, fuerte, viril y en plenitud.

Estos dos en concreto son figuras mitológicas. Hijos de una sacerdotisa de Hera llamada Cídipe, la historia cuenta que en una ocasión fueron capaces de tirar del carro que llevaba a su madre a honrar a la diosa, una vez que sus bueyes habían quedado exhaustos.

Son esculturas muy parecidas al estilo de los egipcios. Se caracterizan por una postura rígida y tirante, brazos caídos y pegados al cuerpo, avance ritual de la pierna izquierda y un carácter compacto que impide olvidar que antes de un kuros la escultura fue un bloque de piedra.

Al modelado se le prestaba entonces poca atención. El escultor, de nombre Polimedes de Argos, trazó simplemente unos gruesos incisos allí donde el cuerpo solicita juegos de relieve, como los pectorales o el encuentro de las ingles y el abdomen.

Aunque no es lo habitual, de estas piezas se conoce, gracias a Heródoto, que fueron un encargo de la ciudad de Argos para adornar el Santuario de Delfos. Allí se colocaron aproximadamente en el año 600 a.C. Allí mismo fueron encontradas en el año 1893, y allí se pueden ver aún, más de 2600 años después, en el Museo Arqueológico de Delfos.

El Vaso François, la joya de la cerámica griega

El Vaso François es uno de los más impresionantes ejemplos de la cerámica griega. Mide nada menos que 66 centímetros de alto y está decorado al completo con historias de la mitología griega, monstruos e incluso escenas cómicas. Hasta las asas y la base están profusamente decorados.

En su fabricación se sabe que intervinieron dos autores porque ambos dejaron constancia de su firma. Se trata del alfarero Ergótimos y el pintor Clitias, que colaboraron en esta y otras obras alrededor del año 570 a.C.

Según Antonio Blanco Freijeiro, autor de uno de los mejores libros sobre arte clásico, el Vaso François destaca por "su proporción, elegancia, firmeza y grandiosidad […] pero a este conjunto de perfecciones constructivas se le une la exquisita decoración de Clitias, que envolvió la superficie externa del vaso en un álbum de más de un centenar de miniaturas dispuestas en franjas horizontales".

Que un vaso de este tamaño y con este imponente y minucioso programa decorativo acabara en Etruria es un ejemplo más de lo bien conectada que estaba por entonces la economía mediterránea, y el alto desarrollo que habían alcanzado los etruscos, capaces de importar semejantes objetos de lujo. Hoy se puede ver en el impresionante Museo Arqueológico de Florencia, uno de los mejores de la ciudad del Renacimiento.

No servía simplemente para decorar. El Vaso François era una crátera de volutas (así llamada por las asas), un recipiente en el que se depositaba el vino, normalmente mezclado con agua, para que los asistentes a un banquete se fueran sirviendo.

Quizá este uso justifica la presencia de varias escenas marcadamente cómicas entre sagrados mitos como el de las exequias de Patroclo. O tal vez sea una prueba más del escaso fanatismo que envolvía la religión griega, sin exigencias morales y tolerante incluso con la ironía.

Para saber más sobre las imágenes representadas, recomendamos la lectura de este artículo.

El ¿Poseidón? del Cabo Artemisio

Se llama Poseidón de Artemision pero sólo la segunda parte de su nombre es segura, pues fue descubierto bajo el mar, en 1928, muy cerca del cabo del mismo nombre.

La identidad de la figura es complicada. Se ha dicho que es Poseidón en el acto de arrojar su tridente, pero ese acto de arrojar el tridente no era nada habitual. Y un tridente no encaja bien con la composición de la figura, como descubrió un grupo de historiadores. Lo que sí sabemos es que el Templo de Sunión estaba dedicado a él.

Se ha dicho también que podría ser Zeus en el acto de lanzar un rayo, pero la posición de las manos tampoco sería idónea. En realidad, el acto que más concuerda con la figura es el lanzamiento de una jabalina, pero la figura no es la de un atleta, que habría de ser más joven, sino la de un dios. Últimamente se le llama Dios de Artemisio.

En cualquier caso, es un figura valiosísima no sólo por su antigüedad (se ha datado en el año 460 a.C.) sino porque representa perfectamente la transición entre el estilo arcaico y el clasicismo. La figura es todavía rígida y carece del naturalismo que estaba por venir, pero ya hay una intención clara de romper el estatismo de la vieja escultura y añadir acción y movimiento.

Está en el Museo Arqueológico Nacional de Atenas.

Los Bronces de Riace o el anuncio del clasicismo

Han sobrevivido milagrosamente tres maravillas del arte griego realizadas en bronce. Una es el Poseidón de Artemisio, otra el Auriga de Delfos. La tercera son estos misteriosos personajes que fueron encontrados por un submarinista cerca de Riace, en la actual Italia, y que son la gran joya del Museo Arqueológico de Reggio Calabria.

A pesar de haber realizado numerosos y concienzudos estudios, los expertos no se ponen de acuerdo sobre la identidad de los dos individuos. Unos dicen que son atletas. Otros dicen que son guerreros. Otros, que son dioses o figuras mitológicas.

Nada está claro excepto su maravillosa calidad y su incalculable valor histórico, pues aquí tenemos, uno frente a otro, el paso del estilo severo, o de transición, al inconfundible estilo clásico. De hecho, el llamado Bronce B es tan, tan asimilable a las esculturas clásicas que hay quien ha defendido la autoría de Fidias, el mayor exponente del arte clásico.

Aquí ya está casi todo lo que hará del arte griego clásico inolvidable: el naturalismo, la elasticidad de los músculos, el apoyo en uno de los dos pies, la ruptura total de la vieja ley de la frontalidad, etc.

Tal vez te interese leer también este recopilatorio: diez templos griegos para viajar al mundo antiguo. Seguirás viajando por Sunión, Atenas, Delfos y otros rincones de Grecia.

El Discóbolo, la obra que hizo trizas la ley de la frontalidad

A mediados del siglo V a.C. Atenas brilló entre todas las ciudades de Grecia, y en Atenas, en aquel tiempo, empezó a florecer Mirón. Esculpiendo dioses, atletas y animales se hizo pronto un hueco entre los grandes del arte griego. Fue verdaderamente profuso y variado en la elección de sus temas, aunque se mantuvo a la vez más apegado a ciertas rigideces del arte clásico.

El Discóbolo, famosísimo, representa a un lanzador de disco en plena acción. En en suelo solo apoya el pie derecho y los dedos del izquierdo. Con la mano derecha impulso el disco hacia atrás para ganar inercia. Su cuerpo, en postura inverosímil para la estatutaria anterior, se inclina y se contrae en el momento previo al violento lanzamiento.

Este atleta es muy distinto a todos los anteriores. Debió sorprender y asombrar a sus contemporáneos, pues cambia radicalmente la relación del espectador y la obra. Si las antiguas estatuas frontales fueron concebidas para verse de frente y solo de frente, el Discóbolo no solo puede admirarse desde cualquier lado sino que casi parece que incita a hacerlo.

Y a pesar de todo, al margen de la postura, el Discóbolo no es una obra excesivamente novedosa. La anatomía sigue siendo casi pre-clásica: los músculos son planos; las facciones, esquemáticas e inexpresivas, y el conjunto no alcanza gran profundidad en el espacio. Admiración y asombro era lo que buscaba, no emoción. Hoy puede verse no el original, pero sí una excelente copia romana en el Museo Nazionale Romano, situada en el Pallazzo Massimo alle Terme.

La Atenea Lemnia, la más bella de las estatuas femeninas

Así lo pensaba al menos Pausanias, que la ensalzó como la mejor de todas las obras de Fidias. La Lemnia se esculpió en época de Pericles para adornar, aún más, la Acrópolis de Atenas. Pero al contrario que la Parthenos, diosa guerrera escondida en el colosal Partenón, esta versión de la diosa se representó como una dispensadora de paz. Por ello lleva la cabeza descubierta, el casco en una mano y la égida sobre el pecho.

La cabeza tiene todos los rasgos propios del arte griego clásico: frente alta, barbilla pequeña, labios menudos y carnosos, mejillas lisas y una línea del perfil casi perpendicular al plano horizontal. El finísimo modelado y la elegante taenia, la cinta lisa y ancha que sujeta el pelo, terminan de acentuar la plasticidad de todo el conjunto.

Contemplar la Lemnia es emocionante, y eso que solo se conservan un par de fragmentos y no del original, sino de copias romanas posteriores. La cabeza se encuentra en el Museo Cívico Arqueológico de Bolonia y, lo que parece ser una copia del cuerpo se puede ver en la Staatliche Kunstsammlungen de Dresde.

Las Parcas de Fidias y sus "paños mojados"

De los frontones del Partenón ya hablamos largo y tendido en el artículo que le dedicamos a dicho edificio. Pero hay un grupo de esculturas que merece ser individualizado y situado aquí, brillando con luz propia entre lo mejor del arte griego.

Estos tres cuerpos mutilados todavía impresionan por la corporeidad y por la vida que transmiten. Se los conoce como Las Parcas, aunque seguramente representan a Afrodita y Artemisa. En ellos se percibe bien la técnica de los llamados “paños mojados”, consistente en esculpir los ropajes con tal finura que parecen mojados, pegados por tanto al cuerpo y dibujando sus curvas y ondulaciones. Fidias llevó a esta técnica a una excelencia nunca antes vista, y luego fue imitado una y mil veces. La propia Victoria de Samotracia sería impensable sin este desarrollo previo.

Las Parcas, como todo el frontón del Partenón, pueden verse en la Sala Elgin del Museo Británico. Están en un estado algo precario, pero son las figuras originales que durante dos milenios adornaron el mejor de los templos griegos.

El Doríforo de Policleto, "el canon" del arte griego

El Doríforo es otra de las obras maestras del arte griego que se han perdido. Por suerte su fama fue grande en su tiempo, y los copistas romanos realizaron varias copias que sí se conservan. La mejor, o la mejor conservada, se descubrió en las excavaciones de Pompeya y se conserva en el Museo Arqueológico Nacional de Nápoles.

A pesar de su nombre, el representado es probablemente Aquiles, el héroe de la Ilíada. Y como la Ilíada, el Doríforo se terminó convirtiendo en la escultura más admirada, la más copiada, la que más influyó a escultores posteriores.

Curiosamente es una obra aún apegada a ciertos rasgos del arte arcaico. La separación de ingles y abdomen, o la línea que marca los pectorales, es excesivamente rígida. Lo mismo ocurre con las divisiones de los brazos y las piernas. Lo que Policleto aplicó de forma innovadora fue el canon geométrico que establecía el sistema ideal de las proporciones del cuerpo humano, y en en su forma de hacerlo reveló importantes influencias de los filósofos de us tiempo.

Platón había defendido en el Timeo que los dioses dieron a la cabeza humana una forma esférica como imagen de la figura del universo. La cabeza es perfectamente esférica, pero no es el único círculo. Las curvas del pliegue inguinal y del arco torácico son segmentos de un círculo imaginario cuyo centro estaría en el ombligo.

Por supuesto, lo más llamativo es la posición. Policleto esculpió una obra destinada a contemplarse desde un punto de vista principal, pero el Doríforo no es una obra rígida ni estática. El peso del cuerpo se apoya maravillosamente sobre una de las piernas, y el giro ligerísimo del tronco y la cabeza añade el movimiento justo para dotar al conjunto de vida.

La Afrodita de Cnido, el canon de belleza de los antiguos

"La destreza del escultor ha sido tan acertada que parece que el mármol ha perdido su dureza para moldear la gracia de sus extremidades", dijo de esta escultura Luciano de Samósata. Plinio el Viejo relató que una vez, un joven se enamoró de ella al contemplarla, y el rey Nicomedes de Cos la quiso hasta tal punto que ofreció a la ciudad de Cnido perdonar la deuda de la ciudad. Los cnidios se negaron.

Estamos ante la obra maestra de Praxiteles y la estatua femenina que los antiguos consideraron la más hermosa del mundo. Representa a Afrodita, la diosa del amor, en el acto de tomar un baño.

Toda la obra es un prodigio de sensualidad y delicadeza. La razón de que aparezca desnuda hay que buscarla en las costumbres locales de Cnido, donde Afrodita era venerada, entre otras cosas, como protectora de la navegación, de forma similar a la fenicia Astarté. En toda la región hay representaciones anteriores, muy antiguas, donde a la diosa de la fecundidad se la representa de la misma manera.

Pero Praxiteles convierte la desnudez de la diosa en un logrado elemento erótico gracias a la tersura del modelado, a las formas suaves y mórbidas que se mueven en un perfil sinuoso, la célebre "S" o curva praxiteliana. La vestidura y el ánfora cumplen una función estructural, pues permiten que el cuerpo "rote" ligeramente hacia delante y hacia la izquierda. Es admirable cómo consigue Praxiteles que esas vestiduras, que recuerdan a los paños mojados de Fidias, caigan lánguidamente, despacio, sobre el ánfora. Como dijo Luciano de Samosata, resulta difícil de creer que el material sea el duro y frío mármol.

Como en el caso del Doríforo, el original se perdió. Pero como su fama fue tan grande se hicieron bastantes copias, y algunas de ellas son de excelente calidad. La más conocida está en Roma, en el Museo Nacional Romano del Palazzo Altemps.

El Gálata moribundo y la nueva expresividad del helenismo

Es una de las obras más famosas de los Museos Capitolinos de Roma y una de las más reproducidas, merced a su enorme popularidad entre los viajeros del Grand Tour y a la intensa emoción que transmite.

