La Catedral de Amalfi domina el centro urbano la ciudad, que coincide con el de la antigua ciudad medieval. Hoy forma parte del escenario en el que algunos afortunados pasan las horas plácidamente, leyendo la prensa o charlando, en cualquiera de las terrazas que se extienden en la Plaza del Duomo, a los pies de los cincuenta y siete escalones que conducen a este templo lleno de historia, bajo los que se encuentra la cripta.

Amalfi es con Positano y Ravello uno de los sitios más demandados por el turismo en la conocida Costa Amalfitana, a la que le da nombre esta preciosa ciudad. Los habitantes de esta costa llaman a la carretera que los une el Sendiero degli Dei (Camino de los Dioses), el espectacular paisaje desde luego es digno de dioses. A setenta y cinco kilómetros de Nápoles, por carretera, y a una hora en barco de Capri, Amalfi, que forma parte de la lista del Patrimonio de la Humanidad, se cobija entre el Monte Cerreto y el infinito azul del mar Tirreno.

Su catedral es el reflejo de su encrucijada histórica entre Oriente y Occidente, entre Bizancio y Sicilia, entre sus épocas de esplendor y sus momentos de crisis.

Fundada en el 339 por los romanos y dominada durante siglos por los lombardos, que para sofocar sus luchas intestinas recurrieron a los sarracenos, Amalfi se liberó de la dominación lombarda a finales del siglo IX, cuando se convirtió en una de las cuatro Repúblicas Marítimas: Amalfi, Génova, Pisa y Venecia, que rivalizaron por el control del comercio en el Mediterráneo.

Para entonces la influencia de la arquitectura lombarda y los ecos del mundo árabe, ya habían calado en la ciudad.

Historia de la Catedral de Amalfi

Y es a partir del siglo IX, con el comienzo del periodo de prosperidad más grande de Amalfi, cuando se proyecta un edificio catedralicio que reflejara la importancia de la ciudad. El templo, en realidad una suma de edificios, acabaría siendo un complejo monumental compuesto hoy día por el Claustro del Paraíso, la Basílica del Crucifijo, la Iglesia Catedral y la Cripta de San Andrés.

Sus etapas constructivas son un reflejo de la historia de Amalfi desde el sigo IX. Mansone I, duque de Amalfi y príncipe de Salerno, mandó construir en el año 981 una catedral aneja a una anterior, que había sido construida sobre otra antigua iglesia paleocristiana, datada en el siglo VI.

Uno de los elementos artísticos de la nueva catedral es su puerta de bronce construida en Constantinopla, donada por un rico comerciante que hizo fortuna en Bizancio.

Las dos iglesias, ambas de tres naves, tenían cultos separados, hasta que en el año 987 fueron unidas, lo que dio como resultado que la Catedral de Amalfi fuera una iglesia románica de seis naves.

Varios acontecimientos históricos acabaron con el esplendor económico y con su andadura como República Independiente. En 1131 fue tomada por los normandos y en 1137 dominada por los pisanos, con lo que dejó ser una potencia marítima.

De su puerto salían cereales, sal, esclavos y madera traídos de otras partes de Italia, a cambio de dinares de oro de Egipto y Siria. Con ellos compraban sedas del Imperio bizantino para después venderlas en Occidente. Los comerciantes de Amalfi usaban monedas de oro para comprar tierras en el siglo IX, mientras la mayoría de Italia todavía se organizaba a base de trueque.

Aquel puerto era sin duda uno de los más importantes del Mediterráneo, pero un tsunami acabó con él, y con una gran parte de la zona baja del pueblo, en 1343, y ya nunca recuperó su importancia.

La primera catedral de Amalfi y su claustro-cementerio

Claustro del Paraíso

En 1266, una de las naves de la primera iglesia fue eliminada para construir el Claustro del Paraíso como cementerio para familias nobles. El claustro es un pórtico de cuatro lados, cubierto con bóvedas de crucería. Sus arcos apuntados entrelazados (típicos del arte árabe-normando), se apoyan en sesenta pares de columnas de mármol coronadas con capiteles de muleta.

En su lado sur hay seis capillas funerarias decoradas con frescos. Fueron financiadas por familias aristocráticas entre los siglos XIII y XIV. Entre todas destaca la Capilla de la Crucifixión, decorada con un fresco de la escuela de Giotto, que representa la escena de la Crucifixión.

Otros frescos de la época representan un Pantocrator y relatos de los Santos Cosme y Damián. Hay en estos pórticos un anticipo del Museo Diocesano, en el que se conservan sarcófagos romanos cuyos relieves narran la boda de Peleo y Tetis o la violación de Ariadna. Además de fragmentos del púlpito de piedra antiguo, y el suelo de la catedral románica, que se exponen en las paredes.

