La arquitectura, la cerámica y la escultura occidentales hunden sus raíces en el arte griego, cuyas obras, tras más de dos milenios, están dispersas por una miríada de museos y galerías. Francia, Inglaterra, Alemania, Italia y Grecia conserva las principales obras maestras, aquellas que pudieron conservarse en su estado original o esas otras que, perdidas, podemos aún disfrutar gracias a las copias que hicieron los romanos.

Lo que sigue no es un ranking, pues faltan muchas maravillas. Pero sí es una selección de lo mejor de las distintas y variadas épocas y estilos por los que atravesó ese fenomenal conjunto de creaciones que hoy llamamos arte griego.

Cleovis y Bitón, un sensacional ejemplo del arte griego arcaico

El grupo escultórico de Cleovis y Bitón es uno de los mejores representantes que aún puede verse del arte griego arcaico. Representan un tipo muy común en aquel tiempo: el kuros u hombre joven desnudo, una representación idealizada del atleta y del soldado, fuerte, viril y en plenitud.

Estos dos en concreto son figuras mitológicas. Hijos de una sacerdotisa de Hera llamada Cídipe, la historia cuenta que en una ocasión fueron capaces de tirar del carro que llevaba a su madre a honrar a la diosa, una vez que sus bueyes habían quedado exhaustos.

Son esculturas muy parecidas al estilo de los egipcios. Se caracterizan por una postura rígida y tirante, brazos caídos y pegados al cuerpo, avance ritual de la pierna izquierda y un carácter compacto que impide olvidar que antes de un kuros la escultura fue un bloque de piedra.

Al modelado se le prestaba entonces poca atención. El escultor, de nombre Polimedes de Argos, trazó simplemente unos gruesos incisos allí donde el cuerpo solicita juegos de relieve, como los pectorales o el encuentro de las ingles y el abdomen.

Aunque no es lo habitual, de estas piezas se conoce, gracias a Heródoto, que fueron un encargo de la ciudad de Argos para adornar el Santuario de Delfos. Allí se colocaron aproximadamente en el año 600 a.C. Allí mismo fueron encontradas en el año 1893, y allí se pueden ver aún, más de 2600 años después, en el Museo Arqueológico de Delfos.

El Vaso François, la joya de la cerámica griega

El Vaso François es uno de los más impresionantes ejemplos de la cerámica griega. Mide nada menos que 66 centímetros de alto y está decorado al completo con historias de la mitología griega, monstruos e incluso escenas cómicas. Hasta las asas y la base están profusamente decorados.

En su fabricación se sabe que intervinieron dos autores porque ambos dejaron constancia de su firma. Se trata del alfarero Ergótimos y el pintor Clitias, que colaboraron en esta y otras obras alrededor del año 570 a.C.

Según Antonio Blanco Freijeiro, autor de uno de los mejores libros sobre arte clásico, el Vaso François destaca por "su proporción, elegancia, firmeza y grandiosidad […] pero a este conjunto de perfecciones constructivas se le une la exquisita decoración de Clitias, que envolvió la superficie externa del vaso en un álbum de más de un centenar de miniaturas dispuestas en franjas horizontales".

Que un vaso de este tamaño y con este imponente y minucioso programa decorativo acabara en Etruria es un ejemplo más de lo bien conectada que estaba por entonces la economía mediterránea, y el alto desarrollo que habían alcanzado los etruscos, capaces de importar semejantes objetos de lujo. Hoy se puede ver en el impresionante Museo Arqueológico de Florencia, uno de los mejores de la ciudad del Renacimiento.

No servía simplemente para decorar. El Vaso François era una crátera de volutas (así llamada por las asas), un recipiente en el que se depositaba el vino, normalmente mezclado con agua, para que los asistentes a un banquete se fueran sirviendo.

Quizá este uso justifica la presencia de varias escenas marcadamente cómicas entre sagrados mitos como el de las exequias de Patroclo. O tal vez sea una prueba más del escaso fanatismo que envolvía la religión griega, sin exigencias morales y tolerante incluso con la ironía.

Para saber más sobre las imágenes representadas, recomendamos la lectura de este artículo.

El ¿Poseidón? del Cabo Artemisio

Se llama Poseidón de Artemision pero sólo la segunda parte de su nombre es segura, pues fue descubierto bajo el mar, en 1928, muy cerca del cabo del mismo nombre.

La identidad de la figura es complicada. Se ha dicho que es Poseidón en el acto de arrojar su tridente, pero ese acto de arrojar el tridente no era nada habitual. Y un tridente no encaja bien con la composición de la figura, como descubrió un grupo de historiadores. Lo que sí sabemos es que el Templo de Sunión estaba dedicado a él.

Se ha dicho también que podría ser Zeus en el acto de lanzar un rayo, pero la posición de las manos tampoco sería idónea. En realidad, el acto que más concuerda con la figura es el lanzamiento de una jabalina, pero la figura no es la de un atleta, que habría de ser más joven, sino la de un dios. Últimamente se le llama Dios de Artemisio.

En cualquier caso, es un figura valiosísima no sólo por su antigüedad (se ha datado en el año 460 a.C.) sino porque representa perfectamente la transición entre el estilo arcaico y el clasicismo. La figura es todavía rígida y carece del naturalismo que estaba por venir, pero ya hay una intención clara de romper el estatismo de la vieja escultura y añadir acción y movimiento.

Está en el Museo Arqueológico Nacional de Atenas.

Los Bronces de Riace o el anuncio del clasicismo

Han sobrevivido milagrosamente tres maravillas del arte griego realizadas en bronce. Una es el Poseidón de Artemisio, otra el Auriga de Delfos. La tercera son estos misteriosos personajes que fueron encontrados por un submarinista cerca de Riace, en la actual Italia, y que son la gran joya del Museo Arqueológico de Reggio Calabria.

A pesar de haber realizado numerosos y concienzudos estudios, los expertos no se ponen de acuerdo sobre la identidad de los dos individuos. Unos dicen que son atletas. Otros dicen que son guerreros. Otros, que son dioses o figuras mitológicas.

Nada está claro excepto su maravillosa calidad y su incalculable valor histórico, pues aquí tenemos, uno frente a otro, el paso del estilo severo, o de transición, al inconfundible estilo clásico. De hecho, el llamado Bronce B es tan, tan asimilable a las esculturas clásicas que hay quien ha defendido la autoría de Fidias, el mayor exponente del arte clásico.

Aquí ya está casi todo lo que hará del arte griego clásico inolvidable: el naturalismo, la elasticidad de los músculos, el apoyo en uno de los dos pies, la ruptura total de la vieja ley de la frontalidad, etc.

Tal vez te interese leer también este recopilatorio: diez templos griegos para viajar al mundo antiguo. Seguirás viajando por Sunión, Atenas, Delfos y otros rincones de Grecia.

El Discóbolo, la obra que hizo trizas la ley de la frontalidad

A mediados del siglo V a.C. Atenas brilló entre todas las ciudades de Grecia, y en Atenas, en aquel tiempo, empezó a florecer Mirón. Esculpiendo dioses, atletas y animales se hizo pronto un hueco entre los grandes del arte griego. Fue verdaderamente profuso y variado en la elección de sus temas, aunque se mantuvo a la vez más apegado a ciertas rigideces del arte clásico.

El Discóbolo, famosísimo, representa a un lanzador de disco en plena acción. En en suelo solo apoya el pie derecho y los dedos del izquierdo. Con la mano derecha impulso el disco hacia atrás para ganar inercia. Su cuerpo, en postura inverosímil para la estatutaria anterior, se inclina y se contrae en el momento previo al violento lanzamiento.

Este atleta es muy distinto a todos los anteriores. Debió sorprender y asombrar a sus contemporáneos, pues cambia radicalmente la relación del espectador y la obra. Si las antiguas estatuas frontales fueron concebidas para verse de frente y solo de frente, el Discóbolo no solo puede admirarse desde cualquier lado sino que casi parece que incita a hacerlo.

Y a pesar de todo, al margen de la postura, el Discóbolo no es una obra excesivamente novedosa. La anatomía sigue siendo casi pre-clásica: los músculos son planos; las facciones, esquemáticas e inexpresivas, y el conjunto no alcanza gran profundidad en el espacio. Admiración y asombro era lo que buscaba, no emoción. Hoy puede verse no el original, pero sí una excelente copia romana en el Museo Nazionale Romano, situada en el Pallazzo Massimo alle Terme.

La Atenea Lemnia, la más bella de las estatuas femeninas

Así lo pensaba al menos Pausanias, que la ensalzó como la mejor de todas las obras de Fidias. La Lemnia se esculpió en época de Pericles para adornar, aún más, la Acrópolis de Atenas. Pero al contrario que la Parthenos, diosa guerrera escondida en el colosal Partenón, esta versión de la diosa se representó como una dispensadora de paz. Por ello lleva la cabeza descubierta, el casco en una mano y la égida sobre el pecho.

La cabeza tiene todos los rasgos propios del arte griego clásico: frente alta, barbilla pequeña, labios menudos y carnosos, mejillas lisas y una línea del perfil casi perpendicular al plano horizontal. El finísimo modelado y la elegante taenia, la cinta lisa y ancha que sujeta el pelo, terminan de acentuar la plasticidad de todo el conjunto.

Contemplar la Lemnia es emocionante, y eso que solo se conservan un par de fragmentos y no del original, sino de copias romanas posteriores. La cabeza se encuentra en el Museo Cívico Arqueológico de Bolonia y, lo que parece ser una copia del cuerpo se puede ver en la Staatliche Kunstsammlungen de Dresde.

Las Parcas de Fidias y sus "paños mojados"

De los frontones del Partenón ya hablamos largo y tendido en el artículo que le dedicamos a dicho edificio. Pero hay un grupo de esculturas que merece ser individualizado y situado aquí, brillando con luz propia entre lo mejor del arte griego.

Estos tres cuerpos mutilados todavía impresionan por la corporeidad y por la vida que transmiten. Se los conoce como Las Parcas, aunque seguramente representan a Afrodita y Artemisa. En ellos se percibe bien la técnica de los llamados “paños mojados”, consistente en esculpir los ropajes con tal finura que parecen mojados, pegados por tanto al cuerpo y dibujando sus curvas y ondulaciones. Fidias llevó a esta técnica a una excelencia nunca antes vista, y luego fue imitado una y mil veces. La propia Victoria de Samotracia sería impensable sin este desarrollo previo.

Las Parcas, como todo el frontón del Partenón, pueden verse en la Sala Elgin del Museo Británico. Están en un estado algo precario, pero son las figuras originales que durante dos milenios adornaron el mejor de los templos griegos.

El Doríforo de Policleto, "el canon" del arte griego

El Doríforo es otra de las obras maestras del arte griego que se han perdido. Por suerte su fama fue grande en su tiempo, y los copistas romanos realizaron varias copias que sí se conservan. La mejor, o la mejor conservada, se descubrió en las excavaciones de Pompeya y se conserva en el Museo Arqueológico Nacional de Nápoles.

A pesar de su nombre, el representado es probablemente Aquiles, el héroe de la Ilíada. Y como la Ilíada, el Doríforo se terminó convirtiendo en la escultura más admirada, la más copiada, la que más influyó a escultores posteriores.

Curiosamente es una obra aún apegada a ciertos rasgos del arte arcaico. La separación de ingles y abdomen, o la línea que marca los pectorales, es excesivamente rígida. Lo mismo ocurre con las divisiones de los brazos y las piernas. Lo que Policleto aplicó de forma innovadora fue el canon geométrico que establecía el sistema ideal de las proporciones del cuerpo humano, y en en su forma de hacerlo reveló importantes influencias de los filósofos de us tiempo.

Platón había defendido en el Timeo que los dioses dieron a la cabeza humana una forma esférica como imagen de la figura del universo. La cabeza es perfectamente esférica, pero no es el único círculo. Las curvas del pliegue inguinal y del arco torácico son segmentos de un círculo imaginario cuyo centro estaría en el ombligo.

Por supuesto, lo más llamativo es la posición. Policleto esculpió una obra destinada a contemplarse desde un punto de vista principal, pero el Doríforo no es una obra rígida ni estática. El peso del cuerpo se apoya maravillosamente sobre una de las piernas, y el giro ligerísimo del tronco y la cabeza añade el movimiento justo para dotar al conjunto de vida.

La Afrodita de Cnido, el canon de belleza de los antiguos

"La destreza del escultor ha sido tan acertada que parece que el mármol ha perdido su dureza para moldear la gracia de sus extremidades", dijo de esta escultura Luciano de Samósata. Plinio el Viejo relató que una vez, un joven se enamoró de ella al contemplarla, y el rey Nicomedes de Cos la quiso hasta tal punto que ofreció a la ciudad de Cnido perdonar la deuda de la ciudad. Los cnidios se negaron.

Estamos ante la obra maestra de Praxiteles y la estatua femenina que los antiguos consideraron la más hermosa del mundo. Representa a Afrodita, la diosa del amor, en el acto de tomar un baño.

Toda la obra es un prodigio de sensualidad y delicadeza. La razón de que aparezca desnuda hay que buscarla en las costumbres locales de Cnido, donde Afrodita era venerada, entre otras cosas, como protectora de la navegación, de forma similar a la fenicia Astarté. En toda la región hay representaciones anteriores, muy antiguas, donde a la diosa de la fecundidad se la representa de la misma manera.

Pero Praxiteles convierte la desnudez de la diosa en un logrado elemento erótico gracias a la tersura del modelado, a las formas suaves y mórbidas que se mueven en un perfil sinuoso, la célebre "S" o curva praxiteliana. La vestidura y el ánfora cumplen una función estructural, pues permiten que el cuerpo "rote" ligeramente hacia delante y hacia la izquierda. Es admirable cómo consigue Praxiteles que esas vestiduras, que recuerdan a los paños mojados de Fidias, caigan lánguidamente, despacio, sobre el ánfora. Como dijo Luciano de Samosata, resulta difícil de creer que el material sea el duro y frío mármol.

Como en el caso del Doríforo, el original se perdió. Pero como su fama fue tan grande se hicieron bastantes copias, y algunas de ellas son de excelente calidad. La más conocida está en Roma, en el Museo Nacional Romano del Palazzo Altemps.

El Gálata moribundo y la nueva expresividad del helenismo

Es una de las obras más famosas de los Museos Capitolinos de Roma y una de las más reproducidas, merced a su enorme popularidad entre los viajeros del Grand Tour y a la intensa emoción que transmite.

Situada en el centro de una sala que lleva su nombre (Sala del Gladiador, pues en principio se pensó erronamente que el caído era un gladiador) representa a una víctima de la guerra emprendida en el siglo III a.C. por los Atálidas de Pérgamo contra los Gálatas (así llamaban aquéllos a las tribus célticas –los galos de los romanos– asentadas en el interior de la actual Turquía). El guerrero, que se muestra con la herida bien visible y próximo a morir, está rodeado de gran solemnidad y representado al estilo de los héroes clásicos, esto es, desnudo. La obra sirve así como recordatorio de la victoria, pero también como homenaje a la valía de los vencidos, que fueron dignos enemigos.

Apareció en el siglo XVII, en la Villa Ludovisi, junto con el Gálata suicida que puede verse hoy en el Palazzo Altemps, y fue adquirida por el museo en el siglo XVIII. Aunque los historiadores no se han puesto de acuerdo sobre su datación, la interpretación más aceptada es la siguiente: que el original griego data del siglo III a.C., que fue un encargo de Átalo I de Pérgamo como conmemoración de la citada victoria de los suyos contra los gálatas turcos, y que la copia expuesta en el museo es una obra romana del siglo I a.C., encargada por Julio César para conmemorar en el ámbito privado otra victoria –la suya– contra los galos, y realizada (esto acreditaría tanto la estima del dictador al original como la confusión de los historiadores) en mármol oriental por un taller de Pérgamo.

La entrada Diez joyas del arte griego, y dónde verlas se publicó primero en Ruta Cultural.

Vanitas vanitatis son dos términos relacionados con un pasaje del Eclesiastés: «Vanitas vanitatum omnia vanitas» («Vanidad de vanidades, todo es vanidad»), que intenta transmitir la inutilidad de los placeres mundanos ante la certeza de la muerte y el absurdo intento del hombre de parecerse a Dios, olvidándose de que es un ser mortal y finito.

Vanitas es un término latino que podemos traducir por vanidad, en el sentido de insignificancia. Asimilable a la expresión "en vano".

En el mundo del arte se denominan "Vanitas" a una categoría de bodegones que se practicaron mucho en la época barroca, sobre todo en Holanda. Pero la vanidad y la muerte se han tratado en el mundo del arte antes y después del Barroco.

