Declarado por la Unesco Patrimonio de la Humanidad en 1993, el Monasterio de Guadalupe es una obra cumbre del gótico mudéjar, no sólo de Extremadura si no de toda España. Su arquitectura y el valioso patrimonio artístico e histórico que atesora son más que suficientes para justificar una visita.

En el impresionante laberinto que forman sus más de veintidós mil metros cuadrados hay espléndidos ejemplos de arquitectura y de arte de los siglos XIII al XVIII: gótico, mudéjar, renacentista, barroco y neoclásico.

Reyes, aventureros, artistas, escritores, historiadores, cronistas y viajeros de toda índole han peregrinado a su encuentro buscando descanso e inspiración entre sus muros.

El Monasterio de Guadalupe es un monumento de notable importancia histórica: fue el principal monasterio de la Orden Jerónima. Es un exponente arquitectónico excepcional por su diversidad y variedad de estilos. Representa además un vínculo intenso con la historia de España por su relación con los reyes Católicos y con el Descubrimiento de América.

Centro cultural de primer nivel de investigación y enseñanza, entre sus muros se desarrollaron: una escuela de medicina, una botica, un importantísimo scriptorium. Fue un enclave importante de talleres de diversa índole: bordados, orfebrería, libros miniados. En él se conserva una biblioteca con un fondo extenso y rico. Sigue siendo un importante centro de peregrinación.

Tiene, además, historia e historias plenas de caminos que acercan a entender mejor la memoria de una época esencial de España. Historia de la que son parte las calles medievales de la Puebla de Guadalupe, que creció al calor del Monasterio, y que tiene a escasos kilómetros el Geoparque Villuercas-Ibores-Jara, para quienes quieran disfrutar del turismo naturaleza y de un espectáculo impagable.

Entre la historia y la leyenda del Monasterio de Guadalupe

Es historia que el Monasterio de Guadalupe fue construido sobre los cimientos de una ermita en honor de esta Virgen cuya advocación habría de cruzar el Atlántico para instalarse en los corazones de millones de mexicanos.

La tradición relaciona la imagen de esta Virgen con San Leandro, a quien el papa Gregorio Magno le regaló una imagen de la Virgen esculpida en un taller de escultura de Palestina. El taller lo había fundado en el siglo I San Lucas Evangelista, que según la tradición fue el primer pintor de la Virgen.

San Leandro, que fue uno de los padres de la iglesia visigoda y arzobispo de Sevilla, le regaló la imagen a su hermano San Isidoro, que también fue arzobispo de Sevilla. San Isidoro la custodió al parecer en la primitiva iglesia sobre la que se construyó el Monasterio de San Isidoro del Campo, situado en la sevillana ciudad de Itálica.

La invasión musulmana de 711 propició que en la huida de unos clérigos cristianos la Virgen fuera ocultada cerca del río Guadalupe y que, siglos después, un pastor la encontrara y se levantara en su honor una ermita.

Entre la historia y la leyenda está el encuentro de Alfonso XI con esta ermita y su pequeña y románica Virgen. A la que se encomendó para la batalla del Salado en 1340, de la que salió victorioso. Al parecer en agradecimiento a la Virgen mandó reformar la iglesia y construir un hospital y un albergue para peregrinos.

Lo que sí es historia, pues se conserva un documento episcopal, es que a partir de 1326 se concedía indulgencia plenaria a los que visitaran la iglesia de Santa María de Guadalupe. El eco de aquellas peregrinaciones llega hasta nuestros días.

También es historia, que testimonian sus viejas piedras y múltiples documentos, que, hasta el siglo XIX, ha sido lugar de descanso para el cuerpo y para el alma de peregrinos de toda condición. Hoy es también un importante atractivo de turismo cultural e histórico de la comunidad extremeña.

Una suma de estilos le dan forma a un edificio singular

«Cuatro días se estuvieron los peregrinos en Guadalupe, en los cuales comenzaron a ver las grandezas de aquel santo monasterio; digo comenzaron, porque acabarlas de ver es imposible».

Cuando Miguel de Cervantes escribió estas palabras en su obra Persiles y Segismundo, todavía faltaban por construirse las dependencias barrocas y el posterior neoclásico. Aún no colgaban en sus muros cuadros de algunos de los mejores artistas barrocos españoles como Zurbarán, Lucas Jordán o Carreño de Miranda. Pero ya le parecía imposible al autor de Don Quijote ver en cuatro días tan magnífico lugar.

Contenedor de bellezas artísticas de primer orden

El Monasterio de Guadalupe es un monumento arquitectónico extraordinario que guarda tesoros artísticos como su colección de pintura y escultura de maestros como Juan de Flandes, Juan Correa, Zurbarán, El Greco, Goya, Egas Cueman, o un crucificado de marfil atribuido a Miguel Angel, entre otros.

Conserva además una extraordinaria colección de libros y cantorales miniados realizados entre los siglos XIV y XIX. Y una no menos importante colección de bordados de los siglos XV al XIX, realizados en el taller de bordados del Monasterio, expuestos en sendos museos.

De la pequeña ermita que convirtió Alfonso XI en un santuario, al que dotó de un hospital y refugio para peregrinos, fue creciendo el monasterio que conocemos hoy. El interés de la Corona española por este precioso refugio permitió su crecimiento y embellecimiento progresivo.

No sabemos por qué la desamortización de Mendizabal no afectó de lleno a las colecciones de arte del Monasterio de Guadalupe. Que se «olvidaran» de requisar algunas de sus obras nos permite ver hoy la única serie de pinturas, de las realizadas en España para un lugar concreto, que se mantiene en su sitio: en la Sacristía de su iglesia se han mantenido los cuadros que para ella pintara el extremeño Francisco Zurbarán.

Son ocho lienzos en los muros de la Sacristía y otros tres en la adyacente Capilla de San Jerónimo, entre ellos el conocido como «La perla de Zurbarán»: La Apoteosis de San Jerónimo.

Desde 1645 estas obras han sobrevivido expuestas en sus muros a Mendizábal, a la invasión francesa, a la guerra civil y hasta a las termitas, cuyos daños fueron reparados hace unos años. Hoy esta Sacristía conocida como «La Capilla Sixtina de Extemadura» es una de las joyas del Monasterio.

Un edificio extraordinario

La piel de su arquitectura es un fiel reflejo de la época en que comenzaron las obras del edificio que conocemos hoy. Sobre la vieja ermita conviven desde sus comienzos en perfecta armonía el mudéjar y el gótico, al que se fueron añadiendo otros lenguajes durante los cuatro siglos que gobernaron el edificio los monjes jerónimos. A partir del siglo XX son los franciscanos quienes se ocupan de mantenerlo.

De su inagotable repertorio arquitectónico, además de su emblemática Sacristía, destacamos los siguientes espacios:

La extraordinaria fachada que preside la plaza trazada bajo el influjo del gótico final. Bajo los «bordados» de cresterías góticas que la decoran se abren las portadas de acceso a la iglesia cuyos arcos apuntados abocinados se apoyan en columnas con capiteles de hojarasca. Cierran estas portadas unas puertas de bronce realizadas en el siglo XV decoradas con un magnífico repujado de relieves, atribuido a Paolo de Colonna.

El bellísimo Claustro mudéjar, conocido como el Claustro de los milagros. Sus dos plantas, organizadas con arcadas de herradura y herradura apuntadas, enmarcan un precioso jardín en cuyo centro se levanta un templete que atrapa todas las miradas. Realizado en 1405 por Fray Juan de Sevilla es un originalísimo ejemplo de la conjunción del gótico y el mudéjar.

El Claustro gótico. Llamado de la enfermería o de la botica, hoy es parte de una hospedería que recomendamos vivamente. Su planta rectangular se levanta en tres pisos de arcadas cerradas en la última por un muro construido en el siglo XX. Datado entre 1515 y 1524, la primera arcada la forman arcos de medio punto de estética renacentista. Las dos superiores están formadas por arcos apuntados, que acogen bajo una fina tracería gótica dos arcos de medio punto separados por un parteluz.

La iglesia. Su planta basilical de tres naves la cierra un ábside poligonal en la cabecera y a los pies un gran coro de construcción posterior. Las bóvedas de terceletes de la nave central y sus crucerías en las laterales nos hablan de gótico final que se labraba a finales del siglo XIV y el XV, cuando se levantó esta iglesia, que guarda sin embargo detalles arcaizantes del último románico. En los muros laterales del presbiterio se encuentran los sepulcros de Enrique IV y de su madre, María de Aragón realizados a finales del siglo XVI.

El Camarín de la Virgen. Es un construcción barroca, conocida como “la antesala del cielo”. De estilo rococó y planta octogonal con dos cuerpos, este espacio íntimo es obra de Francisco Rodríguez Romero fechada en 1696. Entre la exuberancia decorativa que le confiere su estilo rococó destacan lienzos de Luca Giordano, pinturas murales de Francesco Leonardi y pinturas al temple de Pedro José de Uceda.

Peregrinos y visitantes ilustres del Monasterio de Guadalupe

Durante sus más de siete siglos de vida, el Monasterio de Guadalupe, ha sido un destino deseado por gentes dispares. Entre tantas destaca la Reina Isabel la Católica, de la que cuentan las crónicas que consideraba este lugar su "paraíso" desde muy jovencita.

Paraíso que compartió después con su marido Fernando. Juntos recibieron en él a Cristóbal Colón y fue allí donde se redactaron las condiciones de su apoyo a la aventura de las Indias. El almirante bautizó una isla del Caribe con el nombre de Santa María de Guadalupe de Extremadura, en honor a la Virgen morena. Isabel y Fernando volvieron a Guadalupe a darle gracias a la Virgen después de disfrutar de la exuberancia de los palacios de La Alhambra, cuando sellaron el fin de la época islámica con la toma de Granada.

El cariño a este lugar por parte de los Austrias lo continuó su nieto Carlos V que hizo encargos artísticos para el Monasterio, como lo hizo también su biznieto Felipe II. Aunque fue durante el mandato de este rey, al construir el Monasterio de El Escorial, cuando Guadalupe fue perdiendo importancia entre la monarquía.

La relación con el Monasterio de Guadalupe se perdió por completo con los Borbones. Fue en el siglo XX, en 1926, cuando Alfonso XIII recuperó de nuevo la tradición de la corona de peregrinar a Guadalupe. En su reinado se coronó a la Virgen como «Reina de la Hispanidad» el 12 de octubre de 1928. También es Patrona de Guadalupe y de Extremadura. El acercamiento de los reyes españoles a Guadalupe lo continuaron Juan Carlos I y Sofía de Grecia y los actuales monarcas.

Escritores, historiadores, cronistas y viajeros

Pero no sólo reyes y nobles han dirigido sus pasos a Guadalupe. Recorrer el monasterio y las calles de la preciosa Puebla de Guadalupe es seguir los pasos de Miguel de Cervantes, o del médico alemán Jerónimo Münzer o del capitán inglés Samuel Edward C. Widdrington, o de Don Miguel de Unamuno, creador del término Hispanidad.

Por sus caminos se inspiraron El Marqués de Santillana, Luis de Góngora, o Félix Lope de Vega Carpio, Rafael Alberti o José María Pemán entre otros muchos.

Santos como Vicente Ferrer o San Juan de Ávila, San Juan De Dios y San Juan de Ribera o Santa Teresa de Jesús.

También lo visitó el Papa Juan Pablo II en 1982, cuando comentó la relación espiritual entre la Guadalupe mexicana y la extremeña:

Es indiscutible la estima tan grande que le tengo a la Virgen de Guadalupe de México. Pero me doy cuenta de que aquí están sus orígenes. Antes de haber ido a la Basílica del Tepeyac, debería haber venido aquí para comprender mejor la devoción mexicana.

Como en otros muchos aspectos de la relación entre España e Iberoamérica, los viajes de las influencias siempre son de ida y vuelta. La Virgen de Guadalupe que llegó con los descubridores a México, volvió representada en obras pictóricas que se veneran en algunas iglesias de España. En las capillas de muchas iglesias de Sevilla se encuentran cuadros de gran valor artístico representando a la Virgen mexicana, traídas como protectora en los viajes de vuelta.

Desde el Monasterio de Guadalupe, la Virgen morena ha llegado también a muchos rincones de España. Es la patrona de la isla canaria de La Gomera y de la ciudad de jienense de Úbeda. Y entre otros templos en su honor, recordamos una bucólica ermita que se levanta en el monte Jaizquibel sobre el municipio vasco de Hondarribia.

Una serie de caminos de peregrinación que llevan a Guadalupe, creados a raíz del inicio de la construcción del Monasterio de Guadalupe en 1337 por orden de Alfonso XI, unían los principales núcleos de población del centro peninsular: Plasencia, Cáceres, Mérida, Ciudad Real, Toledo y Madrid, con Guadalupe. En la actualidad se conserva el trazado de doce de estos caminos históricos. Estos caminos son la recta final de otros más largos que comunican todos los extremos de la península con la villa de Guadalupe.

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El campanile de San Marcos es uno de los edificios más queridos por los venecianos. El turista suele encontrar más icónicos la Basílica, el puente de Rialto y el Palacio Ducal, pero, en Venecia, al elegante campanario lo llaman "el patrón de casa".

Como todo edificio antiguo, tiene una historia variada y complicada. No fue siempre un campanario y ni siquiera se construyó para serlo. Hace poco más de un siglo se cayó por su propio peso, y su reconstrucción abrió un debate que a todos nos resultará muy moderno. Algunos propusieron cambiarlo de sitio; otros, darle un aire más moderno; hubo quien planteó la posibilidad de no reconstruirlo.

Al final ganó la opción más popular en este tipo de casos: levantarlo tal y como era, y así lo tenemos hoy. Una torre que tiene más de un milenio de historia.

Sobre la construcción del campanile

La torre que hoy eleva las campanas de San Marcos no se construyó para albergar un campanario. En el siglo X, cuando se pusieron sus primeras piedras, iba a ser una torre vigía, el más alto baluarte defensivo de un Palacio Ducal por entonces fuertemente amurallado. Y es que, aunque siempre se ha dicho que Venecia no necesita muros de piedra porque tiene por muralla el mar, en una época de inseguridad generalizada, en la que los húngaros y otros pueblos del centro y el este de Europa realizaban frecuentes razzias, la ciudad necesitaba defenderse con algo más que metáforas.

Y, como si los enemigos extranjeros fueran pocos, la política interna de la ciudad era entonces un juego de tronos tan frecuente como despiadado. Las grandes familias encendían las iras del pueblo y lanzaban a las turbas unas contra otras. Durante más de dos siglos la ciudad avanzó a marchas forzadas, entre lealtades divididas al Sacro Imperio y al Imperio bizantino. Y del mismo modo fue creciendo la torre del futuro campanile. Ora se le añadían unos metros, ora se abandonaba en medio de incendios y altercados, ora llegaba un nuevo Dux que volvía a retomar su construcción…

En época, probablemente, del Dux Tribuno Medio, entre el 979 y el 991, la torre fue coronada por primera vez con lo que los italianos llaman una cella campanaria, un espacio para las campanas. En aquel tiempo debía ser un campanario mucho más modesto, parecido al que hoy corona la torre de San Giacomo dell’Orio, en la misma Venecia, o como el de Santa Maria Assunta en la preciosa isla de Torcello.