Situada en el centro de una sala que lleva su nombre (Sala del Gladiador, pues en principio se pensó erronamente que el caído era un gladiador) representa a una víctima de la guerra emprendida en el siglo III a.C. por los Atálidas de Pérgamo contra los Gálatas (así llamaban aquéllos a las tribus célticas –los galos de los romanos– asentadas en el interior de la actual Turquía). El guerrero, que se muestra con la herida bien visible y próximo a morir, está rodeado de gran solemnidad y representado al estilo de los héroes clásicos, esto es, desnudo. La obra sirve así como recordatorio de la victoria, pero también como homenaje a la valía de los vencidos, que fueron dignos enemigos.

Apareció en el siglo XVII, en la Villa Ludovisi, junto con el Gálata suicida que puede verse hoy en el Palazzo Altemps, y fue adquirida por el museo en el siglo XVIII. Aunque los historiadores no se han puesto de acuerdo sobre su datación, la interpretación más aceptada es la siguiente: que el original griego data del siglo III a.C., que fue un encargo de Átalo I de Pérgamo como conmemoración de la citada victoria de los suyos contra los gálatas turcos, y que la copia expuesta en el museo es una obra romana del siglo I a.C., encargada por Julio César para conmemorar en el ámbito privado otra victoria –la suya– contra los galos, y realizada (esto acreditaría tanto la estima del dictador al original como la confusión de los historiadores) en mármol oriental por un taller de Pérgamo.

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Los museos de Londres son uno de los muchos atractivos de esta ciudad vibrante y cosmopolita que abierta a todas las culturas sabe, como pocas, guardar inalterable su esencia. La vida cultural de Londres ofrece tantas posibilidades que será difícil no encontrar algún interés personal. Entre esa oferta cultural destacan sus numerosos museos. Hoy nos acercamos a diez museos de Londres. De los más grandes a los más pequeños, con la certeza de que nos dejaremos en el camino más de una perla magnífica. Pero volveremos, Londres es una ciudad que siempre merece un viaje.

Edificios espléndidos con contenidos magníficos recorren la historia de la humanidad a través del arte, la ciencia, la arqueología, la etnografía, o miran al cielo desde el meridiano de Greenwich, donde se mide el tiempo. Todo un universo al alcance de todos, porque esta oferta es en la mayoría los casos gratuita.

The National Gallery, una magnífica clase sobre arte accidental

Este es el principal museo de arte de Londres. En realidad es una pinacoteca. Su exposición de pintura recorre un espacio de tiempo que va desde 1250 a 1900, transitando un camino que lleva a muchos de los más importantes logros de la pintura occidental. Obras esenciales de autores como Giotto, Rafael, Piero della Francesca, Jan van Eyck, Masaccio, Botticelli, Leonardo da Vinci, El Greco, Tiziano, Rubens, Caravaggio, Anthony van Dyck, Vermeer, Velazquez y su sensual Venus del espejo, Goya, Cézanne, Monet, o Van Gogh​ entre otros. Hay sólo uno de J. M. W. Turner, nada menos que Lluvia, Vapor y Velocidad.

Inaugurada en 1824, su colección reúne más de dos mil trescientas obras en su mayoría europeas. Es uno de los museos de arte más visitados del mundo después del Museo del Louvre de París, el British Museum también en Londres, y el Metropolitan Museum of Art de Nueva York.

The National Gallery es una entidad sin ánimo de lucro que se creó con voluntad didáctica para facilitar el acceso al arte de todas las clases sociales. Su colección pertenece al pueblo inglés, y a diferencia de otros importantes museos de Europa, como el Louvre parisino o el Prado de Madrid, no se nutre de la nacionalización de las colecciones reales. Depende del Departamento de Cultura cuyas aportaciones del presupuesto nacional formaron la colección permanente. Ha recibido a lo largo de su historia donaciones de coleccionistas, y aportaciones económicas como la del magnate sir Paul Getty que donó en 1985 cincuenta millones de libras. Aunque es gratuito, al igual que otros museos de Londres, cobra entrada en algunas exposiciones temporales.

Del edificio que diseñó William Wilkins, sólo queda sin tocar la fachada que da a Trafalgar Square (en la imagen de cabecera). Las ampliaciones que fueron necesarias con posterioridad cambiaron el aspecto del primitivo edificio.

The British Museum, un imprescindible entre los museos de Londres

The British es otro de los museos de Londres que aparece entre los más visitados del mundo. La diversidad del conocimiento que abarcan sus colecciones pasa por la arqueología, la historia, el arte o la etnografía. Es sobre todo un museo de antigüedades.

Inaugurado en enero de 1759, su fundación fue posible gracias a la donación de la importante colección privada de sir Hans Sloane, médico y naturalista británico que además de cuarenta mil libros, miles de manuscritos, y obras de Durero, dejó su colección de ciencias naturales y medicina, antigüedades de Egipto, América, Oriente Medio y Extremo Oriente. A la que se sumaron bibliotecas de intelectuales, anticuarios, y colecciones como la de sir William Hamilton, embajador británico en Nápoles, que incluía piezas de Grecia y Roma.

¿Con qué nos encontramos en este neoclásico edificio levantado en el barrio londinense de Bloomsbury? Con un hilo conductor de la historia del ser humano que expone la mayor colección de arte egipcio del mundo, después de la del Museo Egipcio del Cairo. The British Museum tiene la famosa Piedra Rosetta, gracias a la que se consiguió la clave para entender los jeroglíficos egipcios. En él siguen (y parece que seguirán mucho tiempo) los Mármoles de Elgin, más conocidos como los Mármoles del Partenón, donados por el conde de Elgin en 1816, y las esculturas del Mausoleo de Halicarnaso. Arqueología islámica y oriental. La mayor colección de porcelana china de Europa, y entre otras muchas joyas hay un Moái Hoa Hakananai’a, llevado directamente desde Isla de Pascua chilena, o una importante colección de arte cicládico

El Gran Atrio de la Reina Isabel II, diseñado por el estudio de Norman Foster, es una de las últimas ampliaciones del British, inaugurada en el año 2000. Este atrio es la plaza cubierta más grande de Europa.

Natural History Museum, un luminoso centro de la historia de la naturaleza.

¿Te interesan la botánica, la entomología, la mineralogía, la paleontología o la zoología? Si la respuesta es sí, no te puedes perder este magnífico museo de Londres. Un paraíso para los más pequeños. En su salón central te recibirán los esqueletos de diferentes dinosaurios. El más famoso es «Dippi», un enorme Diplodocus. También resulta impactante un mastodonte encontrado en la Laguna de Tagua Tagua de Chile. Podrás disfrutar de La fuerza interna (The Power Within): Una experiencia interactiva que muestra las causas por las que se producen los terremotos y las erupciones de los volcanes.

Situado en Exhibition Road, en Kensington, el eje central del museo está alineado con la torre del Imperial College de Londres y con el Royal Albert Hall y el Albert Memorial más al norte, formando parte del complejo conocido como Albertopolis. Su entrada es gratuita.

El Natural History Museum tiene una colección de más de setenta millones de especímenes y objetos que recorren varios campos de la historia natural. El edifico fue levantado entre 1873 y 1880 por Alfred Waterhouse que diseñó las fachadas en estilo neorrománico. Es conocido como «La catedral de la Naturaleza», por la interesantísima colección y por la ornamentación de sus muros, inspirada en motivos de la naturaleza.

The Victoria and Albert Museum, una joya entre los museos de Londres

Este es uno de nuestros favoritos entre este derroche de conocimiento que son los museos de Londres. El Museo de Victoria y Alberto, está dedicado esencialmente a las artes decorativas y a las bellas artes. Se encuentra como el de Historia Natural, en la zona conocida como Albertopolis y ofrece grandes recursos a los estudiantes de diseño al ser el contenedor de la colección nacional británica de artes aplicadas.

El edificio, de arquitectura victoriana, tiene una superficie de cuarenta y cinco mil metros cuadrados, que albergan una amplísima colección de artes decorativas europeas, chinas, coreanas, hindúes, africanas, japonesas e islámicas. Nada menos que unos cuatro millones de objetos. Sus galerías exponen obras de pintura, escultura, muebles, vidrieras, cuya historia recorrimos aquí, joyería, armaduras, armas, vestimentas, cerámica, instrumentos musicales, arquitectura, o marfiles, entre otros muchos objetos.

Su colección de pinturas y dibujos está formada por unas dos mil obras. Muestra obras de John Constable y J. M. W. Turner, Tintoretto, Camille Corot, Gustave Courbet, Eugène Delacroix, Edgar Degas, Jean-François Millet, Dante Gabriel Rossetti, Edward Burne-Jone, o Botticelli, en cuya Primavera nos sumergimos en este post. Hans Holbein el Joven o Rosalba Carriera. Durero, Angelica Kauffmann, Jean Auguste Dominique Ingres, y Aubrey Beardsley entre otros. Gracias a un préstamo de la Royal Collection de la reina Isabel II de Inglaterra, aquí se pueden ver los siete cartones que se conservan de Los hechos de los Apóstoles, tapices de Rafael Sanzio realizados para la Capilla Sixtina.

Aquí se encuentra también la Biblioteca Nacional de Arte que guarda un tesoro firmado por Leonardo da Vinci; el Codex Forster. Una serie de cuadernos manuscritos, con escritura especular, realizados por el genio toscano entre 1487 y 1495.

Desde el año 2000 una lámpara de cristal soplado de once metros de altura realizada por Dale Chihuly, es el bellísimo punto focal de la rotonda de entrada.

The Museum of London, las huellas de la vida de Londres

Para conocer la historia de Londres, ningún sitio mejor que este museo, también gratuito, que recorre la historia de la ciudad desde la prehistoria hasta el presente. Situado cerca de Barbican centre, forma parte de la innovadora restauración de éste área de la City que fue castigada por los bombardeos en la Segunda Guerra Mundial. Está a un corto paseo desde la Catedral de San Pablo.

Los arquitectos del edificio, Philip Powell e Hidalgo Moya, hicieron un diseño innovador al construir las galerías de manera que sólo hay un posible recorrido; desde la Prehistoria a la actualidad.

Con un fuerte acento sobre la arqueología de Reino Unido y del resto del mundo, en la que ha participado tan activamente este país. El recorrido explica cómo era esta ciudad y cómo ha llegado a ser lo que es en salas como Londres antes de Londres (Prehistoria), o Londres Medieval. Obras sobre el desaparecido Palacio de Cristal, una interesante colección de automóviles, o cómo fue y qué significó el Gran incendio de 1666, que cambió drásticamente la fisonomía londinense.

En la ampliación del año 2010 se añadieron cuatro nuevas galerías. Entre ellas está la nueva Galería de la City, que abierta con grandes ventanales a lo largo del muro de Londres, permite añadir en vivo la historia actual, renovando así el relato del museo en tiempo real. Desde estos ventanales se puede disfrutar del histórico desfile de Lord Mayor’s Show. Una procesión festiva y anual que se celebra desde hace más de 800 años. Como decimos, historia de Londres también en vivo y en directo.

Tate Britain, otro lujo entre los museos de Londres

Inaugurada en 1897 su primer nombre era Galería Nacional de Arte Británico, pasando a ser conocida como Galería Tate, en honor a su fundador sir Henry Tate. También es gratuita.

La parte frontal del edificio es un diseño neoclásico de Sydney R. J. Aunque posee una amplia colección de autores de otros países, desde marzo de 2000 expone únicamente arte británico desde 1500 hasta nuestros días. Y en sus salas nos encontraremos con autores como David Hockney, Peter Blake y Francis Bacon, William Blake, Thomas Gainsborough, John Constable, John William Waterhouse, John Everett Millais, Dante Gabriel Rossetti, Stanley Spencer, David Bombreg y escultores como Henry Moor, entre otros autores que han tejido la historia del arte británico. Tate Britain incluye en sus instalaciones la Galería Clore diseñada por James Stirling, un auténtico icono de los museos de Londres que atesora las obras de J.M.W. Turner.

Conectada con la Tate Modern por un barco a través del Támesis que sale del embarcadero de Millbank Millenium, justo enfrente de la galería. El barco es inconfundible pues está decorado con lunares, inspirado en un cuadro de Damien Hirst.

Tate Modern, un icono de los museos de Londres

Desde el barco que lo conecta con Tate British, o atravesando el Puente del Milenio, que lo une directamente a la Catedral de San Pablo, Tate Modern es el nombre por el que se conoce el Museo Nacional Británico de Arte Moderno. Un museo que atrae y atrapa a miles de personas que llegan a esta zona de la ciudad, antes prácticamente ignorada y convertida en una zona muy dinámica gracias a este magnífico museo, cuyas actividades acercan lo más actual del mundo del arte a sus visitantes.

Levantado en el edificio de la antigua central térmica de Bankside, que estaba cerrada desde 1981, los arquitectos suizos Herzog & de Meuron, diseñaron el que habría de convertirse en un icono entre los museos de Londres.

Es el museo más visitado de la ciudad después del British. De entrada gratuita, salvo algunas exposiciones temporales, Tate Modern es una de las atracciones turísticas de Southwark, junto con los históricos teatros the Rose y the Globe y la réplica del Golden Hind, un galeón inglés conocido por dar la vuelta al mundo entre 1577 y 1580, capitaneado por el corsario sir Francis Drake.

Su colección permanente está considerada una de las más completas e importantes de arte contemporáneo del mundo. En ella están representados autores como Andy Warhol, Salvador Dalí, o Mark Rothko, Vasily Kandinsky o Pablo Picasso. Su discurso expositivo está organizado siguiendo los principales movimientos de arte del siglo XX.

La cuarta planta se dedica a exposiciones temporales y en la segunda se da una oportunidad a los artistas actuales con exposiciones de sus obras.

Science Museum, la historia del progreso del conocimiento humano.

Vecino del Museo de la Historia Natural, la colección del Museo de la Ciencia de Londres formó parte, como éste, del Victoria and Albert, situados todos en la ya mencionada Albertopolis. Es más un museo sobre la historia de la ciencia, montado a base de vitrinas, que un moderno museo interactivo. Aún así cuenta con espacios muy divertidos como un cine IMAX, un simulador de realidad virtual, o el llamado Launch Pad, donde los niños pueden dar rienda suelta a su creatividad construyendo desde un avión a un puente, o viajar al futuro en uno de sus simuladores.