Autores como Dalí, Picasso o el controvertido contemporáneo Damien Hirts (un ejemplo es su famosa calavera de diamantes), han interpretado el tema de la vanidad y del memento mori bajo la mirada de su tiempo.

Durante el Barroco se desarrolló de una manera especial la percepción de la debilidad del ser humano, la fugacidad de la vida y la presencia de la muerte. La sensación social de la situación del hombre estaba en el siglo XVII en un clarooscuro continuo; de la lujuria de las fiestas barrocas, en las que se combinaban la celebración religiosa con la risa y los placeres sensoriales, lo sagrado con lo profano, se pasaba a entonar el mea culpa en iglesias y manifestaciones populares. Fue en esta época cuando empezaron a tomar fuerza los desfiles procesionales de la Semana Santa.

El arte reflejó esta situación utilizando de manera dramática la luz y las sombras en busca del impacto, la conmoción del espectador. Y los bodegones llamados "Vanitas" fueron una ayuda muy útil en la predicación devocional. Eran mensajes "moralizantes" que proliferaron en el siglo XVII, con un mensaje claro: el "memento mori" (recuerda que has de morir). Tanto en el Norte como en el Sur de Europa, en el ámbito cristiano y en el protestante, se usaron una simbología e intenciones muy parecidas.

Pero sin ser bodegones al uso, hubo otros pintores, como Caravaggio, que se acercaron a las "Vanitas" desde un punto de vista muy personal, incluyéndolos en representaciones de santos. Antes del barroco ya hubo grandes pintores, influenciados por las ideas medievales, que relacionaron la muerte y el pecado, como lo hicieron por ejemplo El Bosco o Brueguel el Viejo, o Tintoretto en el Renacimiento con su alegoría de la muerte.

El tema de las vanitas se llevó a la escultura e incluso a la arquitectura como en la capilla Magadalenenklause, construida en los jardines del Palacio Nymphenburg de Múnich. Una vanitas arquitectónica levantada en un jardín idílico para meditar sobre lo efímero de la vida.

Estamos en vísperas de una celebración muy especial, el Día de todos los Santos y el Día de los difuntos. Son fechas en las que se visitan los cementerios y se celebran cultos para honrar a los que se fueron y rogar por su descanso eterno.

Traemos aquí unos cuantos ejemplos que recuerdan a través del "memento mori" la fugacidad de la vida, con un mensaje claro por nuestra parte, el que acuñó el poeta romano Horacio: "Carpe diem, quam minimum credula postero" (Aprovecha el día, no confíes en el mañana).

1-El Jardín de las Delicias. Jheronimus van Aken el Bosco

Comenzamos este acercamiento a la representación del pecado y la muerte en el mundo del arte con una obra fascinante. El Jardín de las Delicias de El Bosco. En él el maestro holandés va desgranando la creación del mundo, desde el tercer día, cuando se separan el cielo y la tierra (imagen del tríptico cerrado).

En las tres tablas interiores de la obra, El Bosco nos empuja a entender el mundo desde la Creación del hombre (tabla de la izquierda), a la inconsciente felicidad del Jardín de las delicias (tabla central) y al destino inevitable en el Infierno musical (tabla derecha).

Hay mucho de vanitas en estas tablas enigmáticas y sarcásticas, pero en el recorrido por las etapas de la presencia del hombre en la tierra, son, la tabla central (el Jardín de las delicias) y la derecha (el Infierno), las que nos sirven para encabezar este recorrido por las vanitas.

En el Jardín de las delicias El Bosco nos presenta una situación de la humanidad inmersa ya en el pecado, especialmente el de la lujuria, aunque toca otros como la avaricia, que lo llevan a la perdición. Escenas eróticas heterosesuales, homosexuales y onanistas llenan la tabla de personajes entregados al disfrute. Entre los numerosos desnudos aparecen muchos tipos de frutas, en clara alusión a los placeres sexuales. En la Edad Media "coger la fruta" significaba tener comercio carnal. Además las frutas son un símbolo de la fugacidad de la vida y del placer, por su rápido deterioro.

Los animales que vemos en esta tabla se han interpretado como un símbolo de lujuria y los estanques de agua son símbolos de concupiscencia. Las mujeres que están en el interior del estanque van tocadas con cuervos e ibis, símbolos de vanidad, que veremos después en los bodegones de vanitas.

En la parte inferior derecha de la tabla un personaje vestido, el único, que mira al espectador mientras señala a la culpable de toda la situación: Eva, la que trajo el pecado al mundo. El arte occidental ha dejado auténticas maravillas respecto al erotismo, en las que siempre aparece la mujer como provocadora de los pecados.

Y como la humanidad ha caído en desgracia, sólo tiene un destino posible: el infierno.

La tabla del infierno, conocida como "EL infierno musical" porque está llena de instrumentos musicales (no se sabe porqué El Bosco relaciona la música con el castigo eterno), es la más sombría de las tres y explica que los innumerables tormentos que esperan a la Humanidad serán el pago por sus desmanes.

Personajes que defecan monedas, juegos de cartas y dados, en clara alusión a la avaricia, envuelto todo en un caos de torturas y confusión. Una sombría visión de las consecuencias de los pecados del hombre.

Se necesitan muchas horas para transitar esta maravilla datada entre 1500 y 1505, que se puede ver en el Museo del Prado de Madrid. Siempre hay algo en ella por descubrir.

Su influencia como obra moralizante ha sido enorme y muchos de los símbolos que en ella aparecen han inundado las obras de Vanitas del Barroco: juegos de mesa, monedas, instrumentos musicales, frutas, aves, etc.

2-El triunfo de la muerte. Pieter Brueghel el Viejo

Este cuadro que también se puede ver en el Museo del Prado de Madrid, lo realizó el maestro flamenco en 1562, un siglo antes de que nacieran los bodegones de Vanitas. Lo compró Isabel de Farnesio, la madre de Carlos III, en el siglo XVIII y pasó a la colección del Prado en 1827.

Es una obra moralizante que te sitúa ante el triunfo de la muerte sobre las cosas mundanas. Ésta está simbolizada por un gran ejército de esqueletos que arrasan la Tierra. Y dentro de él ya podemos ver algunas Vanitas (miradas con la sátira de Brueghel).

En la esquina derecha del cuadro encontramos un reloj de arena, marcando el final de la vida de un rey que tiene cerca unos barriles llenos de monedas (dos objetos muy utilizados en los bodegones de Vanitas). Al rey de nada le sirven ni el escudo, ni su apariencia lujosa, ni su alto rango para perecer como los demás.

Justo en la esquina contraria una pareja de enamorados son incapaces de ver que el músico que deleita su arrobamiento no es otro que un soldado de la muerte.

Influenciado por El Bosco, Brueghel inunda el cuadro de una desoladora realidad; la muerte es la vencedora inapelable ante la que es inútil resistirse. Entre los personajes desesperados, unos luchan contra lo evidente mientras otros se resignan a lo que les espera.

3-Vanitas. Anónimo holandés

En esta tabla datada en el siglo XVII, de la que se desconoce el autor, vemos una mirada sarcástica, típica de los maestros holandeses, al género de "Vanitas". El viejo avaro, sólo y rodeado de objetos que aparecen apiñados sin sentido decorativo, pura avaricia, mira asombrado al esqueleto que lleva colgado un bolso verde, ¿que llevará dentro?. Tocado con un sombrero de plumas, le dedica una canción antes de llevárselo.

Hay un cuadro, a la izquierda de la composición, en el que se ve la advertencia que ya le hizo el tétrico músico en la juventud: "memento mori": recuerda que vas a morir.

Los animales de las esquinas son también un divertido mensaje del anónimo autor. El lujurioso mono, que acaricia tranquilo la esfera terrestre mientras fuma (el tabaco como placer e indicio de mortalidad), parece expresar que con él no va la cosa, mientras el perro, símbolo de fidelidad, puede que se refiera aquí, a la interpretación iconográfica que utiliza a este animal para acompañar a los muertos en su tránsito por la laguna Estigia en su camino hacia el Hades, aunque en esta escena, el perrillo parece ladrar asustado ante el tétrico cantante.

4-Leonard Kern. El infante dormido o la alegoría del tiempo.

Del escultor alemán Leonard Kern, que se llevó de su estancia en Roma el amor por el arte clásico, traemos este "Niño Dormido" que realizó en marfil en el siglo XVII.

Es una obra de "Vanitas", que representa una alegoría del tiempo. Se puede ver en el Departamento de Artes decorativas del Louvre de París.

Sus escasos treinta centímetros retratan con una maestría, podríamos decir que minimalista, la esencia de las "Vanitas". Apoyado el brazo, sobre el que descansa su laureada cabeza, en una calavera (memento mori), que corona un reloj de arena, utilizado como un pedestal, mientras mide el tiempo de la vida.

La antorcha invertida entre sus piernas reafirma la sentencia de la muerte. El laurel que provoca sueños premonitorios, corona la cabeza del niño, que dormido nos envía un mensaje inequívoco.

5-Clara Peeters. Alegoría de la Vanidad

La pintora flamenca Clara Peeters nos dejó en este posible autorretrato del siglo XVI un bodegón Vanitas, que es una alegoría de la vanidad. La obra pertenece a una colección particular.

En ella se muestra vestida de manera lujosa, con un espejo abierto en la mano y apoyada en una mesa repleta de objetos que no son otra cosa sino muestras simbólicas utilizadas en las Vanitas.

Monedas, joyas, flores a punto de marchitarse, la bola de cristal que refleja lo que ha de venir y el generoso escote que deja ver sus pechos turgentes. Hay aquí mucha materia de la que vimos en el Jardín de las delicias.

6-Michelangelo Caravaggio. San Jerónimo escribiendo

Este "San Jerónimo escribiendo" fue una de las últimas obras de Caravaggio en su etapa romana, que se puede ver en la Galería Borguese de la ciudad eterna.

En él el santo escritor de la Vulgata aparece pobremente vestido y acompañado de una calavera para no olvidar el "memento mori".

Lejos de representarlo acompañado con el león, compañero iconográfico de este santo, reduce sus atributos al mínimo, lo representa en la pobreza más absoluta y absorto en su trabajo de escribir. Esta es una Vanitas moralizante, con un mensaje claro de cuál es la actitud a tomar si se quiere afrontar el momento de la muerte sin miedo al infierno.

La austeridad que transmite San Jerónimo fue inspiradora de la Orden de clausura monástica que lleva su nombre, que ha llevado su voz a tantos rincones de Europa. En su nombre se han fundado monasterios por muchos lugares, pero como vimos en nuestro recorrido por el Monasterio de Los Jerónimos de Belem, o el extraordinario Monasterio del Escorial, la vanidad de sus creadores se alejó mucho del mensaje del santo ermitaño.

7-Juan Valdés Leal. Las postrimerías de la vida

El maestro del barroco sevillano de cuya obra se puede ver una amplia muestra en el Museo de Bellas Artes de su ciudad, dejó en la Capilla del Hospital de la Caridad dos cuadros de Vanitas, fechados hacia 1670 que son considerados como obras cumbres de este género, no sólo por la magnífica factura técnica de ambos, si no por el nivel intelectual que derrochan.

Inspirado por "El discurso de la verdad" que escribió Don Miguel de Mañara, fundador del Hospital de la Caridad de Sevilla, Valdés Leal pintó dos lienzos conocidos como «Las postrimerías de la vida», que cuelgan en la Iglesia de San Jorge en el citado Hospital.

El primero lo tituló: In ictu oculi (En un abrir y cerrar de ojos).

La muerte, representada por un esqueleto que lleva un ataúd bajo el brazo, destroza con su guadaña la esfera celeste, mientras en un "abrir y cerrar de ojos" apaga la vela de la vida dejando sin sentido alguno los restos desordenados de todo lo que tiene poder en el mundo: una corona, una tiara, ricos vestidos y libros de eruditos científicos y de historia.

Entre éstos hay uno abierto por un grabado de Theodor van Thulden sobre un dibujo de Rubens: es uno de los arcos triunfales con que fue recibido en Amberes el cardenal-infante don Fernando de Austria tras la batalla de Nördlingen. Entre los que aparecen cerrados se ve el nombre de Plinio (quizá su Historia Natural) y la primera parte de la Historia y la vida de Carlos V, de fray Prudencio de Sandoval.

Pero las glorias del mundo acaban en el segundo cuadro: "Finis gloriae mundi" (El fin de la gloria del mundo), con dos cadáveres en descomposición en primer plano; un obispo y un caballero calatravo, como lo fue Mañara.

La muerte, paso previo para el juicio del alma, aparece como un brazo, como en un rompimiento de gloria, cuya mano sostiene una balanza con las inscripciones: Ni más, Ni menos.

En el platillo de la izquierda se pesan los pecados capitales. Sirviéndose de animales simbólicos, Valdés Leal pesa la soberbia, la gula, la avaricia o la pereza. No se necesita más para caer en pecado mortal.

Mientras que en el de la derecha, representado por rosarios, libros y enseres de iglesia, explica que no se necesita menos que la oración para salir de él.

Este "menos" enlaza con el discurso iconográfico desarrollado en la serie de cuadros de Murillo en la nave del templo. Todo el discurso artístico en esta iglesia lleva a la obra de Miguel de Mañara.

8-Antonio Pereda. La vida es sueño

Del vallisoletano Antonio Pereda traemos aquí un óleo fechado en 1650 que se puede ver en La Real Academia de las Artes de San Fernando de Madrid, titulado "El sueño del caballero".

La obra describe cómo un ángel le muestra a este caballero, vestido elegantemente a la moda del siglo XVII, entregado en los brazos Morfeo, lo efímeros que son los placeres, las riquezas, la gloria y los honores.

Una colección abigarrada de objetos, que hemos visto repetidos a lo largo de este artículo: joyas, monedas, una vela apagada, juegos, armas, un reloj, la onmipresente calavera y una careta que simboliza la hipocresía. Con ellos el autor va desgranando la advertencia del ángel, que le muestra un jeroglífico en el que una flecha vuela sobre el sol, con tanta velocidad como pasa el tiempo de nuestras vidas.

9-Cézanne. Pirámide de calaveras

Este óleo de Cézanne fechado en 1901, pertenece a una colección particular. Realizado cinco años antes de su muerte, la composición es un tétrico "memento mori" que tiene toda la fuerza de las pinceladas del maestro que sembró las bases del cubismo.

No se sabe si Cézanne, el pintor de Aix-en-Provence, realizó estos cuadros como consecuencia de ver cerca su final (hizo varias "Vanitas" en sus últimos años), o simplemente como otro tipo de bodegones, pero cambiando sus famosas manzanas por estas calaveras.

10-Carpe Diem. Mosaico romano de Pompeya.

Terminamos este recorrido con una loa al "carpe diem" representado en este mosaico romano, hallado en la libertina ciudad de Pompeya, al que le dieron el nombre de "Scheletro copiere" (esqueleto copero). Se expone en el Museo Arqueológico de Nápoles.

No es el único "carpe diem" encontrado en la ciudad de Pompeya representado en el viejo arte del mosaico. Formaban parte estas obras de los suelos del comedor de algunas casas insignes.

Aunque algunos historiadores relacionan estas obras con las religiones mistéricas orfico-dionisíacas, la interpretación más apoyada, a la que ayuda el lugar de la casa donde se encontraron, es que se trata de un claro "carpe diem". Una invitación a disfrutar de los placeres de la vida, en este caso los placeres de la mesa y más concretamente del buen vino: «mientras te quedas como yo, aprovecha y disfruta», parece ser el mensaje del viejo esqueleto compuesto con pequeñas teselas de piedra en blanco y negro, que ha llegado a nuestros días.

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"Para viajar lejos, no hay mejor nave que un libro", dijo la poetisa estadounidense Emily Dickinson. Los libros son viajes en sí mismos, pero además, muchas veces, pueden ser anticipos de viajes más reales, por despertar nuestro interés por un país, una región o una ciudad.

De lo que no cabe duda es que los viajes de ese tipo, que han sido inspirados por libros, son los mejores. Porque vamos genuinamente interesados en el destino o en ciertos aspectos o lugares. Vamos sabiendo qué mirar, y así es como mejor se viaja.

Iniciamos esta nueva serie con la intención de mezclar las dos cosas que más nos gustan: los libros y los viajes. Y la empezamos con uno de nuestros destinos favoritos, del que tanto hemos escrito. Puedes ver también nuestras sugerencias de libros sobre Venecia y sobre Berlín

Así que, sin más preábmulo, ahí van diez libros sobre Roma para profundizar en sus detalles o para, simplemente, alimentar el apetito de visitarla.