Merece la pena destacar aquí cómo se construyen edificios altos y sólidos en una ciudad que, como dicho John Ruskin, espejea sobre el agua.

En su estado natural de perenne humedad, el suelo veneciano no es precisamente acto para la arquitectura. Los cimientos de cualquier edificio requieren un espacio sólido y liso donde asentarse y el de Venecia es siempre acuoso e inestable. Para solucionarlo, los constructores empiezan excavando tan profundamente como pueden y plantando en el suelo una nutrida colmena de palos de madera. Estos palos solían tener forma de pica para que los encargados de clavarlos, a mano, en el suelo lo tuvieran algo más fácil. Estos operarios, auténticos hacedores de la ciudad, se llamaban battipali y, como los gondolieri, trabajaban en medio de cánticos que aún son patrimonio de la ciudad.

Con los palos a poca distancia unos de otros, sus intersticios rellenos con cualquier cosa que estuviera a mano (piedras, trozos de madera, incluso conchas) y su altura nivelada, ya se podía iniciar la construcción de unos verdaderos cimientos de piedra.

Si a alguien le parece inestable esta forma de construcción no está solo. Como recoge Peter Ackroyd en su Venice: Pure City, muchos poetas y artistas han subrayado el carácter imposible de esta ciudad que desafía a la lógica.

Y sin embargo ahí siguen estas torres, estos palacios y estas iglesias. Después de todo tipo de avatares, de ver cómo ciudades e imperios se levantaban y caían, ahí están aún, sobre palos de madera.

No. El campanile no se cayó por culpa de sus cimientos. Que son los mismos que los de toda Venecia.

Una torre que ha sido mucho más que un campanario

Hay pocas noticias de nuestra torre hasta que, en el año 1329, un tal Montagnana completó una restauración que le dio mayor altura y un aspecto más parecido al actual, con una cúspide piramidal que entonces era de madera dorada.

Nos acercamos ya a la edad dorada veneciana y de aquel tiempo datan muchas leyendas de marinos y pescadores, como la que explica los vivos colores de la isla de Burano. Quizá sea una exageración, pero dicen los cronistas de la época que aquella pirámide de oro refulgía tanto al sol que era como tener un faro diurno que, desde muchas millas de distancia, anunciaba a los marineros el camino a casa.

Lo que no podía saber el tal Montagnana es que esa torre, tan alta y aislada y para colmo recubierta de madera, iba a convertirse en un pararrayos natural. Desde entonces fue rara la década en la que uno no le alcanzaba, raro el siglo en el que no debían acometerse unas cuantas restauraciones. No importaba. Como veremos, cada vez que se caía se reconstruía más ambiciosa y monumental.

La historia del campanile tiene otros episodios curiosos. Durante unos años, cuando la guerra con Génova estuvo en su apogeo, las autoridades mandaron bajar las campanas y las sustituyeron por cuatro grandes cañones. Luego las volvieron a poner en su sitio, pero no sin que antes se incendiara accidentalmente el campanario en las celebraciones de la victoria.

En 1786 subió al campanario el que ha sido uno de sus visitantes más ilustres, Goethe, que dejó escritas unas líneas sobre la experiencia.

Hoy, admirando su planta, me hecho una mejor idea de la profundidad de Venecia. Después de haberla estudiado, subí al campanile de San Marcos, desde el cual se aprecia un espectáculo único. Era cerca del mediodía y el sol brillaba luminoso, tanto que no necesité los prismáticos para distinguir lo cercano y lo lejano. La marea cubría la laguna, y cuando me volví a mirar la zona que llaman el Lido vi por primera vez el mar y sobre él algunas velas (Goethe, Viaje a Italia).

El campanile vio después llegar a los franceses, que instalaron en su cúspide una antena telegráfica, y a los austríacos, y luego vio la segunda dominación de los franceses y la segunda dominación de los austriacos. Un sábado de finales de octubre, en 1866, las campanas hicieron sitio a una pléyade de banderas tricolores. Se había proclamado la unificación y el Reino de Italia.

La estructura del campanile, o en qué debes fijarte cuando lo mires

En Italia, es bastante común que los campanarios de las iglesias se construyan separados de éstas, y la razón tiene que ver muchas veces con lo que ya hemos explicado aquí: que, cuando se construyeron, no iban a ser campanarios sino torres de vigilancia. En cualquier caso, a esta forma de edificación se la llama exenta y la encontramos también en el campanile de Florencia y en muchos otros ejemplos, tanto del Románico como del Gótico. Así es el de Venecia, que está más cerca del Palacio Ducal que de la Basílica de San Marcos.

La torre está compuesta de tres partes. La principal y más alta es un prisma de doce metros de lado y cincuenta de altura. La versión actual está hecha de hormigón y revestida de ladrillo rojo, típico de la región del Véneto. Antiguamente este ladrillo era el único material, lo que causó el desastre del que luego hablaremos.

El campanario propiamente dicho se encuentra a cincuenta metros de altura y está hecho de piedra blanca de Istria. En total consonancia con el resto de la plaza, sus elegantes arquerías y balaustradas entablan un diálogo continuo con los edificios que lo circundan.

Justo encima, un nuevo tramo del mismo ladrillo rojo contiene en cada lado uno los símbolos de la ciudad: el león de San Marcos, repetido en dos lados, y la imagen de la justicia.

Y como guinda, arriba del todo, una enorme cúspide piramidal corona con elegancia el edificio y soporta la figura dorada del arcángel Gabriel, que hace de veleta o, como se dice en italiano, segnavento.

Las cinco campanas históricas

Las campanas que hoy resuenan entre los arcos del campanario tienen sólo un par de siglos. En su día, la sustitución de las viejas campanas causó verdadera pena entre los venecianos, porque aquellos trozos de metal eran historia viva de la ciudad y un verdadero símbolo de la Serenissima.

Eran cuatro y cada una tenía un nombre, y una función.

La tutora, la más importante, se llamaba la Marangona. Debía a su nombre a los carpinteros que trabajaban en el Arsenale, las grandes atarazanas de Venecia. Dice mucho de la ciudad que la campana mayor del principal campanario reciba ese nombre: la madera de los barcos era el soporte de la ciudad, la flota marítima su principal defensa. La Marangona marcaba el inicio y el final de la jornada de trabajo en el puerto y, justo con la Trottiera, avisaba de las reuniones del Consejo Mayor con una serie de cincuenta repiques.

La Trottiera se encargaba casi siempre de anunciar las reuniones de los consejos en el Palacio Ducal. Era la campana institucional y también la más exigente: cuando dejaba de sonar se cerraban las puertas del Palacio y no se dejaba entrar nadie. Muchos nobles, por necesidad y para remarcar su privilegiada posición, venían a caballo, así que la respuesta a la llamada fuera un infinito trote de los caballos. De ahí el nombre, claro; la Trottiera.

También estaba la Nona o Mezzana, que se llamaba así porque sonaba cerca del mediodía. Su sonido indicaba que se acababa el tiempo para enviar cartas desde la Posta de Rialto. Y también estaba la Mezzaterza, que sonaba para anunciar las reunione del Senado.

La última campana, la quinta, era especial. Servía para anunciar las ejecuciones capitales, que se llevaban a cabo en la misma plaza de San Marcos. Sonaba tres veces y para cada una de ellas tenía un nombre distinto. Era la Renguera en honor de la "renga", el discurso que se hacía en defensa del imputado. Era la campana Del Maleficio cuando era condenado, y era la Preghiera, de pregare, rezar, cuando el rezo era lo único que le quedaba a éste antes de ejecutarse la condena.

La preciosa loggetta del Sansovino

La alternancia del ladrillo y el mármol es la seña de identidad del campanile, que en su base tiene un extraño, único y precioso adorno que lo hace aún más especial. Se llama la loggetta del Sansovino: se trata de una pequeña logia, de ahí su nombre, edificada por uno de los mejores arquitectos del Renacimiento, Jacobo Sansovino, autor también de la Biblioteca Marciana.

Hoy día sirve de entrada al campanile, pero este extraño añadido sirvió en su día para dar asiento a los procuradores de la República en las ocasiones en las que el Consejo Mayor, el principal órgano de gobierno, se reunía en el Palacio Ducal. La política veneciana de la Edad Media y de la Edad Moderna era un complejo juego de tronos basado en la sospecha y la eterna vigilancia de unos órganos y otros. El Dux era el representante de la ciudad en el exterior y el comandante en jefe en tiempos de guerra, pero tenía, más allá de estas, pocas prerrogativas. Quien gobernaba era el Consejo Mayor, vigilado de cerca por los procuradores, el Senado, los magistrados y una nutrida serie de consejos menores. Parece complicado y lo era, pero duró varios siglos casi sin alteración, y le valió a la ciudad el título de que ostentó con mayor orgullo, La República Más Serena, la Serenissima.

La loggetta de Sansovino tiene la estructura de un arco de triunfo romano y, en su friso superior, pueden verse una serie de bajorrelieves que ilustran el dominio de la República en tierra firme y en el mar. En su día no fue ninguna exageración: Venecia llegó a ser la reina de Italia y la gran potencia marítima europea.

Más abajo, entre sus nichos e intercolumnios, se conserva un precioso ejemplo de la concordatio renacentista, como en la Primavera, se alternan imágenes de los dioses grecolatinos (Apolo, Minerva, Mercurio) con la iconografía cristiana de la Madonna y el bambino (la Virgen y el Niño).

Sobre la caída y la reconstrucción

El debate que ha surgido este año tras el trágico incendio de Notre-Dame ha puesto en la luz pública argumentos a favor y en contra de diferentes tipos de restauración. Pero esto no es nada nuevo. Cuando, hace poco más de un siglo, cayó el campanile veneciano, surgieron las mismas voces, a favor y en contra de restaurar el edificio tal y como era.

Al contrario de lo que a veces se piensa, no fue un terremoto lo que hundió el campanile, sino los propios defectos de su construcción. Fue probablemente el excesivo peso de su prisma central, el gran rectángulo de ladrillo, el que terminó cediendo. No hay fotografías del momento, pero sí ilustraciones que, según el testimonio de testigos, dibujan una enorme brecha a lo largo de la pared sur de la torre, que se derrumbó por completo y dejó en la plaza una gran pirámide de escombros.

Un debate sorprendentemente moderno ocupó los meses posteriores. Con la Primera Guerra Mundial en ciernes y el nacionalismo a flor de piel, muchos recurrieron a los argumentos identitarios y reclamaron una restauración inmediata, una nueva torre situada en el mismo sitio y con el mismo aspecto que la antigua. La frase "com’era dov’era" (como era, donde estaba) fue todo un éxito y consiguió informar el proyecto final de restauración, que, con cambios estéticos menores (el viejo ladrillo bizantino se sustituyó por un ladrillo local, más rojo) reedificó un campanile de estilo renacentista.

Sin embargo, hubo voces discrepantes. Como en el caso reciente de la catedral de Notre-Dame, algunos se aventuraron a diseñar propuestas exóticas que sólo buscaban llamar la atención. Otros en cambio alentaron, con argumentos racionales, un cuestionamiento más radical. Otto Wagner se preguntó si la plaza verdaderamente necesitaba un campanario. Y de ser así, si este debía estar en el mismo sitio o mejor en el otro extremo de la plaza, dejando así abierto un corredor para admirar la esquina de la piazzetta. Varios arquitectos proyectaron nuevos campaniles en estilos modernos o eclécticos, y el propio Wagner se cuestionó por qué en una ciudad que contaba con edificios románicos, góticos, bizantinos, renacentistas, barrocos y neoclásicos no podía construirse a la manera contemporánea. "Los arquitectos del Gótico", dijo, "nunca habrían reconstruido una iglesia en estilo Románico".

Racionalmente impecable, Wagner pero no tuvo en cuenta que los constructores del Gótico no eran nacionalistas y tampoco atribuían a los edificios elementos identitarios o patrimoniales. Hoy Venecia sigue igual –o eso creemos, porque los restauradores con frecuencia cambian, aligeran o incluso corrigen– que hace quinientos años. La ideología del "com’era dov’era" ha desestimado interesantes proyectos de Le Corbusier o Frank Lloyd Wright, y sólo en épocas muy recientes ha permitido alteraciones estéticas de la ciudad, como en el polémico puente de Calatrava.

Algunos consejos para visitarlo

El campanile mide 98 metros pero tiene ascensor, por lo que subir a admirar las vistas es fácil. Sin embargo, a día de hoy no es posible reservar entradas, y las colas suelen ser importantes. Nuestro consejo aquí es madrugar y ser de los primeros: no sólo habrá menos colas, sino que, con una luz menos intensa, las vistas serán más bonitas y las fotos inolvidables.

Si no quieres esperar, hay otra opción. Al otro lado de la laguna está la preciosa iglesia de San Giorgio Maggiore, una de las grandes obras de Andrea Palladio. Allí hay otro campanile de la misma altura, que también tiene ascensor pero que suele atraer a menos turistas. Y las vistas son incluso mejores.

Durante el Carnevale se celebra el llamado volo dell’angelo, un espectáculo que tiene siglos de historia y que, en su forma actual, consiste en el lanzamiento con tirolina, desde lo alto del campanile y hasta el Palacio Ducal, de la vencedora del concurso de belleza carnavalesco del año anterior.

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Al sur de Baviera, muy cerca de la frontera con Austria, el castillo de Neuschwanstein es uno de los monumentos más famosos y visitados de Alemania. Con aspecto de cuento de hadas, fue una de las construcciones que comisionó Luis II de Baviera, uno de sus sueños.

Baviera es una de las regiones más visitadas de Alemania. Paraíso terrenal de la cerveza con una ciudad tan bella como Múnich y un entorno natural con los Alpes bávaros como telón de fondo. Está salpicada por construcciones de la casa de Wittelsbach, que gobernó aquí durante siglos, una familia que supo, en general, administrar sus recursos mejor que sus vecinos.

También con una importante parte de pasado sombrío durante el siglo XX, y es que fue en Múnich donde Adolf Hitler realizó parte de su recorrido nacionalsocialista. En una región con tanto que ofrecer al viajero, es Neuschwanstein uno de sus destinos más conocidos y hermosos. Te contamos por qué.

Neuschwanstein, castillo en las nubes

Luis II de Baviera, muy a menudo referido como "el rey loco", creció en una familia con pasión por las artes y la búsqueda de la belleza. De hecho nació en el precioso Nymphenburg, algo que tiene que marcar. En una tradición en la que, además, los diferentes miembros supieron administrar muy bien los recursos de Baviera, se pudieron permitir grandes obras como la Residenz (residencia) de Múnich.

A Luis le tocó vivir una época, no obstante, difícil para Baviera. Prusia ganaba protagonismo en el escenario alemán y llegó a formar el Imperio Alemán. Él quería ser un monarca absoluto pero tenía poderes limitados. Debía engendrar descendientes pero todo parece indicar que era homosexual.