Basílica del Crucifijo. Primera Catedral de Amalfi

Desde el claustro se accede a la es Basílica del Crucifijo donde se encuentra el Museo Diocesano. Construida sobre una antigua iglesia paleocristiana, de la que se conservan algunos elementos, perdió una de sus tres naves para la construcción del claustro, como hemos visto antes. En su lugar quedan dos capillas medievales cubiertas de frescos de los siglos XIII y XIV.

En 1931 se emprendió una reforma en esta iglesia para eliminar la capa barroca que había escondido a la primitiva iglesia románica, gracias a lo cual se pueden ver hoy los frescos de siglos anteriores y la primitiva estructura.

Exterior de la Catedral de Amalfi

Un Atrio que reinterpreta el pasado recibe a los peregrinos.

Desde la escaleras o también desde la primera iglesia románica, se accede al atrio donde están las tres entradas a la catedral nueva. Un accidente ocurrido el 24 de diciembre de 1861, provocado por un fuerte viento, hizo que se cayera una parte del techo y una columna que se volcaron sobre el atrio, causando serios desperfectos.

La circunstancia fue aprovechada para eliminar, aquí también, los añadidos renacentistas y barrocos, con idea de devolver a la fachada de acceso su sabor románico.

Se remodeló el atrio o pórtico de la Catedral de Amalfi con una estructura que recuerda a los iwan islámicos. Mientras dos columnas de mármol sujetan el enorme arco de acceso, son pilares envueltos en mármoles bicolores los que mantienen las cresterías de los vanos, de claro sabor gótico oriental. El conjunto de la fachada evoca claramente los mármoles que envuelven el Conjunto Monumental del Duomo de Florencia.

Sobre la puerta central de acceso a la iglesia (realizada en Constantinopla), un mosaico de ecos bizantinos rinde honores a San Andrés. Sobre éste un fresco de la Ascensión de la Virgen decora el final del arco gótico de esta entrada.

El frontón que remata la fachada con un mosaico que representa una escena del Apocalipsis bajo la que aparecen, entre los huecos que propician sus arcos entrecruzados, otros doce mosaicos que representan a los doce apóstoles.

Errico Alvino, artífice de esta remodelación, consiguió una bella unidad compositiva entre la fachada y el atrio, que conecta todos los espacios del conjunto monumental. El proyecto es una mirada "muy libre", propia de la época de los Neo-románticos que se atrevieron a "corregir" a los viejos arquitectos románicos. En su decoración hay elementos góticos, árabes, bizantinos y clásicos. Es un eclecticismo, que como decimos resulta hermoso, pero no estuvo a salvo de duras críticas.

EL Campanario de la Catedral de Amalfi

Construido entre 1108 y 1276, la base está formada por piedras macizas. Al mirar hacia arriba se ve como se abren vanos geminados, de estilo románico, que van aumentando los huecos conforme asciende en altura: bíforas y tríforas que le le dan luz a la torre mientras aligeran el peso.

Coronada por una cúpula rodeada por cuatro pequeñas torres de forma circular, y decorada con azulejos polícromos que forman arcos entrecruzados, como los del Claustro del Paraíso, a los que probablemente miró Errico Alvino para su diseño del los del atrio, en el siglo XIX.

El interior de la Catedral de San Andrés de Amalfi

Desde el atrio hay tres accesos a la Catedral del siglo X. Uno de ellos es la puerta de bronce, que hemos visto arriba, tallada en Constantinopla en el año 1060. Está anclada en una puerta de mármol del siglo IX con figuras antropomorfas y motivos geométricos florales, propios del arte normando.

Las tres naves de esta iglesia estuvieron separadas por columnas clásicas pero, en el siglo XVIII, fueron transfiguradas a un lenguaje barroco que cambió las columnas por pilares con incrustaciones de mármoles de colores. El artesonado del techo se cubrió de pinturas y oro desapareciendo cualquier eco románico.

Algunos restos supervivientes de la "invasión barroca" permanecen a la vista, como unos arcos entrelazados que permanecen bajo los estucos barrocos en el presbiterio.

Esta iglesia es un contenedor de obras de arte barrocas y de piezas de orfebrería de siglos anteriores que bien merecen la pena. Entre ellas destaca un lienzo que narra la intervención milagrosa de San Andrés y San Mateo en el año 1544 cuando la ciudad se libró de un ataque de Barbarroja, gracias a una marejada imprevista.