Cuatro libros sobre la ciudad

Empezamos con libros sobre Roma que pueden perfectamente actuar como guías turísticas, porque dan decenas de ideas y de razones para visitar múltiples rincones de Roma. Pero que también son lecturas enriquecedoras incluso sin estar planeando un viaje a Roma.

Roma, una historia cultural (de Robert Hughes)

Robert Hugues es un crítico de arte tremendamente popular en Inglaterra. No sólo ha escrito libros sino que ha aparecido con cierta frecuencia en televisión y ha impulsado programas y documentales divulgativos. Hace unos años dedicó un libro a Roma, que afortunadamente ha sido recientemente traducido al español.

Nos atrevemos a decir que la Roma de Robert Hugues es mejor y más útil que cualquier guía de viajes al uso. El que la lea con interés irá a Roma buscando no una lista de monumentos o de museos, sino literalmente cada piedra y cada esquina de la ciudad.

En nuestro artículo dedicado a la Piazza Navona incluímos varios fragmentos, así que recomendamos su lectura para comprobar el tipo de información que ofrece Hughes, y lo bien que lo hace.

Roma: Una historia culturalRobert HughesTapa dura. 608 páginas. Editorial Crítica.Comprar

Historias de Roma (de Enric González)

Un clásico, al igual que sus Historias de Londres. Enric González, periodista que ha trabajado como corresponsal para algunos de los medios impresos más importantes de España, ha sabido aprovechar su estancia en varias ciudades para dejarnos unos libritos deliciosos.

Las Historias de Roma son, propiamente, una colección de artículos de los temas más variopintos. Una de las más célebres, siendo Enric González corresponsal deportivo, habla de la vieja costumbre de los jóvenes italianos de improvisar partidillos de fútbol en Piazza del Campo, y cómo, amantes del viejo catenaccio, se preocupaban más por defender que por regatear.

Como esta hay miles de historias que te llevarán a lugares de Roma menos conocidos, a conocer anéctodas olvidadas o adentrarte en las costumbres de los romanos. Una lectura ligera, divertida y tremedantemente útil.

Historias de RomaEnric González TorralbaTapa blanda. 128 páginas. RBA.Comprar

Paseos por Roma, de Stendhal

Lo que me ha decidido a publicar este libro es que muchas veces, hallándome en Roma, he deseado que existiera.

Esta frase, escrita por el propio Stendhal sobre el motivo que le llevó a escribir sus Paseos romanos, debería ser suficiente. El libro es propiamente una guía de viajes, pero escrita por uno de los mejores escritores de la historia, por un enamorado de la belleza que llegó a desmayarse cuando vio por primera vez la iglesia florentina de Santa Croce.

Stendhal pasa revista de forma minuciosa a los monumentos, barrios y museos de la ciudad, y entre ellos introduce opiniones de su forma de viajar y de sus gustos. "Sólo se disfruta de Roma si se tiene educada la vista", dice varias veces. Y qué mejor manera de educarla que leer libros como este.

Mejor leerla antes de viajar a Roma, llenarla de anotaciones y llevarla con nosotros durante el viaje, para recordar lo mucho que hay que ver.

Paseos por RomaStendhalTapa blanda. 560 páginas. Alianza Editorial.Comprar

Un otoño romano, de Javier Reverte

Javier Reverte vivió durante tres meses en la Academia de España de Roma, junto al templete de Bramante, y se dedicó a rebuscar tanto entre las calles de Roma como entre viejos libros que también hablaban de la ciudad.

El resultado es un pequeña y preciosa guía, un libro destinado a los viajeros que quieren conocer la capital de Italia pero quieren hacerlo con cierta profundidad, sin seguir a los enjambres, tras los pasos, más bien, de los más egregios viajeros que los han precedido y que han dejado sus impresiones por estrito

Un otoño romano es un imprescindible antes de viajar a la ciudad eterna.

Un otoño romanoJavier ReverteTapa blanda. 320 páginas. Debolsillo.Comprar

Dos libros sobre la Antigua Roma

Buena parte de los atractivos de Roma son lugares relacionados con la Antigüedad. La bibliografía sobre este tema es amplísima y hemos querido reducirla al máximo: dejamos una recomendación para adultos y otra para niños. Dos libros que tienen la misma cualidad que los de arriba: se disfrutan tanto si uno va a viajar a Roma como si no.

SQPR, de Mary Beard

El caso de Mary Beard es muy similar al de Robert Hughes. Historiadora especialista en la Antigua Roma, hace tiempo que Beard sobrepasó el ámbito de la literatura académica y se convirtió en una celebridad. Autora de numerosos libros de divulgación sobre la vida cotidana en la Roma antigua (el libro de Pompeya es perfecto como lectura previa a la visita), es frecuente verla en tertulias radiofónicas o documentales divulgativos.

Hace pocos años decidió dar el paso y escribir una gran obra para contar la historia de Roma a los no especialistas. Y es que si Beard se ha hecho célebre es por algo: tiene talento para explicar de forma sencilla temas amplios y complejos. Sus libros son fáciles de leer y con frecuencia incitan a seguir aprendiendo.

Así que, tanto para saber más sobre la Antigua Roma para ver con más interés monumentos como el Foro o el Coliseo, este libro es lo mejor que se puede leer hoy en día.

SPQR. Una Historia de la Antigua RomaMary BeardTapa dura. 664 páginas. Editorial Crítica.Comprar

Ladrones en el foro

Si viajas a Roma con tus hijos encontrarás útil que ellos también se vayan a aficionando a la lectura y a los viajes. Este libro sin duda les plantará el interés por visitar algunos lugares, sobre todo el Foro y las ruinas de Ostia, que es por donde transcurre una divertida trama detectivesca entre la cual la autora entrelaza estupendas descripciones de la vida cotidiana en la Roma Antigua.

Ladrones en el foroCaroline LawrenceTapa blanda. 192 páginas. Salamandra.Comprar

Cuatro novelas ambientadas en Roma

Y para terminar, cuatro recomendaciones distintas: no libros sobre Roma sino novelas ambientadas, totalmente o en parte, en la ciudad eterna. No son guías, pero puede, en medio de sus tramas, te despierten apetitos voraces de descubrir lugares. Es más, lo normal es que lo hagan.

Ángeles y demonios, de Dan Brown

Dan Brown no pasará a la historia de la literatura, y conviene tomarse sus libros como lo que son: obras pertenecientes al género de la fantasía. Dicho esto, son terriblemente entretenidos, y a los que no soporten lecturas más densas les despertará el apetito de visitar iglesias y museos (que en Roma son casi lo mismo) y fijarse en detalles de obras de arte. Lo que no está nada mal.

En Ángeles y Demonios, el popular escritor americano diseña un recorrido por varias iglesias barrocas de Roma, en medio de un thriller con tintes policíacos van a apreciendo Bernini y Borromini, Miguel Ángel y Rafael, y algunos de los lugares más bellos de la ciudad.

El libro fue un éxito y tuvo también una popular adaptacion cinematográfica protagonizada por Tom Hanks.

Ángeles y demoniosDan BrownTapa blanda. 688 páginas. Booket.Comprar

El talento de Mr Ripley, de Patricia Highsmith

El primero de la saga de este popular personaje es un libro fantástico para enamorarse de la buena literatura, y también para enamorarse de Italia, pues allí transcurre en su práctica totalidad.

Thomas Ripley sale de Nueva York y recorre Nápoles, Roma, Sanremo y Venecia. Entre tensiones propias de la mejor literatura de intriga vemos desfilar a los personajes por los lugares más bellos de Roma, como esa mítica escena a los pies de la Piazza de Spagna.

El talento de Mr. RipleyPatricia HighsmithTapa blanda. 328 páginas. Editorial Anagrama.Comprar

Memorias de Adriano, de Margherite Yourcenar

Aunque no esté ambientada propiamente en Roma, sino más bien la Antigua Roma, las Memorias de Adriano no podían faltar en esta lista por varios motivos.

Sobre todo porque Adriano fue un emperador arquitecto y un emperador viajero. A él se debe el Panteón en la forma como hoy lo conocemos, y a él se debe, por supuesto, la fabulosa Villa Adriana, de la que ya hablamos en otro artículo.

Esta autobiografía ficticia de Marguerite Yourcenar, autora de novelas y cuentos exquisitos, es una catapulta a esos lugares, y además es una novela maravillosa, una de las mejores novelas históricas que se han publicado, sublime y llena de poesía.

Memorias de AdrianoMarguerite YourcenarTapa dura. 273 páginas. Edhasa.Comprar

Roma Criminal, de Giancarlo de Cataldo

Y para terminar, un cambio de aires hacia la Roma más moderna y también más oscura. Romanzo Criminale es el título de una novela escrita por un juez de la Corte de Roma, Giancarlo de Cataldo. Al español se tradujo como Roma Criminal aunque el título original significa Novela Criminal, y con ese mismo título se estrenó una exitosa serie en Netflix.

La novela te llevará por la Roma del lujo más absoluto y también por los barrios de la periferia, donde no hay nada de la belleza que venimos comentando durante todo el artículo. Un contrapunto necesario, sobre todo porque es una novela excelente.

Roma criminalGiancarlo De CataldoTapa blanda. 160 páginas. Roca.Comprar

La entrada Diez libros sobre Roma para conocerla mejor se publicó primero en Ruta Cultural.

De Miguel Ángel hay obras repartidas por todo el mundo. En concreto en Italia, se encuentran obras de «El Divino» en Milán, en Siena, en Bolonia. Pero las ciudades que vieron crecer la obra del insigne toscano fueron sobre todo Florencia y Roma. A ellas nos dirigimos hoy.

Miguel Ángel nació el seis de marzo de mil cuatrocientos setenta y cinco en Caprese, hoy Caprese Michelangelo, en la provincia de Arezzo. Aunque si leemos «Las Vidas de Giorgio Vasari» creeríamos que nació en Florencia:

…Y como vio (Dios) que en tales ejercicios y en esas singulares artes, es decir, en la pintura, en la escultura, y en la arquitectura, los ingenios toscanos siempre han sido más elevados y grandes, más observantes de los esfuerzos y los estudios de todas las facultades que los del resto de Italia, quiso darle por patria Florencia…

A Vasari le gustaba adornar mucho las cosas, pero al fin y al cabo Miguel Ángel nació en la bellísima Toscana, en eso no miente, y si consideramos como patria el lugar en el que se formó técnica e intelectualmente, su patria, la del artista, fue Florencia.

Con trece años entró en el taller del mejor fresquista florentino de la época, Domenico Guhirlandaio, donde aprendió a dejar en el revoque de los muros entre la humedad de la cal, las mezclas de colores que crearon símbolos del arte como su obra en La Capilla Sixtina.

Pero aquel adolescente quería ser escultor. Creció en Settignano, el pueblo de su nodriza, entre picapedreros que esculpían dinteles, columnas y escaleras para los palacios florentinos. Algo que marcaría para siempre a aquel joven que tuvo claro desde muy pequeño que se quería dedicar al arte.

Tuvo la suerte de coincidir en el tiempo con Lorenzo de Medici «El Magnífico», que quería revitalizar la escultura y la potenció en la Escuela de pintura y escultura, que Cosme de Medici «El Viejo» tenía en su jardín. En ella fue admitido Miguel Ángel. Entre los setos de aquel jardín emergía una colección de mármoles griegos, pertenecientes a la colección de Los Medici. Con quince años, Miguel Ángel se sentaba a la mesa de la familia Medici y asistía a tertulias entre los espíritus más refinados de su tiempo. Allí se formó el humanista cuyo arte uniría el final del Renacimiento con los albores del Barroco. Manierista grandioso, Miguel Angel cierra en Florencia, donde comenzó, el periodo renacentista. Vasari lo cuenta así:

…dignísima (Florencia) entre todas las ciudades, para colmar finalmente en ella, como se merece, la perfección de todas las virtudes, por medio de un hijo suyo, y después de haber mostrado ya su gran y maravilloso origen con Cimabue, Giotto, Donato, Filippo Brunelleschi y Leonardo da Vinci, no se podría sino creer que con el paso del tiempo tendría que revelarse un ingenio capaz de mostrarnos (gracias a su bondad) la infinita perfección del final…

Su relación con Los Medici fue una relación de amor odio. Fueron sus primeros protectores y siempre sus entregados admiradores, hasta el punto de perdonarle que se pusiera de parte de Savonarola y de la República de Florencia. Convirtiéndose de nuevo en sus mecenas cuando volvieron al poder. Sus últimos años los pasó en Roma, al servicio del papado.

El camino de su talento le condujo a la pintura, a la escultura y a la arquitectura. Y en todas estas artes fue considerado, y sigue siéndolo hoy, un autentico maestro. Por algo le apodaban sus contemporáneos «El Divino».

Miguel Ángel y su obra en Florencia

Fue Florencia, donde su familia se había trasladado, el lugar en el que comenzó a deslumbrar con su manera única de crear.

Cuando Lorenzo «El Magnífico» decidió potenciar la escultura, buscó en la afamada escuela de Ghirlandaio a los mejores alumnos para la escuela del jardín de su palacio en la Plaza de San Marcos. Allí esperaba a Miguel Angel, el viejo escultor florentino Bertoldo di Giovanni, un buen maestro influenciado por Donatello.

Y allí estaba ya Pietro Torrigiano, un grandísimo escultor, quien celoso de la rápida fama del carismático Miguel Angel, durante una discusión le propinó tal puñetazo que le rompió la nariz al «artista de los ojos de los Medici». Aquello le costó a Torrigiano el carísimo precio de marcharse de Florencia. Después de trabajar en Inglaterra recaló en la rica Sevilla del siglo XVI, donde murió encarcelado acusado de herejía (era todo un carácter). En el Museo de BBAA sevillano se pueden disfrutar dos espectaculares imágenes salidas de sus manos.

A Miguel Ángel le quedó para siempre el estigma de su rota nariz, y lo mejor por llegar.

Si estás en Florencia te encontrarás con Miguel Ángel sin buscarlo. Pero vamos a dar un paseo por su ciudad buscando algunas de sus más emblemáticas obras:

LA CASA BUONARROTI, una de sus viviendas en Florencia, es hoy un museo consagrado a Miguel Ángel en el palacio de la familia Buonarroti, construido y restaurado posteriormente por sus sobrinos siguiendo un diseño del propio Miguel Ángel, del que tienes toda la información aquí. Allí encontrarás una más que interesante colección de obras de Miguel Ángel, como el Hércules con Caco, o la extraordinaria Centauromaquia, reunidas a lo largo de los siglos por la familia Buonarroti, descendientes de su hermano, pues él no tuvo hijos. Entre otras muchas joyas destacamos:

– La Virgen de la Escalera (+-1491) Con tan sólo 16 años Miguel Ángel refleja toda la ternura de una madre que amamanta a su hijo y que sirve de escalera hacia el cielo, sentada en la piedra angular de la iglesia (San Pedro). En esos cinco escalones, como cinco son las letras del nombre de Maria, el joven Miguel Ángel comienza a dar muestras inequívocas de la grandeza de su obra.

En la BASÍLICA DEL SANTO SPIRITO, se encuentra un Crucifijo de madera fechado en 1492, un cuerpo tan sutil y delicado, tan alejado de las figuras musculosas propias del genio, que aún suscita dudas sobre su autoría. Todo apunta sin embargo a que este crucifijo salió de sus manos. Después de la muerte de su gran mecenas Lorenzo el Magnífico, Miguel Ángel fue hospedado en el convento del Santo Spirito en el año 1492. En agradecimiento a la hospitalidad Miguel Ángel realizó este crucifijo que se dio por perdido durante la dominación francesa, hasta su recuperación en el año 1962, en el mismo convento, cubierto con una espesa capa de pintura que lo hacía, casi irreconocible.

– En el MUSEO DEL BARGELLO hay joyas creadas por Miguel Ángel, como Hércules y Caco, o el David-Apolo. Nos paramos en el espléndido:

– Baco fechado en 1497. Es considerado como su primera gran obra. Lo realizó en Roma llegó pero llegó a Florencia porque lo compró Francisco I Medici en 1572 por 240 ducados. Sobre éste Baco cuenta Vasari:

…a escala mayor que el natural, con un sátiro alrededor, en el que se aprecia que quiso lograr una mezcla maravillosa de miembros, y particularmente, dotarlo del talante despierto de la juventud del varón y la carnosidad y la redondez femeninas…

Más de dos metros de mármol en los que Miguel Ángel esculpe una loa al hedonismo y a la alegría de vivir.