Asumir que estaba loco es mucho asumir, ya que fue su familia junto al gobierno, probablemente para apartarlo del poder, la que lo declaró loco. Es lógico pensar que, a lo largo de su vida, sufriera una fuerte depresión por sentirse apresado en la situación que le tocó vivir. Debido a esto buscó, en cuanto subió al trono, la manera de evadirse y huir a sus refugios. Así nacieron Linderhof y Herrenchiemsee, y así nació Neuschwanstein.

La Piedra del Cisne

El nuevo castillo de Luis II de Baviera se alzaba sobre las ruinas de Vorderhohenschwangau (frente "vorder" a Hohenschwangau), un lugar que conocía bien. Siendo niño pasó mucho tiempo en el castillo de Hohenschwangau, que su padre había remodelado sobre otra construcción fortificada llamada Schwanstein (piedra "Stein" del cisne "Schawn").

Después de algunos viajes, en los que conoció el castillo de Pierrefonds y el de Warburg, Luis II de Baviera proyectó una de sus más ambiciosas obras. El rey también buscaba retratar la identidad de los castillos medievales alemanes, y estuvo influenciado por las óperas "Lohengrin" y "Tannhäuser" de Wagner. Un ideal mucho más romántico que histórico, pero que dio lugar a Neuschwanstein, la "Nueva Piedra del Cisne".

La construcción del castillo dio comienzo en 1869 y debía terminar, originalmente, en 1872. Sin embargo, hubo estancias que nunca se terminaron. Esto se debe, en buena medida, a que durante la obra Luis II hizo cambios que alteraron sobremanera el plan original. Si Neuschwanstein de por sí iba a ser muy caro, esto llevó al rey a agotar los recursos de la familia e incluso pedir préstamos.

Mientras las obras parecían prolongarse eternamente, el sueño de Luis II de Baviera se tornaba imposible. Residió el mínimo posible en Múnich (ser el rey le obligaba a pasar unos días al año en la capital) y realizó, en cambio, numerosos viajes y estancias por los Alpes bávaros. Vivió en Linderhof en ocasiones y apenas pudo hacerlo en Neuschwanstein debido a esta situación.

Tras casi dos décadas de retrasos, remodelaciones de salas y un estado financiero casi ruinoso, parte del gobierno bávaro, se dice que con el beneplácito de su familia, consiguió declarar loco a Luis II de Baviera en 1886. Por aquel entonces, el rey vivía en el castillo mientras supervisaba las obras. El 11 de junio, por la noche, Luis, depuesto como rey, fue obligado a abandonar su amado castillo en las nubes, y nunca más volvió.

Neuschwanstein después de Luis II de Baviera

Luis II murió poco después, el 13 del mismo mes, en circunstancias "sospechosas". Por entonces Neuschwanstein seguía sin estar terminado. No obstante, seis semanas después de su muerte, su familia abrió las puertas del castillo al público, siendo de este modo un reclamo turístico desde el principio. Fue así como los Wittelsbach, en 1889, ya habían saldado la deuda de siete millones de marcos que Luis II había contraído en la construcción de sus residencias, comúnmente conocidas como "los castillos del rey loco".

Fue Neuschwanstein, Herrenchiemsee y Linderhof los que casi llevan a la ruina a la familia y los que, paradójicamente, salvaron sus finanzas. Desde el momento de su construcción fueron grandes reclamos turísticos de Baviera, aunque todo no quedó ahí.

Durante la Segunda Guerra Mundial, Neuschwanstein fue utilizado por los nazis para almacenar obras de arte robadas en Francia, aunque luego fueron trasladadas. También, hacia el final de la contienda, se usó para guardar reservas de oro. Ante el avance del ejército de Estados Unidos, se había dado la orden de demolerlo para que las obras de arte alemanas que había en el interior no cayeran en manos estadounidenses. Por suerte, el oficial al mando de las tropas obvió esa orden y todavía podemos disfrutar del castillo.

Una vez recobrada la normalidad, Neuschwanstein volvió a ser lo que Luis II de Baviera nunca quiso: una atracción turística. Y a día de hoy lo sigue siendo. Como comentábamos al principio del artículo, es uno de los monumentos más visitados de toda Alemania, y por muy buenas razones.

Qué ver en Neuschwanstein

Una de las cosas que más se disfrutan de Neuschwanstein son sus exteriores. Da igual desde donde mires o a qué altura estés, la vista siempre es embaucadora. El castillo se encuentra en el desfiladero de Pöllat, a los pies de los Alpes bávaros y, prácticamente, entre dos lagos. El paisaje es espectacular y, al estar en un promontorio rocoso en el desfiladero, domina por completo los alrededores. La gran presencia de piedra caliza hace que el edificio se mimetice a la perfección con su entorno natural.

A Neuschwanstein se accede a través de una barbacana (fortificación avanzada para defender las puertas) que hace de puerta de acceso. Con dos torreones grises es imponente pero cálida al mismo tiempo, ya que la mayor parte del edificio viste ladrillo rojo, lo que rompe la sintonía del resto del castillo, y lo hace con acierto.

Tras la barbacana se abre un patio de armas rodeado de altos muros con una enorme torre cuadrada en el lado derecho. Esta torre, de 45 metros de altura, no sirve a ningún propósito real. Y así es Neuschwanstein, un castillo residencial que rescata formas defensivas pero no sirve a ningún propósito defensivo. De hecho, hacía ya siglos que los castillos no eran defensivos, y se construían fortificaciones en zonas específicas con tropas acantonadas.

A pesar de esta búsqueda formal de construir un castillo defensivo, es decir, un verdadero castillo medieval (con el tiempo se transformaron en palacios), Luis II de Baviera lo quiso hacer hermoso. Y casi todos están de acuerdo en que lo consiguió. Su situación casi inaccesible en un risco conjugada con sus torres esbeltas y puntiagudas hacen de Neuschwanstein "un castillo de cuento de hadas", que casa con el ideal caballeresco romántico, más relacionado con las leyendas de Camelot que con la Historia. De hecho, inspiró, en buena medida, a Walt Disney.

Tras la primera parte del patio de armas, dividido en dos niveles, se accede por unas escaleras al siguiente nivel. Es una de las zonas más espectaculares de Neuschwanstein, y una de las estampas más típicas. Esta zona del patio está dominada por el palacio, el edificio más grande e importante del castillo. Es aquí dentro donde ocurre la magia.

Wagner, leyendas germánicas y Bizancio

Hay quien dice que los interiores de Neuschwanstein no son tan impresionantes como el exterior. Lo cierto es que, como todo, es cosa de gustos, pero hay ciertos datos a considerar que nos ayudan a entender mejor esta situación: no todas las habitaciones y salas quedaron terminadas, sólo se invirtió dinero en algunas zonas del castillo a la muerte de Luis II, lo suficiente para que fuera visitable. No obstante, hay verdaderas joyas del historicismo alemán.

Como hemos comentado con anterioridad, Luis II de Baviera tomó diferentes inspiraciones a la hora de diseñar Neuschwanstein. Entre toda la amalgama, la obra de Wagner fue una constante referencia para el rey, y esto es algo que se puede apreciar con claridad en los interiores del castillo. La visita guiada al interior es para lo que compras la entrada, y sólo se puede hacer en grupos por razones de seguridad

La Sala de los Cantores es uno de los grandes atractivos de Neuschwanstein, y hace que merezca la pena entrar. Aquí Luis II se explayó al realizar una sala dedicada a los ideales caballerescos medievales y al amor cortés. Está ampliamente revestida de madera en un encuentro de estilos con muchas referencias a "Lohengrin", de Wagner, y al poema épico medieval "Parzival". Aunque no fue pensada para acoger actos, se produjo una representación en 1933 con motivo del 50º aniversario de la muerte de Wagner.

Por otra parte, la Sala del Trono también es sobrecogedora. Una vez más, una mezcla de estilos e influencias que dejan anonadado al visitante. El espacio ocupa dos plantas del castillo y está fuertemente inspirado en la Iglesia de todos los Santos de la Residenz de Múnich. Tiene un ábside con una clara influencia bizantina, y la lámpara tiene la forma de la corona de Bizancio. Así mismo, también se inspira en la Sala del Grial de Parzival. Un conjunto cuyo mensaje era claro: el rey lo es por derecho divino. No obstante, aunque Luis II de Baviera tuviera estos ideales absolutistas, era un monarca constitucional, y no contaba con tal derecho.

El resto de estancias de Neuschwanstein no son tan grandes, aunque algunas también presentan un gran interés. A lo largo de estas habitaciones y salas, en lugares como la sala de estar, el dormitorio o el despacho, encontramos nuevamente referencias a "Lohengrin" y, como en Linderhof, a "Tannhäuser", incluso encontramos grutas que conectan estancias. En toda esta mezcla de estilos, el visitante encuentra la constancia de esos temas, lo sagrado y lo caballeresco medieval, todo entre una decoración de madera con magníficos artesonados.

Lo hemos dicho y lo volvemos a decir. Es cierto que los exteriores de Neuschwanstein son espectaculares, especialmente por ese entorno natural privilegiado en el que está, pero el interiores del castillo de Luis II de Baviera también merece toda nuestra atención.

Horarios y precios de Neuschwanstein

Visitar Neuschwanstein puede ser algo confuso si no sabes cómo funciona antes de ir. Las entradas sólo se pueden comprar en Hohenschwangau, el pueblo a los pies del castillo. Dada la alta demanda (especialmente en temporada alta), te recomendamos que vayas con tiempo.

Es aconsejable salir pronto si estás en Múnich, ya que son casi dos horas de viaje en coche. También hay un tren hasta Füssen, que está a tan solo cuatro kilómetros de Neuschwanstein. Y también hay un autobús que roza las dos horas y cuarenta minutos de trayecto.

Los horarios de la taquilla para comprar las entradas son, de abril al 15 de octubre, de 8 de la mañana a 5 de la tarde y, del 16 de octubre a marzo, de 9 de la mañana a 3 de la tarde.

El horario del castillo no es tan importante, ya que cuando saques la entrada tendrás en ella la hora a la que podrás acceder para hacer la visita. De todos modos, abre siempre una hora más tarde que la taquilla y cierra igual, una hora más tarde.

Las visitas duran alrededor de media hora y, como comentábamos antes, tendrás que ir en un grupo. La audioguía es gratuita y está en español.

El castillo está cerrado el 1 de enero y el 24,25 y 31 de diciembre.

El precio de la entrada normal es de 12€ y la reducida es de 11€. Los menores de 18 años entran gratis. Si te interesa visitar también Hohenschwangau y el Museo de los Reyes Bávaros, en la taquilla te pueden informar para pasar de un completo día en la zona. Todo se encuentra en el mismo pueblo.

Aunque es muy habitual visitar Neuschwanstein desde Múnich, quizás te interesa hacer una escapada por los Alpes bávaros. Es algo que te recomendamos si tienes tiempo y quieres hacer turismo natural. Al igual que en Linderhof, la zona se presta a caminatas y disfrutar de la vida tranquila en esta región de Baviera. Aquí tienes una lista con hoteles cerca del castillo.

La entrada Neuschwanstein, el castillo en las nubes de Luis II de Baviera se publicó primero en Ruta Cultural.

El Albert Memorial está situado en Kensington Gardens, alineado en un eje central con el Imperial College de Londres y con el Royal Albert Hall, que forman parte del Salón Central, complejo conocido también como Albertópolis (en South Kensington); una manzana de arquitectura victoriana y de extraordinario valor cultural y educativo.

En ella están, entre otros centros, los museos Victoria&Albert, Natural History Museum y el Science Museum que visitamos en la lista de museos de Londres.

El nombre de Albertópolis es el reconocimiento al príncipe Alberto, por ser el impulsor de este complejo. La zona la compró la «Royal Commission for the Exhibition of 1851» (de la que Alberto era Presidente), con los beneficios obtenidos de la Exposición Universal de 1851, para la que se construyó en Hyde Park, el célebre Palacio de Cristal de Joseph Paxton.

¿Porqué se levantó este monumento?

Es verdad que el impulso más importante para su construcción fue el empeño de la reina Victoria de homenajear a su amado esposo Alberto, que había fallecido en 1861, con tan sólo cuarenta y dos años, de fiebres tifoideas. Dicen que Victoria no superó nunca su muerte y su nostalgia llenó Reino Unido de homenajes a Alberto .

Pero este memorial en realidad se había planeado ocho años antes, como agradecimiento por su decidida apuesta por la que fue la primera Exposición Universal de la historia. La idea era levantar un monumento en memoria de la Exposición presidido por una estatua del Príncipe, su principal promotor.

La intención primordial de aquella Exposición era mostrar al mundo la superioridad de la industria británica. Por eso la organizaron en Londres bajo el nombre de la "Gran Exposición de los Trabajos de la Industria de Todas las Naciones" o, simplemente, la "Gran Exposición", e invitaron a participar en la misma a países de cuatro continentes: Europa, América, Asia y África.

Hasta entonces se habían celebrado otras en París, en Madrid y en Berlín. Pero todas ellas tuvieron un carácter nacional. De modo que los primeros en celebrar un evento de carácter internacional fueron los ingleses. El éxito fue rotundo.

El Príncipe Alberto y sus efigies.

Cuando le sugirieron a Alberto la idea de la estatua, como parte de un memorial a la exitosa Exposición de 1851, no le hizo mucha gracia. Sobre este tema escribió:

Pero en le transcurso entre la idea y su realización el príncipe falleció, y la Reina y sus asesores decidieron levantar el actual Albert Memorial.

En realidad fueron muchos los monumentos erigidos en su honor, a pesar de la petición de Alberto de que no se crearan efigies suyas, las hay por todo el Imperio británico.​ Los más destacados de estos homenajes son el Royal Albert Hall y el Albert Memorial en Londres. A Victoria todo le parecía poco para que el pueblo no olvidara nunca a su marido.

Del exceso de memoriales erigidos en honor de Alberto da una idea un comentario que Charles Dickens le hacía a un amigo, en el que le decía que estaba buscando una «cueva inaccesible» para escapar de ellos.

Después de muchas deliberaciones y proyectos diferentes, el monumento le fue encargado a George Gilbert Scott.

El Albert Memorial, una loa a la cultura y a la industria

El estilo elegido por Sir George Gilbert Scott fue una interpretación muy libre del neogótico. El monumento es un recargado dosel que contiene la estatua del Príncipe Alberto mirando hacia el complejo que él ideó.

El dosel se levanta en la parte más alta de una plataforma construida de forma escalonada con piedra de granito, en cuyas esquinas reinan grupos escultóricos con vocación simbólica, relacionados con temas de la Exposición Universal y con la personalidad del Príncipe Alberto.

Inaugurado en 1872, después de diez años de trabajos, tiene ciento cuarenta y ocho pies de alto y costó alrededor de ciento veinte mil libras.

Los cimientos del monumento

Los cimientos del Albert Memorial, que según Scott son "una serie de catacumbas curiosamente intrincada y pintoresca", están compuestos por ochocientos sesenta y ocho arcos de ladrillo, construidos sobre una base de hormigón de diecisiete pies de espesor.

Sobre este "panel de abejas" se apoyan los escalones de granito, que elevan el monumental homenaje a un príncipe humanista.