Pero aunque no existiera esa parte de diversión este museo tiene en los objetos que exhibe todo el poder de atracción. Allí se conserva en formol el cerebro de Charles Babbage, inventor de la calculadora y precursor de las computadoras, expuesto junto a la máquina que inventó.

Se expone también el original péndulo de Foucault, reproducido en otros museos del mundo, que sirvió para demostrar la rotación de la Tierra, o el motor de vapor de Boulton y Watt, que consiguieron dar un cambio radical a estas máquinas esenciales en la Revolución industrial.

Hay más de trescientos mil objetos, interesantes, sorprendentes y didácticos, como la reconstrucción de la molécula del ADN. Pero el módulo de comando del Apolo X, protagonista de la primera misión tripulada por hombres que logró entrar en la órbita lunar, y abrió la puerta al viaje que llevó al hombre por primera vez a la luna, se ha convertido en una estrella de este entretenidísimo museo.

National Maritime Museum, una invitación a navegar por los océanos del mundo

Situado en Greenwich, dentro de los preciosos jardines del Greenwich Royal Park junto con el Real Observatorio de Greenwich y la Queen’s House (Casa de la reina), conforman un conjunto que forma parte del Patrimonio de la Humanidad. Inaugurado en 1937, es el museo marítimo más importante del Reino Unido. Y es uno de los museos de Londres más completos en cuanto a la variedad de su oferta.

En sus galerías se puede disfrutar de grandes obras de arte holandés y británico, como la extraordinaria Batalla de Trafalgar, la obra más grande de Turner. Su discurso busca explicar la historia de la navegación, política, social, cultural y económica de Gran Bretaña y sus consecuencias en el mundo actual. Y lo hace mostrando cartografía, manuscritos, modelos y planos de navíos, instrumentos científicos y de navegación, de medir el tiempo, y astronómicos. Para completar la experiencia se puede transitar el histórico velero Cutty Sark, (aquí si hay que pasar por caja). Una experiencia que ayuda a entender la vida bajo sus velas, y permite tomar un té en este barco construido precisamente para llevar té a Gran Bretaña. Un disfrute para grandes y chicos.

La visita del Museo Marítimo, gratuito, se puede ampliar con el Real Observatorio de Greenwich, y la Flamsteed House (Casa de los astrónomos).

Y para completar esta experiencia única, está la Queen’s House, una joya imprescindible de este precioso lugar, de acceso gratuito. Es un edificio de inspiración paladiana, levantada en el siglo XVII por Íñigo Jones. Su exquisita arquitectura guarda un fabuloso tesoro histórico y artístico, y es el espacio en el que se celebran las exposiciones de arte del Museo.

Galería William Morris, testimonio de una vida en busca de la belleza de lo cotidiano

Merece la pena acercarse hasta Walthamstow, a sólo doce kilómetros del centro Londres y muy bien comunicada con trasporte público. Allí se encuentra esta emblemática galería. De entrada gratuita, es la casa-museo del diseñador, artesano, escritor y activista victoriano William Morris. Propietario de la compañía Arts and Crafts (Artes y Oficios), surgida del movimiento británico del mismo nombre, que defendía la artesanía ante las producciones fabriles que comenzaron a surgir en la época.

Las galerías de la casa están organizadas temáticamente y en ellas se exponen las colecciones de muebles, cerámicas, textiles, diseños, pinturas y artículos de Morris y sus asociados, entre los que estaban los artistas prerrafaelitas.

A la colección permanente se suman exposiciones temporales, películas, audios y paneles interactivos y actividades entre las que destacan sus variados talleres. Tiene una preciosa tienda, y un encantador salón de té. En los jardines que la rodean hay bastantes ejemplares de las flores que inspiraban los diseños de Morris.

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El 29 de marzo de 1871 ante lo más granado de la sociedad inglesa, la reina Victoria inauguró el Royal Albert Hall de Londres. Situado en el extremo norte de South Kensington, en Westminster. Este magnífico edificio se concibió como respuesta al deseo del príncipe Alberto, esposo de la Reina, de crear un espacio para el desarrollo y disfrute de las artes y las ciencias. La Reina puso la primera piedra de las obras el 20 de mayo de 1867. Alberto había fallecido en 1861, con cuarenta y dos años. El teatro se iba a llamar The Central Hall of Arts and Sciences, pero por decisión de Victoria, como homenaje a su esposo se llamó Royal Albert Hall of Arts and Sciences.

El príncipe Alberto planeó hacer de esta zona un enclave destinado al desarrollo de la cultura y el conocimiento. El Royal Albert Hall es el «Salón Central» de este espacio en el que se levantan edificios como el Royal College of Art, el Royal College of Music, la Geographical Society, el Brompton Oratory, o los museos de La Ciencia, el de la Historia Natural y el magnífico The Victoria and Albert Museum.

La idea de Alberto de Sajonia-Coburgo-Gotha fue una consecuencia del éxito de la Gran Exposición de 1851. La Reina Victoria abría la puerta de este foco cultural veinte años después de aquella primera Exposición Universal, promovida también por el príncipe Alberto, cuyo pabellón central fue el bellísimo, y entonces rompedor, Crystal Palace. Hoy el Hall está catalogado con la categoría más alta, Grado 1 (edificio de interés excepcional).

En memoria del impulsor de este importante espacio se levantó un monumento conmemorativo, el Albert Memorial. Situado en los Jardines Kensington (Kensington Gardens) y orientado al norte del Royal Albert Hall. Este templete neogótico es un brillante ejemplo de la arquitectura victoriana.

El diseño y la construcción del Royal Albert Hall

Fue concebido como una obra de arte total que servía para conmemorar la contribución del Príncipe Alberto a la vida y la cultura británica en una de sus etapas más dinámicas. Inspirado por los teatros clásicos, su aspecto de anfiteatro romano fue un diseño en el que participaron los ingenieros Henry Young, Darracott Scott, Francis Fowke y Rowland Mason Ordish.

La gran estructura elíptica del Royal Albert Hall está levantada con seis millones de ladrillos rojos y lo decoran unos ocho mil bloques de terracota.

La cúpula que lo cubre era una novedad que parecía poco segura, de hecho hubo muchas predicciones de que fallaría. Pero Darracott Scott no tuvo dudas. Cuando en 1870 se retiró el andamio que sostenía el techo, Scott envió a todos los obreros fuera del edificio y él mismo quitó el soporte final. Tenía razón, su estructura de acero forjado y cristal sigue coronando esta magnífica sala de conciertos que es una de las construcciones más emblemáticas de Reino Unido.

La acústica fue un problema porque se formaba un eco con los instrumentos de viento. Problema que solucionaron con un sistema que volvía a mirar a la arquitectura de los teatros de romanos. Introdujeron un velarium debajo del techo y el eco desapareció. Hoy el «velarium» son los «hongos» o «paraguas voladores» que cuelgan de la cúpula.

La tecnología más avanzada de la época se aplicó en su construcción. Sus once mil lámparas de gas podían ser encendidas en tan sólo diez segundos. Mil componentes de un coro y quinientos miembros de su orquesta inauguraron la sala, que entonces presumía de tener el órgano más grande del mundo.

Hoy el Royal Albert Hall forma parte del corazón de Londres, de su historia emocional. Adaptado a la tecnología del siglo XXI por su escenario han pasado los más grandes artistas del mundo.

Un friso de mosaico celebra la vocación cultural del Royal Albert Hall

Como los frisos de los templos griegos, el Royal Albert Hall luce un simbólico friso dedicado al «Triunfo de las Artes y las Ciencias». En el se representan temas relacionados con ese triunfo como Algunos países del mundo llevando sus ofrendas a la Exposición de 1851, un grupo de Filósofos, Sabios y Estudiantes, diversas actividades y quienes las hacen posibles: Música, Escultura, Pintura, Ingeniería, Príncipes, Mecenas y Artistas, Trabajadores de la piedra, Trabajadores de la madera y el ladrillo, Arquitectura, Agricultura, Horticultura y Agrimensura, Alfarería y fabricación del vidrio o la Astronomía y la Navegación.

El mosaico lo realizó la Ladie’s Mosaic Class del Victoria & Albert Museum, una técnica que vuelve a mirar al Mundo Antiguo. Si bien es verdad que los planes primeros pasaban por un friso de mármol, como los tímpanos de los templos griegos, la falta de tiempo y de dinero viraron hacia una técnica más rápida y económica. Cuando lo terminaron después de dos años de trabajo, se habló del mosaico moderno más grande de su tiempo.

Sobre el friso hay una inscripción con letras de terracota de treinta centímetros que le da voz a la Historia y a la Biblia.

El espectáculo en el interior del Royal Albert Hall

En el corazón de este espléndido anfiteatro, el Auditorium, con un aforo de más cinco mil personas han tenido lugar actuaciones tan variadas como se pueda imaginar. Decorado con colores rojo y oro, bajo la cúpula y los hongos acústicos, esta caja de música monumental ha vivido actuaciones inolvidables.

Música clásica, ballet, ópera, rock, estrenos de cine, variados conciertos históricos ofrecidos por The Beatles, Led Zeppelin y Mick Jagger, The Cure, Bruce Springsteen & The E Street Band, o como el que ofreció un hijo de Úbeda, Joaquín Sabina, que en 2017 Lo negó todo en este magnifico escenario. Abierto a exposiciones, entregas de premios, conferencias científicas, galas benéficas o las graduaciones del Imperial College que se han celebrado allí hasta 2008. También han tenido cabida torneos de tenis o la fantasía espectacular del Cirque du Soleil. Un auténtico triunfo de las Artes y las Ciencias.

En el Royal Albert Hall se celebra cada verano el mayor festival mundial de música clásica. Durante ocho semanas tiene lugar una auténtica fiesta para los amantes de la música, transmitida a todo el mundo por la BBC, en ella se dan cita solistas, coros y orquestas.

Es el festival The BBC Proms, que tiene aquí su sede, y por el que han pasado entre otros muchos: Adrian Boult, John Williams, Malcom Sargent, Colin Davis, Plácido Domingo, Georg Solti, Evgeny Kissin, Joshua Bell,Luciano Pavarotti, Jessye Norman, Sarah Brightman, Renée Fleming, Bryn Terfel o Simon Rattle. Su clausura es un hito del verano londinense.

Auténticas multitudes acuden a este final dentro del teatro, en Hyde Park y en otros parques de varios lugares del Reino Unido para escuchar el último concierto del festival. Abajo dejamos un pequeño resumen de lo que sucede en el Proms. ¡Todo un monumento a la alegría!

Como decimos un triunfo de la cultura que es además una institución benéfica. Así lo explicaba el director de operaciones del Royal Albert Hall en 2016:

«Somos una organización benéfica sin financiación pública directa que fue creada por Carta Real. La estructura de Gobierno original ha sido confirmada varias veces por la Corona y el Parlamento británico, la última vez en 1966, y ha ido superando con éxito el paso del tiempo. El 100% de nuestro superávit, que fue de cinco millones de libras en 2015, se dona a caridad»

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Comenzamos diciembre con la mirada puesta en unas fiestas que le dan color y alegría al mundo. Comprobamos cómo la creatividad ilumina rincones del mundo, que aunque alejados entre sí, están unidos por el impulso popular de disfrutar de unos días, en los que se mezclan lo religioso y lo pagano.

Ya vimos en nuestro post sobre La Navidad en el Arte como perviven en estas fiestas muchas de las costumbres de las saturnales romanas:

En estas fiestas perviven muchas costumbres de las fiestas saturnales: fiestas romanas en honor a Saturno (dios de la agricultura), en las que se celebraban banquetes, intercambios de regalos, cánticos y bailes (eran una Navidad y un Carnaval juntos), y que tantos dolores de cabeza le dieron a la Iglesia católica en su intento de alejarlas de la religiosidad de la Navidad cristiana.

Y no sólo eso, por múltiples motivos, se han mezclado costumbres y personajes diferentes de unas latitudes a otras. Así vemos a Papá Noel conviviendo y compitiendo con los Reyes Magos, o con la encantadora bruja Befana italiana, o con el Olentzero, un viejo carbonero navarro que también reparte regalos en estas fechas.

Y así podríamos recorrer el mundo encontrando personajes ligados a costumbres ancestrales en cada rincón del planeta. Aunque sin duda alguna es Papa Noel el querido invasor más poderoso de estas fiestas. Lo encontramos por todas partes, en cualquier mercadillo navideño, o prestando su indumentaria a personas de las más diferentes razas, lenguas y culturas.

En los primeros días del mes de diciembre las ciudades se iluminan con las más variadas formas y colores. Esa fantasía luminosa es la campanada de salida. Una llamada al comienzo de unas semanas de compras, preparativos, diversión, reuniones con amigos y familia, conciertos, exposiciones, etc.

Nos asomamos a algunas de las más imaginativas:

La navidad en Medellín, Colombia

En la colombiana ciudad de Medellín sorprenden cada Navidad con un derroche de imaginación que comienza el siete de diciembre con la inauguración del alumbrado. La fiesta empieza con un desfile de Danzas, Mitos y Leyendas. Es una de las más destacadas tradiciones de la ciudad. Atrae a multitud de turistas que encuentran además una variada oferta de actividades culturales a lo largo de todo el mes. El Alumbrado es toda una institución para Medellín. Cientos de personas trabajan durante muchos meses para que miles de visitantes puedan disfrutarlo en puntos estratégicos de la ciudad.