– El Tondo Pitti. Fechado en 1503/4, es una escultura en relieve de mármol en la que aparece un rasgo distintivo de Miguel Angel: el stacciato, patente en la figura de san Juanito, que parece emerger del fondo del mármol. La Virgen rompe con su cabeza la forma circular, y gira su cuerpo, y el niño apoya el suyo en un libro sostenido por la Madre. Dos altorrelieves que llenan la escena de vida. Al nervio de esta escena contribuyen una serie de líneas horizontales y oblicuas, correspondientes a los pliegues del ropaje, el libro o los brazos de los personajes.

– En la GALERÍA DE LA ACADEMIA se encuentra el famoso David. Un coloso de más de cinco metros que realizó Miguel Ángel después volver de Roma, donde había dejado a todos impactados ante La Piedad del Vaticano. Fue un encargo de la Opera del Duomo para colocarlo sobre uno de los contrafuertes de la iglesia. Pero Miguel Ángel esculpió un David más civil que religioso en un momento, 1504, en el que había una importante tensión política en Florencia.

En una pieza de mármol estropeada por otros escultores, Miguel Ángel rompe los cánones de David, hasta entonces un chico menudo con zamarra y zurrón y convierte en un poderoso monumento al héroe bíblico que ha vencido a un gigante. La República Florentina había vencido a los poderosos Medici, y aquel imponente David de más de cinco metros habría de custodiar la entrada al Palazzo della Signoria, convirtiendo así un encargo eclesiástico en un símbolo ciudadano. Con tan sólo 25 años Miguel Angel crea el símbolo de Florencia.

Hoy una réplica ocupa su lugar mientras el original se protege en las salas de la Galería de la Academia.

En la sala que precede al David, pugnan por salir de la piedra cuatro prisioneros (prigioni) esculpidos entre 1521 y 1523 para la tumba de Julio II, la gran frustración de Miguel Angel, y un San Mateo que dejó sin terminar precisamente por acudir a Roma para construir la tumba de Julio II.

Y en La Academia se encuentra también La Pietá Palestrina esculpida en un gran bloque de mármol romano de la época imperial, que tiene en su parte trasera la decoración de una hoja de acanto, y que formaría parte de un arquitrabe antiguo. Es una atribución realizada en sus últimos años.

Hay otra obra destinada a esta tumba papal, es El Genio de la Victoria, que se encuentra en el Salón del Cinquecento del PALAZZO VECCHIO

Una obra imprescindible del genio toscano se encuentra en el MUSEO DE LA OPERA DEL DUOMO. Es La Pietá Bandini, también realizada en Roma entre 1547/53. Sus más de dos metros emplazados en un pequeño espacio, dejan sin aliento a quien la mira.

La esculpió Miguel Ángel para su tumba en la basílica de Santa María la Mayor en Roma, pero cambió de opinión y quiso ser enterrado en Florencia. Se la vendió a Francesco Bandini que la tuvo en su villa romana hasta su traslado y colocación en la iglesia de San Lorenzo de Florencia por Cosme III Medici en 1674. Allí estuvo hasta que en el año 1722 fue trasladada a Santa María del Fiore y desde 1960 se expone en el Museo de la Catedral.

– En la GALERÍA DE LOS UFFIZI hay una tabla conocida como El Tondo Doni o Sagrada Familia pertenece al periodo en el cual Miguel Ángel regresó a Florencia después de su primera estancia en Roma, el mismo periodo en el que el artista esculpió el famoso David. Fechada en los años 1506/8, es considerada una de las obras maestras del siglo XVI del arte Italiano. Es la única pintura de Miguel Angel en Florencia.

Encargada por el rico banquero Agnolo Doni, probablemente en ocasión de su matrimonio con Magdalena, perteneciente a la importante familia de los Strozzi. A cuenta del Tondo tuvo un rifirrafe el artista con el banquero, pues le pidió setenta ducados por la obra y a Doni le pareció muy caro e intentó pagarle cuarenta ducados. Miguel Angel le exigió entonces ciento cuarenta ducados, que tuvo que pagar Doni para quedarse con la obra.

Las figuras de María, José y el Niño se agrupan en el volumen central en el que la rotación de la Virgen da a la composición un movimiento en espiral que posteriormente será usado por muchos artistas. Detrás un grupo de jóvenes desnudos rememoran un tema clásico que simboliza la humanidad pagana que aún desconoce la doctrina cristiana. El espléndido marco de madera tallado, fue diseñado por el mismo Miguel Ángel.

El Tondo Doni sentará las bases del denominado Manierismo, un estilo de pintura que busca posturas poco naturales, y colores iridiscentes, alejándose de las composiciones equilibradas del siglo XV.

En cuanto a la arquitectura de Miguel Ángel en Florencia, además de la reforma en el primer piso del Palacio Medici-Riccardi, cuya Capilla de Los magos ya visitamos, donde se abrían cinco grandes arcos de medio punto que fueron tapiados y sustituidos por ventanas por Miguel Ángel.

Diseñó la fachada de la BASÍLICA DE SAN LORENZO, que no se llegó a construir, y en medio de sus idas y venidas a Roma, comenzó la construcción de la Biblioteca Medicea Laurenciana, en la misma Basílica, que terminaron Bartolomeo Ammannati y Giorgio Vasari. Y diseñó y construyó para la misma Basílica, la Sacristía Nueva que forma Parte de La Capilla de los Príncipes, Mauselo de los Medici, que hoy es un museo estatal.

La Sacristía Nueva es na obra maestra tanto en arquitectura como en escultura en la que trabajó Miguel Ángel desde 1520 hasta 1534, cuando se trasladó definitivamente a Roma. Esta es una visita imprescindible para captar toda la grandiosidad del genio toscano, que permite captar los cambios que iban llegando sobre el Renacimiento.

Miguel Ángel se inspiró en la Sacristía Vieja de Filippo Brunelleschi en la misma iglesia de San Lorenzo, construida un siglo antes, pero ya se ven algunas innovaciones que anuncian el manierismo y el barroco.

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Miguel Ángel se marchó a Roma y dejó incompletas algunas estatuas de los sepulcros del duque de Nemours y del duque de Urbino, pero sobre todo dejó sin hacer las sepulturas de Lorenzo el Magnífico y su hermano Juliano de Médici, que según los diseños iban a ser monumentales.

Y Miguel Ángel se instala en Roma definitivamente

Pero Miguel Ángel no se encontraba a gusto con la situación política de Florencia y en 1534, abandonó la ciudad y se estableció en Roma, donde aceptó el encargo de Clemente VII (hijo natural de Juliano de Medici) para trabajar en el altar de la Capilla Sixtina. Ya había trabajado Miguel Ángel en la famosa capilla vaticana, nada menos que había decorado su bóveda entre 1508 y 1512, por encargo del papa Julio II.

De modo que en Roma, tienes que dirigirte al Vaticano para empaparte de la última etapa creativa de Miguel Ángel. La más portentosa, la más alabada en el mundo del arte.

La bóveda de La Capilla Sixtina fue todo un alarde de genio y voluntad. Ante lo magnífico del proyecto pidió en principio ayuda a otros artistas, especialistas en frescos. Pero una vez hizo las pruebas decidió que no le entendían y afrontó prácticamente solo el proyecto. Encerrado y en secreto, no dejaba ver los avances de la obra ni al propio Julio II. Acabó en cuatro largos y agotadores años la que sería un punto de referencia inexcusable en la Historia del Arte.

El fresco que mide 13 x 36 metros, en el que Miguel Ángel deja de lado la perspectiva del siglo XV, y dispone las monumentales figuras según una jerarquía de dimensiones y expresión. Unificando las diversas partes de esta nueva y heroica humanidad, la grandiosa distribución arquitectónica, concebida como una sucesión de arcos de triunfo bajo los que pasa el cortejo pontificio para llegar al altar.

Con un diseño en el que se palpa un sincretismo pagano-cristiano, propio del humanismo, Miguel Ángel reparte por la bóveda de la Sixtina, profetas y sibilas que contemplan pasajes bíblicos como el Diluvio Universal, el Sacrificio de Noé, o el Pecado Original y la Expulsión del Paraíso. Deja constancia de la creación del hombre y la mujer, de las plantas, del sol y la luna, de la separación de la luz y las tinieblas, de luchas como las de David y Goliat, o Judit y Holofernes, y relata las historias que explican la vida de los antepasados de Cristo.

Y todo ello con un alarde técnico extraordinario y dando rienda suelta a una libertad de formas que se alejan definitivamente del mundo clásico. La bóveda de la Capilla Sixtina es la subida a las alturas de un cambio de rumbo en el mundo del arte, pasaba el Renacimiento y se abría la puerta a nuevas formas de expresión.

Entre los años 1536 y 1541, realizó el magnífico Juicio Final. La idea de Clemente VII, la continuó su sucesor Paulo III. En el altar Sixtino, Miguel Ángel despliega toda la terribilitá de un Juicio Divino.

Cambia la Mandorla románica por un halo de luz en el que presenta a un Cristo juez acompañado por su Madre, y los rodea de santos y bienaventurados. Condenados y justos se reparten el espacio del cielo y el infierno, mientras que los ángeles portan las trompetas del Juicio Final. Y Mientras Caronte conduce a las tinieblas a los condenados, en el lado contrario las almas que han purgado sus penas, resucitan a la vida eterna.

Un mes antes de la muerte de Miguel Ángel, el Concilio de Trento aprobó la censura de los desnudos del Juicio y el pintor Daniel Volterra se encargó de vestirlos. Volterra falleció dos años después de comenzar los conocidos «braghettoni» sin llegar a terminarlos. Posteriores intentos de terminar las vestimentas y varias restauraciones acabaron en 1994 con una restauración que le devolvió al fresco la unidad general y la luminosidad de las pinturas.

En la Capilla Paulina pintó por decisión de Paulo III, dos frescos en los muros que aún quedaban sin decorar. La conversión de san Pablo (en honor del papa) y la Crucifixión de san Pedro, el martirio de la primera cabeza de la Iglesia. Le costó mucho hacerlas, pues su salud llevaba tiempo dándole problemas.

Hasta 1550 fue haciendo obras para La tumba de Julio II, su gran frustración. El monumento funerario de su gran mecenas, lo diseñó y lo resideñó Miguel Ángel en varias etapas llenas de desengaños. EL conjunto escultórico y arquitectónico lo empezó en 1505 y no estuvo terminado hasta 1545, con una escala mucho menor que la inicial, con todo el pesar del artista.

Diseñada para la basílica de San Pedro del Vaticano, el lugar de enterramiento de los papas, se instaló finalmente, como cenotafio (es decir, sin alojar el cuerpo del difunto) en SAN PIETRO IN VINCOLI, iglesia protegida por la familia della Rovere, de la que procedía Julio II.

La basílica, del siglo V merece por sí sola una visita, pero además en ella espera el Moisés de Miguel Ángel. Se cuenta que viendo que era una de sus obras con más vida, Miguel Ángel golpeó con su martillo la rodilla derecha de la imagen, y le gritó: ¡ahora, habla! La verdad es que puede verse un desperfecto en ese lugar.

Ya vimos cinco esculturas de esta tumba en Florencia, y hay además dos esclavos realizados para ella en el Museo del Louvre.

Participó también en las obras de la BASÍLICA DE SAN PEDRO tras la muerte de Sangallo en 1546. Paulo III le encargó la dirección de las obras a Miguel Ángel. Bajo su dirección se alzaron los muros del ábside, de una imponente monumentalidad. Pero la más importante aportación del toscano fue la gran cúpula que se encuentra justo sobre el altar mayor y el sitio donde la tradición dice que se localiza la tumba del apóstol San Pedro.

Veinticuatro años después de la muerte de Miguel Ángel, fue concluida la cúpula según el diseño definitivo de Domenico Fontana y Giacomo della Porta, que apenas variaron los planes del maestro.

Fechada entre los años 1498/99 se puede ver en la BASÍLICA DEL VATICANO la primera Pietá que realizó Miguel Ángel. Una Virgen María, joven, bellísima, muestra del idealismo renacentista que aun impregnaba al joven artista. Por motivos de seguridad, pues ya sufrió un atentado, hay que verla a cierta distancia y tras una protección que impide ver bien los detalles.

Vasari dijo de ella:

«es una obra a la que ningún artífice excelente podrá añadir nada en dibujo, ni en gracia, ni, por mucho que se fatiguen, en fortaleza, en poder de finura, tersura y cincelado del mármol»

Cuando falleció Miguel Angel se tuvo que llevar el cadáver en secreto a Florencia su sobrino, pues la Ciudad Eterna se disputaba el honor de su enterramiento.

…oculta el cuerpo de Miguel Ángel en un rollo de ropa y lo carga en un carro con otras mercancías, el cuerpo del artista llega a Florencia 3 semanas más tarde, el 10 de marzo de 1564. Es depositado en la Compagnia dell’Assunta, detrás de San Pier Maggiore y dos días después es transportado a Santa Cruz, en la noche, por los artistas de la Academia, en medio de una inmensa multitud de personas, a la luz de las antorchas.

Descansa en la maravillosa Basílica de La Santa Croce de Florencia, en una tumba diseñada por Vasari. Allí han recibido sepultura religiosa las grandes familias y las corporaciones de la Florencia medicea. Ha sido laboratorio y taller artístico —humanista a comienzos del Renacimiento— y centro teológico. Panteón de las glorias italianas hasta convertirse en un lugar de referencia en la política de la Italia del Risorgimento, o reunificación italiana, de mediados del siglo XIX. Algo que caracteriza a Santa Croce son las casi 300 tumbas que hay en la iglesia. En sus lápidas se pueden ver distintas fechas entre los siglos XIV y XIX. Algunos de los personajes más conocidos que reposan en Santa Croce son Galileo Galiei, Maquiavelo o Lorenzo Ghiberti.

Cuando Vasari terminó su libro «Las Vidas» aún vivía Buonarroti, con cuya vida lo termina:

…Y que nadie se extrañe de que yo haya relatado aquí la vida de Miguel Ángel, estando él aún vivo, porque, como no se espera que deba morir nunca, me ha parecido conveniente hacerle este escaso honor, que cuando bien abandone el cuerpo, como el resto de los hombres, no encontrarán nunca la muerte de sus inmortales obras, cuya fama vivirá siempre gloriosamente mientras dure el mundo, por medio de las bocas de los hombres y las plumas de los escritores, a pesar de la envidia y a pesar de la muerte.

Corría el año 1550. Miguel Ángel Buonarroti falleció en 1564, pero como bien escribió Vasari, sigue vivo en su obra.

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La Piazza Navona es uno de los espacios públicos más maravillosos de Roma. Tiene tres fuentes espléndidas, una iglesia monumental, el toque genial de Bernini y Borrimini y un ambiente lleno de vida, especialmente al atardecer.

Por si fuera poco, está en el corazón de la Roma barroca. Tiene cerca el Tíber, Castel Sant’Angelo y el Vaticano, y casi al lado San Luis de los Franceses y el Panteón.

Si quieres darte un capricho o celebrar una ocasión especial, reserva una habitación con vistas en el hotel Rhea Silvia Navona. Tienen habitaciones con balcones que dan al centro de la plaza, al obelisco y a la fachada de Santa Inés. El precio es alto pero no prohibitivo. Y como es natural, vuelan. Es recomendable reservarlas con mucha antelación.

La Piazza Navona es un lugar para pasar y para quedarse, para ver una y otra vez, para enamorarse de Roma. No hace falta hacer colas, planificar horarios ni reservar entradas para disfrutarla. Y es un lugar que lleva ahí siglos, que tiene un historia antiquísima. Su extraña forma tiene que ver, de hecho, con su antigüedad.

Al fin y al cabo, ¿dónde se ha visto una plaza así, tan larga, tan estrecha, con tantas fuentes y con uno de sus extremos de forma ovalada?

Capítulo 1 El estadio de Domiciano

Durante los primeros siglos de Roma, toda esta zona estaba fuera de la ciudad, más allá de las murallas servianas. Desde muy antiguo lo habían utilizado los militares para sus entrenamientos, y en algún momento desconocido, alguien debió sufragar un pequeño templete dedicado al dios de la guerra, Marte. De ahí salió su nombre: el Campo de Marte.

Con el tiempo las cosas han cambiado mucho. Hoy es uno de los veintidós barrios de Roma. Ya no tiene nada de campo ni se utiliza para la guerra. De hecho, es el verdadero centro de Roma y está plagado de calles antiguas y monumentos. Lo que no ha perdido es el nombre y está bien que así sea. Es un nombre bonito, el Campo de Marte.