La estatua del Príncipe Alberto

La estatua del Príncipe, obra de John Henry Foley, se instaló en bronce, sin dorar, en noviembre de 1875 y un años después se doró (no sabemos que opinaría él al verse tan reluciente). Alberto sostiene con su mano derecha un catalogo de la Gran Exposición de 1851.

La estatua sedente del Príncipe está situada sobre una base de mármol, y cubierta por un dosel de formas góticas con una decoración "generosa".

A finales del siglo XX el monumento tuvo que ser restaurado y la estatua de Alberto se cubrió de láminas doradas, devolviéndole todo el esplendor pues, durante ochenta años, estuvo cubierta con pintura negra.

No está claro porqué estaba cubierta de negro. Hay dos teorías al respecto; una habla de que fue cubierta deliberadamente para evitar que fuera un objetivo fácil en los bombardeos de la Primera Guerra Mundial.

Otra teoría es la que sugieren las investigaciones del English Heritage, que creen que el recubrimiento negro era anterior a 1914 y fue debido a una reacción a la polución atmosférica, que había eliminado la primitiva capa dorada.

El Friso del Parnaso del Albert Memorial

Conocido como el Friso del Parnaso (el lugar donde habitaban las musas de la mitología griega), es una base de mármol sobre la que descansa el dosel que cubre al Príncipe protector de la cultura. Este friso está decorado con estatuas que representan a los pintores, arquitectos, escultores, poetas y músicos más importantes de la Historia.

Son ciento sesenta y nueve esculturas que representan a: Mozart, Beethoven, Leonardo da Vinci, Rafael Sanzio, Alberti, Brunelleschi, Shakespeare o Milton, entre otros.

Henry Hugh Armstead talló las ochenta figuras de las partes sur y este: los pintores, músicos y poetas. John Birnie Philip se encargó de las figuras de las partes oeste y norte: los escultores y arquitectos, que están ordenados por orden cronológico.

EL Friso del Parnaso del Albert Memorial es la referencia más clara de este monumento a la cultura. Sobre él está anclado el templete y sobre él descansa la estatua de Alberto. También lo son sus mosaicos que veremos después.

Los grupos escultóricos que rodean el monumento

Sobre las esquinas del Friso del Parnaso hay cuatro grupos escultóricos que representan los cuatro continentes que participaron en la Exposición Universal de 1851: Europa, Asia, América y África, identificados por un animal y varias figuras humanas vestidas con ropa típica de cada lugar.

Europa está representada por un toro, que alude a la historia mitológica de la seducción que la bella Europa desplegó sobre Zeus. América por un búfalo, África por un camello y Asia por un elefante.

En el dosel relucen, doradas como la del príncipe, una serie de esculturas alusivas a las artes prácticas y las ciencias: la Astronomía, Geología, Química, Geometría, Retórica, Medicina, Filosofía y Fisiología, y a las Virtudes: la Fe, la Esperanza, la Caridad y la Humildad, y la Entereza, la Prudencia, la Justicia y la Templanza.

Encima de éstas, si dirigimos la mirada hacia lo alto del monumento, aparecen ángeles, también dorados, con los brazos levantados hacia el cielo y una cruz dorada que remata el dosel.

En los tímpanos del dosel, brillan también una serie de mosaicos que rinden homenaje, por medio de una figura alegórica, a las cuatro artes: poesía, pintura, arquitectura y la escultura.

Y en las enjutas de los arcos, apoyando a las alegorías, hay una serie de personajes históricos: el rey David y Homero (poesía), Apeles (el pintor más famoso de la Grecia Antigua) y Rafael Sanzio (pintura), Ictinos (el arquitecto del Partenon) y Salomón (arquitectura), y Fidias (el más famoso escultor de la Atenas de Pericles) y Miguel Ángel (escultura).

Estos mosaicos fueron diseñados por la firma Clayton and Bell y realizados por la casa Salviati de Murano, en la laguna de Venecia, cuyos trabajos se encuentran en tantos edificios emblemáticos de Londres.

Bajo los mosaicos una inscripción recorre todo el dosel: Reina Victoria y Su Gente – A la Memoria del Príncipe Consorte Albert – Como un Tributo de su Gratitud – Por una Vida Dedicada al Bien Público”.

En torno al templete encontramos, en las esquinas más bajas de los escalones, otros cuatro grupos de esculturas que representan el Comercio, la Ingeniería, las Manufacturas y la Agricultura, actividades que eran la base de la economía del país.

Materiales del Albert Memorial

Scott y sus colaboradores utilizaron, además de los granitos de colores, bronce, esmaltes, piedra dura, dorado (muy generoso), mosaicos de vidrio y mármol "siciliano" (de las canteras de Calonnata y Paleri en Carrara) llamado "campanella".

Los bloques de granito llegaron de Escocia e Irlanda, no sin problemas, porque el trasporte hasta Londres fue toda una odisea. Acabaron llegando por el Támesis, después de pasar por auténticas aventuras.

Los ocho grupos de esculturas son de mármol, mientras que la estatua del Príncipe, bajo su dorada cubierta protectora, es de bronce metalizado, cosa que no agradó a todos, pues el mármol les parecía a muchos un material más elegante.

El Albert Memorial tiene además y sobre todo, el material del que están tejidos los sueños; los que hicieron posible aquella primera Exposición Universal, los que tejieron el Salón Central y los de una Reina que sobrevivió más de cuarenta años al amor de su vida.

El Albert Memorial ha resistido al tiempo y a las bombas, a las críticas, a las restauraciones y a las modas, y hoy es un protagonista cotidiano de los paseos por los jardines de Kensington. En sus escalinatas descansan y charlan vecinos y visitantes.

Su silueta señala el camino hacia esa prodigiosa manzana cultural londinense, en la que se dan cita el saber, la belleza, la ciencia, el arte, la historia y los espectáculos que se celebran en uno de los teatros más importantes del mundo: El Albert Royal Hall, el otro gran monumento al Príncipe Alberto.

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Prácticamente en el centro de Sajonia, el pequeño pueblo de Moritzburg se extiende entre bosques y lagos. Muy cerca de Dresde y de Meißen (casi a la misma distancia de ambas), esta pequeña localidad guarda uno de los tesoros del Estado Libre de Sajonia, y uno de los palacios alemanes que más merece la pena visitar.

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El Palacio de Moritzburg es una joya del barroco en un escenario natural inigualable, un espacio, además, al que se adapta en una perfecta sintonía. Es un destino perfecto para una escapada de un día, para así conocer también sus jardines con calma, desde las vecinas Dresde y Meißen o incluso Leipzig, algo más alejada.

Pero antes de entrar en los detalles del palacio y qué puedes ver en sus salas y jardines, te ofrecemos un repaso a su historia para que, cuando vayas, sepas mejor qué estás viendo.

De pabellón de caza a palacio de los placeres

Es algo que ocurre en muchas ocasiones con los palacios de casas nobiliarias y reales, y en el Palacio de Moritzburg encontramos un caso similar al del propio Versalles o al de Linderhof de Luis II de Baviera. El edificio que vemos hoy día empezó como un pabellón de caza, un lugar de recreo para el duque de Sajonia.

Fue Mauricio (Moritz) de Sajonia quien mandó levantar un pabellón de caza en este lugar. Las obras comenzaron en 1542 y terminaron en 1546, en lo que fue una sencilla construcción renacentista sobre un lago artificial. Algunos dicen que es un palacio de cuento de hadas, precisamente por dónde está, y es probable que ya por entonces diera esa sensación a pesar de todos los cambios que ha sufrido.

Desde entonces Moritzburg se convirtió en una zona de caza para la casa Wettin (gobernantes de Sajonia), un lugar al que iban de manera recurrente a relajarse y olvidar, por unos días, el ambiente de la corte. Además, estando tan cerca de Dresde era un lugar idóneo para ello.

Un siglo más tarde, el elector Juan Jorge II de Sajonia realizó una ampliación entre 1661 y 1671. Entre otras cosas, incluyó una capilla que es un buen ejemplo de barroco temprano. Esta capilla, protestante, fue consagrada al catolicismo en 1697 por el nieto de Juan Jorge, Augusto II el Fuerte, quien lo hizo para asegurarse el trono de Polonia, país católico.

A pesar de este cambio de fe, Augusto II el Fuerte no impuso su nueva religión entre sus súbditos sajones y no se olvidó de su lugar de origen. Al contrario, dejó un sello imborrable en Sajonia, donde acometió una enorme cantidad de obras que embellecieron la región, especialmente en Dresde.

Fue, de hecho, Augusto II el Fuerte quien acometió la gran renovación de Moritzburg, que lo dejó tal y como lo vemos hoy día. El mismo rey que levantó el Zwinger en Dresde y remodeló Pillnitz en las afueras de la misma ciudad, convirtió Moritzburg en un palacio barroco entre 1723 y 1733.

Lo que antes era un pabellón de caza levantado por Moritz se había convertido en el Palacio de Moritzburg. Y junto a la gran remodelación de Augusto, también se hizo un parterre en forma de 'U'.

Lo que quería hacer Augusto II el Fuerte en Moritzburg era un palacio de los placeres, una idea no del todo alejada a lo que pretendía para Pillnitz y el Zwinger. No obstante, Moritzburg iba más encaminado a los placeres mundanos y a festejos relacionados con la caza. Su idea era la de tener un templo a Diana (diosa de la caza) rodeado de animales exóticos, con lo que iba a ser una especie de zoológico. Aunque, tras su muerte, en 1733, los trabajados quedaron paralizados para siempre.

Los últimos cambios en el Palacio de Moritzburg fueron hechos por el nieto de Augusto II el Fuerte, el elector Federico Augusto III. Entre 1770 y 1776, amplió los terrenos, dejándolos con una extensión cercana a lo que podemos visitar hoy.

El Palacio de Moritzburg

La pequeña localidad de Moritzburg se abre al lago artificial que domina el palacio. Una pasarela amplia y alargada llega hasta el islote del edificio, cuyas verjas reciben a los visitantes.

El aspecto sencillo y alegre de este barroco no hace menos imponente al Palacio de Moritzburg, cuyas torres le dan cierto aspecto de castillo. No obstante, prima la delicadeza y la belleza con la que está diseñado.

Un gran edificio rectangular es el punto de acceso, que a su vez está atravesado por otro edificio más grande, también rectangular, y que forma dos patios en el interior. De las esquinas de esta sección nacen las cuatro torres.

En el interior, una de las salas más llamativas es la del comedor, donde hay una de las mayores colecciones de trofeos de ciervos del mundo, así como el más pesado de ciervo rojo (19.8 Kg).

Buena parte de los interiores tienen una decoración cuyo leitmotiv es la caza, los animales, lo salvaje. Se puede ver también una interesante colección de porcelana asiática y de la vecina Meißen.

Por otra parte, también podemos contemplar algunas habitaciones en un barroco más recargado que en el exterior. Guirnaldas de oro, tapices y grandes lámparas que, no obstante, no llegan al horror vacui, al contrario, suelen ser salas y habitaciones con mucha luz, alegres.

Los jardines del Palacio de Moritzburg

En el mismo islote donde se alza el palacio, en ambos lados hay dos embarcaderos que se funden con el lago. En la parte trasera, un corto camino salva un delgado canal y nos lleva hacia el jardín francés en forma de 'U'. A pesar de su hermosa apariencia, nunca llegó a terminarse, ni en tiempos de Augusto, ni en los de su nieto Federico Augusto.

Desde este parterre en forma de 'U' el visitante tiene un varias posibilidades para disfrutar del resto de los jardines, que son, prácticamente un bosque trazado por caminos.

Lo más interesante del conjunto está en línea recta hacia el este. Allí, después de una buena caminata, encontramos el Palacete de los Faisanes y el Faro de Moritzburg. Este pequeño palacio en estilo rococó fue mandado construir por Augusto II el Fuerte como un lugar de celebraciones alrededor de los faisanes, y como punto de caza de dichos animales, casi a las orillas de otro lago.

En los alrededores podemos encontrar la fuente de Venus, que está conectada mediante canales a los diferentes lagos de la zona.

Por su parte, tanto el faro (el único en toda Sajonia) como los embarcaderos de la zona, servían a los Wettin para navegar por los lagos que rodean Moritzburg, pero hay algo más. Este lago sirvió para recrear la batalla de los Dardanelos en 1770, que terminó en victoria de Rusia sobre Turquía (enemigo de la cristiandad). Aquí se organizó una batalla naval a pequeña escala en la que los barcos disparaban fuegos artificiales.

En el parque también se puede ver un antiguo edificio barroco tapiado, llamado casa del infierno. Sólo se puede ver por fuera pero la vista es cautivadora, incluso podría haber salido en alguno de los cuadros de Caspar David Friedrich.

Horarios y precios del Palacio de Moritzburg

El Palacio de Moritzburg abre todos los días del año de 10 de la mañana a 6 de la tarde, y está cerrado del 5 al 17 de noviembre.

El Palacete de los Faisanes está abierto del 1 de mayo al 31 de octubre, así como el faro, pero este además puede estar cerrado según la situación del clima. El palacete, además, puede estar disponible para visitar sólo en grupos guiados, así que te recomendamos que preguntes al llegar si es visitable y cómo.

El precio para visitar Moritzburg depende de la temporada, ya que según esta, lo que podemos ver es diferente. No obstante siempre cuesta 8€ la normal y 6,50€ la reducida.

En verano, del 19 de marzo al 25 de octubre, podemos comprar la entrada para la exhibición Barroca, lo que sería el Palacio de Moritzburg como residencia eventual de la corte de los Wettin. Te puedes enganchar a un tour guiado por 2€ más, aunque no están en español.

En invierno, del 17 de noviembre al 3 de marzo, se puede comprar la entrada para la exhibición "Tres nueces para Cenicienta". El palacio se convierte en un cuento de hadas centrado en la película de 1973.

Por último, siempre que esté disponible, se puede comprar una entrada combinada para ver el Palacio de Moritzburg y el Palacete de los Faisanes por 11€ la normal y 9€ la reducida.

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Levantada a la orilla del Guadalquivir como torre defensiva, era también (y lo sigue siendo), una atalaya de placer que ofrecía las vistas más cercanas del ambiente marinero del Guadalquivir, además de permitir otear el horizonte para avisar de la llegada de barcos enemigos. Punto focal del puerto sevillano, la Torre del Oro fue construida unos veinte años después que La Giralda, entre 1220 y 1221, por orden del gobernador almohade Abù l-Ulà.

Hermanada desde 1992 con la portuguesa Torre de Belém, hoy su imagen comparte, con el campanario de la Catedral, el privilegio de ser emblema icónico de la ciudad de Sevilla.

Su historia y su aspecto actual están marcados por los cambios vividos en la ciudad de Sevilla. Hay algunos mitos inventados sobre su nombre, que ya era «del Oro» en tiempos almohades; no es llamada así por haber estado cubierta de azulejos dorados, ni le debe el sobrenombre a ser la guardiana de tesoros musulmanes, aunque al parecer sí fue guardiana de algún tesoro de Pedro I.