El Molino de Clifton Mill, la Navidad en Ohio

El viejo molino de Clifton Mill es un escenario que atrae a miles de visitantes en Navidad. Su fantástica iluminación se consigue con más de tres millones de luces que iluminan puentes, árboles y senderos en un entorno lleno de magia. La reproducción de una villa en miniatura, un museo de Santa Claus, y mucha música envolviendo un entorno que hace las delicias de chicos y grandes.

El molino está a poco más de un kilómetro del Clifton Gorge State Nature Preserve, una Reserva Natural a orillas del río Cliftonnque hará que merezca la pena el viaje.

La Navidad en Montreux, a los pies de los Alpes suizos

Montreux es un lugar muy especial. Construido en la ladera de una montaña, con un paseo marítimo a la orilla del lago Lemán y con un ambiente relajado y lleno de paz. Es posiblemente uno de los lugares más lujosos y tranquilos de esta orilla del lago. Ha sido y es el refugio de artistas, músicos y escritores. Por sus calles pasearon entre otros Lord Byron, Tolstoi, Dostoievsky, Tchaikovsky, Stravinsky, Víctor Hugo, Dickens, Hemingway, Nabokov… o Freddie Mercury.

La Navidad es un festejo muy especial en esta ciudad que tiene un precioso mercadillo. En sus aproximadamente 120 puestos que son casitas de madera, se encuentran los adornos más especiales de toda Suiza. Delicadas y exquisitas creaciones de artesanos, y productos típicos de la zona. Una delicia.

El Montreux Noël es el más antiguo de la Suiza francesa. Además se levantan restaurantes, también de madera, donde entrar en calor con su famoso vino caliente con especias.

La Navidad en el parque Tivoli de Copenhague

Es el parque más famoso de Copenhague y en el se concentra durante estas fechas buena parte de la magia navideña. Además de acoger un gran mercadillo, el Tivoli ilumina todas sus atracciones con preciosos adornos que convierten el lugar en un espacio no apto para Grinches, (personaje literario que robó la Navidad). Hay puestos de comida y bebida, música en directo y juegos y entretenimiento para los niños, que disfrutan de lo lindo en la aldea de Santa Claus.

También se puede patinar sobre hielo en la pista que instalan todos los años en el Tivoli.

Y calentarse el cuerpo con baso glögg: el vino caliente tan típico del centro y el norte europeos que se llama glögg en Dinamarca. Es un vino aromatizado con especias que se sirve ardiendo y se encuentra en cualquier puesto callejero.

Y en el auditorio del parque se puede disfrutar de el Cascanueces desde finales de noviembre.

Y como en cualquier celebración de la Navidad hay en Dinamarca una buena tentación dulce. Hay que probar los æbleskiver, unos bollitos con mermelada, las típicas galletas de jengibre, los kanelsnegl, bollos de canela o los klejner, unos buñuelos que se preparan en Navidad en todas las casas danesas.

Londres en Navidad

El árbol navideño de Trafalgar Square un icono de estas fiestas en la ciudad y con mucha historia. Su primera vez fue en 1947 cuando Noruega se lo regaló a Londres en agradecimiento por el apoyo de Gran Bretaña a los noruegos en la Segunda Guerra Mundial. Desde entonces cada año la ciudad del Támesis recibe del país nórdico este navideño regalo que luce en Trafalgar Square convocando a sus habitantes y visitantes a escuchar villancicos, cantar y reunirse bajo la esperada decoración de este simbólico árbol, cuya iluminación se inaugura el primer jueves de diciembre. Junto al árbol también luce un pesebre con las figuras del nacimiento según la tradición cristiana.

Y la emblemática plaza Covent Garden es otra cita imprescindible en la Navidad de Londres. Además de la decoración espectacular, la Navidad en Covent Garden está llena de sorpresas. Hay muchos eventos gratuitos, como conciertos y todo tipo de actividades. Los niños se harán con toda seguridad la foto de rigor en la escultura de Lego relacionada con la Navidad que cambia cada año, y además de probar sabores de la Navidad típicos británicos en el famoso antiguo mercado de manzanas de Londres, se puede participar en el Great Christmas Pudding Race, una carrera de obstáculos en la que los concursantes van disfrazados y llevan el pastel típico de navidad británica sin que se les caiga hasta la meta.

Navidad en Edimburgo, una cálida ciudad donde te olvidas del frío

Edimburgo se engalana con las típicas decoraciones navideñas, se llena de luces centelleantes para invitar a una fiesta envuelta en una especie de cuento que consigue que te olvides del frío y de la niebla.

En The Mound brilla un enorme abeto navideño con el que el condado de Hordaland, en Noruega, obsequia anualmente a la ciudad en señal de amistad. Pero no es el único. El árbol de los grandes almacenes Jenners, en Princes Street, y el de The Dome, entre Rose Street y George Street, son una atracción muy esperada.

Tiendas, mercadillos y grandes almacenes ofrecen todo tipo de objetos de decoración y comida típica navideña. Las posibilidades de fiesta y la cantidad de atractivos de esta ciudad se multiplican en este tiempo de Navidad, como el cautivador desfile de antorchas del 30 de diciembre en el que cualquiera puede participar, y disfrutar del espectáculo de fuegos artificiales que despide el año el día siguiente.

Y para entonar el cuerpo entre tanta fiesta el 1 de enero los más valientes pueden darse un «refrescante» chapuzón en el Firth of Forth durante el Loony Dook que se celebra anualmente.

La Navidad ilumina la Casa y los Jardines Bellingrath, en Alabama

El jardín botánico de esta histórica casa que se encuentra en Theodore, un suburbio de Mobile, Alabama, se abren al público en Navidad para el disfrute de una espectacular iluminación que se ha convertido en una visita muy popular.

Las imaginativas luces llenan de magia el jardín nupcial, el invernadero, el exótico jardín japonés, la rosaleda, y cada rincón de este especialísimo jardín. Sus brillos se reflejan en la piscina de la sirena y en el lago espejo.

Los senderos del jardín compuestos de lajas que se obtuvieron de las viejas aceras de la ciudad en Mobile. Estas lajas habían estado en el lugar de llegada de los barcos, como lastre de los veleros que recogían cargas de algodón para los molinos en Mánchester, Inglaterra. En estas fiestas se llenan de mil colores y formas.

La Navidad en España

En España las luces, los abetos y las tradiciones belenistas se mezclan en todo el país. Nápoles fue el epicentro artístico desde el que llegó la tradición de los belenes a España. Un ejemplo es la ciudad de Sevilla, bendecida con unos inviernos suaves, que consiguen que la participación popular llene las calles de ciudadanos dispuestos a disfrutar de la magia de la Navidad.

En muchas ciudades españolas se representa la ciudad de Belén. Alrededor de la escena de la Natividad se puede hacer un recorrido por los rincones de una lejana ciudad ambientada con actividades e indumentarias que retratan diversos momentos y etapas de la historia.

La Navidad en Nueva York

La Navidad en Nueva York es el paraíso del consumo. Si te gustan las compras, las luces, la magia y consumir sin freno, esta ciudad lo ofrece todo en Navidad. Aunque las inauguraciones del encendido de los árboles del Rockefeller Center y del Bryant Park son las más llamativas, hay abetos espectaculares por toda la ciudad. Otro espectáculo entretenidísimo es el derroche de imaginación, y de presupuesto, en la decoración de los escaparates.

Y aunque abren antes de la Navidad, es un clásico patinar sobre el hielo en cualquiera de las pistas neoyorquinas, una estampa que hemos visto tantas veces en el cine. Por cierto la única gratuita es la The Rink at Bryant Park, abierta desde octubre a marzo. Junto a esta pista se instala un precioso mercadillo navideño. Otro precioso mercadillo se encuentra en una esquina del Central Park, es el Columbus Circle Holiday Market. Hay muchos otros. Pero si el frío aprieta, se puede disfrutar en el mercadillo y las múltiples tiendas de la estación Grand Central Terminal. En la sala Vanderbilt Hall se instala un elegante mercadillo de artesanía y decoración.

Y como es la ciudad de los musicales y los espectáculos será difícil no encontrar uno que interese. Muy navideño es el de Las Rockettes, una compañía de bailarinas que escenifica coreografías espectaculares mientras los decorados de rincones neoyorquinos van cambiando en el escenario. Actúan en el Radio City Music Hall.

Y como en todas partes del mundo, muchas reuniones con amigos y familia, mucha luz, mucha fiesta y unos kilos de más.

¡FELIZ NAVIDAD!

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La ciudad de Londres conserva un gran número de iglesias, y algunas de ellas, como la Catedral de San Pablo o la Abadía de Westminster, están entre los edificios más conocidos admirados de Europa. Al igual que París, las iglesias de Londres son, en su inmensa mayoría, góticas. En Inglaterra, como en Francia o Alemania, el gótico es una suerte de idioma artístico nacional.

Pero, al contrario que París, Londres no conserva demasiadas iglesias "antiguas" (entendamos antiguas como anteriores al siglo XVII). Y eso se debe, sobre todo, a un par de razones. A que Enrique VIII, en 1536, iniciara la llamada Disolución de los Monasterios, como parte del gran cisma que desembocaría en su separación de la Iglesia Católica y en la creación de la Iglesia Anglicana. Y sobre todo a que, en el año 1666, Londres ardiera de forma espantosa. El Gran Incendio dejó sin hogar a 80.000 personas y se llevó por delante 87 iglesias parroquiales, además de la fastuosa Catedral de San Pablo. Durante el siglo siguiente se reconstruyeron la gran mayoría, en algunos casos imitando la antigua fábrica gótica, en otros adoptando un estilo neoclásico, más de moda. La mano del gran Christopher Wren participó en la reconstrucción de 51 iglesias, entre ellas la Catedral.

A pesar de las calamidades, a las que se sumaron, en pleno siglo XX, los intensos bombardeos nazis de de 1940 y 1941, las iglesias de Londres siguen en pie, y en la mayoría de los casos, relumbrantes. Algunas han sido reconstruidas hace uno, dos o tres siglos, en estilos nuevos e imaginativos, siempre con aprecio y admiración al pasado. Otras han sorteado mágicamente todas las catástrofes y se nos presentan hoy casi con el mismo aspecto que tenían hace novecientos años.

Como en un viaje no podemos verlas todas, a continuación citaremos las que en nuestra opinión son las diez iglesias de Londres que más merece la pena visitar.

Saint Martin in the Fields, un tributo al clasicismo en Trafalgar Square

Situada en el corazón de Londres, en plena Trafalgar Square, la iglesia de St Martin in the Fields representa a la perfección el estilo neoclásico.

Se construyó a a principios del siglo XVIII. Su autor fue James Gibbs. La dedicaron San Martín de Tours. Y en la actualidad tiene varias curiosidades. La iglesia está siempre abierta, ofrece conciertos todos los días a mediodía, y en su cripta, en lugar de tumbas, tiene una atractiva y frecuentada cafetería, una librería y una tienda de regalos. Los beneficios financian un programa de ayuda a jóvenes y personas sin hogar que lleva funcionando prácticamente desde la Segunda Guerra Mundial.

El interior es sencillo, luminoso y elegante. En su cabecera hay una preciosa ventana serliana que nos recuerda lo mucho y lo muy profundamente que influyeron los arquitectos italianos Serlio y Palladio en la arquitectura neoclásica inglesa.

Saint Stephen Walbrook, donde Christopher Wren hizo ensayos para San Pablo

Fue una de las muchas iglesias de Londres destruidas por el Gran Incendio de 1666. Seis años después, Sir Christopher Wren recibió el encargo de su reconstrucción, y diseñó un edificio completamente nuevo, blanco, lleno de luz. Desde fuera no parece anunciar nada especial, pero cuando nos adentramos en su interior descubrimos una magnificencia que recuerda directamente a las grandes iglesias bizantinas. Es un espacio abierto, diáfano, interrumpido únicamente por una serie de grandes columnas corintias que, en el centro, soportan los ocho arcos sobre los que se levanta la enorme cúpula central.

Wren ensayó aquí la forma que ya planeaba para sustentar la gran cúpula de San Pablo. Su tamaño colosal se sostiene no sobre pechinas, que era lo habitual, sino sobre arcos, entre cuyos intersticios unas mínimas trompas cierran el espacio circular. St Stephen Walbrook nos recuerda la fascinación que siempre han sentido los arquitectos, especialmente los fascinados por el mundo clásico, por las iglesias de planta central. Su planta es rectangular, pero Wren parece querer corregirlo y conducirnos rápidamente al espacio central, el más sagrado y perfecto.

Holy Trinity, la nostalgia medieval de los románticos del Arts & Crafts

A finales del siglo XIX nació en Inglaterra un movimiento anti-industrial que pretendía retomar las formas de trabajo medievales y resituar al hombre por encima de la máquina mediante la primacía del trabajo artesanal. "Hacer cosas útiles, hacerlas bien y hacerlas bellas" era el lema del movimiento Arts & Crafts, o Artes y Oficios. El Arts & Crafts enlazaba bien con la religión por dos motivos: planeaba en el fondo un retorno a la Edad Media (la época de la Iglesia Triunfante) y situaba su foco en la artesanía cuidadosa, lo que era en el fondo un homenaje al Creador.

Uno de sus más fervientes seguidores fue el arquitecto John Dando Sedding, que fue el encargado de erigir esta gigantesca iglesia anglicana en Sloane Street. Aunque no lo parezca, su ancho supera en veintitrés centímetros el de la Catedral de San Pablo, aunque su longitud y altura sean mucho menores. Está construida, como no podía ser de otra manera, en un estilo neogótico muy imaginativo. Su fachada es un curioso batiburrillo de gótico inglés con cierta influencia colorista italiana, y en su disposición recuerda, paradójicamente, a las grandes estaciones de tren o incluso a las grandes fábricas de la Revolución Industrial.

En su interior tiene una serie de impresionantes vidrieras realizadas por los nombres más conocidos del movimiento, como William Blake Richmond, Edward Burne-Jones, Christopher Whall y el propio William Morris.