Fue en tiempos de Augusto cuando se urbanizó. La Siete Colinas se habían quedado pequeñas y los romanos más ricos buscaron áreas más espaciosas donde construir sus domus y sus villae. El Campo de Marte estaba cerca del centro y el Tíber dibuja allí un bonito meandro que lo protege y lo refresca. Además, había espacio de sobra.

La idea fue de Julio César –siempre adelantado a su tiempo– pero, como tantas otras, el que la puso en marcha fue su ahijado. Augusto construyó allí su mausoleo, su hermoso altar de la paz, su gigantesco reloj de sol. Se instaló en el Monte Palatino por motivos simbólicos, pero la Roma de Augusto es básicamente esta: el Campo Marzio, un campo de la guerra grandioso, marmóreo y sin soldados.

Allí nació la Piazza Navona, unos ochenta años después.

Domiciano fue uno de esos gobernantes que no quisieron o no supieron rodearse de una corte de aduladores escritores y artistas. Como consecuencia, todos los historiadores antiguos hablaron mal de él.

Los modernos dicen en cambio que no fue para tanto. Que, de hecho, fue un gobernante eficaz, un buen líder y un gran gestor. Lo que está claro es que fue el creador de la Piazza Navona.

La extraña forma de la plaza se debe a que nació como una instalación deportiva.

¿Un circo para las carreras de cuadrigas?

No exactamente, aunque muchas guías lo digan así. Nunca fue un circo, sino un estadio. Algo muy parecido, en realidad, a nuestros modernos estadios de atletismo. No se utilizaba para carreras de carros sino para competencias atléticas, para carreras a pie.

En aquella época Roma ya tenía un circo, uno espléndido y colosal llamado, no por casualidad, Circo Máximo. No hacía falta otro, ni había espacio para él en el ya abigarrado Campo de Marte.

Lo que ocurrió fue que los romanos se aficionaron a la costumbre griega del atletismo.

Cualquiera que haya paseado por el Circo Máximo sabrá que aquello no servía para las carreras a pie. Sería como poner a un atleta moderno por un circuito de fórmula uno. Había que construir algo más coqueto, más pequeño, y eso fue lo que hizo Domiciano. En sus gradas cabían veinte mil personas y justo al lado se edificó un Odeón, un pequeño teatro para conciertos de música y de poesía.

Ese fue el origen de la Piazza Navona. El Estadio de Domiciano le dio su forma alargada y estrecha. Y parece que también le dio su nombre moderno. Eso dice Robert Hugues, un experto crítico de arte y literatura que ha escrito uno de los más exquisitos libros dedicados a la ciudad de Roma (sin duda la mejor lectura que se puede hacer antes de visitarla):

Al ser un lugar donde se realizaban intensos esfuerzos físicos, se había llegado a conocer como circus agonalis o platea in agone, lo cual fue transformado por el dialecto romano en «Plaza Navona».

Voilà. Hoy, sentados en sus elegantes –y carísimas– terrazas para turistas, viendo al ajetreo de los pintores y los vendedores ambulantes, cuesta imaginar la elegante piazza con su suelo de arena y sus gradas llenas de enfervorecidos seguidores y apostantes. Pero existió. En este mismísimo lugar. Hace casi dos mil años.

Después de Domiciano se sabe que el estadio se utilizó a veces para espectáculos de gladiadores, y ahí podemos incluir cualquier barbaridad imaginable.

Es un suelo, el de la Piazza Navona, bañado de sangre, y no solo de gladiadores.

Cuando la persecución de los cristianos alcanzó su fase más grave a muchos los ejecutaron allí, en la arena o entre las viejas gradas. Hombres y mujeres como santa Inés, en cuyo honor se levantaría, siglos después, la iglesia que hoy domina la piazza.

Cuando el Imperio cayó quedaron pocos viviendo en Roma. Los que lo hicieron solían ocupar los viejos monumentos abandonados. Las gradas del estadio de Domiciano se convirtieron en vivendas. Parte de la arena quizá albergó también algunas casas improvisadas, y otra parte debió convertirse en lo que es hoy: un lugar de encuentro, una plaza. La Piazza Navona es seguramente una las plazas más antiguas del mundo.

Capítulo 2 El martirio de Santa Inés

La iglesia romana siempre ha tenido especial cariño a las primeras mártires vírgenes cristianas, cuanto más hermosas mejor. Una de las primeras, a la que más se ha honrado de todas, y la única a la que se le dedicó una iglesia de peregrinación, fue santa Inés, del siglo IV, cuya fe se mantuvo tan incólume a lo largo de sufrimientos (infligidos, según una versión, durante la persecución de Diocleciano, mientras que otros afirman que fue la de Decio) que habrían hundido a cualquier virgen normal.

Santa Inés debía tener doce o trece años. Había cometido el crimen de declararse públicamente cristiana cuando un edicto imperial lo prohibía expresamente. Cuentan las fuentes que una cohorte de paganos enfurecidos la agarraron y la desnudaron, pero que sus cabellos crecieron súbitamente para ocultar su cuerpo. Un joven lujurioso propuso entonces humillarla destinándola a un burdel, pero mientras se deleitaba mirando su cuerpo Dios lo dejó ciego. Al final la mataron a espadazos.

Tiempo después, en el lugar del martirio construyeron un santuario al que llamaron Sant’Agnese in Agone, Santa Inés en Agonía. En la Edad Media Roma carecía de riqueza, pero los fieles lo fueron ampliando, poco a poco.

Cuando llegó el Renacimiento, con su esplendor y su dinero, y más tarde el Barroco, con sus grandes familias y sus grandes mecenas y sus grandes arquitectos, alguien se ocupó por fin de convertir la modesta iglesia de Santa Inés en un templo monumental, a la altura su historia.

El dinero vino de una familia de nuevos ricos, los Pamphilj o Pamphili. La maestría, de tres arquitectos: uno menos conocido, Rainaldi, y los dos monstruos de la época: Bernini y Borromini.

Borromini rediseñó la fachada de Santa Inés como una curva cóncava y ovalada entre los campanarios que esta tenía a cada lado. La fachada de la iglesia que se ve desde la plaza, por consiguiente, es un palimpsesto de la obra de tres arquitectos: Borromini hasta la comisa, después un frontón clásico realizado por Bernini, y finalmente la cúpula y las partes superiores de los campanarios, que son obra de Rainaldi. Es un caballo diseñado por un comité.

En el interior se conserva la reliquia del cráneo de Santa Inés, y también el sepulcro monumental del papa Inocencio X. Giovanni Battista Pamphili fue quien sufragó la renovación de la iglesia y el palacio adyacente y las grandes fuentes de Bernini. Su dinero pagó la Piazza Navona tal y como la conocemos hoy en día.

Capítulo 3 El orgullo de los Pamphili

Los Pamphili habían llegado a Italia –eso dicen ellos– en la época de Carlomagno. Se asentaron en la preciosa ciudad de Gubbio y allí debieron prosperar como pequeños signori hasta que, a mediados del siglo XV, se trasladaron a Roma.

Era donde debía estar cualquier familia ambiciosa, y los Pamphili lo eran. Iniciaron entonces una política de alianzas matrimoniales que los llevará a convertirse, casi dos siglos después, en el clan aristocrático más rico e influyente de la ciudad.

En la época de Bernini y Borromini, de las fuentes y las plazas, eran ya los dueños del dinero y del poder. Uno de ellos, Giovanni Battista, se convirtió entonces en el papa Inocencio X.

La Piazza Navona era uno de los pocos lugares de Roma que aún se podía engrandecer y embellecer. Inocencio asumió la tarea y la convirtió en un espacio dedicado a la glorificación pública de su familia. Construyó el Palacio Pamphili como anexo a la iglesia de Santa Inés, cuya renovación también financió. En su día, iglesia y palacio estaban conectadas secretamente, al estilo de los Medici.

Junto a los dos edificios estaba también el palacio familiar de los Doria (curiosamente estas dos familias se unirían siglos después), pero la vieja platea in agone era otra cosa. Un magnífico espacio abierto, como hoy, lleno de vida:

frecuentada tanto por los gerifaltes que daban su passeggiata vespertina como por todo tipo de malabaristas, contorsionistas, carteristas, proxenetas, prostitutas, vendedores ambulantes y patanes cuyos descendientes aún abarrotan la plaza cuando empieza a oscurecer.

Cuenta Robert Hughes que hasta finales del siglo XVIII la plaza se inundaba con agua de cuando en cuando, y los romanos se refrescaban allí mientras un desfile de carruajes tirados por caballos desfilaban dando vueltas a su alrededor.

Debió de ser un espectáculo realmente digno de verse, aunque la inmersión prolongada en el agua no debió de hacer demasiado bien a los chasis y las ruedas con radios de madera de las carrozze. Pero a veces un romano no tiene más remedio que mostrar una bella figura, aunque su carruaje se deforme.

La Piazza Navona en la época barroca fue un centro para el teatro callejero, para las procesiones y las ceremonias folklóricas. Una de las más famosas era la Giostra del Saracino, una competición de justas en la que el blanco de las lanzas era una efigie de un sarraceno montada sobre un poste.

Pero ninguno de estos placeres del effimero barocco podía compararse con lo que Inocencio X, mediante las atenciones dispensadas por Bernini, hizo de la plaza.

Faltaba algo, en efecto. Una decoración, un detalle festivo y lúdico, en el centro de ese amplio y monumental espacio vacío. Faltaban las fuentes.

Capítulo 4 Un etíope, un dios y cuatro ríos para terminar la Piazza Navona

El problema es que el papa no podía llamar a Bernini.

El gran Gian Lorenzo había sido el artista preferido del pontífice anterior, Urbano VIII, que pertenecía a la denostada familia de los Barberini. Los Barberini y los Pamphili no se llevaban bien, y Bernini había levantado para los primeros el Baldaquino del Vaticano y otros muchos encargos.

Inocencio X no podía valerse del mismo, pues sería como admitir que su predecesor había hecho algo bien.

Y aunque Bernini era un grande, había más opciones. Un tal Francesco Borromini anda suelto, y todo hacía indicar que sería el nuevo dominador, el arquitecto de cabecera de los Pamphili.

Cuando el proyecto de una fuente monumental frente a Santa Inés salió a concurso, Bernini estaba vetado y Borromini planteó un proyecto ganador. Ideó incluso un acueducto que llevara agua a una fuente colosal que representaría cuatro ríos como símbolos de las cuatro regiones del mundo conocido. Era irresistible.

Sin embargo, ganó el proyecto de Bernini.

Dicen que recibió la ayuda de un amigo poderoso, el príncipe Nicolás Ludovisi, muy amigo del Papa.

"Diseña la fuente", le dijo, "y yo me encargaré de que la vea el Papa". Y Bernini diseñó la fuente. Y Ludovisi la colocó en una estancia de paso en el Palacio Pamphili. Y el Papa la vio. Y dicen que dijo:

Será necesario emplear a Bernini a pesar de quienes no lo desean, pues aquel que no desee valerse de los planes de Bernini debe tener cuidado de no verlos.

Suena todo demasiado apócrifo, pero no hay duda de que Bernini supo tocar la fibra sensible de cualquier familia poderosa: su proyecto era un halago profundo al orgullo de los Pamphili.

La fuente incluía una abigarrada fantasía de monstruos marinos que simbolizaban los cuatro ríos como símbolos de los cuatro continentes. La idea no era suya, sino de Borromini, aunque en realidad proviene de la mitología griega y de la forma como normalmente se representaba el paraíso.

El paraíso heleno contenía, en su centro, una fuente o un mantantial, desde el cual manan cuatro ríos que riegan las cuatro partes del mundo. El Gihón, el Pisón, el Tigris y el Éufrates. Como en la época de Bernini el mundo conocido era más extenso, los nuevos ríos fueron el Danubio, el Nilo, el Ganges y el Río de la Plata.

Pero Bernini tuvo la idea genial de incluir, en medio de ellos, un obelisco egipcio. Se conservaba en el circo de Majencio, en la Via Appia, y él lo trasladó y lo puso sobre la montaña de Travertino de los Cuatro Ríos. Y en lo más alto, en el piramidión, colocó una paloma de bronce.

La paloma era el símbolo del Espíritu Santo. Pero también era el símbolo de los Pamphili.

Todo aquello sería un asombroso golpe de efecto: ese enorme obelisco sostenido sobre un agreste arco de piedra, de pie en un vacío sobre el agua; una imagen del mundo, imago mundi, sin parangón en la escultura anterior.

El mensaje era tan obvio y tan atractivo que el papa no pudo negarse.

Del paraíso surgen los cuatro ríos que riegan el mundo, pero ya no con el mensaje de los dioses paganos sino con la palabra de Cristo, que ha vencido sobre todos los paganismos del mundo conocido. Y sobre el obelisco, la paloma. La paloma de los Pamphili, custodios allá arriba del mensaje divino.

Tan contento quedó el Papa que le hizo a Bernini otro encargo para su plaza.

Varias décadas llevaban adornando los extremos de la piazza dos fuentes monumentales. Las había realizado Giacomo della Porta para celebrar la construcción del Aqua Vergine, el acueducto que trajo de nuevo el agua al Campo de Marte. La de Neptuno estaba bien, pero al Papa no le gustaban los delfines que adornaban la del extremo meridional. Encargó a Bernini un arreglo, y este se sacó de la manga el formidable diseño de la figura principal. "Un etíope luchando con un delfín". La fontana del Moro es su nombre popular.

Las esculturas originales, por cierto, están en la Galería Borghese. En la Piazza Navona se muestran copias desde el siglo XIX. Con buen criterio, pues hace pocos años un vándalo destrozó en una noche varias estatuas.

Dice Robert Hugues que sólo hay, y solo puede haber, una Piazza Navona…

… y afortunadamente esta se halla justo ante usted, cortada transversalmente por los chorros de agua resplandeciente: un regalo para usted y para el resto del mundo, hecho por unas personas que ya están muertas y que, no obstante, no pueden morir. Con un solo lugar como este, junto con todos los demás que aquí se hallan, sin duda basta.

Basta, sin duda. Pero se puede añadir una guinda dando un pequeño y agradable paseo.

Capítulo 5 (y final) El mejor retrato de todos los tiempos

No está en Piazza Navona, sino en la Via del Corso. Muy cerca, en todo caso. Y merece la pena el paseo. Esto es lo que hay que hacer: salir de la Piazza Navona por la Via del Salvatore, pasar junto a San Luis de los Franceses y la Piazza della Rotonda, rodear el atemporal Panteón, tomar la Via del Pie di Marmo, dejar atrás Santa Maria sopra Minerva (Roma es así: llevamos solo quinientos metros) y llegar al Palazzo Doria-Pamphili.

Allí, dentro, entre algunas obras maestras que parecen, como dijo Joshua Reynolds, dibujos de pergamino en comparación, se conserva el que Hipolito Taine calificó como "el mejor retrato de todos los tiempos".

Es, claro, el retrato que pintó Diego de Velázquez. "Una de las imágenes más cautivadoras e inquisitoriales del poder humano jamás plasmadas en un lienzo", como dice Robert Hughes.

Inocencio X dominó la Iglesia en su época de mayor gloria, levantó palacios, fue adulado por propios y extraños y dirigió la renovación de una de las plazas más bonitas del mundo, encargando arquitecturas de fantasía erigidas sobre espejos de agua. Cuando vio su retrato terminado, dicen que exclamó: "troppo vero!".

Demasiado veraz.

Un retrato radicalmente realista de un hombre que sufragó las arquitecturas y las esculturas más serpenteantes y fantásticas de Roma, que puso su escudo familiar en lo alto de un piramidión y que se esforzó por engañar a todos y hacerles creer que era más que un hombre de mirada inquisidora y sagaz.

Quizá lo fuera. Como Velázquez, Bernini y Borromini. Al fin y al cabo, como dice Robert Hughes, ya ninguno de ellos puede morir.

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Los Castelli Romani son trece pueblos diseminados a lo largo de las Colinas Albanas, al sureste de Roma. Pueblos con encanto, se podría decir. Y con paisajes. Y con viejos castillos, iglesias y palacios. Y con una larguísima historia.

Estos pueblos fueron en su día el hogar de los latinos, el primer pueblo al que se enfrentaron los romanos, el que terminó dando nombre a la región del Lacio. Ya en la antigüedad tenían fama de lugar tranquilo, ideal para el retiro y la escapada. Algunos emperadores, como Domiciano, se construyeron en esta zona villas de descanso. Mucho después, los papas los imitaron: uno de los grandes atractivos de la zona es el Palacio Pontificio de Castel Gandolfo, uno de los Castelli.