Tampoco es cierto que guardara el oro y la plata que llegó desde América, estos se custodiaban en el "Cuarto del Tesoro" de la Casa de la Contratación. En realidad su brillo era debido a la mezcla de cal y paja prensada con la que estaba recubierta, que hacía brillar el color amarillo de la pintura que la protegía, reluciendo como el oro bajo el sol de Sevilla.

Es, eso sí, un contenedor de recuerdos que son auténticos tesoros, pero veamos su historia.

La etapa alhomade de la Torre del Oro

Los almohades construyeron una torre albarrana (una torre defensiva adelantada a la muralla que protege una fortificación), que estaba conectada por una coracha (lienzo de la muralla defensiva entre la fortificación y la torre albarrana), en este caso el Palacio de los califas almohades (el Alcázar de Sevilla).

En el camino de la coracha que llegaba al Alcázar, la Torre del Oro tenía dos torreones que le servían de apoyo en su misión defensiva: la Torre de La Plata, hoy en la calle Santander, también del siglo XIII, y la Torre de Abd el Aziz, la más cercana al palacio, datada en el siglo XII, conocida también como Torre de Santo Tomás, porque hace esquina entre la avenida de la Constitución y la calle Santo Tomás.

La Torre del Oro tiene planta dodecagonal en su dos primeros cuerpos (clara influencia de la arquitectura romana y bizantina), que son los construidos por los almohades. Coronados ambos cuerpos con almenas con un remate piramidal. El primer cuerpo se levantó con sillería y argamasa, mientras el segundo fue construido con ladrillo (posiblemente para aligerar su peso).

Mide algo más de quince metros de diámetro por casi treinta y siete de alto. El primer cuerpo tiene tres pisos organizados por medio de arcos semicirculares en tramos alternos, cuadrados y triangulares, cubiertos por bóvedas de arista.

Sobre el primer cuerpo, se eleva otro de ocho metros y medio de altura y tres de anchura, hexagonal desde abajo en el interior, pero dodecagonal en el exterior. Los dos cuerpos están coronados por almenas de terminación piramidal.

Su escalera de caracol decide la altura de las ventanas, que se adaptan al ascenso circular de la misma, idéntico sistema con el que se articula el alminar de la Giralda.

Tipológicamente, el aspecto exterior de esta torre es una forma híbrida de faro antiguo y de alminar, lo que explica la decoración cerámica del segundo cuerpo, como existe en los alminares de las mezquitas almohades.

Los vanos, que en la parte baja son la mayoría estrechas aspilleras, se abren en su parte más alta. Los balcones son resultado de una restauración del siglo XVIII.

Una franja de arcos ciegos de herradura apuntados rodea el primer cuerpo de la torre, en su parte más alta. Mientras en el segundo cuerpo, más decorado, aparecen también arcos ciegos de herradura, éstos están encuadrados por otros lobulares que se alternan con arquillos gemelos.

Aún queda mucho por saber de la vida almohade de este monumento sevillano. Sí se sabe que los arqueros y soldados que la defendían, la convirtieron en una torre casi inexpugnable.

La Torre del Oro en la conquista cristiana de Sevilla

El 23 de noviembre de 1248 la ciudad de Sevilla se rindió ante el Rey Fernando III de Castilla. Antes sufrió un durísimo acoso por parte de las tropas cristianas. El General Ramón de Bonifaz comandaba la escuadra de barcos, llegados a Sevilla en ayuda de las tropas terrestres que cercaban la ciudad hispalense, hacía ya varios meses.

La Isbiliya almohade aguantaba el asedio gracias a la llegada de suministros desde el Aljarafe, a través del puente de barcas que los sitiados habían tendido entre la zona del Arenal, en la margen izquierda del Guadalquivir, y el Castillo de Triana (hoy Castillo de San Jorge), al otro lado del río.

No fue fácil para el general burgalés vencer la resistencia de los almohades desde la Torre del Oro. Después de algunas escaramuzas que no llevaron a nada importante, en el mes de mayo de 1248 el rey Fernando ordenó destruir el puente de barcas de Triana, para acabar con el abastecimiento de la ciudad.

Según los cronistas de la época, unas poderosas cadenas que salían de la Torre del Oro y cruzaban a la otra orilla, hasta otra torre inexistente hoy, impedían el paso de la flota de Bonifaz, que era hostigada desde la torre albarrana.

Fue una pelea dura la que hubieron de librar los castellanos hasta acabar con el puente de barcas.

Hay una referencia que apoya la existencia de las famosas cadenas, sobre las que no hay documentación. Éstas aparecen rotas junto a un barco al lado de la Torre del Oro en los escudos de Cantabria, Avilés, Laredo, Castro Urdiales, Santander y San Vicente de la Barquera, de donde procedían los marinos a las órdenes de Bonifaz.

La Isbiliya almohade aguantó seis meses más abasteciéndose con barcazas que atravesaban el río con los víveres, hasta que los castellanos montaron una especie de policía fluvial, que acabó con la rendición de una población hambrienta y sin medicinas.

La Torre del Oro desde su conquista hasta el siglo XVI

No se conoce bien la utilización del interior en época almohade, es de suponer que tendría enseres necesarios para la defensa, y alguna estancia al servicio de los vigilantes. Pero tras ser conquistada, además de seguir utilizándose como atalaya de vigía, se usó como capilla dedicada a San Isidoro de Sevilla, en la que se celebraban cultos de importancia.

Alfonso X "el Sabio" eximió de todo tributo a los clérigos de las parroquias de Sevilla, a cambio de que el día de su santo acudieran a la Capilla de la Torre del Oro a cantar misa altamente de sobrepelliças vestidas.

Un siglo después Pedro I "el Cruel" cuyos restos, después de muchos traslados, descansan en la Capilla Real de la Catedral de Sevilla, escondió en la Torre del Oro a su amante doña Aldonza Coronel, protegida con guardianes, para evitar que los celos de María de Padilla, que vivía en el cercano Alcázar, lastimaran en su ausencia a su nuevo capricho femenino.

En realidad no fue sólo doña Aldonza, mujer de extraordinaria belleza, quien fue escondida por el rey en la Torre del Oro. Cuentan, sobre esto sí que no hay documentos, que Pedro el Cruel se intercambiaba amantes con Muḥammed V (rey nazarí de Granada). Nos imaginamos que si Doña Aldonza protestó cuando la sacó de un convento de Sevilla para esconderla en la Torre del Oro, de esto sí hay documentos, las chicas granadinas habitantes de la hermosa Alhambra tampoco estarían muy contentas.

La Torre del Oro, testigo privilegiado del momento cumbre de la historia de Sevilla

En el siglo XV se construyó a su vera el Puerto de las Muelas de la Torre del Oro. Allí llegaba la cantería de la Catedral de Sevilla desde Sanlúcar de Barrameda.

Desde allí partió Magallanes y allí regresó El Cano a bordo de la nao Victoria (única en volver de las cuatro naves que partieron), después de lograr su hazaña de ser el primero en dar la vuelta al mundo.

Entre la Torre del Oro y la puerta de Triana bullía una variopinta población y gentes de paso, que acudían a las múltiples actividades de aquel puerto que unía Europa y el Nuevo Mundo. En el puerto del Muelle se contrataban marinos y embarcaciones y se hacían todo tipo de negocios.

Sevilla, en el filo del siglo XV, se había convertido en un emporio náutico y mercantil al que acudían gentes de toda España y otros países de Europa, sobre todo: italianos, portugueses y flamencos. La Torre del Oro ya escuchaba otros idiomas antes de que llegaran los turistas.

El intenso ajetreo que se vivía en los alrededores de la ilustre torre albarrana fue en aumento hasta finales del siglo XVI, cuando Sevilla llegó a su cenit como metrópolis de las indias occidentales y orientales.

Abajo se puede ver la Torre del Oro (a la derecha de la imagen), en el siglo XVI, antes de las restauraciones que cambiaron su aspecto, cuando todavía estaba unida al Alcázar por la muralla defensiva.

Años después, diversas circunstancias fueron acabando con aquella etapa brillante de la ciudad andaluza, y a aquel ajetreo portuario se le fue apagando la voz poco a poco.

Restauraciones que cambiaron su aspecto

A principios del siglo XVI tuvo que ser intervenida porque su estado amenazaba ruina. Pero fue a consecuencia del terremoto de Lisboa de 1755, que la dañó gravemente, cuando sufrió un cambio importante en su aspecto.

Aprovechando que estaba muy dañada, el Marqués de Monte Real propuso su demolición con la idea de ensanchar el paseo de coches de caballos. Pero la oposición del pueblo de Sevilla, que llevó sus quejas hasta el rey, evitó que se perdiera esta joya histórica sevillana.

Las obras se realizaron en 1760. Entre otras acciones se cambió el remate, añadiendo una linterna con un cupulita pequeña, obra de Sebastián Van der Borcht. Se dejó la puerta del paso de ronda de la muralla, como acceso principal. Se utilizó el primer piso como cimentación añadida a la almohade, con lo que ésta pasó de cinco metros a once, y se abrieron los grandes vanos con balconada de hierro en el primer cuerpo, que fueron retiradas posteriormente.

Según los grabados de épocas anteriores, esta fue la restauración que más cambió su aspecto.

Años después, entre 1821-22, se llevó a cabo el derribo de la muralla que la unía con el Alcázar, y se reparó el lienzo de fachada que encajaba en la coracha.

El 7 de enero de 1870, la Marina tomó posesión de la torre, cedida en usufructo, para sede de las oficinas de la Comandancia y Capitanía del Puerto. Pese a ello al año siguiente se pensó derribarla, pero también esta vez, la Torre del Oro permaneció erguida, y el 27 de junio de 1871, se solicitó su declaración como Monumento Nacional (lo que no ocurrió hasta el 5 de junio de 1931).

De nuevo en 1868 corrió peligro de desaparecer, cuando los revolucionarios de la Gloriosa pretendían demolerla y poner sus piezas a la venta. Otra vez fue salvada por las quejas de los sevillanos.

El ingeniero Carlos Halcón, realizó una restauración en 1900 que fue duramente criticada. Un aspecto positivo de esta restauración fue el encuentro de un tablero de paños de sebka, sobre la puerta de acceso al segundo cuerpo.

Ha habido después varias restauraciones, la última fue la realizada en 2005 durante la cual se hallaron algunos restos arqueológicos de época de Alfonso X, y se retiraron elementos añadidos en otras restauraciones que restaban autenticidad al monumento medieval.

En 1944 se abrió en sus dependencias el Museo Marítimo, para lo que se habilitaron dos pisos, y la tercera planta se adecuó para uso de investigadores.

Las cuatrocientas piezas que se muestran en este pequeño museo fueron cedidas por el Museo Naval de Madrid.

Su propietario es en la actualidad el Ministerio de Defensa de España.

Horarios de visitas y precios de las entradas

Merece la pena una visita que te ocupará alrededor de media hora.

Horario: de Martes a viernes: de 10.00 a 14.00 h. Domingo y festivos: de 11.00 a 14.00 h. Precios: Adultos: 3 euros, Niños a partir de 6 años, estudiantes y jubilados acreditados: 1,50 Euros. Audioguía 2€

Te aconsejamos que compruebes los horarios en el teléfono: 954 22 24 19 o en el correo: torreoro@fn.mde.es, donde se concretan las visitas en grupo.

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La Catedral de Amalfi domina el centro urbano la ciudad, que coincide con el de la antigua ciudad medieval. Hoy forma parte del escenario en el que algunos afortunados pasan las horas plácidamente, leyendo la prensa o charlando, en cualquiera de las terrazas que se extienden en la Plaza del Duomo, a los pies de los cincuenta y siete escalones que conducen a este templo lleno de historia, bajo los que se encuentra la cripta.

Amalfi es con Positano y Ravello uno de los sitios más demandados por el turismo en la conocida Costa Amalfitana, a la que le da nombre esta preciosa ciudad. Los habitantes de esta costa llaman a la carretera que los une el Sendiero degli Dei (Camino de los Dioses), el espectacular paisaje desde luego es digno de dioses. A setenta y cinco kilómetros de Nápoles, por carretera, y a una hora en barco de Capri, Amalfi, que forma parte de la lista del Patrimonio de la Humanidad, se cobija entre el Monte Cerreto y el infinito azul del mar Tirreno.

Su catedral es el reflejo de su encrucijada histórica entre Oriente y Occidente, entre Bizancio y Sicilia, entre sus épocas de esplendor y sus momentos de crisis.

Fundada en el 339 por los romanos y dominada durante siglos por los lombardos, que para sofocar sus luchas intestinas recurrieron a los sarracenos, Amalfi se liberó de la dominación lombarda a finales del siglo IX, cuando se convirtió en una de las cuatro Repúblicas Marítimas: Amalfi, Génova, Pisa y Venecia, que rivalizaron por el control del comercio en el Mediterráneo.

Para entonces la influencia de la arquitectura lombarda y los ecos del mundo árabe, ya habían calado en la ciudad.

Historia de la Catedral de Amalfi

Y es a partir del siglo IX, con el comienzo del periodo de prosperidad más grande de Amalfi, cuando se proyecta un edificio catedralicio que reflejara la importancia de la ciudad. El templo, en realidad una suma de edificios, acabaría siendo un complejo monumental compuesto hoy día por el Claustro del Paraíso, la Basílica del Crucifijo, la Iglesia Catedral y la Cripta de San Andrés.

Sus etapas constructivas son un reflejo de la historia de Amalfi desde el sigo IX. Mansone I, duque de Amalfi y príncipe de Salerno, mandó construir en el año 981 una catedral aneja a una anterior, que había sido construida sobre otra antigua iglesia paleocristiana, datada en el siglo VI.

Uno de los elementos artísticos de la nueva catedral es su puerta de bronce construida en Constantinopla, donada por un rico comerciante que hizo fortuna en Bizancio.

Las dos iglesias, ambas de tres naves, tenían cultos separados, hasta que en el año 987 fueron unidas, lo que dio como resultado que la Catedral de Amalfi fuera una iglesia románica de seis naves.

Varios acontecimientos históricos acabaron con el esplendor económico y con su andadura como República Independiente. En 1131 fue tomada por los normandos y en 1137 dominada por los pisanos, con lo que dejó ser una potencia marítima.

De su puerto salían cereales, sal, esclavos y madera traídos de otras partes de Italia, a cambio de dinares de oro de Egipto y Siria. Con ellos compraban sedas del Imperio bizantino para después venderlas en Occidente. Los comerciantes de Amalfi usaban monedas de oro para comprar tierras en el siglo IX, mientras la mayoría de Italia todavía se organizaba a base de trueque.

Aquel puerto era sin duda uno de los más importantes del Mediterráneo, pero un tsunami acabó con él, y con una gran parte de la zona baja del pueblo, en 1343, y ya nunca recuperó su importancia.

La primera catedral de Amalfi y su claustro-cementerio

Claustro del Paraíso

En 1266, una de las naves de la primera iglesia fue eliminada para construir el Claustro del Paraíso como cementerio para familias nobles. El claustro es un pórtico de cuatro lados, cubierto con bóvedas de crucería. Sus arcos apuntados entrelazados (típicos del arte árabe-normando), se apoyan en sesenta pares de columnas de mármol coronadas con capiteles de muleta.