La Catedral de Southwark, ejemplo perfecto del gótico inglés

La Catedral de Southwark es uno de los edificios góticos más antiguos de Londres y uno de sus templos religiosos más importantes. Desde el siglo VI hay testimonios que acreditan la presencia de un templo cristiano, y varias excavaciones arqueológicas indican que antes pudo haber un templo romano.

Situado junto al Puente de Londres, fue la primera iglesia que encontraban los visitantes de la ciudad durante siglos, cuando esta era su única entrada. Construida casi íntegramente entre los siglos XIII y XIV en pleno estilo gótico, fue luego restaurada en el XIX, en pleno Gothic Revival, y le fueron añadidas ciertas fantasías románticas.

Mejor así, pues los constructores del Puente de Londres, visto el mal estado en que se encontraba entonces la iglesia, habían planteado su completa demolición, la reorganización urbanística de la zona y su reconstrucción desde cero en otro solar.

Entre los parroquianos más famosos de su historia destaca William Shakespeare, en cuyo honor se añadió una escultura y una enorme vidriera, ambos añadidos del XIX. Los tours literarios de Londres suelen pararse aquí a admirar tan poco habitual atractivo, pues el propio Shakespeare no fue especialmente devoto y quizá los miembros de su cuadrilla del Globe los que más pasaran por aquí.

La Iglesia del Temple, la sede londinense de los Templarios

¿Una iglesia circular? ¿Levantada en el siglo XII por los templarios? ¿Usada como sede de la Orden en Londres y como lugar donde ordenar a los nuevos miembros de la orden? Si los atractivos históricos no son suficientes (y con los templarios de por medio, siempre lo son) añadiremos uno más: la Iglesia del Temple es una maravilla.

¿Que por qué es redonda? Los templarios fueron durante siglos los encargados de proteger a los cristianos que peregrinaban a Tierra Santa. A Jerusalén. Y allí se encuentra lo que ellos llamaban el Templum Domini, el Templo del Señor. Hoy lo conocemos como Cúpula de la Roca pero en otro tiempo fue el Templo de Salomón. Su importancia y sacralidad lo convirtieron en un icono de la conquista cruzada. Los templarios lo llevaban en su nombre (Orden de los Pobres Compañeros de Cristo y del Templo de Salomón) y terminaron adoptando su esquema de planta central para la construcción de todas sus iglesias.

La Iglesia del Temple de Londres ha sido restaurada un par de veces (por Christopher Wren, primero, y más adelante en época victoriana), y luego reconstruida tras la Segunda Guerra Mundial, después de haber sido alcanzada por las bombardeos alemanes, pero no ha perdido belleza ni deja de impresionar a quien se acerca a visitarla.

La tranquila parroquia de San Dunstán, una de las más antiguas iglesias de Londres

En el año 952 dC, Inglaterra solo empezaba a librarse del yugo de los vikingos. Era una época incierta, deseosa de héroes. Uno había sido Alfredo el Grande, brillantemente representado en la reciente serie de la BBC The Last Kingdom. Otro será Dunstán, niño destinado a la santidad, Abad de Glastonbury, Arzobispo de Canterbury, vencedor del demonio y aficionado y ducho en el arte de hacer dibujos y letras sobre el papel. Hoy es el santo patrón de los orfebres.

Fue el más popular santo de Inglaterra hasta que Thomas Beckett le robó de un plumazo todo el protagonismo, pero su nombre, presente hoy en no pocas iglesias, y sus restos siguen descansando en la Catedral de Canterbury, uno de las joyas góticas de Inglaterra. Una de esas iglesias que llevan su nombre es uno de los edificios más antiguos de Londres. Está en el East End, entre Stepney Way y Stepney High Street, y es una pequeña preciosidad.

Hecha con piedra labrada del condado de Kent, St Duntain rezuma sencillez y humildad, paz y espiritualidad. Es mejor visitarla al atardecer, que es cuando mejor se aprecia la belleza antigua del edificio y su enorme patio ajardinado. Y conviene dar una vuelta por la iglesia para apreciar sus abundantes y sorprendentes gárgolas. En el interior, junto al Altar, se conserva un tesoro: un crucificado sajón datado entre los siglos X y XII, una auténtica rareza que resulta impresionante.

Para visitarla por dentro, mejor mirar primeros los horarios actualizados en su página web.

La Catedral de Westminster, el centro católico de Londres

No confundir con la Abadía de Westminster. La Catedral de Westminster es la iglesia más importante de la confesión católica en el Reino Unido, y es, precisamente por eso, un edificio relativamente reciente. Se empezó a construir en 1890 porque, hasta aproximadamente cincuenta años antes, el culto católico seguía teniendo numerosas restricciones, sociales a la par que legales, en un país de mayoría anglicana.

Superadas las trabas legales, los católicos londinenses reunieron fondos para construir una gran Catedral y, cuando lo hicieron, encargaron a John Francis Bentley un edificio de estilo bizantino.

Verdaderamente, era difícil plantear una iglesia tradicional, que siguiera en un esquema neoclásico inspirado en San Pedro del Vaticano. Eso ya lo había hecho Christopher Wren con la Catedral de San Pablo. Así que Bentley, inspirado sin duda por los gustos de una época en la que cabían todos los revivals (véase Notre-Dàme de Fourviere, en Lyon), se fue de viaje a Venecia a estudiar a fondo otra de las grandes catedrales cristianas, la de San Marcos. Y habría ido también a Estambul, a estudiar Hagia Sophia, de no haberse puesto tremendamente enfermo.

Si los protestantes erigieron en San Pablo un nuevo Vaticano, los cristianos trasladaron a Westminster una nueva versión de San Marcos. Hay que admitir que el resultado es encantador. La Catedral de Westminster es un edificio tremendamente original, que recuerda inmediatamente a su modelo veneciano pero consigue crear su propio ritmo y mantener su coherencia interna. Integra los aires bizantinos de Venecia con otros ecos muy distintos, los del románico italiano, que sin duda Bentley estudió profundamente. Sólo así se explica ese su gracioso, gigantesco y extemporáneo campanile bicolor.

Dentro, la iglesia es una sucesión de columnas de mármol de Carrara, cúpulas gigantescas, altares y fabulosos mosaicos de fondo dorado que nos trasladan a los primeros tiempos del cristianismo, una época libre de cismas en la que sólo había una iglesia. La católica.

Saint Bartholomeu the Great, una iglesia normanda conservada de milagro

San Bartolomé es un pequeño (o gran) milagro. Se trata de una iglesia normanda, construida en el año 1123 por un tal Rahere, presbiterio de la Catedral de San Pablo que quiso dar gracias a Dios por salvarse de una fiebre.

Los recios muros normandos (que es en el fondo un tipo de románico) fueron construidos para durar, y el destino tuvo en buena consideración la iglesia de Rahere.

St Bartholomeu se salvó de la Disolución de los Monasterios, aunque fue derribada parte de la iglesia. Un siglo después, se salvó también del Gran Incendio de Londres. En el siglo XX esquivó las bombas de los nazis, y aunque estaba decaída y abandonada, experimentó una importante restauración, que no reconstrucción, y hoy el visitante puede adentrarse, tras una fachada de estilo Tudor que en nada anuncia la joya de su interior, en un templo que conserva columnas y ábsides de nueve siglos de antigüedad. Un maravilla y un privilegio como pocos.

La Catedral de San Pablo, la obra maestra de Christopher Wren

"Hay que hacer lo que sea para salvar San Pablo", dijo Winston Churchill en pleno bombardeo alemán. El gran icono de Londres, salvando el célebre Big Ben, es la cúpula, inmensa, de la Catedral de San Pablo. Fue una obsesión de Christopher Wren, ansioso de igualarse a los maestros Miguel Ángel y Brunelleschi y dotar a su ciudad de una iglesia comparable a las de Roma o Florencia.

Lo consiguió, pero hubo de luchar contra un encargo que quería un templo más tradicional, una iglesia de planta de cruz latina que Wren tuvo que adaptar para que la cúpula siguiera siendo el elemento central. Que hoy veamos un edificio coherente y unitario es consecuencia de uno de los mayores talentos arquitectónicos que han existido, un personaje irrepetible que fue también el fundador de la Royal Society. Una mente preclara y brillante.

La fachada de San Pablo, de dos pisos, integra de manera fantástica la tradición clásica y el tradicional gótico inglés, callado pero presente en sus altísimas torres laterales. Y qué decir de la fantástica cúpula, imitada luego por doquier, con su doble caparazón, sus contrafuertes integrados y su célebre Galería de los Susurros.

El interior es una maravilla que quiso competir en grandeza con San Pedro del Vaticano, pues esta fue la primera catedral protestante construida como tal. En sus altares y capillas están enterrados personajes de la talla de Lord Nelson, John William Turner, el Duque de Wellington y el propio Christopher Wren. Además, son emocionantes los memoriales de Gallipoli y de los soldados americanos que ayudaron a Inglaterra durante la Segunda Guerra Mundial.

Su importancia la han convertido en uno de los lugares más visitados de Londres. Su alcance y complejidad aconsejan una visita informada. Recomendamos reservar con antelación, para evitar colas. Esta opción añade audioguía y la posibilidad de sumarse a una visita guiada.

La Abadía de Westminster, joya del Gótico y pura historia de Inglaterra

Templo sagrado de la monarquía británica, panteón de reyes y personajes ilustres, ejemplo sobresaliente del maravilloso gótico inglés. La Abadía de Westminster contiene un conjunto de maravillas que ningún viajero puede permitirse ignorar.

Se construyó en el siglo XII, aunque posteriormente fue renovada en el mismo estilo gótico que vemos hoy en día. Sobrevivió al Gran Incendio, que no llegó a la zona de Westminster. Fue golpeada por varias bombas incendiarias alemanas durante la Segunda Guerra Mundial, pero afortunadamente sólo afectaron a una pequeña parte.

Hay que tomarse la visita con calma y detenerse a admirar sus fachadas, las altísimas torres de su entrada principal, las agujas y gabletes de la fachada del crucero. En su interior, además de la magnífica nave principal, hay que admirar la Lady Chapel, con esas asombrosas bóvedas de abanico, y el Rincón de los Poetas, donde varias lápidas homenajean a Chaucer, Dickens y Shakespeare, admirar las tumbas y memoriales de algunos de los personajes más ilustres de Inglaterra, o pasear por su inolvidable Claustro, de inalterada belleza gótica.

La visita a la Abadía de Westminster es obligada y, por lo tanto, todos los turistas la hacen. Conviene reservar con antelación y llevar algún tipo de información para entenderla bien. Esta opción incorpora ambas cosas. Así evitamos prisas de última hora.

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La Adoración de los Pastores, una escena omnipresente como testimonio artístico de la Fiesta más global del mundo, La Navidad. Es la ventana de la cabecera que nos acerca a Bartolomé Esteban Murillo en esta obra de 1655, puro naturalismo barroco sevillano. Murillo ilumina a María y a su hijo, y hace llegar la luz al simbólico cordero que acompaña a los pastores, influencia del Agnus Dei de Zurbarán. La misma luz se fija sutilmente en la vieja con la cesta de huevos, que recuerda a aquella otra que freía huevos salida de los pinceles de su paisano Velázquez. La obra refleja las palabras de los evangelistas Lucas y Mateo sobre el nacimiento de Jesús, y busca, como era habitual, detalles como la mula y el buey en los evangelios apócrifos.

La solemne Misa de medianoche, que se celebra en la noche del 24 al 25 de diciembre, popularmente conocida como Misa del Gallo, abre para la Iglesia católica el llamado tiempo de Navidad, que se celebró por primera vez en el año 379 en la ciudad de Constantinopla.

En estas fiestas perviven muchas costumbres de las fiestas saturnales: fiestas romanas en honor a Saturno (dios de la agricultura), en las que se celebraban banquetes, intercambios de regalos, cánticos y bailes (eran una Navidad y un Carnaval juntos), y que tantos dolores de cabeza le dieron a la Iglesia católica en su intento de alejarlas de la religiosidad de la Navidad cristiana.

Influidos por las ideas estéticas de cada momento histórico, por las costumbres sociales de cada región, por su personalidad, y las exigencias de los comitentes, artistas de todas las épocas han reflejado en su obra de una u otra forma La Navidad.

Desde aquí nos asomamos a diez obras de temática navideña y os emplazamos a una próxima ventana desde la que veremos las distintas miradas del arte a tres personajes que hemos dejado deliberadamente fuera de esta lista, esperando su turno para acercarnos más a su llegada en enero: Los Reyes Magos.

La Anunciación de Van der Weyden

Roger van der Weyden, miembro de esa lista de extraordinarios maestros «Primitivos flamencos», dejó en esta tabla central del conocido como Tríptico de La Anunciación, el encuentro con la Virgen de un ángel vestido de manera suntuosa, con dalmática de brocado, llena de joyas y perlas. Lujo que nos recuerda a las vestiduras de los ángeles cantores y músicos del Tríptico de Gante. que unos diez años antes (1432) había realizado Jan van Eyck.

Pero es al famoso retrato de Van Eyck el «Matrimonio Arnolfini», la obra que respira en esta preciosa Anunciación. Van der Weyden sitúa la escena en un lujoso interior envuelto con telas rojas y lámparas de cobre tallado, como aquel cuarto famoso dondo los esposos se casaban.

El cristal símbolo de pureza, es el material del jarrón con agua que hay sobre un rincón de la chimenea, reflejando la luz que entra por la ventana de la que sólo vemos uno de los postigos de madera, junto a María.

En el suelo un jarrón con lirios blancos, insiste en la pureza de la Virgen cuyo sencillo vestido contrasta con el lujo de las ropas del ángel. Ha sido sorprendida por éste mientras leía, suponemos un libro piadoso, porque lo hacía arrodillada, y quizá sea este libro el símbolo de la difusión de la fé cristiana a través de la Madre de Dios.