Paisaje, cultura, tranquilidad y gastronomía es lo que ofrecen los Castelli Romani. Son famosos por su porchetta y por sus vinos blancos, variados y de gran fama. Son destinos ideales para los que deseen pasar un día, o varios, relajados. Y para los que, en plena visita a la ciudad de Roma, quieran tomar distancia con la urbe, respirar aire puro y conocer un enclave bellísimo y muy relacionado con la capital.

Los que lo hagan estarán siguiendo, además, el mismo itinerario que siguieron los viajeros del Grand Tour. El mismo que siguieron pintores como Corot y Turner. O escritores como Goethe, que dijo haber puesto un pie en el paraíso cuando los visitó.

Cinco lugares especiales en los Castelli Romani

Hay muchos más: Marino, Grotaferrata, Colonna, Lariano, Rocca Priora. Lo que sigue es nuestra selección: cinco lugares que, seguro, no te van a decepcionar. Y que tienen atractivos muy variados.

Arquitectura y vino en Frascati

La llaman "la ciudad del vino", a Frascati. Tan relacionadas están, vino y ciudad, que por frascati un italiano de más allá del Lazio entenderá el nombre de un vino blanco, no de una ciudad y mucho menos de un pueblo. Son vinos frescos, afrutados, producidos con las famosas uvas Malvasia y Trebbiano, perfecto para acompañar la clásica carbonara romana. Hace algún tiempo casi mueren de éxito: los índices de ventas subían y subían, llegó la sobreproducción, bajó la calidad. En los últimos años, por suerte, los productores han retomado el camino correcto, el de la calidad, y el frascati está viviendo un auténtico revival.

Pero Frascati es mucho más que su vino. Es, de hecho, el más monumental de los castelli romani. Varias villas grandiosas la decoran, entre las cuales destacan la Aldobrandini y la Torlonia, dos auténticas joyas construidas por la nobleza romana del Renacimiento tardío y del Barroco. La Iglesia de San Pedro y la preciosa Plaza Marconi completan el notable patrimonio de Frascati, que es, con justicia, el más importante de los castelli, el más visitado, el mejor comunicado.

Retiro de papas y emperadores, Castel Gandolfo

Si Frascati es el más importante, Castel Gandolfo es, sin duda, el más conocido. Es un pueblo pequeño, pero con muchísimo encanto. Tiene calles de piedra y pequeñas plazas con sabor antiguo, desde las que se adivinan los paisajes de postal que lo rodean. Pero es más conocido que sus vecinos por ser el lugar de veraneo elegido por los papas de Roma desde el siglo XVII. Un precioso palacio en un lugar idílico, asomado al Lago Albano.

Han dicho algunos arqueólogos que aquí se asentó la mítica ciudad de Alba Longa, fundada según la leyenda por Ascanio, hijo de Eneas, y luego destruida por los romanos. Domiciano se construyó allí una villa de recreo de las que han quedado las ruinas de unos baños quizá dedicados a Diana, conocidos con el –precioso– nombre de Ninfeo Bergantino. Tienen esa belleza ilusoria, fragmentaria, de las ruinas, ese aire a gloriosa decadencia, ese olor a paraíso perdido que encantaba a los románticos.

En el siglo XVII llegaron las papas, y lo hicieron para quedarse. En un balcón natural, frente al lago, con vistas magníficas, construyeron el Palacio Pontificio, donde pasan desde entonces los veranos. Desde hace unos años es un monumento visitable.

Las freschette de Ariccia

Retomemos la alegría. En Ariccia, otro pueblo encantador, lo más famoso son las freschette, pequeñas y rústicas tabernas que ofrecen cenas a base de quesos –¡tienen un pecorino espectacular!-, aceitunas y platos tradicionales romanos, como los bucatini all’amatriciana o la celebérrima porchetta, carne de cerdo sazonada con romero, ajo e hinojo, asada en horno de leña.

Ariccia tiene también un importante patrimonio, y en él destaca la Colegiata de Santa María Assunta, una iglesia barroca en cuyo diseño participó el gran Gianlorenzo Bernini.

Nemi y su lago, el "espejo de Diana"

Otra de las maravillas paisajísticas de los castelli romani es Nemi. Es un pueblo conocido y apropiado por sus paisajes y por sus fresas, que crecen en el cráter de un volcán –todos los Montes Albanos son volcánicos–, en medio de un microclima que retiene el calor del sol. Son fresas muy pequeñas –fragoline, las llaman– y muy, muy dulces. Al final de cada primavera celebran una fiesta llamada sagra donde se pueden degustar esas fragoline recién recogidas y un sinfín de manjares: bayas, salsas, salchichas, licores, trufa…

Nemi es también la sede un museo único en el mundo, objeto de una historia tristísima. Se trata del Museo de las Naves Romanas. Lo construyó Mussolini y por lo tanto estuvo rodeado de un impresionante aparato propagandístico; en esta ocasión, justificado. Se habían recuperado, por fin, dos barcos romanos del fondo del "espejo de Diana", que es como llaman los locales al lago de Nemi. Dos barcos mencionados en su día por Suetonio y hundidos, probablemente, como parte del ritual de la damnatio memoriae al que fue condenado el ínclito emperador.

Las mentes más talentosas del Renacimiento intentaron recuperarlas, en vano. Los fascistas tuvieron que drenar parte del lago y extraer las naves con sumo cuidado. Una vez recuperadas, construyeron ad hoc, cuyo interior semejaba el casco de las naves expuestas, como un reflejo.

En 1944, solo doce años después de su construcción, el museo se incendió. Ocurrió en pleno avance aliado durante la Segunda Guerra Mundial, pero no le cayó ninguna bomba. Fueron dos soldados nazis los que, con su ejército en retirada, entraron y, según parece, lo quemaron todo a propósito. La leyenda apócrifa que se contaba sobre Notre-Dame de París, según la cual Hitler había ordenado su destrucción y el encargado de volarla finalmente se arrepintió, en Nemi fue tristemente cierta, no por orden del Fuhrer sino por el odio o la venganza o el resentimiento de dos soldados anónimos. El caso es que no quedó casi nada de los barcos. Hoy se muestran dos reproducciones a escala 1/5 de los grandiosos barcos originales, y unos paneles explican y reconstruyen su historia.

Los monumentos y las vistas de Albano Laziale

Para terminar, otro pueblo de toponimia bella e inconfundible: Albano Laziale. Erigido también en lo alto de una colina volcánica, con vistas al Lago Albano, tiene sus mayores atractivo en su preciosa catedral barroca, consagrada a San Pancracio; y en los jardines que se construyeron los Doria-Pamphili, una de las familias de más renombre de Roma.

Y tiene abundantes ruinas romanas: la puerta Pretoria, el llamado Cisternone, un depósito de agua que se construyó en tiempo de Septimio Severo y que todavía hoy se utiliza (no había obsolescencia programada, en tiempos de Septimio Severo), un anfiteatro, una tumba que recuerda la lucha de los Horacios y los Curiacios (la que pintó el célebre David) y una tumba dedicada a los héroes legendarios.

Alojamiento y consejos

Los Castelli Romani tienen una ventaja: son variados y están muy cerca de Roma. Se pueden visitar, por lo tanto, de muchas maneras. En un día (incluso en una mañana) pueden verse un par de ellos que interesen especialmente, y volver a Roma para comer. O puede uno alojarse en alguno de ellos e irlos visitando todos, como un coleccionista sibarita.

Desde Roma se puede llegar a Frascati tanto en tren como en autobús. Una vez allí es más difícil moverse de un pueblo a otro, por lo que lo más recomendable es contratar una visita guiada que incluya transporte o, mejor aún, hacer la ruta en coche de alquiler.

Para más información sobre cada uno de los pueblos, el sitio oficial de los castelli ofrece una guía gratuita en pdf muy completa, y, por lo general, exceptuando algunos errores, bastante bien traducida.

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Hay museos que nacen de la voluntad política o del proyecto cultural de un soberano. Pero hay otros que nacen de la pasión por el arte y por la belleza de una familia. La Galería Borghese pertenece al segundo grupo.

Los Borghese fueron una familia principesca, de papas y cardenales, llena de personalidades eminentes de la administración y de la política. Su miembro más ilustre fue Camilo Borguese, el papa Paulo V, pero el más dado al coleccionismo artístico fue su sobrino, Scipione Borghese. En el romano monte Pincio construyó una villa lujosísima y la llenó de obras antiguas y modernas, de todos los tesoros del arte que le fue posible adquirir o comisionar.

La variadísima colección de la Galera Borghese

La colección es verdaderamente selecta y contiene algunas de las obras más conocidas del mundo. Es, hoy en día, un museo pequeño y cómodo, que se visita bien en un par de horas. Y es además bastante completo, aunque destaque sobremanera en las épocas renacentista y barroca. Es la Galería Borguese un lugar donde se aprecia y se disfruta la historia del arte, una verdadera sinfonía de talentos, un prodigio admirable de variaciones y de tendencias.

Sirvan los siguientes diez ejemplos para ilustrar lo dicho y para despertar las ganas de visitarla. Scipione juntó obras –y no obras menores– de Bernini, Caravaggio, Tiziano, Rafael, Parmigianino, Correggio, Antonello de Messina o Antonio Canova. Una colección selecta y privilegiada.

1ª maravilla. Dánae, de Correggio.

La Dánae de Correggio es un cuadro erótico conmovedor. Dice el profesor Antonio Paulacci que "no se puede estar más enamorado de la belleza femenina de lo que estaba Correggio al pintar esta obra".

La escena fue parte del encargo que hizo Federico II Gonzaga para Carlos V; cuadros que habían de ilustrar varias metamorfosis eróticas ovidianas y que finalmente quedaron en Mantua, en el Palacio del Té, para más adelante peregrinar a varios afortunados museos de Europa.

Esta Dánae acabó engalanando Galería Borghese. En ella, un pequeño ángel alado desnuda a la protagonista para que reciba la lluvia dorada de Júpiter. El suave diseño, la luminosidad de las carnaciones, la vaporosidad de las telas son típicas de Correggio y conforman una de las escenas mitológicas más atractivas del Renacimiento. Muchos artistas encontrarán aquí inspiración en el futuro.

2ª maravilla.Madonna con el niño y Santa Ana, de Caravaggio.

La Madonna de los palafreneros le fue encargada a Caravaggio por los caballerizos vaticanos, para decorar un altar en la nueva Basílica de San Pedro. Pero de allí colgó poco más de un mes.

El cuadro representa una escena de sencillo mensaje: la Virgen y el niño aplastan una serpiente, símbolo del pecado, que se arrastra por el suelo. Junto a ellos, pero ligeramente apartada y sin tomar parte en la acción, aparece la figura solemne de Santa Ana.

No está del todo claro el motivo por el cual la obra fue tan pronto apartada del Vaticano. Se han mencionado, como posibles causas, la desnudez del niño y el pronunciado escote de la Virgen, que bien pudieron escandalizar a los cardenales. También la separación de Santa Ana, símbolo de la Gracia. Que ésta no tomara parte en la acción era teológicamente inaceptable en plena Contrarreforma.

Ambas razones tienen sentido. Y no es difícil imaginar a un conspirador silencioso, caminando concentrado entre los pasillos del Vaticano y susurrando a los oídos del Papa lo inapropiado de la obra para tal escenario. Diciéndole que un cuadro tan majestuoso, con esas figuras solemnes, casi heróicas, con esos maravillosos claroscuros, estaría mejor en un lugar más privado. No sería difícil, pues el Papa era entonces Paulo V, y su cardenal predilecto era Scipione Borguese, que por medio de su tío adquirió numerosas obras de arte para su Villa del monte Pincio, recién construida.

Lo cierto es que la Madonna dei Palafreneri terminó colgando de los muros de la Galería Borghese, y que el cardenal Scipione la consiguió a un precio irrisorio. Junto a ella, adquirió también otros cinco caravaggios, y valga decir, para destacar el valor de la colección, que en ningún otro museo del mundo, no en el Louvre, no el Museo Británico, no en los Uffizi, pueden verse tantos.

3ª maravilla.El amor sacro y el amor profano, de Tiziano.

Es esta una obra maestra de Tiziano cuyo título suele llevar a equivoco. Porque, por amor sacro y amor profano, el ojo moderno tiende a pensar que la mujer de la izquierda, vestida y casta, representa el amor sagrado, y que la de la derecha, desnuda y sosteniendo un vaso llameante, ha de ser el amor profano, y que el pintor está aplaudiendo uno y censurando el otro.

En el cuadro no hay, en realidad, ninguna censura. Las dos figuras se complementan. Y representan, más bien, el amor humano, o terrenal, y el amor celestial o divino. Este último lo simboliza la figura de la derecha, desnuda como han de aparecer las diosas, y en cuya mano porta una llama que es símbolo de la felicidad eterna. La mujer de la izquierda, tradicionalmente identificada como una novia por su casto cinturón, sería el amor terrenal, o profano, si seguimos el nombre de la obra. Nombre que no fue el que le dio Tiziano.

El pintor no hace más que plasmar, con su enorme talento y una acertadísima visión poética, la visión neoplatónica de la belleza. La belleza terrenal es un reflejo de la celestial, y su admiración es un preludio de su consecución ultraterrena, una idea desarrollada originalmente en los libros de Platón.

4ª maravilla.David, de Bernini

Por encargo del cardenal Scipione Borghese modeló Bernini la última gran representación del David. En los dos siglos anteriores, la misma figura había sido abordada por sendos genios de la escultura: Donatello y Miguel Ángel. Los tres organizan un diálogo exquisito y un ejemplo canónico de la evolución del arte italiano. Además, completan entre ellos la narración de la escena, pues si Miguel Ángel la situó antes del enfrentamiento y Donatello después, Bernini lo hace en plena acción.

El David de Bernini es uno de los grandes atractivos de la Galería Borghese, y lo sería en cualquier museo del mundo. En esta obra, el escultor napolitano supera finalmente el esquema compositivo propio de la etapa anterior, la línea serpentinata o en forma de S, y elabora un esquema aún más dramático, en espiral. El resultado se acerca más a las columnas salomónicas del Baldaquino que al clásico contraposto de la Venus de Milo.

Este David ya no es el héroe clásico de Miguel Ángel, ni el sofisticado, elegante y seguro vencedor de Donatello. Roma fue saqueda. La Iglesia se partió en dos. Estamos en pleno Barroco y David es consciente de la dificultad del empeño y de la posibilidad del fracaso. El futuro rey de Israel ha de poner toda su destreza, empeño y concentración al servicio de una acción tan heróica como desesperada.

Toda la obra es un compendio de movimiento y tensión. Las líneas que van ascendiendo en espiral, las sombras y claroscuros que éstas generan. Curiosamente la intención de Bernini no era aquí, al contrario que en Apolo y Dafne, y a pesar de que hoy se muestre en el medio de una sala, invitar al espectador a caminar en torno a la obra. Bernini quería que su David se mostrase frente a una pared, y que el espectador se concentrara en el punto de vista central, el idóneo para captar la maravilla y la sorpresa, el movimento, la expresión de un personaje audaz y fuerte.

5ª maravilla.Retrato de un hombre, de Antonello de Messina.

Si Karl Kraus tenía razón, y "en un buen retrato uno debe reconocer inmediatamente al artista", entonces Antonello de Messina debe ser uno de los mejores retratistas que han existido nunca.

La tradición dice que fue él, nacido en Sicilia, quien introdujo en Italia la pintura al óleo, tras un viaje a las norteñas tierras de Flandes. Y que mezcló el preciosismo detallista de aquella pintura con lo mejor de su país natal: los logros espaciales de Piero della Francesca, el uso de la perspectiva de Andrea Mantegna, el uso del color de los pintores venecianos.

Este Retrato de un hombre de la Galería Borghese tiene su fecha en 1474 y es una de sus mejores obras. El retratado es desconocido, pero debía formar parte del patriciado veneciano, donde los retratos de Antonello fueron enormemente apreciados.

El empleo de la luz, que él siempre sitúa en la izquierda, y la plasmación de la personalidad son dos de sus grandes hazañas como pintor. Pero quizá lo más reconocible sea un cierto aire de misterio, una cualidad indefinible que los hace a su vez reconocibles y elusivos.

6ª maravilla.Paolina Bonaparte como Venere Vincitrice, de Canova.

Son de sobra conocidos los delirios de grandeza de Napoleón. En 1804, el pequeño sardo, ansioso por incluir su nombre entre las más egregias raigambres europeas. Se había hecho coronar emperador en Notre-Dame, había comisionado a Antonio Canova una estatua en la que se le representara como Marte, y había casado a su hermana, Paolina, con un romano de apellido histórico y altisonante, Camilo Borguese.