En su lado sur hay seis capillas funerarias decoradas con frescos. Fueron financiadas por familias aristocráticas entre los siglos XIII y XIV. Entre todas destaca la Capilla de la Crucifixión, decorada con un fresco de la escuela de Giotto, que representa la escena de la Crucifixión.

Otros frescos de la época representan un Pantocrator y relatos de los Santos Cosme y Damián. Hay en estos pórticos un anticipo del Museo Diocesano, en el que se conservan sarcófagos romanos cuyos relieves narran la boda de Peleo y Tetis o la violación de Ariadna. Además de fragmentos del púlpito de piedra antiguo, y el suelo de la catedral románica, que se exponen en las paredes.

Basílica del Crucifijo. Primera Catedral de Amalfi

Desde el claustro se accede a la es Basílica del Crucifijo donde se encuentra el Museo Diocesano. Construida sobre una antigua iglesia paleocristiana, de la que se conservan algunos elementos, perdió una de sus tres naves para la construcción del claustro, como hemos visto antes. En su lugar quedan dos capillas medievales cubiertas de frescos de los siglos XIII y XIV.

En 1931 se emprendió una reforma en esta iglesia para eliminar la capa barroca que había escondido a la primitiva iglesia románica, gracias a lo cual se pueden ver hoy los frescos de siglos anteriores y la primitiva estructura.

Exterior de la Catedral de Amalfi

Un Atrio que reinterpreta el pasado recibe a los peregrinos.

Desde la escaleras o también desde la primera iglesia románica, se accede al atrio donde están las tres entradas a la catedral nueva. Un accidente ocurrido el 24 de diciembre de 1861, provocado por un fuerte viento, hizo que se cayera una parte del techo y una columna que se volcaron sobre el atrio, causando serios desperfectos.

La circunstancia fue aprovechada para eliminar, aquí también, los añadidos renacentistas y barrocos, con idea de devolver a la fachada de acceso su sabor románico.

Se remodeló el atrio o pórtico de la Catedral de Amalfi con una estructura que recuerda a los iwan islámicos. Mientras dos columnas de mármol sujetan el enorme arco de acceso, son pilares envueltos en mármoles bicolores los que mantienen las cresterías de los vanos, de claro sabor gótico oriental. El conjunto de la fachada evoca claramente los mármoles que envuelven el Conjunto Monumental del Duomo de Florencia.

Sobre la puerta central de acceso a la iglesia (realizada en Constantinopla), un mosaico de ecos bizantinos rinde honores a San Andrés. Sobre éste un fresco de la Ascensión de la Virgen decora el final del arco gótico de esta entrada.

El frontón que remata la fachada con un mosaico que representa una escena del Apocalipsis bajo la que aparecen, entre los huecos que propician sus arcos entrecruzados, otros doce mosaicos que representan a los doce apóstoles.

Errico Alvino, artífice de esta remodelación, consiguió una bella unidad compositiva entre la fachada y el atrio, que conecta todos los espacios del conjunto monumental. El proyecto es una mirada "muy libre", propia de la época de los Neo-románticos que se atrevieron a "corregir" a los viejos arquitectos románicos. En su decoración hay elementos góticos, árabes, bizantinos y clásicos. Es un eclecticismo, que como decimos resulta hermoso, pero no estuvo a salvo de duras críticas.

EL Campanario de la Catedral de Amalfi

Construido entre 1108 y 1276, la base está formada por piedras macizas. Al mirar hacia arriba se ve como se abren vanos geminados, de estilo románico, que van aumentando los huecos conforme asciende en altura: bíforas y tríforas que le le dan luz a la torre mientras aligeran el peso.

Coronada por una cúpula rodeada por cuatro pequeñas torres de forma circular, y decorada con azulejos polícromos que forman arcos entrecruzados, como los del Claustro del Paraíso, a los que probablemente miró Errico Alvino para su diseño del los del atrio, en el siglo XIX.

El interior de la Catedral de San Andrés de Amalfi

Desde el atrio hay tres accesos a la Catedral del siglo X. Uno de ellos es la puerta de bronce, que hemos visto arriba, tallada en Constantinopla en el año 1060. Está anclada en una puerta de mármol del siglo IX con figuras antropomorfas y motivos geométricos florales, propios del arte normando.

Las tres naves de esta iglesia estuvieron separadas por columnas clásicas pero, en el siglo XVIII, fueron transfiguradas a un lenguaje barroco que cambió las columnas por pilares con incrustaciones de mármoles de colores. El artesonado del techo se cubrió de pinturas y oro desapareciendo cualquier eco románico.

Algunos restos supervivientes de la "invasión barroca" permanecen a la vista, como unos arcos entrelazados que permanecen bajo los estucos barrocos en el presbiterio.

Esta iglesia es un contenedor de obras de arte barrocas y de piezas de orfebrería de siglos anteriores que bien merecen la pena. Entre ellas destaca un lienzo que narra la intervención milagrosa de San Andrés y San Mateo en el año 1544 cuando la ciudad se libró de un ataque de Barbarroja, gracias a una marejada imprevista.

Las reliquias de San Andrés, motivo de peregrinación a la Catedral de Amalfi

La catedral es conocida como Doumo Sant’Andrea, porque en su cripta se veneran, además de las de otros santos, las reliquias del apóstol San Andrés, patrono de la ciudad, motivo por el cual acuden muchos peregrinos. Las reliquias de este santo, primer patriarca de la iglesia ortodoxa y patrono de pescadores, pescaderos y fabricantes de cuerda, se reparten entre la Catedral de Amalfi (católica) y la Catedral de San Andrés de Patras en Grecia (ortodoxa), donde fue martirizado.

Las reliquias de San Andrés viajaron primero a Constantinopla y de allí a Amalfi gracias al Cardenal Pedro Capuano. Nacido en Amalfi, Capuano participó en la Cuarta Cruzada que conquistó Constantinopla, entonces capital del Imperio Bizantino, lo que explica el viaje de los restos del santo.

Capuano ordenó la construcción de la cripta alrededor de 1203 y las reliquias de San Andrés recibieron sepultura en ella en 1208. Alrededor de la tumba se levantó un rico altar y una escultura del santo realizada por Michelangelo Maccerino (discípulo de Buonarroti), y las esculturas de san Esteban y San Lorenzo que realizó Pietro Bernini, el padre del genial Gian Lorenzo Bernini.

Los techos de la cripta están decorados con frescos del siglo XVII.

Sobre el sepulcro del Apóstol hay una ampolla de cristal, donde en la Vigilia de la festividad de San Andrés, y en otras ocasiones, se recoge Maná. Este es un hecho que viene sucediendo desde 1304 y cuentan que también sucedía en Constantinopla, el tiempo que estuvieron allí las reliquias.

Paseando por Amalfi

Hoy hemos visitado la Catedral de la ciudad de los limones gigantes, las escaleras empinadas, la brisa del mar en sus rincones llenos de historias. Cuando hablamos de la Costa Amalfitana, contamos que desde Amalfi se puede visitar toda la costa desde el mar por su buen servicio marítimo. Navegar por su gruta esmeralda y saborear la estupenda cocina local. Recomendamos desde aquí entrar en cualquier tratoría de sus callejuelas donde veas gentes del lugar. (No falla en ningún lugar del mundo).

Si quieres una recomendación concreta, en Pizza Expres en Via Pietro Capuano 46, encontrarás pizzas artesanas, con las tres BBB. Y para una cena tranquila Cielo Mare Terra en Via Giovanni Augustariccio 21, fue nuestra última experiencia. Inolvidable.

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En el valle de Graswang, muy cerca de Ettal y Oberammergau y a unos 100 Km de Múnich, el Palacio de Linderhof (en nuestra lista de palacios alemanes) domina el precioso valle bávaro que se extiende ante el edificio. Es uno de los «castillos del Rey Loco», aunque no es un castillo y es probable que Luis II de Baviera (quien nació en Nymphenburg) no estuviera loco. Lo que está claro es que se trata de una de las mayores joyas de Baviera.

En la zona norte de este valle, surcado por el río Linder, Luis II de Baviera mandó construir este pequeño palacio. Aunque Neuschwanstein (que sí es un castillo) es el edificio más conocido del reinado del monarca bávaro y se lleva a la mayoría de turistas, un viajero que busque contemplar la belleza debería visitar Linderhof (y Neuschwanstein).

El Palacio de Linderhof fue el único de los proyectos que Luis II de Baviera vio terminado, e incluso vivió durante ocho años en él. En buena medida se debe a que fue su proyecto más sencillo y su construcción se llevó a cabo en diferentes fases cortas. Eso no quiere decir que, como sus otras construcciones, no sea un verdadero espectáculo, un tesoro en mitad de la naturaleza donde comienzan los Alpes bávaros.

De pabellón de caza a residencia real

Es algo habitual en las familias nobiliarias. Lo que comienza como un pabellón de caza, con el tiempo, se convierte en algo mucho mayor. Versalles es quizás el ejemplo más obvio de este tipo de transformación, y es un buen ejemplo porque con Linderhof sucede algo parecido, y Luis II de Baviera fue un gran admirador de Luis XIV de Francia, o el «Rey Sol».

Y es algo habitual porque hay un impulso, quizás inherente al ser humano, por el que queremos quedarnos para siempre en nuestros lugares de descanso. Eso era, en gran medida, un pabellón de caza de la realeza. Un lugar al que escapar del ajetreo de la corte, el bullicio de las ciudades y, a veces, de las intrigas cortesanas. Hay algo que atrapa en estas zonas de relax.

A todos, más de una vez, se nos ha pasado por la cabeza eso de «me quedaría aquí el resto de mi vida» al estar en uno de estos lugares de descanso, escapadas o vacaciones. Existe una enorme probabilidad de que, si dispones de los medios de los que disponía Luis II de Baviera, no resistas la tentación de hacerlo.

Luis II de Baviera accedió al trono con 18 años. Su padre Maximiliano II había sido un gran mecenas de las artes, que tuvieron una gran importancia en la educación del joven Luis, junto con una inmensa presencia de la responsabilidad de ser el Rey. Algunos apuntan que ya fue aquí cuando Luis buscó refugio en un mundo paralelo de belleza que acabó por absorberlo, pero la realidad no está ni mucho menos clara.

El caso es que al poco de acceder al reinado comenzó a desarrollar sus proyectos para construir grandes edificios dignos de un monarca absoluto, aunque él era constitucional y su poder limitado. Junto a Neuschwanstein (en nuestra lista de castillos alemanes), Herrenchiemsee e incluso un gran palacio bizantino (que no llegó a construir) proyectó Linderhof, un pequeño refugio lo suficientemente alejado de Múnich como para disfrutar de la serenidad.

A pesar de que fuera su proyecto más pequeño y fácil de realizar, Linderhof fue construido entre 1869 y 1886, debido a numerosas ampliaciones y rediseños. De hecho, la última ampliación, para remodelar la habitación de Luis II de Baviera, fue terminada después de su muerte.

La construcción del Palacio de Linderhof estuvo en un inicio junto al Pabellón de Caza original; remodelado y ampliado. Al final este pabellón fue reubicado porque su proyecto palaciego comenzó a tener una entidad propia. En total el proceso llevó seis fases hasta alcanzar su configuración actual. Paralelamente también se desarrolló un plan para convertir el entorno boscoso y relativamente poco alterado en unos jardines reales.

El Palacio de Linderhof

Aunque algunos piensan que Linderhof fue hecho a imagen y semejanza de Versalles, realmente tiene poco que ver más allá de algunas referencias a Luis XIV, que para Luis II de Baviera era la referencia del monarca absoluto que quería ser. Su proyecto versallesco fue Herrenchiemsee, del que sólo pudo construir el edificio principal, pero incluso inacabado se puede apreciar su gran parecido a Versalles.

Agobiado y apesadumbrado por la época en que le tocó vivir (ni él ni Baviera tenían mucho poder), Luis II de Baviera no tardó demasiado en alejarse de Múnich para pasar la mayor parte del tiempo en los Alpes bávaros, incluidos ocho años en Linderhof. Oficialmente tenía que asistir un tiempo mínimo a la capital bávara, pero el resto del tiempo lo pasó como quiso y como pudo.

Más allá de un retrato mental del monarca, pues no es el objetivo del artículo y es complejo de realizar, Luis II de Baviera creó con el Palacio de Linderhof ese refugio del ajetreo y las intrigas cortesanas. En medio del valle de Graswang, rodeado de naturaleza, levantó su residencia de monarca absoluto de clara influencia francesa. Allí era lo que no podía ser en Múnich.

El Palacio Linderhof mezcla la sutileza del rococó con el horror vacui del barroco más grandilocuente. Apenas cuatro de las once estancias del palacio tenían una función estatal o pública, lo que denota el concepto de residencia privada que Luis II le dio al complejo. Más que para impresionar al visitante, Linderhof fue hecho para vivir, de manera íntima, en una corte barroca.

Hay dos salas de tapices sin funciones específicas, una de audiencias el ala oeste y una de los espejos en el acceso. Aunque la habitación sigue formalmente la idea de Luis XIV (en el que levantarse, vestirse… era una ceremonia a la que asistían miembros de la corte), Luis II de Baviera no le dio esta función; su dormitorio era privado, aunque la cama parece una especie de altar donde se venera al rey.

Todo el Palacio de Linderhof tiene esa dicotomía, esa esencia contrapuesta de Luis II de Baviera. Buscaba un lugar en el que refugiarse, como Federico el Grande en Sanssouci, Potsdam. Ambos palacios tienen elementos rococó, la búsqueda de la sencillez y la privacidad, y existen en cierta armonía con la naturaleza. Sin embargo Linderhof al mismo tiempo es exagerado, con elementos (especialmente en el interior) extremadamente barrocos. Incluso los jardines desentonan a veces con el entorno natural. Todo el conjunto camina entre la sencillez y la contención y lo pomposo y desorbitado.

Los jardines de Linderhof

Es en los jardines donde más se parece Linderhof a Versalles y, más que ciertas influencias, hubo una intención formal de Luis II de Baviera de recrear un jardín de la corte de los borbones. No obstante, también dio rienda suelta a otros intereses, como la época medieval y lo oriental. Una vez más, fue en Herrenchiemsee donde el monarca más se ajustó al modelo versallesco.

Donde más se parece al palacio de Luis XIV es en la disposición de los jardines en busca de simetría. A los lados del palacio hay dos parterres y una clara línea atraviesa el conjunto de norte a sur. Por lo demás, los jardines son bastante menos simétricos de lo que podría parecer (casi «campo abierto»), y desde luego con poco que ver con Versalles.

Frente a la fachada frontal del Palacio de Linderhof el visitante accede al complejo a través de un parterre con una gran fuente. A esta zona se baja a través de un desnivel, cuya elevación vuelve a subir un poco en la zona del palacio a través de unas elegantes escaleras. En el lado este hay una Capilla de Santa Ana, que Luis II de Baviera rediseñó con ciertos elementos del gótico.

Como decíamos antes, a ambos lados del palacio hay dos pequeños parterres. Ambos se conectan detrás el edificio en una fuente de Neptuno, que recibe el agua de una cascada artificial escalonada, en cuyo punto más alto está el pabellón de la música, un pequeño y delicado quiosco en madera pintada de verde.