La Anunciación de Fra Angelico

Unos años antes de la Anunciación de Van der Weyden, el italiano Guido di Piero, conocido como Fra Angelico, pintaba para el convento de Santo Domingo de Fiésole, esta Anunciación considerada hoy como su primera obra maestra, y la primera versión que sobre este tema realizó Fra Angelico.

Su iconografía enfrenta el pecado original (expulsión de Adán y Eva del Paraiso) con la llegada del Hijo de Dios, para redimir a la Humanidad.

La minuciosidad de los detalles en el jardin del Paraiso, influencia en el dominico del gótico internacional de Gentile da Fabriano, junto a su acercamiento a Masaccio en su búsqueda de profundidad espacial al representar la escena en un interior, cuya estructura sigue la recomendación de Filippo Brunelleschi para los retablos de San Lorenzo, que de­bían ser cuadrados y sin adornos, nos habla claramente de sus influencias.

El Retablo llegó en 1861 al Museo del Prado desde las Descalzas Reales de Madrid. Aunque se desconoce cómo llegó al convento madrileño, se sabe que el duque de Lerma donó este regalo que le hizo Mario de Farnesio, para la iglesia del convento de los dominicos de Valladolid en el siglo XVII.

La Madonna del Parto. Piero della Francesca

Esta obra maestra del Renacimiento italiano es un fresco salido de las manos de Piero della Francesca. Un monumento a las madres en la figura de una Virgen a punto de dar a luz.

Toda la verdad de la obra de Piero la podemos encontrar en esta Virgen del Parto. El fresco realizado en un muro de la iglesia de Santa María a Momentana en Monterchi, es un homenaje a la madre del pintor, nacida en este pequeño pueblo toscano, muy cerca de Sansepolcro.

Esta obra que anuncia la Navidad, está envuelta en una historia «milagrosa». En 1785 un terremoto destruyó por completo la iglesia, quedando en pie e intacto únicamente el muro en el que aparece esta Virgen, lo que convirtió el lugar en un centro de peregrinación de mujeres embazaradas. Y de nuevo en 1910, se volvió a librar de otro destructivo temblor de tierra, porque lo habían cambiado de sitio tras restaurarlo.

Se salvó también de otro tipo de temblores, ya que siendo un misterio su iconografía, que no está nada en la línea de los dictados del Concilio de Trento, estuvo en el punto de mira de la Inquisición.

Es la única pintura de ese siglo que representa a la Virgen en estado de buena esperanza.

La Natividad de Giotto di Bondone

Retrocedemos más de un siglo para ver esta Natividad que pintara Giotto, figura imprescindible del Trecento italiano, hacia 1305 en los muros de la Capilla Scrovegni de Padua.

La solemne intimidad de esta madre que mira plácida al pequeño después del parto, envuelto en vendas como era costumbre en aquellos tiempos, es de una delicadeza extraordinaria.

La escena está coronada por unos ángeles que celebran con éxtasis el nacimiento de Dios, mientras unos pastores cuyos rostros no vemos los contemplan y San José descansa al calor de los animales.

Esta preciosa capilla, contiene un extraordinario ciclo de frescos sobre la vida de la Virgen y Jesús. La podéis ver desde este enlace, es un hito importantísimo en la historia de la pintura. Aquí Giotto experimentó abriendo el camino del arte pictórico hacia la perspectiva renacentista.

Adoracion de los Pastores. Hugo van der Goes.

Es la tabla central del extraordinario Tríptico Portinari, la obra más famosa del autor, y la estrella de la colección de pintura flamenca que posee la Galería de los Uffizi.

Pintado en Brujas por encargo de Tommaso Portinari y enviado a Florencia, su influencia en los pintores italianos fue extraordinaria. Este tríptico abrió una ventana hacia el arte flamenco para los pintores toscanos. Boticelli, Filippino Lippi, Domenico Ghirlandaio, o Leonardo da Vinci, se dejaron imbuir por la novedosa belleza del único cuadro documentado del pintor flamenco.

La tabla presenta como figura central a una dulcísima Virgen María, vestida de forma mucho más sencilla que los ángeles arrodillados ante el Niño, cubiertos por capas llenas de brocados. Ya vimos esta distinción de las ropas en la Anunciación de Van der Weyden, una de sus claras influencias.

Jesús desnudo en el suelo, rodeado por su Madre y un buen número ángeles, todos ellos idealizados al modo flamenco, mientras que a los pastores y a San José los presenta con rostros más realistas. Al fondo, tras la arquitectura con reminiscencias góticas, aparece el paisaje flamenco, que se amplía en las tablas laterales dedicadas a los comitentes.

Natividad Mística de Sandro Boticcelli.

Lejos de cualquier interpretación iconográfica tradicional, la Natividad Mística de Botticelli está llena de misterios, y como cualquier misterio ha generado ríos de tinta.

El lienzo se ha intentado explicar relacionándolo con las circunstancias históricas de la ciudad de Florencia, con la muerte de Lorenzo de Médici el Magnífico en 1492, la invasión de los franceses en 1494, y un cambio de siglo, que tantas superticiones genera. La obra está datada en 1501, y las predicaciones en contra del poder y de la corrupción del papado de Roma, entonces en manos de los Borgia, por parte del monje Savonarola que fue ajusticiado en Florencia acusado de herejía en 1498, teñían la Florencia de Botticelli de razonables dudas sobre la corrupción y el pecado.

Esta interpretación de la Natividad, más que una celebración parece una advertencia, un mal augurio quizá inspirado por los sermones de Savonarola, de quien dicen que anduvo cerca Botticelli. Basada según reza en la inscripción latina de cabecera del cuatro en el Apocalipsis:

«Este cuadro de finales del año 1500, durante las turbulencias de Italia, yo, Alessandro, lo pinté en el tiempo medio después del tiempo, según el XI de San Juan en el segundo dolor del Apocalipsis, en la liberación de los tres años y medio del Diablo; después será encadenado en el XII y lo veremos [precipitado] como en el presente cuadro»

Pintada para uso privado, suyo o de alguien cercano, alejada formalmente de la idealización del Renacimiento, el autor utiliza rasgos del gótico para contar la escena del la Natividad. Las proporciones de la Virgen y el Niño son desmesuradas, y las actitudes de los múltiples ángeles que bailan o levitan sobre el portal, o alrededor del mismo. Los demonios grises escondidos en los caminos esperando su oportunidad, han sido analizadas en multitud de ocasiones.

Es Botticelli, un autor considerado por algunos historiadores como un visionario, que indudablemente siempre hace pensar.

La Adoración de los Pastores. Corregio.

Conocida como «La noche» por su ambientación nocturna, que tiene un precedente en Arezzo. Unos ochenta años antes en el ábside de la iglesia de San Francisco, Piero della Francesca dejaba el nocturno «Sueño de Constantino» de la Leyenda de la cruz.

Sugerente juego de luces el que consigue aquí Correggio en una composición que abre la puerta del barroco y que se deja influir por los grandes renacentistas.

El Niño como foco de luz, inspirado en Tiziano, que le sirve para crear un juego de contrastes entre luces y sombras que enfatizan la dulce belleza de la Virgen y la ternura de los pastores, expresiones propias de Correggio. Mientras los cielos transparenes nos llevan a Rafael o a Leonardo, y el pastor del primer plano bebe directamente de Miguel Ángel.

Pero Antonio da Corregio se aleja del Renacimiento al desplazar la escena a la derecha, rompiendo así la simetría. Las posturas están realizadas con unos escorzos muy acentuados y presenta un rompimiento de gloria propio ya del Manierismo.

Y aún otra evidencia que nos acerca al barroco, el movimiento de esta composición que genera las diagonales cruzadas habituales en Caravaggio o Rubens.

La Natividad de Geroges La Tour

¿Estamos ante una pintura de género, o ante la escena de La Natividad? Difícil saberlo.

Conocido también como el Recién Nacido, este lienzo que forma parte de la colección del Museo de Bellas Artes de Rennes (Francia), es una de las obras más conocidas del pintor barroco más famoso de Francia.

La Tour representaba las escenas religiosas como pintura de género. Si es una Natividad, representa el nacimiento de Jesús con la Virgen María, el Niño Jesús y Santa Ana.

La enigmática escena que transmite paz y silencio, presenta un niño envuelto a la usanza medieval, en una composición sencilla: dos mujeres, una de frente y otra de perfil, y en brazos de la primera un recién nacido.

La luz rojiza que ilumina los rostros, deja en penumbra el resto de la escena. Sólo la cabeza del Niño y el pecho de Santa Ana, están iluminados por el color blanco de la luz de la vela que cubre con su mano la madre de la Virgen.

La Adoración de los Pastores. Caravaggio.

Expuesta en el Oratorio de San Lorenzo de la siciliana ciudad de Palermo hasta su robo por la Cosa Nostra en 1969, esta Natividad de Caravaggio tiene un enorme halo de tristeza.

San Lorenzo y San Francisco están presentes de manera simbólica junto a los pastores y a la Virgen, que con expresión de tristeza mira a un Niño rollizo y sonriente. La escena está inundada de un silencio melancólico tras el que se adivina el anticipo de la madre y los santos al dolor del sacrificio que le espera a ese precioso y pobre niño que los mira desde el suelo.

El único elemento de celebración es el ángel que desciende creando un movimiento en diagonal con el joven pastor que nos da la espalda. Para ambos seguramente fueron modelos chiquillos de la calle, costumbre tan habitual del maestro del barroco.

Este ángel tan «humano» lleva en una mano una filacteria que anuncia la «Gloria en las alturas», mientras que con la otra mano señala al cielo, indicando el origen divino del niño.

Desde la Navidad del 2015 una reproducción digitalizada ocupa el lugar del original. La copia digital es obra del laboratorio madrileño Factum Arte a partir de unas fotografías de la última restauración realizada en 1951.

Hace cuarenta y seis años que desapareció este cuadro, incluido entre los diez robos de arte más importantes de la historia, situándose en el puesto tercero.

Un integrante de la mafia aseguró durante un proceso judicial que el lienzo no se ha destruido, y que se expone durante las reuniones de «Cosa Nostra» como «símbolo de su poder».

Tondo Doni. Miguel Ángel.

Los ciento veinte centímetros de diámetro de este tondo, que mantiene el marco original diseñado por Miguel Ángel, son una obra maestra, otra, del grandísimo Buonarroti. La tenéis en la Sala 35 de la Galería de los Uffizi en Florencia.

El bellísimo colorido lo consiguió con una técnica mixta que emplea la témpera y el óleo. Con un procedimiento conocido como cangianti.

La composición, adaptada al formato circular con escorzos propios del Manierismo, presenta una Familia físicamente poderosa que más que pinturas, parecen esculturas en color.

En cuanto a la iconografía que continúa en el marco dorado con sibilas, profetas, sátiros y la cabeza de Cristo, se interpreta como la representación de las tres edades del mundo. Los «ignudi» (ángeles sin alas desnudos) al fondo tras el muro que los separa de la Sagrada Familia, son la civilización pagana, San Juanito y San José, la era mosaica (antiguo pueblo de Israel), y la Virgen y el Niño la era de la Redención, siendo San Juanito el elemento de unión entre las tres edades.

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Noviembre comienza para los católicos con un peregrinaje que lleva a los cementerios del mundo ofrendas de aromas y colores contra el olvido. Plantas y flores se usaron en la antigüedad clásica para atraer la protección divina. La flora mitológica ofrecía laureles a Apolo, a Ceres espigas, mirtos a Afrodita y viñas a Dionisios. Hoy los ramos de siemprevivas (esperanza en la vida eterna), de crisantemos (los colores de noviembre), de lirios (azucenas de pureza), de violetas (el sutil color del luto), o de rosas (símbolo del amor aceptando el dolor de sus espinas), son entre los ocres del otoño las ofrendas a los afectos que esperan en los brazos de Morfeo, el dios alado cuya misión era crear sueños para aquellos que dormían. ¿Seguirá Morfeo creando sueños después del sueño de la vida?

Según Ovidio, Morfeo duerme en una cama de ébano en una cueva sutilmente iluminada, rodeado de flores de adormidera. Como el dios de los sueños, centenares de miles de almas duermen en multitud de cementerios del mundo, bajo ritos distintos, según sus religiones, su cultura, o su entorno.

Los hay inmensos, pequeños y sencillos, monumentales, inquietantes, serenos, con vistas al mar o la montaña, pero todos tienen algo en común; son un intento de preservar la memoria de sus huéspedes. Mauricio Wiesenthal, comienza así su delicioso Libro de réquiems: En el cementerio protestante de Capri hay una sepultura con un reloj de sol y una cita de Mazzini, escrita en inglés: THERE IS NO DEATH IN THIS WORLD, ONLY FORGETFULNESS (no existe la muerte, sino solo el olvido).

Hoy vamos a recorrer algunos de estos lugares de sueños, silencios y memorias, que son también un consuelo, una ayuda, como estos libros, para superar el adiós definitivo.

Cementerio del Bosque. Estocolmo

Los arquitectos suecos Asplund y Lewerentz diseñaron en 1915 este gran cementerio de Estocolmo adaptado a la naturaleza de un bosque casi inalterado, construyendo varias capillas y un crematorio en un claro del mismo.

Hay dos áreas llamadas Bosque del recuerdo, donde se entierra de forma anónima y a su alrededor se pueden dejar flores y encender velas. En la Colina de la Meditación, al fondo de la cruz que vemos en la imagen, se yerguen doce olmos como los doce meses del año, doce árboles de hoja caduca que duermen en otoño para renacer cada primavera. En este cementerio se respira serenidad, es sin lugar a dudas uno de los lugares más especiales de Europa.

En un rincón de este bosque, siempre rodeada de flores está la sencilla tumba de Greta Garbo.