Para celebrar la unión, Camilo encargó, también a Canova, una escultura de su mujer. Y el genial escultor, no queriendo quedar corto en elogios, la pintó como una Venus Vencedora, siguiendo el esquema compositivo de la Dánae de Correggio y de la Venus durmiente de Giorgione.

Su postura altiva, su pose distinguida, la manzana que sostiene y que sin duda hace referencia al Juicio de Paris, todo contribuye a ensalzar la cultura y la belleza de una mujer conocida por su escasa formación, por sus escarceos amorosos y por su profunda lealtad a su hermano. Se dice que la modelo posó verdaderamente desnuda en el estudio de Canova. Y el resultado, por mucho que tuviera de adulador, fue una escultura sobresaliente que terminó engalanando la Galería Borguese.

7ª maravilla.Traslado de Cristo, de Rafael.

La Galería Borguese cuenta con un Rafaello poco habitual. Los más comunes encargos de Rafael fueron vírgenes y retratos, en los que el maestro de Urbino no tuvo que hacer frente a una gran complejidad compositiva. Por eso esta obra es especial. Aquí, Rafael integra en un cuadro de grandes dimensiones una gran cantidad de personajes. Se inspira sin duda en similares escenas anteriores, como esta de su maestro Perugino. Mira y aprende. Y, como es habitual en él, mejora lo visto.

Vasari admiró especialmente esta pintura por la intensidad del dolor de los personajes, por su esfuerzo y su gracia y por la belleza de sus detalles. Decía que había sido hecha con tanta frescura que "se diría que la acaban de pintar".

Es el genial uso del color y la magnífica composición lo que le dan esa vivacidad. Hay que fijarse en el contraste genial entre el cuerpo de Cristo muerto y en el de la Virgen, que en el lado opuesto de la composición también yace y ha de ser ayudada por otro grupo de personajes.

Pintada en Florencia en 1507, será una de las obra que le abran las puertas de Roma, y una prefiguración de sus obras maestras del Vaticano.

8ª maravilla.Muchacho con una cesta de frutas, de Caravaggio.

Un joven Caravaggio, recién llegado a la competitiva Roma, que recibe el sencillo encargo de pintar "flores y frutas", gracias a su merecida fama como pintor de naturalezas muertas.

Lo que hace es pintar a este joven, de aspecto andrógino y mirada sensual, con una camisa blanca que deja al descubierto parte de su torso, y que porta un canasto repleto de las solicitadas frutas y flores.

Aquí están ya los rasgos más característicos de la pintura caravaggiesca: el tenebrismo, la artificialidad de la luz, utilizada para subrayar los contrastes, la fabulosa calidad de los detalles, la carnosidad y la expresividad de los rostros, el simbolismo. Todo ello inspirará a no pocos autores.

9ª maravilla.Apolo y Dafne, de Bernini.

Scipione Borguese encargó esta obra a Bernini y hoy, en la Galería Borghese, se muestra en el punto exacto para el que fue proyectada. Bernini representó, con enorme dinamismo, el momento exacto en que los miembros de Dafne empiezan a transformarse en hojas de laurel. Y tan entrelazadas como las figuras de los protagonistas quedaron la representación naturalista y la espiritualidad del mito.

Apolo y Dafne inspiraron uno de los más hermosos sonetos de Garcilaso, y la magia de Bernini los convirtió en dos personajes teatrales que se mueven libremente entre la luz del escenario. Situándose tras Apolo, el espectador apenas verá al objeto de su presa. Moviéndose lateralmente estará mirando una escena compuesta en diagonal y llena de pasión y movimiento. Girar alrededor de la obra se hace necesario para apreciarla.

Dafne, tocada por Cupido con una fecha de plata, debía rechazar a Apolo, a quien el amore alato, ennegrecido por la ira, había atravesado con una flecha de oro. El amor imposible se resuelve en tragedia. Dafne terminará arborizada; convertida en las preciadas coronas de Laurel que Apolo entregará desde entonces a los campeones.

Maravilla contemplar la contraposición de las figuras. Alelado Apolo, incapaz de aceptar lo que ve. Horrorizada Dafne ante la inmimente captura, ciega aún a su transformación.

Maravilla también contemplar la imposible suavidad, la morbidez del frío mármol, la pasmosa técnica de un Bernini omnipotente.

10ª maravilla.Dama con unicornio, de Rafael.

Curiosa historia la de este cuadro. Lo pintó Rafael en el año 1505 o 1506. Representa a una dama desconocida, que algunos han querido identificar como la hermana del pintor. Aparece junto al célebre símbolo de la castidad, el unicornio, que la mitología afirmaba que sólo podían domar las vírgenes. En el siglo XVII, por razones desconocidas, el animal fue retirado y la retratada fue transformada en Santa Catalina, añadiéndole la rueda con que siempre iba acompañada, símbolo de su martirio.

Ya en el siglo XX, una completa restauración devolvió el cuadro a su estado original, y su autoría, antes atribuída a Perugino, le fue devuelta a Rafael.

Del retrato llama poderosamente la atención la mirada protagonista que persigue al espectador. Y la posición de la retratada, vuelta muy ligeramente hacia la izquierda. Ambos rasgos son una referencia nada velada a la Gioconda de Leonardo, pintada pocos años antes.

Si has llegado hasta aquí es que estás deseando ir a la Galería Borghese. Déjanos recalcar el consejo de antes: contrata una visita guiada para verla. O contrata una OMNIA Vatican & Rome Card, que incluye este museo como una de las visitas opcionales. Si no lo llevas planificado, conseguir una entrada in situ es casi imposible.

La entrada Diez maravillas que ver en la Galería Borghese se publicó primero en Ruta Cultural.

La Villa Adriana de Tívoli

Adriano fue el primer emperador en erigir su residencia fuera de la ciudad de Roma, en cuyo centro no cabía un edificio más tras las monumentales construcciones de su predecesor, Trajano.

La Villa de Adriano está en un lugar idílico, bien surtido y comunicado, y contiene un conjunto de maravillas arquitectónicas inspiradas en los viajes del emperador, en su afición por la arquitectura y en su visión plural de las muchas culturas que conformaban el gigantesco imperio que le tocó comandar.

En la cercana ciudad de Tívoli puede visitarse también un precioso templo circular dedicado a Vesta, así como los fantásticos jardines manieristas del cardenal d’Este.

Las Termas de Bath

Aunque fueran mucho menos grandiosas que las de Diocleciano o Caracalla en Roma, las termas de Bath, que fue creada como un complejo termal, se siguieron utilizando durante mucho más tiempo -por estar justo sobre un manantial natural- y fueron luego reutilizadas y reconstruidas.

En la actualidad son uno de los monumentos más visitados de Inglaterra y, gracias a la presencia del agua y a su moderna reconstrucción, un verdadero espectáculo incomparable.

Bath es una ciudad Patrimonio de la Humanidad y su visita merece mucho la pena no sólo por sus ruinas romanas. La ciudad rezuma cultura y rebosa teatros y museos. Disfruta además de la belleza paisajística del Somerset, y del cercano Valle de Dedham, conocido como el país de Constable, y de la cercanía de Bristol (una de nuestras diez escapadas por Europa favoritas para el verano) o Glastonbury.

La ciudad de Pompeya

Sepultada por el Vesubio en el año 79 a.C., Pompeya se ha conservado como un paraíso arqueológico, a pesar de los muchos expolios de los que fue víctima tras su descubrimiento y del poco cuidado con que las autoridades se han tomado su conservación.

Se conservan allí calles enteras con pavimentos intactos, casas con sus habitaciones que no han cambiado desde que fueron utilizadas por sus primeros ocupantes, tabernas, prostíbulos, edificios públicos, todo ello en un estado de conservación incomparable y verdaderamente sorprendente.

En sus cercanías está la también sepultada Herculano y la caótica y bellísima Nápoles, cuyo Museo Arqueológico es uno de los más granados de Europa.

El Teatro de Orange

"La muralla más bella de mi reino", dijo Luis XIV del muro que cerraba la escena del Teatro Romano de Orange, y que ya por entonces contaba 1600 años de antigüedad. Cuatro siglos después sigue en perfecto estado de conservación.

El de Orange -ciudad que conserva espectaculares ruinas, como el Arco de Triunfo de Augusto– es un teatro sobrecogedor, que transmite como pocos -quizá sólo el de Bosra le puedan hacer sombra- la sensación de estar en un teatro romano.

Y el aficionado a la arqueología encontrará por toda la Provenza maravillas abundante, como el Anfiteatro de Nimes o el Pont du Gard, amén de otras muchas maravillas posteriores.

El Palacio de Diocleciano de Split

Diocleciano abdicó en el año 305 de nuestra era, después de haber puesto patas arriba un imperio ingobernable y de haber sancionado una división que ya llevaba tiempo siendo una realidad: la de Oriente y Occidente. Doce años antes, había ordenado la construcción de un enorme palacio-fortaleza en Spalatum (la actual Split), en la misma costa dálmata que lo vio nacer.

Que los emperadores romanos dedicaran grandes sumas a construirse residencias suntuosas no era nuevo: ahí está la mencionada Villa Adriana, o las impresionantes mansiones que ocupaban en Roma la colina palatina y parte de las circundantes, como la enorme Domus Aurea de Nerón. Diocleciano hizo todo lo posible por estar a la altura.

El palacio estaba íntegramente rodeado de una muralla que alcanzaba los veinte metros de altura, y llegó a albergar a más de 9.000 personas. Era una verdadera ciudad y, de hecho, hoy en día buena parte del centro histórico de Split está construido dentro de sus muros. La amalgama de edificios históricos que se mezclan con estas impresionantes ruinas romanas crean algunos de los espacios más hermosos de Europa.

El Acueducto de Segovia

No hay manera de no admirar impresionado los enormes sillares de piedra que, desde hace casi dos mil años, se sujetan unos a otros, sin el pegamento de argamasa alguna, en la plaza del Azoguejo de Segovia. Se han convertido en el símbolo de la ciudad y en una de los obras romanas más admiradas del mundo.

Son dos filas de arquerías que hace poco se han datado en el año 112 dC, y que traían a Segovia agua proveniente de la sierra, a 87 kilómetros de distancia. Corresponde por tanto a los inicios del reinado de Adriano, época de abundantes construcciones y crecimiento interior, después de que Trajano llevara el Imperio a su mayor extensión territorial. Época también de profunda, definitiva y verdadera romanización de las provincias.

Como ha dicho Carlos Fernández Casado, "tenía que impresionar profundamente este imponente despliegue de arcos y pilares que traen a la ciudad el mensaje de la naturaleza". Se les podría suponer casi un poder mágico, y fueron sin duda un poderoso elemento de romanización y legitimación del poder. ¿Qué han hecho los romanos por nosotros? Traer el agua.

El Foro Romano, los Foros Imperiales y los Mercados de Trajano

El centro neurálgico de la capital estaba ocupado por una serie de Foros que se fueron superponiendo unos a otros durante siglos. El Foro Romano corresponde a la época republicana, aunque sus edificios más monumentales fueron construcciones o reparaciones hechas ya por emperadores, siempre en busca de prestigio y aplauso.

Luego vinieron los Foros Imperiales, que fueron ampliaciones monumentales financiadas por diversos emperadores, y finalmente llegó el Foro de Trajano, que incluía un asombroso edificio semicircular, el de los Mercados, que actuaba como un gigantesco centro comercial (los de hoy en día son más feos y estridentes, pero siguen exactamente la misma disposición).

Ocho siglos de historia supuerpuestos en unos pocos cientos de metros. Es una visita obligada para cualquier interesado en la historia y la arqueología, que debe ir acompañada de una buena guía para interpretar los espacios y no perder ningún detalle.

El Templo de la Fortuna Primigenia de Palestrina

En la ciudad Praenestre, al sur de Roma, se construyó uno de los edificios más espectaculares del mundo antiguo. Un santuario a la diosa Fortuna levantado en pendiente, cuyo recorrido incluía un juego teatral de pasillos y aberturas, escaleras y plazas, espacios cerrados y abiertos que exploraron todas las posibilidades del hormigón.

En la actualidad, la ya de por sí impresionante ruina se conserva bien, aunque desprovista de sus materiales más finos, y en su cima está aderezada por el palacio que en el Renacimiento construyeron los Farnesio.

El Coliseo

Es el más conocido icono de la ciudad de Roma y del Imperio que lo construyó. Su altura portentosa y la clásica elegancia de su fachada casi hacen olvidar los sangrientos espectáculos que albergaba en su interior. Fue de una de los obras de arquitectura más impresionantes de todas las construidas por los romanos.

Sorprende pensar que hasta fecha tan tardía, pues el Coliseo se construyó durante el reinado de Vespasiano, en el 72 d.C., no tuviera Roma un anfiteatro permanente. Antes, los espectáculos de gladiadores se celebraban en infraestructuras temporales, hechas de madera, que se desmontaban al fin de los espejos.

Con el tiempo, cuando los juegos de gladiadores se fueron abandonando y la ciudad de Roma se fue despoblando, el Coliseo quedó abandonado y fue durante siglos víctima de expolio. A la vista de lo cual, se conserva realmente bien.

El Panteón

Ha sido ensalzado con frecuencia, y en épocas muy distintas, como el edificio mejor construido de la antigua Roma. Y como uno de los mejores ejemplos de la historia de la arquitectura. El Panteón fue originalmente dedicado a todos los dioses y construido por Marco Cornelio Agripa, el arquitecto de Adriano, y ha sido admirado por todos los grandes arquitectos del mundo.

Es un edificio inesperado y hasta cierto punto inexplicable, que sorprende a todo el que se acerca a la romana piazza della Rotonda, muy cerca de la Piazza Navona y de San Luis de los Franceses. Pero el elegante clasicismo de su fachada es sólo un preámbulo para el verdadero asombro, que ocurre en el interior. Allí, el visitante encuentro un espacio circular que parece hecho de luz, una cúpula cuyo tamaño sólo fue superado en la época contemporánea, y un espacio que, amén de su nueva decoración, no ha sido restaurado ni retocado desde la época de su construcción, en el siglo II dC.

La entrada Diez ruinas romanas que merecen un viaje se publicó primero en Ruta Cultural.

La Villa Farnesina es un monumento que condensa toda la belleza del Renacimiento italiano, todo el interés que las grandes personalidades de aquella época fijaron en el mundo antiguo, y también toda su corrupción y su hipocresía.

Es una residencia suburbana, construida según el modelo de las antiguas villas campestres que construían los patricios romanos para su descanso. Pero está bien cerca de la ciudad. Ocupa un amplio solar en la margen derecha del Tíber, como el Vaticano, del que sólo la separan unos pocos cientos de metros. Y la rodea uno de los barrios con más solera de Roma, el Trastévere.

Igual que la Villa Borguese, la Farnesina se llama así porque perteneció durante siglos a la ilustre familia de los Farnesio, pero su construcción fue obra de Agostino Chigi, banquero de los papas.

Agostino Chigi, el hombre más rico y poderoso de Roma

Chigi era el hombre más rico de Roma y, según muchas fuentes, el hombre más rico de Europa. Nació en Siena, en una familia de banqueros. Siendo joven trabajó con Pio II, el papa Piccolomini, y con él aprendió las provechosas condiciones que podían obtenerse de buena relación con el Vaticano.

Se asoció primero al papa Alejandro VI, el ínclito Rodrigo Borgia, que, a cambio de sus oportunos préstamos, le concedió lucrativos monopolios en los Estados Papales. En agradecimiento, fue Chigi quien pagó la mayoría de las empresas militares de César Borgia por la Romagna.

La caída de la familia valenciana y el ascenso al Papado de su gran rival, el cardenal Della Rovere, no trajo consigo ningún cambio para Agostino Chigi. Fue él quien financió el ascenso de Della Rovere, y con Julio II en el poder fue de hecho cuando más brilló la figura del banquero sienés. Fue entonces cuando comenzó la construcción de la fastuosa villa en el Trastévere, y cuando hizo prácticamente pública su relación con la cortesana Ordeaschi, a quien iba dedicada.

Era el momento más apropiado. Era el tiempo de los Borgia, de Maquiavelo, de los neoplatónicos, del Humanismo, de la concordatio entre los valores cristianos y paganos. América acababa de ser descubierta y cada día llegaban aromas nuevos que alejaban los límites del mundo. El indignado Savonarola había dejado de hacer hogueras de vanidades para convertirse en hoguera él mismo, y aún no había llegado ese otro indignado alemán que lo cambiará todo.