Justo en el lado opuesto el pabellón de la música, un templo de Venus cierra esta línea recta que atraviesa el Palacio de Linderhof, y que se conecta al parterre de la fuente a través de tres terrazas ajardinadas.

Uno de los elementos más curiosos de Linderhof es la Gruta de Venus, que por desgracia está cerrada por restauraciones hasta 2022. Se trata de una gruta artificial que Luis II de Baviera mandó construir inspirada en la ópera «Tannhäuser» de Richard Wagner, de quien el monarca fue un mecenas (algunos apuntan a una posible relación sentimental entre ambos).

No muy lejos de la Gruta de Venus está el Quiosco Morisco, un edificio de la Exposición Universal de París de 1867 que Luis II de Baviera compró para su Palacio de Linderhof, y que redecoró según sus propios gustos. Hizo algo parecido con la Casa Marroquí, esta vez de la Exposición Universal de París de 1878 y que todavía se puede ver en los jardines del palacio, muy cerca de la entrada al complejo.

En los jardines también se puede visitar la Choza Hunding, inspirada en la «Cabalga de las Valkirias» de la ópera «El Anillo del Nibelungo» de Richard Wagner, basada en mitología germánica. También inspirado en la obra «Parsifal» de Wagner, Luis II de Baviera levantó la Herencia de Gurnemanz.

Finalmente, también se puede visitar el antiguo Pabellón de Caza que usaron Maximiliano II y Luis II de Baviera, hasta que, en medio de la construcción del actual Linderhof, Luis mandó trasladarlo a su actual ubicación. Ahora contiene una exposición sobre la historia de su uso, desde sus orígenes como granja hasta cuartel general de los proyectos de Luis.

Horarios y precios del Palacio de Linderhof

El Palacio de Linderhof es sencillo de visitar a pesar de contar con diversos edificios en sus jardines, especialmente en temporada de verano, cuando todo está abierto.

El horario de apertura del palacio en verano (de abril al 15 octubre) es todos los días de 9 de la mañana a 6 de la tarde. Sólo en el horario de verano hay espectáculos de agua en la fuente principal. En invierno (del 16 de octubre a marzo) es de 10 de la mañana a 4:30 de la tarde.

El Quiosco Morisco y la Casa Marroquí sólo abren del 15 de abril al 15 de octubre, todos los días de 9 de la mañana a 6 de la tarde.

La Choza Hunding y la Herencia de Gurnemanz abren del 15 de abril al 15 de octubre, todos los días de 11 de la mañana a 6 de la tarde.

La exposición en el Pabellón de Caza está abierta de abril al 15 de octubre, todos los días de 11 de la mañana a 6 de la tarde.

El precio de la entrada combinada al parque y los edificios de los jardines es de 8.50€ y 7.50€ la reducida.

La entrada sólo a los edificios de los jardines es de 5€ y 4€ la reducida. Para entrar sólo a la exposición del Pabellón de Caza la entrada es de 2€ y 1€ la reducida.

En invierno, cuando sólo el Palacio de Linderhof puede ser visitado, la entrada es de 7.50€ y 6.50€ la reducida.

De todos modos, siempre te recomendamos consultar la web oficial, ya que los precios y los horarios podrían variar, así como algunas zonas quedar abiertas o cerradas por restauraciones. Puedes consultar aquí los precios y aquí los horarios.

Cómo llegar a Linderhof y dónde alojarse

Lo habitual es hacer una escapada de un día desde Múnich para conocer el Palacio de Linderhof. Las dos mejores opciones para esto son el tren hasta Oberammergau y desde allí un autobús o el coche en dirección Oberau y Ettal (puedes consultar la ruta aquí), desde donde se llega muy pronto al recinto del palacio.

Aunque otra opción que recomendamos si vas con tiempo y si te gusta el turismo natural es pasar varios días en los Alpes bávaros. Hay varias actividades y lugares muy recomendables, y sólo la zona de Linderhof-Ettal-Oberammergau merece la pena dedicarle dos o tres días.

El impresionante monasterio de Ettal y el precioso pueblo de Oberammergau son dos destinos culturales de lo más interesantes, y hay una gran cantidad de rutas de senderismo alrededor de estos lugares y también del propio Palacio de Linderhof. La zona, además, no está demasiado lejos de Neuschwanstein, en una de las regiones más bonitas de Baviera, aunque para eso ya es recomendable un traslado a otro hotel.

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En la plaza más interesante, poblada y, quizás, la más representativa de la ciudad (en dura competencia con la Theaterplatz y el Neumarkt) está una de sus joyas: el Palacio Real de Dresde. La Schlossplatz (plaza ‘platz’ del palacio/château «schloss») es uno de los enclaves más importantes de la capital de Sajonia; allí nace el Augustusbrücke (puente de Augusto) y están el Palacio de la Justicia, la Hofkirche y el Palacio Real.

En esta maravillosa plaza de la «Florencia del Elba», en la que se respira barroco, sirve como punto neurálgico que conecta a sus ciudadanos y viajeros con todo lo que ofrece Dresde. A la derecha, por un callejón que pasa bajo un pasarela que conecta Hofkirche y el Palacio Real, se llega a la Theaterplatz, con la Ópera de Semper y el Zwinger. En línea recta se pasa bajo parte del Palacio Real y se llega al Altmarkt (mercado antiguo). Si se coge la calle de la izquierda se llega al Neumarkt (mercado nuevo), donde está la Frauenkirche.

Y en esta Schlossplatz, el Barroco se mezcla a la perfección con el Renacimiento y el Gótico en uno de los grandes atractivos turísticos de Dresde, su Palacio Real. Residencia durante generaciones de la casa de Wettin, en él han vivido duques, electores y reyes, ha visto crecer la ciudad y es un reflejo del paso del tiempo. Una visita más que recomendable si viajas a Dresde.

De torreón a palacio de reyes

La historia del Palacio Real no es una de las más conocidas de entre los edificios de Dresde, pero ha estado junto a ella desde casi siempre, después del año 1200. Por aquel entonces los Wettin todavía no se habían dividido (faltaban algo más de 200 años para eso) y la localidad apenas se había desarrollado. Se sabe que existían dos poblaciones, una a cada lado del río Elba, que acabaron uniéndose (algo parecido a lo que ocurrió con Berlín) y 1207 es la primera vez que Dresde aparece como tal citada en un documento oficial.

Conforme Dresde avanzó, construyó un torreón en el actual lugar del Palacio Real. Se trataba de una especie de fortificación en estilo románico que hacía las veces de residencia para el señor local. Dresde estaba por aquel entonces dentro de los dominios de la casa de Wettin, aunque su titularidad cambió de manos a lo largo de los dos siglos siguientes, hasta volver a los Wettin.

Poco antes de que los Wettin se separasen dando origen a los actuales estados alemanes de Sajonia y Turingia, el recinto fue expandido en un edificio gótico rectangular de cuatro alas. Un siglo más tarde, ya con Dresde bajo la órbita de la rama albertina de los Wettin, y como capital del Ducado de Sajonia, se volvió a expandir el edificio, esta vez ya en estilo renacentista.

Poco cambió del Palacio Real de Dresde hasta la llegada de Augusto II el Fuerte, cuyas obras arquitectónicas todavía relucen en Sajonia, especialmente en Dresde. El Elector de Sajonia y Rey de Polonia reformó profundamente el palacio tras un incendio en 1701 (más o menos al mismo tiempo que el Castillo de Pillnitz). Además de levantar de nuevo lo que el fuego se llevó por delante, ordenó que buena parte fuera redecorado en estilo barroco aunque la forma siguiera siendo anterior. Por eso podemos apreciar algunas formas góticas que tienen decoraciones renacentistas y barrocas.

Durante esta reconstrucción de Augusto II el Fuerte, el Palacio Real de Dresde sufrió una nueva expansión; el anterior edificio de cuatro alas unidas con una torre se había convertido en todo un conglomerado de espacios, salones y estilos arquitectónicos. Para rizar el rizo, durante el 800 aniversario de la casa de Wettin se proyectó una nueva reforma entre 1898 y 1901: el palacio se modernizó con calefacción y electricidad y algunos edificios fueron redecorados en estilo neo-clásico, en busca del Renacimiento toscano.

Como otros tantos edificios de Dresde, se vino abajo casi al completo durante el 13 de febrero de 1945, cuando las bombas incendiarias de los Aliados desataron una tormenta ígnea que redujo Dresde a un amasijo de escombros. El Palacio Real se vio severamente afectado y no hubo un plan de reconstrucción pronto, más allá de poner algunos techos para evitar mayores daños. A partir de los años 60 se comenzó a hablar con seriedad de levantar lo caído y restaurar lo que quedaba en pie, aunque fue un proceso muy largo que no cogió fuerza hasta la Reunificación de Alemania y que terminó en 2013.

El Palacio Real de Dresde y sus museos

Como resultado de todas sus reformas y expansiones lo que hoy podemos contemplar y visitar en Dresde es el edificio «original» de cuatro alas. Se extiende hacia el sur con más alas de menor tamaño que forman otros dos complejos rectangulares con sus respectivos patios, uno de ellos cubierto con un techo que imita los grandes pabellones de hierro y cristal, tan populares desde mediados del XIX. En uno de sus lados, en la zona noreste, un edificio cuadrado entre el gótico y el barroco que expande el palacio y se alarga en una delgada y preciosa galería renacentista.

Los elementos más destacables que ver en el exterior del palacio son, principalmente, sus patios o plazas. El principal podría tratarse más bien de una plaza, sea como sea, es espectacular. Es aquí donde podemos apreciar la decoración neoclásica de corte toscano. Esto, junto a la galería renacentista, es uno de los principales motivos por los que Dresde se ha ganado ese sobrenombre de «la Florencia del Elba». Pero volviendo al patio principal, la torre que emerge de uno de los lados es de una visita más que recomendable; en lo alto tendremos una de las mejores vistas de Dresde, en dura competencia con las de la cúpula de la Frauenkirche.

En la galería porticada renacentista (no hace falta entrar al palacio para verla) que se extiende hacia el este en dirección al Neumarkt, donde está la Frauenkirche, tenemos, en su lado sur, los cuidados y sencillos pórticos renacentistas. En la cara sur está la Fürstenzug (cabalgata «Zug» de los príncipes «Fürsten»), un mural de cerámica de Meißen donde están representados buena parte de los duques, electores y reyes de la casa de Wettin, hecho con motivo del 800 aniversario de la familia.

Visitar el Palacio Real de Dresde es, como en el Zwinger, entrar en un espacio museístico. Aquí no sólo entrarás pasillos, salas y habitaciones ricamente decoradas que, desde luego, tienen una gran interés, estarás entrando a un complejo lleno de colecciones de diferente índole. Un lugar donde se puede comprobar en primera mano la capacidad que llegó a tener la casa de Wettin para amasar obras de arte, objetos de interés y para atraer a artistas y artesanos de Europa a su corte.

La Bóveda Verde

En el ala oeste del edificio principal del Palacio Real de Dresde está la Grünes Gewölbe (Bóveda «gewölbe» Verde «grün»), el museo más interesante de todos. Se trata de la colección de joyas de Augusto II el Fuerte. Es uno de los primeros edificios destinados a ser un museo, de hecho, el monarca lo dispuso poco después de terminarlo para ser visitado.

La colección de joyas se encuentra ahora divida en dos: la Bóveda Verde Histórica y la Nueva. Se hizo de este modo tras su reconstrucción, lo que tiene puntos positivos y negativos. Lo malo es que para acceder a la Histórica hace falta pagar una entrada aparte (que vale lo mismo que la del palacio entero), lo bueno es que la Nueva (sin cargo extra) supone una aproximación nada desdeñable (son ni más ni menos que 1.100 piezas de la colección) a lo que es una de las muestras más importantes del mundo de joyas barrocas.

Además de ser una colección tan importante (en magnitud y riqueza), son joyas que han pasado por mucho. Durante la Segunda Guerra Mundial se trasladaron para evitar su destrucción, y menos mal. El problema es que el ejército soviético se llevó buena parte de las joyas a Rusia, que no fueron devueltas hasta décadas más tarde; quizás una de las pocas veces que los alemanes del este pudieron tener «suerte» de haber caído bajo el control de la URSS, quién sabe si de haber sido enemigos ideológicos las habrían devuelto.

Por su parte, la Bóveda Verde Histórica contiene unos 3.000 objetos en su colección, además de algunos de los más interesantes. Merece pagar la entrada, además hay una combinada (como te comentamos al final del artículo) que lo hace más económico. Eso sí, una visita con tantas posibilidades te puede llevar medio día, e incluso uno entero si eres un entusiasta.

La Armería

A lo largo y ancho de varias alas del complejo palaciego, la Armería contiene una amplia variedad de colecciones en exhibición permanente. Todas son interesantes pero, al ser tan diferentes, quizás no todos quieran verlas todas o, simplemente por tiempo, prefieran priorizar unas muestras sobre otras. Os resumimos qué contiene cada colección.

• El auge del poder electoral en Sajonia. Se trata de la mayor colección de armas y trajes ceremoniales de la época de la reforma protestante y el barroco temprano.
• Concepto y Encuentro: el mundo alrededor del 1600. La muestra se centra en presentar objetos de diversa índole, con cierta proximidad al concepto de museo etnográfico, para trazar un esbozo del mundo en torno al año 1600.
• El ropero electoral. Es una colección que presenta trajes de la nobleza electoral sajona del periodo renacentista y del barroco temprano.
• La nueva Sala de los Gigantes. Se trata de una exposición de armas y armaduras ceremoniales y de torneos, principalmente del Renacimiento. Desde las ventanas de la sala se puede ver el patio donde los caballeros portaban las armas y se enfrentaban.
• La cámara turca. En posición de electorado de importancia en Alemania, Sajonia tuvo importantes relaciones con algunos países orientales, especialmente con el Imperio Otomano. Esta muestra expone algunos de los objetos que quedaron en Sajonia fruto, en gran medida, de conflictos armados.

Kupferstich-Kabinett

En otra de las alas del Palacio Real de Dresde se encuentra esta colección de obras maestras en papel. Es una muestra permanente que contiene medio millón de dibujos, impresiones y fotografías desde la Edad Media a nuestros días. Podemos encontrar trabajos de Durero, van Eyck, Friedrich, Rembrandt y de otros más modernos como Glöckner y Kotzsch.

Münzkabinett

En el edificio que sobresale en el lado noreste del palacio (y del que sale la galería renacentista) está el último de los museos. Contiene una colección de unos 300.000 objetos desde la Antigüedad hasta nuestros días. Se trata, en general, de monedas, cuyo ejemplar más antiguo proviene del Reino de Lidia (noroeste de Anatolia), de unos 2.500 años de antigüedad. También hay diferentes tipos de medallas y condecoraciones militares.

Precios y Horarios del Palacio Real de Dresde

El Palacio Real de Dresde abre todos los días de 10 de la mañana a 6 de la tarde, exceptuando los martes, cuando cierra. Aquí tienes más información y la posibilidad de reservar las entradas para evitar colas.