Cementerio de Highgate. Londres

Una auténtica ciudad de los muertos (unas 200.000 personas descansan allí). Construido a partir de 1839, es una joya arquitectónica funeraria de época victoriana incluida en la lista de los los siete magníficos, siete espectaculares cementerios londinenses.

Años de abandono permitieron que la naturaleza ocupara el lugar arrebatado por tumbas y mausoleos, para ofrecer hoy un espectáculo ciertamente hermoso, pero frío y espectral. Entre sus miles de huéspedes se encuentran Karl Marx, George Eliot, y los padres y hermanos de Charles Dickens (él está enterrado en la abadía de Westminster), y el famoso boxeador Tom Sayers, cuya tumba vemos en la imagen con su fiel amigo León.

Con un largo historial de leyendas de terror, entre sus muros se han llegado a organizar cacerías de vampiros, exorcismos y ceremonias mágicas. La profanación de tumbas fue algo habitual durante mucho tiempo. Se organizan visitas guiadas recomendables para no perderse.

Cementerio de los Reyes. Ginebra

Como un gran parque cuidadísimo podríamos definir el cementerio de Plain Palais, conocido también como Cementerio de los Reyes. No hay en él el más mínimo asomo de amargura. Sus frondosos árboles invitan al paseo o a la lectura, o simplemente a pensar.

Estamos aquí para rendirle un humilde homenaje al grandísimo Jorge Luis Borges que comparó la muerte con el mar: La muerte, ese otro mar, esa otra flecha. Que nos libra del sol y de la luna. Y del amor. Su sencilla tumba es vecina de la de una mujer extraordinaria: Griselidis Real, escritora, pintora y prostituta, de profesión peripatética, muerta en Ginebra en 2005. Muy cerca de ambos se encuentra la sobria tumba de Juan Calvino, austero reformador de la ciudad de Ginebra.

Green-Wood Brooklyn. New York

Este precioso parque es un cementerio ¿o habría que decirlo al revés? Como sea es un lugar que los neoyorquinos utilizan en ambos sentidos. Fue fundado en 1838 en estilo neogótico. Inspirado en los parques ingleses, fue a su vez inspiración del Central Park. En su parte más alta está el Battle Hill, donde el ejército independentista venció a los británicos en la batalla de Long Island. Desde aquí las vistas hacia New York son magníficas. Es uno de los hitos turísticos de la ciudad, recibiendo casi tantas visitas como las cataratas del Niágara.

Entre sus caminos, colinas y árboles centenarios, crecen esculturas, mausoleos y sencillas lápidas en memoria de un gran número de personajes notables. Entre las más 600.000 tumbas encontramos nombres como el del gángster Joe Gallo; Jean-Michel Basquiat (revolucionario pintor de los años 80); el inventor del famoso código Samuel Morse; el músico Leonard Bernstein; o Louis Comfort Tiffany , innovador creativo del mundo de los vitrales.

Isola de San Michele. Venezia

Un monumento a Dante y Virgilio del artista Georgy Frangulyan, situado en la Laguna, entre Venecia y San Michele, marca el camino al cementerio y nos acerca al canto III de la Divina Comedia:

Por mí se va a la ciudad doliente/por mí se va en el eterno dolor/por mí se va con la perdida gente/ …antes de mí ninguna cosa fue creada/sólo las eternas, y yo eternamente duro:/¡Perded toda esperanza los que entráis!

Esta es la única isla del mundo dedicada por entero a la muerte. Tiene zonas para ortodoxos, católicos, evangélicos, y protestantes (zona muy abandonada pero evocadora y decadente). Hay otras curiosas como las de los gondoleros, monjas, sacerdotes o militares. En San Michele descansan entre otros Igor Stravinsky y el creador de los Ballets Rusos Sergei Diaghilev, los poetas Ezra Pound y Joseph Brodsky y el futbolista Helenio Herrera.

Antes el último viaje se hacía en góndolas fúnebres muy decoradas llamadas barca dei morti, ahora se usan lanchas.

Monte de Los Olivos. Jerusalén

Este es el lugar donde los judíos han deseado ser enterrados desde la antigüedad. En el Monte de los Olivos, según la Biblia (Zacarías, 14:4), comenzará la resurrección cuando llegue el Mesías. Las tumbas más antiguas están al pie de la montaña, en el Valle de Cidrón. Son las de Absalón, hijo de David, Zacarías, y una tercera cuya inscripción menciona a los hijos de Hezir, familia de sacerdotes que vivió hace 2000 años. Con el tiempo, ha ido creciendo hasta extenderse por toda la ladera occidental y por la cara sur de este monte.

Las vistas desde el Monte de los Olivos sobre la ciudad de Jerusalén, son extraordinarias. La mirada se pierde evocando la profecía y los Salmos entre los valles de Hinnom y Cedrón, la Puerta Dorada del Monte Moriah, el Monte del Templo, el Monte Sión o la Ciudad de David.

Cementerio del Viejo San Juan. Puerto Rico

Simbólicamente situado de cara al Atlántico, «el viaje al más allá», y junto a las murallas del Fuerte San Felipe del Morro, este cementerio está considerado como uno de los más bellos del mundo. El eco del templete de San Pietro in Montorio de Roma se deja ver en su capilla neoclásica. Entre otras personalidades del mundo de la política y el arte descansa aquí desde 1951, el poeta madrileño de la Generación del 27, Pedro Salinas, muerto en el exilio tras la guerra del 36. Su emblemática obra La voz a ti debida, toma el título de un verso de Garcilaso de la Vega:

Y aun no se me figura que me toca/aqueste oficio solamente en vida/mas, con la lengua muerta y fría en la boca/pienso mover la voz a ti debida (Égloga III, verso 12).

Cementerio Lychakiv.Lviv. Ucrania

Nacido en 1786 el tiempo lo ha convertido en un lugar misterioso, pintoresco y único. Situado a los pies de una colina, la naturaleza ha seguido su rumbo envolviendo tumbas y monumentos.

Hasta que en 1975 fue declarado Monumento Histórico eran habituales allí las profanaciones de tumbas. Hay multitud de leyendas surgidas entre sus rincones, rituales de magia y superticiones como la relacionada con el obispo Mykola Charnetski, ante cuya tumba se congregan los estudiantes en época de exámenes para conseguir un poco de suerte.

Al pintor polaco Artur Grottger y su amada Wanda Monne, se les puede ver pasear por estos parajes en las noches de luna llena. El murió en París, pero su ardiente deseo de descansar en Lviv lo cumplió aquella chiquilla de 17 años haciendo auténticos esfuerzos económicos.

Está abierto al público, pero dado su tamaño es aconsejable apuntarse a un grupo de visitas guiadas.

Cementerio de Montparnasse. París

El Monte del Parnaso, morada mitológica de Apolo y las Musas, es considerado la patria simbólica de los poetas. Este cementerio debe su nombre a que en él descansan un buen número de intelectuales y atistas, extranjeros y franceses. Entre ellos la escritora neoyorquina Susan Sontag’s; Jean Seberg, musa de la Nouvelle Vague francesa; Tristan Tzara, poeta y padre del dadaísmo; el nóbel de literatura Samuel Beckett; Jean Paul Sartre y Simone de Beauvoir, filósofos franceses; Julio Cortázar, que sigue llamándonos a jugar con Rayuela; César Vallejo, poeta peruano; el escritor mexicano Carlos Fuentes, o Charles Baudelaire cuyo consejo ante la tiranía del tiempo nos viene a la memoria:

Hay que estar siempre borracho.Todo consiste en esto: es la única cuestión. Para no sentir la carga horrible del tiempo, que os rompe los hombros y os inclina hacia el suelo, tenéis que embriagaros sin tregua./ Pero ¿de qué? De vino, de poesía o de virtud; de lo que queráis. Pero embriagaos.

Cementerio Monumental de Staglieno. Génova

El cementerio de Staglieno custodia desde hace más de ciento cincuenta años majestuosos conjuntos escultóricos de mármol y bronce, crecen entre la vegetación y forman una antología de los estilos artísticos de los siglos XIX y XX; neoclasicismo, realismo, simbolismo o art decó, creando uno de los cementerios más bellos del mundo. Numerosas personalidades descansan aquí; Constance Lloyd, la esposa de Oscar Wilde, el primer ministro italiano Ferruccio Parri, o Giuseppe Mazzini, a quien citábamos al principio. Hay zonas destinadas a distintas confesiones. A la zona católica hay que sumar, un cementerio inglés, un protestante, uno judío y otro evangelista.

En el núcleo central una escalinata conduce hacia una copia del Panteón de Agripa de Roma. El realismo de algunas de sus esculturas, en muchos casos retratos de los difuntos, es conmovedor.

Cementerio central de Viena

Más de tres millones de almas duermen en este extenso cementerio, el segundo más grande de Europa tras el de Hamburgo. Dividido en zonas distintas dedicadas a varias religiones. Sobrecoge especialmente el Viejo Cementerio Judío (en la imagen), Hay una zona de sepultura islámica, una ortodoxa y está el llamado Parque de la quietud, en honor a los budistas.

Durante la Segunda Guerra Mundial, se utilizó como huerta. Desde la puerta principal una avenida nos lleva a la Iglesia del Dr. Karl Lueger, levantada en su honor por su memorable alcaldía de Viena desde 1895 a 1910, año de su muerte. Obra de Max Hegele, es considerada una de las más representativas del modernismo vienés.

Hay una sección destinada a los músicos, allí están las tumbas de Ludwig van Beethoven, Franz Schubert, Arnold Schonberg, Carl Czerny, Antonio Salieri o Theodor Leschetizky, Johannes Brahms y los Strauss. De Mozart sólo hay un monumento, pues su tumba está en el cementerio de San Marx.

Osario de San Bernardino. Milán

En los antiguos terrenos de esta iglesia de Milán, muy cercana a la espléndida catedral, hubo allá por el siglo XII un cementerio. Por falta de espacio se fueron albergando los huesos antiguos en una cámara u Osario. Pero tras un derrumbe en 1642, hubo que restaurar la iglesia y Giovanni Andrea Biffi aprovechó los restos para decorar los muros de la Capilla de las Ánimas. Los frescos de Sebastiano Ricci, de 1695, que representa el triunfo del alma, completan la «especialísima» decoración.

No es el único ejemplo en el mundo donde se han utilizado restos humanos para decorar capillas. En Portugal hay dos: en Évora y en Faro; en Austria el Osario de Eggenburg; hay uno bajo las catacumbas de París; en Austria en el Hallstatt Beinhaus en Hallstatt, donde los cráneos aparecen decorados. La lista es más larga y une el sentido práctico con el religioso, pero no todas las sensibilidades lo disfrutan.

Cementerio de Greyfriars. Escocia

Este cementerio es uno de los lugares mas tenebrosos de la tierra. Claro que si estamos en Edimburgo y hemos visitado su castillo, ya poco nos va a asustar. Fue durante el siglo XVII una cárcel política donde un tal George Mackenzie, conocido como Bloody (el sangriento), se despachó a gusto en la sala de torturas. Este Bloody está enterrado aquí, y dicen que algunos visitantes que acceden a la Ciudad de los muertos por la Cárcel de los Covenantersen, donde torturaba Bloody, sufren moretones y cortes, y muchos cuentan que han sentido sensaciones extrañas. Otro hecho constatable es que ha habido un buen número de muertes en el mismo cementerio.

Pero no debe ser para tanto porque en la parte trasera, lindante con sus muros siguen funcionando la escuela George Heriot, y el pub Bobby Greyfriars, que lleva el nombre del perro más famoso de la ciudad, recordado porque vivió aquí, junto a la tumba de su dueño durante los catorce años que le sobrevivió.

Cementerio Sayalonga. Málaga

Sayalonga es un pequeño municipio de la Axarquía de Málaga, cuyo nombre tiene su origen en la Prehistoria. La arquitectura de su cementerio de forma octogonal, único en España, construido hacia 1840, genera todo tipo de especulaciones. Hay una la leyenda que cuenta que su forma obedece a la idea de que los difuntos no se dieran la espalda (las tumbas centrales son posteriores).

Investigaciones recientes relacionan la curiosa forma con el mundo de la masonería, teoría que se ve apoyada por la importante cantidad de símbolos masones que presentan muchas tumbas: columnas, triángulos, pirámides truncadas, el triple escalón, o el sol. En el interior del cementerio hay un centro de interpretación y las visitas son gratuitas.

Cementerio Okunoin.Japón

En Wakayama, al sur de Osaka se encuentra el cementerio más grande del país. Conocido como Okunoin, está en el monte Koya a más de 800 metros de altitud. Su historia arranca alrededor del año 800 por iniciativa del monje Kukai que eligió este monte como centro del budismo shingon, una de las principales escuelas budistas de Japón. Según la leyenda, Kukai alcanzó el Nirvana y sigue meditando en el monte Koya.

A lo largo de los siglos, este lugar se ha convertido en un cementerio muy popular, objeto de deseo para terminar aquí meditando con Kukai.

Muy diferente en su aspecto a los cementerios occidentales, es transitado no sólo como visita a los fallecidos si no como lugar de búsqueda de espiritualidad en sus 120 templos, o de conocimiento sobre esta cultura religiosa en la Universidad de Estudios Religiosos que está dentro del cementerio.

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La Venus de Itálica. S.II a.C. Mármol de Paros.

En el Museo Arqueológico de Sevilla podemos admirar a Venus, la culpable de todo. Esta escultura fue encontrada en 1940 en una casa de Itálica (localidad cercana a Sevilla).

Los poetas fueron los primeros que le dieron sentido a esta Venus sin cabeza:

¡Descabezada Dea¡ porque no estás turbada por el vil pensamiento, serás la pura Norma. (Agustín de Foxá).