El Papado lo ocupaba la figura arrolladora y mundana de Julio II, capaz de liderar a sus ejércitos en la batalla y de encargar para una de las estancias del Vaticano una obra como la Escuela de Atenas.

Rafael pinta vírgenes un día y al siguiente ninfas clásicas con el pecho descubierto; la curia celebra ambas. En la Villa Farnesina, donde el Papa acudía con frecuencia al solaz de representaciones y danzas y tertulias varias, la decoración no tiene ni una sola referencia al cristianismo. Sus paredes son un canto a los mitos clásicos y al amor. En su decoración participaron los mejores artistas, y entre ellos el entonces más afamado, Rafael de Urbino, que pintó aquí una de sus obras más sobresalientes. Medio siglo después tales excesos ya no serán posibles, al menos a cielo descubierto.

A esa época irrepetible pertenece la Villa Farnesina de Agostino Chigi, que se conserva hoy, más de quinientos años después, casi totalmente intacta.

¿Qué hay que ver en la Villa Farnesina?

Para la decoración de su Villa llamó Chigi a los mejores artistas de su tiempo. Estos siguieron un programa iconográfico inspirado íntegramente en la Antigüedad que convierte cada una de sus salas en una maravilla, una pequeña "Capilla Sixtina" llena de belleza y narraciones de mitos clásicos.

La Logia de Cupido y Psique

El visitante accede por un atrio de construcción posterior que lleva directamente al primero de los grandes espacios: la Logia de Psique. Inspirada en la narración de la historia de Cupido y Psique que hace Apuleyo en su Asno de Oro, los frescos son obra de Rafael y varios de sus ayudantes, como Raffaelino del Colle, Giovan Francesco Penni y Giulio Romano. Muchos han querido ver en ellos un paralelismo entre las peripecias de Psique y la propia biografía de Francesca Ordeaschi, que pasó de cortesana a esposa legítima de Agostino Chigi.

Entre sus escenas se insertaron decoraciones vegetales, obra de Giovanni da Udine, entre las que se encuentran las primeras representaciones europeas de frutas y plantas llegadas del Nuevo Mundo americano. Algunas de aquellas especies se cultibaban en un jardín al que la Logia hacía en cierto modo de espejo, el Viridario.

La Sala del Fregio

Saliendo de la Logia de Psique nos encontramos la Sala del Fregio, que quizá fue en su día un studiolo, un lugar dedicado a la razón en contraste con lo pasional de la sala anterior.

En el techo encontramos frescos de Baldassare Peruzzi (son sus primeras obras romanas) que representan los Trabajos de Hércules y otras escenas mitológicas inspiradas en las Metamorfosis de Ovidio.

La sala de Galatea

La joya de la corona, desde el punto de vista artístico, es la preciosa Sala de Galatea, que alberga dos obras maestras de la pintura: el monumental Polifemo de Sebastiano del Piombo, y el Triunfo de Galatea, de Rafael Sanzio, que responden en realidad a una misma composición.

Merece la pena detenerse y mirar bien esta obra magna, uno de los mejores trabajos del pintor de Urbino. El prestigioso historiador del arte E.H. Gombrich la describe así:

Por mucho que se mire esta amable y deliciosa pintura, siempre se descubrirán nuevas bellezas en su rica e intrincada composición. Cada figura parece corresponder a alguna otra, y cada movimiento responde a un contramovimiento […] Pero lo más admirable de todo es que todos estos diversos movimientos se reflejan y coinciden en la figura de Galatea. Su carroza ha sido conducida de izquierda a derecha ondeando hacia atrás el manto de la ninfa, pero ésta, al escuchar la extraña canción de amor, se vuelve sonriendo, y todas las líneas del cuadro, desde las flechas de las amorcillos hasta las riendas que ella sostiene en sus manos, convergen en su hermoso rostro, en el centro mismo de la composición.

Del Piombo pintó también ocho de las diez lunetas con imágenes mitológicas, con los tonos airosos y coloristas típicos de la escuela veneciana.

La Sala de las Perspectivas

En el piso superior se encuentra la sala de las perspectivas, pintada entre 1518-19, cuando ya algunos artistas jugaban con las ideas del ilusionismo manierista. Obra de Baldassare Peruzzi, la sala, completamente cerrada, hace creer al visitante que se tratase de una logia, con unas columnas abiertas desde las cuales se pudiese ver el Trastévere.

En 1527, durante el Saco de Roma de las tropas de Carlos V, algunos vándalos entraron en la Villa y realizaron incisiones y dibujos que dañaron los preciados pinturas. Algunos de ellos todavía se pueden ver.

La Sala de las Bodas

La sala de bodas era la "camera da letto", el dormitorio de Chigi y su amante -y luego esposa- Odelaschi. La decoró el Sodoma con escenas que emparentaban a Chigi nada menos que con Alejandro Magno.

La más famosa es la escena de las Bodas de Alejandro y Roxana, con frescos que ocupan todo el lado norte de la sala, y que tenían por objeto recuperar una misma escena pintada por el griego Aeción, y descrita por Luciano de Samosata.

Por qué visitar la Villa Farnesina

Para el turista, la Villa Farnesina tiene muchas ventajas:

• es una preciosidad en su totalidad, no hay espacio que no merezca pena;
• es pequeña, no exige dedicarle una mañana entera ni una tarde sino un pequeño ratito;
• está en el Trastévere, junto al Tíber, lo que la hace compatible con una visita a este precioso barrio de Roma y a sus muchos atractivos monumentales: San Pietro in Montorio, construido poco después, las iglesias antiquísimas de Santa Cecilia y Santo Spirito; incluso San Pedro del Vaticano, del que la separa un agradabilísimo paseo junto al Tíber o, mejor aún, por los miradores del Gianícolo.

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La Basílica de San Lorenzo, en Florencia

La Basílica de San Lorenzo es poco llamativa desde el exterior, porque su fachada, que iba a diseñar Miguel Ángel, quedó sin terminar. Sin embargo, su interior es impresionante y revolucionario.

La financió la que ya, a mediados del siglo XV, era la familia más rica y poderosa de Florencia, los Médici, y la diseño el arquitecto más innovador de su tiempo, Filippo Brunelleschi. Aunque San Lorenzo se terminó tras su muerte y en algunos detalles (sobre todo en las capillas laterales) sus planes iniciales quedaron alterados, contemplar la inmensa basílica sigue siendo una experiencia sobrecogedora. No a la manera sentimental, espiritual y apabullante de las catedrales góticas, sino de una manera nueva, racional y armónica, hecha por y para el hombre.

El Templo Malatestiano, en Rímini

Fue el pistoletazo de salida de la arquitectura renacentista fuera de Florencia y el primer templo religioso que estructuró su fachada principal en torno a un elemento eminentemente pagano: el arco de triunfo romano.

Obra de Leon Battista Alberti, la Iglesia de San Francisco (ese es su verdadero nombre) quedó sin terminar por la súbita caída en desgracia de su mecenas, Segismundo Pandolfo Malatesta, condottiero, personaje de nombre y vida novelesca, hombre de armas y de letras y epítome perfecta de su tiempo, a quien el Papa Pío II llegó a nombrar "Príncipe del Infierno"

Dentro pueden visitarse las tumbas del propio Malatesta, su última mujer, Isotta degli Atti, y la del filósofo bizantino Jorge Gemistos Pletón, maestro de Ficino, cuyos restos fueron rescatados por Segismundo desde la ciudad griega de Mistra.

Toda esta historia, por cierto, fue muy bien narrada por Alberto Cousté en El príncipe desvelado, una preciosa novela histórica que muestra las luces y las sombras de este tan particular personaje.

El Palacio Piccolonimi, en Pienza

Lo que no era más que un pequeño burgo medieval, situado en el bellísimo Val d’Orcia, se convirtió en una ciudad monumental por obra de Enneas Silvio Piccolomini, el Papa Pío II, que, ungido como pontífice, proyectó la conversión de su pequeña ciudad natal en una città ideale que siguiera los cánones del nuevo y pujante Renacimiento italiano.

En torno a la piazza Pio II, desde entonces centro neurálgico de la ciudad, se alza el Duomo y varios palacios, y entre ellos destaca este palacio pontificio que había de servir como residencia para las visitas papales a la ciudad (huelga decir que fueran pocas durante el breve lustro que duró el pontificado de Pio II, e inexistentes después). Lo diseñó Bernardo Rosselino, alumno aventajado de Leon Battista Alberti, y en su fachada exterior puede verse sin dificultad la influencia directa del florentino Palazzo Rucellai.

Con sus tres pisos, sus elegantes ventanales, su almohadillado y su bellísimo patio interior, conforma un cuidado y elegante contexto urbano con sus edificios vecinos, en uno de los espacios más coherentes y unificados del Renacimiento italiano. No por nada fue declarado Patrimonio de la Humanidad.

El Castello Sforza, en Milán

La pujante Milán es hoy la menos aclamada de las grandes ciudades del Renacimiento italiano, lo que sin duda tiene más que ver con la presencia hispano-francesa posterior, y con su continuada pujanza hasta la actualidad, que con sus carencias monumentales. En la época de los Visconti y de los Sforza, Milán fue, de hecho, el Estado que más cerca estuvo de dominar a sus vecinos, el más fuerte y ambicioso. El formidable Castello Sforzesco es buena prueba de ello.

Encargo de Francesco Sforza, se levantó sobre las ruinas de la residencia tradicional de los Visconti, fue diseñado por el polifacético Filarete y apuntalado por artistas de la talla de Leonardo Da Vinci, Bernardino Zenale, Bernardino Butinone y Donato Bramante, que convirtieron el castillo en una de las cortes más lujosas de su tiempo.

Hoy es la sede de varios museos y colecciones de arte: el Museo Arqueológico de Milán, el Museo de Arte Antiguo, y de una pinacoteca que contiene obras de Canaletto, Giovanni Battista Tiepolo, Vincenzo Foppa, Tiziano y Tintoretto. Alberga también la excelente Piedad Rondanini de Miguel Ángel.

La Basílica de San Andrés, en Mantua

En el siglo XV, muchos de los miles de peregrinos que se dirigían a Roma desde Austria, Alemania y Europa Central, se detenían en Mantua para venerar unas gotas de la sangre de Cristo que presuntamente se conservaban en la Basílica de San Andrés. Era la época de las bulas papales y los peregrinos llegaron a ser tantos que el templo se quedó pequeño.

Leon Battista Alberti, en uno de sus últimos proyectos, diseñó un enorme pero armónico templo de una sola nave, con un interior amplio y diáfano, construido en base al ritmo de los grandes arcos triunfales ya en Rímini había tomado como modelo. El arco central gana aquí aún más importancia y actúa como pórtico o nártex. Con intradós casetonado y flanqueado por monumentales columnas corintias, las ventanas laterales dotan a la fachada de una aspecto armónico y estructurado. "La belleza”, esta era la máxima albertiana, “radica en la armonía de todas las cosas”.

Otro grande del Renacimiento italiano, el pintor Andrea Mantegna, se encuentra enterrado en el interior de la Basílica. Y la hermosa y serena Mantua, ciudad elegante y shakesperiana, será un disfrute para quien guste del arte y la arquitectura.

San Pietro in Montorio, en Roma

Construido en honor del príncipe Juan, único hijo varón de los Reyes Católicos, el tempietto de San Pedro in Montorio es la obra maestra de Donato Bromante y uno de los edificios más representativos del Renacimiento italiano.

Su forma circular remite a los antiguos templos circulares o tholos, que en la propia Roma tienen el notable ejemplo del templo de Hércules Victor. Pero lo que hace aquí Bramante no es, ni mucho menos, una mera copia de aquellos. Como el gran e innovador arquitecto que era, da nuevos vuelos al viejo modelo y lo convierte en algo nuevo: la cella o sala principal del templo ya no se detiene a la altura de la columna exterior, sino que sigue subiendo, crea un segundo piso cuya balaustrada parece extender hacia arriba las columnas que la sostienen y queda coronada finalmente por una cúpula semiesférica.

El tempietto fue un éxito radical, ha sido copiado hasta la saciedad y no podemos dejar de recomendar su visita, en la subida al Gianicolo desde el Trastévere, a todo aquel que visite Roma.

La Iglesia de la Consolación, en Todi

La preciosa Iglesia de la Consolación en Todi, pequeña localidad cercana a Perugia, puede ser el mejor ejemplo de lo que pudo haber sido San Pedro del Vaticano si se hubieran cumplido los deseos de Donato Bramante.

Aquí, el arquitecto de Urbino proyectó una iglesia de planta central osada por su llamativa verticalidad. Un elevado cubo central, embellecido y protegido por cuatro ábsides semicirculares, sirve de base a una gigantesca cúpula central sobre un alto tambor cilíndrico. La iglesia de San Biagio, en Montepulciano (que no ha entrado en la lista, pero de la que hablamos en nuestra lista de pueblos de la Toscana), sin duda tuvo su modelo.

La Villa Rotonda, en Vicenza

Se cita a menudo una frase que Goethe escribió en sus diarios de viajes por Italia, sobre la Villa Rotonda de Palladio. Dijo el poeta que “quizá la arquitectura nunca haya alcanzado mayor altura” desde entonces, y dijo también que Palladio había levantado algo muy parecido a un templo clásico.

La Villa Rotonda está compuesta de cuadro fachadas iguales, cada una de las cuales sigue el modelo clásico del templo romano. En su interior hace un uso magistral de luz, que ilumina los espacios y los esquemas constructivos siguiendo el plan ya establecido por Brunelleschi. Su centro lo corona una cúpula que recuerda en cierto modo al Panteón de Roma. Es, como los mejores ejemplos del Renacimiento italiano, un sentido homenaje al clasicismo pero a la vez un edificio tremendamente innovador.

Goethe tuvo la suerte de visitar también su interior, un privilegio que, hasta hace un par de años, sólo tenían algunos. Ahora la Villa Rotonda puede visitarse por fuera todos los días y por dentro los miércoles y los sábados. Merece la pena cuadrar en esos días la visita a Vicenza y consultar la web oficial de la Villa para estar al tanto de cualquier cambio.

El Arco de Alfonso V en el Castel Nuovo de Nápoles

"Los libros son, entre mis consejeros, los que más me agradan, porque ni el temor ni la esperanza les impiden decirme lo que debo hacer". Alfonso V de Aragón, El Magnánimo, hizo del Castel Nuovo de Nápoles su corte desde 1443, y a pesar de ser Rey de Aragón ya no volvió a pisar tierras ibéricas.

En la poderosa fortaleza que había pertenecido a los Anjou, desde la cual se tenía incluso acceso al mar, Alfonso mandó construir un formidable arco de triunfo integrado entre dos bastos torreones. Hoy es uno de los grandes atractivos de una ciudad infinita y maravillosa.

Allí puede encontrarse un programa de evidente ensalzamiento de la nueva dinastía, pero también un ambicioso programa humanista de recuperación de los valores clásicos. Alfonso, que siempre anheló convertirse en rey de Italia -y acabó odiando a Segismundo Malatesta por impedírselo en Piombino- hace que la piedra cante sus gestas como lo habría hecho un César o un Augusto, sus modelos, sin duda, mucho más que sus más cercanos y prosaicos parientes medievales.

La Iglesia del Redentore, en Venecia

Una de las obras maestras de Palladio (¿alguna no lo fue?), la fachada de* Il Redentore* presenta un creativo juego de superposiciones y cruces.

Palladio construye dos fachadas en una; una de ellas dibuja el ancho del edificio; la otra, el alto. Ambas tienen sus columnas, su frontón, su tímpano, y quedan enmarcadas por un muro de fondo que en la parte superior dibuja también su propio tímpano. Al fondo, la gran cúpula y los campanarios cilíndricos, que semejan alminares, potencian el efecto fantástico y algo ecléctico de la obra, que anticiparía los juegos intelectuales del manierismo si no fuero por su apego radical a los esquemas clásicos.

Es recomendable compararla con la fachada de San Giorgio Maggiore, también de Palladio y también en Venecia, que juega con los mismos esquemas pero de forma distinta, para comprobar la infinidad de recursos del arquitecto vicentino.

Il Redentore se construyó en 1576 para celebrar el final de una epidemia de peste que hacía azotado a los venecianos. Está en la isla de Giudecca, y cada año, a finales de julio, se celebra una fiesta que conmemora aquel mismo acontecimiento feliz. Durante la Festa del Redentore los venecianos acuden en sus góndolas a festejar, y la isla se llena de luces y música y fuegos artificiales.

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