La entrada normal al palacio y todos los museos (excepto la Bóveda Verde Histórica) cuesta 12€ en taquilla (14€ si reservas), la reducida cuesta 9€, y los menores de 17 entran gratis. La audioguía es gratuita.

La entrada a la Bóveda Verde Histórica cuesta 12€, la reducida 9€, los menores de 17 entran gratis y la audioguía también es gratis.

Por último, la entrada combinada (palacio, museos y Bóveda Verde Histórica) cuesta 21€, los menores de 17 entran gratis y la audioguía es gratuita.

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En plena ciudad de Múnich, capital del Estado federado de Baviera, se abre un enorme parque que contiene una de las joyas de la ciudad y uno de los mayores legados de la casa Wittelsbach. El Palacio Nymphenburg es un ensueño de verano cuyo nombre, tan evocador, significa «el castillo de las ninfas».

Hoy está en pleno tramado urbano de Múnich, pero cuando se comenzó a levantar, allá por 1664, la ciudad aún quedaba algo alejada del palacio. Por suerte, a pesar de que el desarrollo urbanístico ha rodeado al conjunto arquitectónico y sus jardines, ha respetado su entorno y todavía cuenta con sus 229 km cuadrados de lagunas, canales y arboledas y, por supuesto, con sus espléndidas construcciones.

Si visitas Múnich, apunta el Palacio Nymphenburg en tu agenda y reserva un buen espacio, ya que vas a querer muchas horas para visitarlo con calma y así conocer a fondo esta joya, impregnarte de su esencia y sentir un gran pesar a la hora de marcharte. Es probable que una parte de ti se quede para siempre en este rincón de Múnich.

De palacete a joya de los Wittelsbach

Como adelantábamos unas líneas arriba, la historia del Palacio Nymphenburg comenzó en 1664. Por aquel entonces, el Elector Fernando María de Baviera y su esposa Enriqueta Adelaida de Saboya, encargaron un palacete de estilo italiano al arquitecto Agostino Barelli, que diseñó el elemento central del conjunto que hoy vemos: un edificio cuadrado en un estilo barroco sencillo de colores claros.

En 1675 esa primera parte del palacio fue completada. Era una pequeña residencia veraniega rodeada de jardines y separada de Múnich por campo abierto. No obstante, ya en aquella época no se encontraba demasiado alejado de la ciudad.

Fue en 1679 cuando el heredero (Maximiliano II Emanuel) del matrimonio que comenzó el Palacio de Nymphenburg accedió al trono, y fue él uno de sus principales impulsores. A lo largo de los siglos, Nymphenburg ha sido ampliado y reformado en diferentes ocasiones pero, incluso a lo largo de 300 años, los diferentes miembros de la casa de Wittelsbach han mantenido, a pesar de los cambios, la línea original del palacio.

En 1701, Maximiliano II Emanuel mandó ampliar el Palacio de Nymphenburg con dos nuevos pabellones, uno al norte y otro al sur, conectados al central. Estos nuevos pabellones eran también cuadrados, lo que confirió mucha solidez al conjunto. El nuevo Elector se desligó de la tendencia italiana que sus padres (él prefería lo francés) y afrancesó el palacio, pero siempre con un profundo respeto por lo estructural y es lo que, a simple vista y sin conocer su historia, nos podría llevar a pensar que todo el edificio se levantó de una sola vez.

En mitad de la reforma, Maximiliano II Emanuel partió a la guerra de Sucesión Española, en la que participó del lado de los Borbones (su abuela era hija del primer Borbón). A su vuelta a Múnich en 1715, llegó con artistas franceses y de otras procedencias conocedores de lo último en moda francesa. La reforma y la expansión del Palacio de Nymphenburg continuó.

Las obras de expansión continuaron, y esta vez se delimitó un nuevo espacio para los jardines, obra de la que viene su extensión actual. Los principales artífices de esta fase de las obras fueron el arquitecto Joseph Effner y el paisajista Dominique Girard. Del plan que trazaron Joseph y Dominique salió, en buena medida, el Palacio Nymphenburg que conocemos hoy día, en un barroco francés.

Entre 1726 y 1745, el Elector (y más tarde emperador del SIRG) Carlos Alberto, continuó con el plan ideado en tiempos de su padre, como la luna en cuarto creciente que se adentra en una laguna artificial frente a la fachada principal del Palacio Nymphenburg. De aquí partiría una ciudad ideal que se llamaría Carlstadt (ciudad de Carlos), aunque el complejo nunca llegó a ser esa ciudad y, como ya hemos visto, acabó integrado en Múnich.

También de esta fase es el Amalienburg, que lleva el nombre de su esposa María Amalia de Austria. Se trata de un pequeño palacio exento en estilo rococó, muy cerca del conjunto principal de Nymphenburg. Esta pequeña construcción se convirtió, al igual que Sanssouci en Potsdam, en una de las joyas del barroco rococó europeo, cuya sola presencia hace que toda la visita merezca la pena.

Más adelante, el hijo de Carlos Alberto, Maximiliano III José, continuó con las reformas en el Palacio Nymphenburg. Este, en inicio, pequeño pabellón, se había convertido en una de las residencias favoritas de la casa Wittelsbach, y hubo pocos miembros de la familia que no aportaran parte de su personalidad al conjunto arquitectónico, cuidándolo y enriqueciéndolo dentro de la línea marcada por Fernando María y Enriqueta Adelaida allá por 1664.

A Maximiliano III José le debemos la decoración rococó (cogiendo el testigo de su padre) del gran salón (o salón del mármol) del Palacio Nymphenburg. Asimismo, introdujo esculturas de dioses olímpicos a lo largo y ancho de los jardines que, por entonces, tenían un trazado francés, con una gran importancia de la simetría.

Entre finales del XVIII y principios del XIX, el Palacio Nymphenburg terminó de alcanzar el aspecto que tiene hoy. Algunas habitaciones fueron redecoradas en estilo neoclásico (especialmente con los muebles) y, en tiempos de Maximiliano I José (primer rey de Baviera), los jardines fueron completamente remodelados en estilo inglés: menos simetría, más boscoso y con lagunas irregulares, pero todavía con algunas reminiscencias del anterior trazado francés.

Aunque tras la muerte de Maximiliano I José el Palacio Nymphenburg no se sometió a nuevas reformas permaneció como una de las residencias preferidas por la casa de Wittelsbach, y fue cuidado hasta 1918, cuando pasó a manos del Estado.

El Palacio Nymphenburg

El conjunto arquitectónico de Nymphenburg se compone de un elemento central del que irradia todo: el pabellón cuadrado de 1664. A pesar de las numerosas ampliaciones y las reformas que ha sufrido el palacio desde entonces, este elemento ha quedado como el más grande y ricamente decorado de todos los edificios palaciegos. Como decíamos antes, los miembros de la casa Wittelsbach mostraron un profundo respeto por la idea original a pesar de las transformaciones que acometieron.

Frente a este pabellón se extiende la Luna en cuarto creciente con una fuente en su interior, elemento que está en un semicírculo cuya parte central es un estanque y el resto césped. Se trata de una especie de abanico que da la bienvenida al visitante y que ofrece una panorámica del Palacio de Nymphenburg al completo, de los anexos (que hoy son museos) al cuerpo central del edificio.

Todo el conjunto palaciego está conectado por galerías, dos de ellas (las que juntan el centro con los anexos) pasan por encima de unos canales que rodeaban en origen el palacio. En suma, y si lo viéramos a vista de pájaro, Nymphenburg parece, precisamente, un ave batiendo las alas.

Al otro lado del pabellón central, donde empiezan los jardines de Nymphenburg, se extiende una explanada ajardinada en estilo parterre en cuyo centro hay una fuente. Tanto esta parte como el semicírculo frontal donde está la Luna en cuarto creciente son los restos del trazado francés de los jardines.

Esta explanada trasera se abre a un estanque alargado (o canal) que, tras cientos de metros, se abre un poco casi al final de los jardines, donde dos esculturas del río Isar (recorre Múnich y es afluente del segundo) y el Danubio. En realidad, el estanque nace aquí, y crea una sutil cascada que alimenta con agua el gran canal que llega y rodea el Nymphenburg. Las esculturas, con una clara reminiscencia helenística, representan a esos ríos alimentando con sus aguas los jardines, llevando la vida.

El interior del pabellón central guarda una de las salas más hermosas del Palacio Nymphenburg, el llamado salón del mármol. Es el espacio más representativo del conjunto, que fue encargado por Maximiliano III José en rococó, estilo que su padre introdujo en el complejo en el también precioso Amalienburg.

En esta zona del palacio también está la Galería de Bellezas de Luis I, una colección de 36 retratos de las mujeres más bellas del mundo, según el rey y su corte. Entre estas pinturas, destaca el retrato de Lola Montez (en realidad Elizabeth Rosanna Gilbert), una bailarina irlandesa de la que el rey quedó enamorado. De hecho, fueron amantes y le concedió el condado de Landsfeld.

Aquello no sentó bien entre parte de la corte ni entre los súbditos. No querían que Lola Montez se entrometiera en los asuntos de Baviera y, a este problema, a Luis I se le sumó la ola de revoluciones de 1848. Al final, el rey abdicó en su hijo, Maximiliano II, que hizo más o menos lo que quiso. En realidad, buscó un equilibrio entre las pretensiones liberales de la revolución y entre el absolutismo católico.

También en esta zona del palacio se encuentra la habitación en la que nació Luis II de Baviera. No es de extrañar que, rodeado de tanta belleza al nacer, la siguiera buscando durante el resto de su vida. Se trata de uno de los reyes más famosos de Europa al que le tocó vivir una época que no le gustaba. Prusia ganaba el pulso por el dominio sobre Alemania a Austria, frente a lo que Baviera quedó cada vez con menos independencia. De hecho, aunque mantuvo su título real de manera honorífica, murió en lo que ya era el Imperio Alemán, dirigido por los prusianos.

En cualquier caso, el rey nacido en esta habitación de Nymphenburg no realizó obras en el palacio. En su lugar, se centró en levantar otros edificios. Descontento con la política europea, residió en Múnich lo menos que pudo, y construyó el precioso Palacio de Linderhof (que está en nuestra lista de palacios alemanes), el de Herrenchiemsee y el reconocido Castillo de Neuschwanstein (que está en nuestra lista de castillos alemanes).

Museos

En el anexo sur hay dos museos, y son los que están dentro de lo que todavía se considera el Palacio de Nymphenburg, no obstante, se pueden comprar entradas generales o sólo al palacio o los museos. En realidad se trata de un único museo, el Marstall, con dos colecciones separadas pero relacionadas con la casa Wittelsbach.

La primera de las colecciones, y la principal, presenta carruajes y trineos de la casa Wittelsbach. De entre el espectacular conjunto, destaca el carruaje que usó Carlos Alberto en su coronación como emperador, así como los que encargó Luis II de Baviera para sus travesías por los Alpes.

En el mismo edificio, pero en la planta alta, está la segunda colección, de porcelana de Nymphenburg. Como en el Albrechtsburg de Meißen, Maximiliano III José, fundó en 1747 una factoría de porcelana estatal, del todavía Electorado de Baviera, y lo hizo en este palacio. Es una ocasión única para conocer una de las mejores colecciones de porcelana de Nymphenburg.

Por otra parte, en el anexo norte hay otro museo. No forma parte ya del conjunto palaciego (y por lo tanto, no hay entrada combinada para este museo), aunque esté dentro de uno de los edificios que formaron parte del mismo. Se trata de un museo de historia natural muy recomendado e interesante para ir con niños. El problema es que si no sabes alemán quizás no te merezca la pena.

Jardines de Nymphenburg

Los jardines, ahora conocidos como el Parque de Nymphenburg, son de libre acceso, con lo que la visita para conocer el conjunto palaciego, aunque sea por fuera, es casi obligatoria si estás en Múnich. No nos gusta decirte a dónde tienes que ir pero, sin duda, te recomendamos, aunque sea, dedicarle unas horas a Nymphenburg.

El parque comienza en la fachada trasera del palacio y se extiende en 229 Km cuadrados en lo que, prácticamente, es un bosque. Sus principales atractivos son el gran estanque alargado (o canal) que termina en la cascada que alimenta el resto del complejo. Esta cascada, a su vez, está alimentada por el río Würn, que es afluente del Ammer, que alimenta al Danubio. A ambos lados del estanque hay dos lagos, el Badenburger y el Kleiner. A orillas del primero hay un templete de Apolo y el Palacio de Badenburg, una casa de baños. A orillas del segundo, el Palacio de Pagodenburg, un edificio octogonal con azulejos de Delft.

Ya muy cerca de Nymphenburg, a la altura del jardín en estilo parterre, se encuentra Amalienburg, el palacio que Carlos Alberto construyó para su mujer María Amalia de Austria. Este pequeño palacio rococó es una de las grandes joyas del conjunto del Nymphenburg y su interior merece la pena. Contiene una pequeña galería de los espejos que es una auténtica maravilla.

En paralelo al Amalienburg, pero al otro lado del parterre está la Magadalenenklause, uno de los edificios más peculiares del Nymphenburg. Se trata de un vanitas arquitectónico, una ermita dedicada a María Magdalena y, aunque parezca estar en estado ruinoso, no es así. Fue construida con la idea de que pareciera una ruina para recordar la fragilidad de lo que construimos sobre la Tierra y, por supuesto, nuestra propia fragilidad. Por dentro encontramos una decoración grutesca claramente barroca. Un edificio único que se construyó en época de Maximiliano II Emanuel, el gran impulsor del Nymphenburg.

Junto a esto, también se pueden realizar travesías en góndola por el canal central del Palacio Nymphenburg. Sólo se puede en temporada de verano, duran 30 minutos y cuestan 15€ por persona. Puede ser caro, pero la oportunidad, desde luego, lo merece.

Precios y horarios del Palacio Nymphenburg

Los horarios y precios del Palacio Nymphenburg son flexibles en caso de que no nos interese todo el conjunto por falta de tiempo o cualquier otro motivo. Se trata de un conjunto grande en el que podemos pasar todo el día, de hecho, hay un restaurante cerca del parterre por si necesitamos cargar las pilas.

La entrada combinada, que da acceso a todo, cuesta 11,50€ y 9€ la reducida en horario de verano: del 1 de abril al 15 de octubre. Durante el invierno cuesta 8,50€ y 6,50 la reducida, esto se debe a que los palacios del parque están cerrados, con lo que sólo se puede acceder al Nymphenburg y al Museo Marstall.

La entrada sólo al Palacio Nymphenburg cuesta 6€ y 5€ reducida.

La entrada sólo al Museo Marstall (con la colección de porcelanas) cuesta 4.50€ y 3.50€ reducida.

Por último, la entrada a los palacios del parque (Pagodenburgo, Badenburgo, Amalienburg y Magadalenenklause) cuesta 4,50€ y 3,50€ la reducida. Vale la pena recordar que estos sólo están abiertos en verano, del 1 de abril al 15 de octubre.

Los horarios en verano van de 9 de la mañana a 6 de la tarde en todos los elementos visitables (Nymphenburg, palacios del parque y museo) y en invierno van de 10 de la mañana a 4 de la tarde (salvo los palacios del parque están cerrados).

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