Está desnuda por que el artista la realizó en la Baetica, cuya cultura nace en una clara relación con oriente, como la Venus de Cnido, y por ello el desnudo esta visto desde un sentido ideal de pureza y belleza originaria, y de Verdad artística.

Pero el poema de Foxá puede tener otra interpretación: Una espléndida figura femenina sin posibilidad de pensamiento, todas sus maldades (femme fatale) eliminadas por la pérdida de su cabeza.

¿El triunfo de la virtud sobre la terrible Lilith? -Diosa oriental, malvada portadora de seducción, que ha perseguido a los hombres infiltrada en el Arte occidental-

Posiblemente no, porque para los hombres que temieron el poder de la bella de cabellos largos hay en esta imagen suficientes motivos de seducción.

Su poder sigue presente en toda su geografía marmórea, aunque de su rostro sólo podamos intuir apenas, el final de unos mechones de su hermosa cabellera suelta cayendo por sus hombros.

Eva de Autún. Maestro Gislebertus.

Durante toda la Edad Media vemos representaciones en las iglesias referentes al tema de la sexualidad. Las más explícitas generalmente alejadas de los ojos del fiel, en los canecillos, o en los capiteles, a no ser que interesara avisarle de la tentación y las consecuencias de caer en el pecado como en esta conseguidísima Eva del maestro Gislebertus en la portada del Juicio Final de la Iglesia de San Lázaro de Autun. Fechada en 1130. Hoy se puede ver en el Musèe Rolin.

En un brillante ejercicio de adaptación al marco (formaba parte del dintel de la portada), el autor consigue dotar de un sinuoso movimiento a la figura. Es sin duda una de las maravillas del Medievo en la representación del erotismo en el Arte occidental.

Sensual e indiferente ante su castigo, lleva arrodillada unos siglos fuera del paraíso perdido, Eva acerca su mano a la boca y susurra los placeres del pecado a quienes accedan al templo, mientras les ofrece la fruta de la tentación.

Hermafrodito y la ninfa Salmacis. Bartholomeus Spranger.

En el Museo de Arte de Viena encontramos este ejemplo de representación del deseo femenino desde el punto de vista femenino, aunque fue pintado por un hombre.

La originalidad de Spranger, que firma la obra en 1581, para representar esta escena no tiene precedentes ni continuadores. La ninfa Salmacis se está comiendo literalmente con los ojos a Hermafrodito.

El autor nos convierte en voyeurs ante esta ardiente y hermosa joven que frente al indiferente y gélido chico, nos hace cómplices de la trampa de esta mujer que envuelta en un deseo sin tapujos, vivo y gozoso acabará venciendo al vanidoso Hermafrodito.

El pasaje mitológico cuenta que esta bella ninfa para satisfacer su deseo paralizó los cuatro miembros del atractivo joven y sólo dejó movilidad en el miembro restante. El orgasmo le provocó tal entusiasmo que en pleno éxtasis le rogó a los dioses que los dejaran juntos en un sólo cuerpo para la eternidad. Como la petición fue atendida, surgió «hermafrodita», por derivación del nombre del extraordinario joven.

Las pocas ocasiones que el arte occidental ha mostrado el deseo femenino, lo ha reducido a un momento de locura (Bacantes desatadas), o a una situación de ridículo (José y la mujer de Putifer), o bien a momentos obscenos, o a lacrimógenas e impotentes situaciones (Ofelia, Julieta…). Por eso es tan especial esta mirada al deseo femenino.

La Venus del espejo. Velázquez.

En la National Gallery de Londres encontramos a esta hermosa Venus pintada en 1651, que aparece de espaldas, atrapando la mirada del espectador.

Las sinuosas curvas de esta anónima Venus le sirven a Velázquez para representar a la mitológica diosa del amor en el cuerpo de su amante, y dado que era un hombre casado distorsiona con astucia su rostro jugando al equívoco.

De esta forma el genio de Sevilla deja abierto el análisis de esta obra, que como todas las suyas ha inspirado muchas páginas.

Si el rostro apareciera con nitidez, rompería el equilibrio del cuadro, que respira una atmósfera nebulosa en la que queda reforzado con toda claridad el ondulante cuerpo de la misteriosa dama. Los pinceles de Velázquez nos están diciendo que todo el poder de la diosa reside precisamente en la suave extensión de su pálida piel.

Susana y los viejos. José Ribera.

Una escena inspirada en la historia bíblica del libro de Daniel. Bajo el pretexto de ensalzar la virtud, sirvió de excusa a muchos pintores en los tiempos de la Contrarreforma, para dejar en sus lienzos espléndidos desnudos femeninos, como éste que vemos del «conflictivo» pintor valenciano que tuvo que huir a Nápoles perseguido por la justicia española.

Es un extraordinario ejemplo del tenebrismo barroco. Realizado en 1615, insiste en mostrar el cuerpo de la mujer como motivo de pecado.

Aquí una mujer casta que no cede a los propósitos de estos dos viejos verdes, que por cierto son dos ilustres jueces, y que a punto estuvo de morir lapidada por no acceder a sus deseos. Entre Susana y los lascivos jueces, Ribera representa un sátiro, que es aquí la imagen de la lujuria.

Con un magistral manejo de luces y sombras Ribera dejó ante nosotros un cuerpo tan blanco que nos recuerda la marmórea sensualidad de nuestra Venus de Itálica. Y como en la mayoría de los ejemplos de erotismo en el Arte occidental, el objeto de deseo es una mujer.

Sol ardiente de junio. Frederic Leighton.

Esta magnífica Venus es obra de Lord Frederick Leighton. Pintada en plena era Victoriana, el maestro inglés cuya historia podemos seguir en su Casa-Museo, se inspira en los patrones estéticos griegos para convertir a la diosa del placer en un símbolo lleno de lirismo.

A pesar de que no vemos a penas la piel de esta hermosa mujer, abandonada en los brazos de Morfeo, todo en ella es pura sensualidad. Leigthon la envuelve en transparentes velos, de influencia oriental, y la acomoda en una postura casi imposible. Enreda sus miembros en un escorzo que deja entrever parte de la voluptuosa belleza clásica de este cuerpo relajado a pesar de la sinuosa composición.

El cálido colorido de la obra invita a pensar en un país caribeño, pero Leigthon lo pintó en Londres. Sin embargo, este cuadro que fue subastado en 1940 por sólo 140$, viajó a Puerto Rico de la mano Luis A. Ferré, que lo encontró olvidado en un rincón de una galería de Amsterdam.

Ferré pagó por el 6000$, hoy vale millones y para admirarlo hay que visitar el Museo de Arte de Ponce fundado por Ferré. Todo un viaje el de esta Venus.

La luz dorada remite a una hora avanzada de la siesta en el momento de una ardiente puesta de sol, con el calor sofocante y húmedo que hace siempre posible el ensueño en los mares del Caribe.

Olimpia. Eduard Manet.

En 1865 Manet presenta en el Salón de París, esta Venus convertida en una descarada prostituta que vive en las salas del Museo D’Orsay de París.

Manet escandalizó a la sociedad parisina del momento con esta obra inspirada en la Venus de Tiziano, que el francés utiliza para presentar un tema contemporáneo.

Retoma el tema de la diosa del amor y lo coloca a nivel humano con toda la frialdad y lo prosaico del mundo de la prostitución. Descalza un pie de la chica, símbolo de la inocencia perdida, le coloca una orquídea en el pelo, considerada afrodisíaca, y sube a su cama a un gato negro, que en contra de la fidelidad que representaría un perro, está relacionado con la promiscuidad y el erotismo.

Olimpia no pone su mano entre las piernas por pudor, es que aún no llegó a un acuerdo con su cliente, que le envía un ramo de flores, como parece ser era la costumbre.

Black Irish. Georgia O’Keeffe.

En el O’Keeffe Museum de Santa Fé hay una amplísima colección de la obra de esta norteamericana enamorada de los paisajes de Nuevo México.

Toda la obra de O’keeffe es una interpretación exuberante de la realidad. Y es exuberante por la sensualidad que trasmiten sus lienzos.

Es imposible no ver vaginas en sus acantilados, o penes en sus meandros a vista de pájaro. Ella siempre explicó que se limitaba a contemplar la realidad, veía lo bello que hay en ella y lo pintaba.

El iris es una flor muy representada en el arte occidental, utilizada como un símbolo del sufrimiento de la Virgen, es una metáfora pictórica del dolor de una madre.

Pero O’keeffe, en sus sutiles representaciones, plasma las felices y bellísimas formas que componen estas flores en las que no somos los únicos que vemos un clítoris.

Consciente o inconscientemente, el sexo, ambos sexos, aparecen en estos lienzos a través de los pinceles de una mujer que sólo intenta pintar lo más hermoso de la naturaleza.

Fillette (Muchachita). Robert Mapplethorpe

Este es el retrato de una anciana feliz con una pícara y atractiva sonrisa. Pero ¿que lleva bajo el brazo? ¡vaya! ¡un enorme falo!

La anciana es la famosa escultora Louise Bourgeois, que es además la autora del falo. El fotógrafo, un conocido artista homosexual que ha escandalizado en más de una ocasión a la sociedad norteamericana.

No ha buscado a una chica joven y atractiva, le concede esta especie de triunfo ante el sexo contrario a una mujer mayor, y al presentarla con ese falo «castrado» y humillante, se ríe de la obsesión masculina por centrar su poder en ese lugar de su cuerpo. ¿O no es una burla? Hay algo de la diabólica Lilith en esta imagen, ¿no creen?

Aunque bien podría ser también una declaración de amor, de Louise y de Robert, al sexo masculino.

Lo que si parece claro es que el poder femenino en el mundo de Eros está presente de una u otra forma a lo largo de toda la Historia del Arte occidental.

Los amantes. René Magritte.

Todo este post habla de erotismo, de diosas del amor, de deseo y pecado, de mito y religión, de hombres y mujeres. Pero no hemos hablado de besos.

Este de Magritte, que está en una colección particular, es uno de los besos sobre los que más se ha escrito.

Pintor del movimiento surrealista solía decir que «la realidad es tan equívoca, incoherente y abstracta como cualquier pintura»

Un beso sin labios, sin miradas, sin piel…entren y vean e interprétenlo.

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Hace unas semanas hablábamos en este blog de la magia que envuelve el mundo de la vidriera, y dejábamos pendiente una mirada a este escultor nacido en Tacoma, Washington, que lleva desde muy joven buscando expresar su feliz idea del arte de la escultura a través del vidrio soplado. Cuenta que una de sus inspiraciones contínuas es el jardín de su madre en su Tacoma natal, donde comenzó su andadura.

Chihuly se graduó en la Universidad de Washington, en Seattle, licendiándose en Diseño de Interiores. Cursó un Máster en Ciencias de la Escultura en la Universidad de Wisconsin y otro Máster en Bellas Artes en la Escuela de Rhode Island del Diseño.

En 1968 gracias a una beca Fulbright, estudió en la fábrica Venini de Murano, donde aprendió que el trabajo en equipo es fundamental en las técnicas del vidrio soplado. El proceso que fragua estas piezas necesita la implicación de una serie de personas que actúan en una sincronía como la que ocurre en una orquesta, así surge esta especie de milagro que explican mejor que cualquier palabra las imágenes de sus obras.

Ha montado instalaciones centradas en la idea del jardín, fruto de su fascinación por las formas abstractas que le ofrecen la naturaleza, los jardines o el océano y sus criaturas. De todos ellos hay reflejos en sus esculturas.

La búsqueda del paraiso a través del jardín es un anhelo perseguido por el hombre desde las culturas más ancestrales. Chihuly ha intervenido con sus creaciones en un buen númeo de parques, entre los que se encuentran: el Conservatory Garfield Park, en Chicago y “Mille Fiori” en el Museo de Arte de Tacoma. Desde el año 2001 ha dejado su huella en varios jardines botánicos como en el Garfield Park de Chicago, en el Real Jardín Botánico de Kew, cerca de Londres, en el Jardín Botánico de Nueva York, en el Pittsburgh Phipps, o en el Botánico de Missouri, entre otros muchos.

La organicidad de sus esculturas de vidrio se mezclan con naturalidad entre la flora de los jardines o las formas arquitectónicas, añadiendo fantasía y belleza a los caminos cotidianos. La danza de la que hablábamos al principio la compone aquí la unión entre la naturaleza, el arte y la luz.

Su enorme éxito hace que encontremos sus esculturas cubriendo techos de hoteles, casinos y museos.

Cuando se acerca a tamaños más pequeños, nos sorprenden pequeñas joyas que producen una fascinación más alcanzable, por su cercanía; en ellas la explosión del color sigue envolviento un movimiento que es una constante en toda la obra de Chihuly.

Desde el año 2000 una impresionante lámpara creada por Dale centra el hall de entrada del espléndido Victoria and Albert de Londres.

En 1976 y en 1979 sufrió dos accidentes. Uno le costó la vista de un ojo y el otro la imposibilidad de mover libremente un brazo, con lo cual no puede soplar vidrio. Pero lejos de alejarle de su empeño, simplemente cambió el rol, según sus propias palabras «ahora no soy bailarín, soy coreógrafo». En efecto, dirige un grupo de personas que lleva a cabo sus diseños, aunque la composición de estas «musicales y coloridas esculturas sigue siendo obra suya»

El espectacular juego de luces y formas despierta la imaginación de la mirada sorprendida de quienes se crucen con sus obras.

La naturaleza y el Cosmos en una coreografía sin límites.

La mayor exposición permanente de su obra se encuentra en el Museo de Arte de Oklahoma City. Es además empresario y tiene una galería en el Las Vegas City Center en Gallery Row, ciudad de la que dejamos unos cuantos consejos para visitarla, y dos tiendas en asociación con los MGM Resorts International, una en el famoso Hotel Bellagio de Las Vegas, del que hablábamos en nuestra entrada sobre las vidrieras, y otra en el MGM Grand Casino en Macao.

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