Las reliquias de San Andrés, motivo de peregrinación a la Catedral de Amalfi

La catedral es conocida como Doumo Sant’Andrea, porque en su cripta se veneran, además de las de otros santos, las reliquias del apóstol San Andrés, patrono de la ciudad, motivo por el cual acuden muchos peregrinos. Las reliquias de este santo, primer patriarca de la iglesia ortodoxa y patrono de pescadores, pescaderos y fabricantes de cuerda, se reparten entre la Catedral de Amalfi (católica) y la Catedral de San Andrés de Patras en Grecia (ortodoxa), donde fue martirizado.

Las reliquias de San Andrés viajaron primero a Constantinopla y de allí a Amalfi gracias al Cardenal Pedro Capuano. Nacido en Amalfi, Capuano participó en la Cuarta Cruzada que conquistó Constantinopla, entonces capital del Imperio Bizantino, lo que explica el viaje de los restos del santo.

Capuano ordenó la construcción de la cripta alrededor de 1203 y las reliquias de San Andrés recibieron sepultura en ella en 1208. Alrededor de la tumba se levantó un rico altar y una escultura del santo realizada por Michelangelo Maccerino (discípulo de Buonarroti), y las esculturas de san Esteban y San Lorenzo que realizó Pietro Bernini, el padre del genial Gian Lorenzo Bernini.

Los techos de la cripta están decorados con frescos del siglo XVII.

Sobre el sepulcro del Apóstol hay una ampolla de cristal, donde en la Vigilia de la festividad de San Andrés, y en otras ocasiones, se recoge Maná. Este es un hecho que viene sucediendo desde 1304 y cuentan que también sucedía en Constantinopla, el tiempo que estuvieron allí las reliquias.

Paseando por Amalfi

Hoy hemos visitado la Catedral de la ciudad de los limones gigantes, las escaleras empinadas, la brisa del mar en sus rincones llenos de historias. Cuando hablamos de la Costa Amalfitana, contamos que desde Amalfi se puede visitar toda la costa desde el mar por su buen servicio marítimo. Navegar por su gruta esmeralda y saborear la estupenda cocina local. Recomendamos desde aquí entrar en cualquier tratoría de sus callejuelas donde veas gentes del lugar. (No falla en ningún lugar del mundo).

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La arquitectura, la cerámica y la escultura occidentales hunden sus raíces en el arte griego, cuyas obras, tras más de dos milenios, están dispersas por una miríada de museos y galerías. Francia, Inglaterra, Alemania, Italia y Grecia conserva las principales obras maestras, aquellas que pudieron conservarse en su estado original o esas otras que, perdidas, podemos aún disfrutar gracias a las copias que hicieron los romanos.

Lo que sigue no es un ranking, pues faltan muchas maravillas. Pero sí es una selección de lo mejor de las distintas y variadas épocas y estilos por los que atravesó ese fenomenal conjunto de creaciones que hoy llamamos arte griego.

Cleovis y Bitón, un sensacional ejemplo del arte griego arcaico

El grupo escultórico de Cleovis y Bitón es uno de los mejores representantes que aún puede verse del arte griego arcaico. Representan un tipo muy común en aquel tiempo: el kuros u hombre joven desnudo, una representación idealizada del atleta y del soldado, fuerte, viril y en plenitud.

Estos dos en concreto son figuras mitológicas. Hijos de una sacerdotisa de Hera llamada Cídipe, la historia cuenta que en una ocasión fueron capaces de tirar del carro que llevaba a su madre a honrar a la diosa, una vez que sus bueyes habían quedado exhaustos.

Son esculturas muy parecidas al estilo de los egipcios. Se caracterizan por una postura rígida y tirante, brazos caídos y pegados al cuerpo, avance ritual de la pierna izquierda y un carácter compacto que impide olvidar que antes de un kuros la escultura fue un bloque de piedra.

Al modelado se le prestaba entonces poca atención. El escultor, de nombre Polimedes de Argos, trazó simplemente unos gruesos incisos allí donde el cuerpo solicita juegos de relieve, como los pectorales o el encuentro de las ingles y el abdomen.

Aunque no es lo habitual, de estas piezas se conoce, gracias a Heródoto, que fueron un encargo de la ciudad de Argos para adornar el Santuario de Delfos. Allí se colocaron aproximadamente en el año 600 a.C. Allí mismo fueron encontradas en el año 1893, y allí se pueden ver aún, más de 2600 años después, en el Museo Arqueológico de Delfos.

El Vaso François, la joya de la cerámica griega

El Vaso François es uno de los más impresionantes ejemplos de la cerámica griega. Mide nada menos que 66 centímetros de alto y está decorado al completo con historias de la mitología griega, monstruos e incluso escenas cómicas. Hasta las asas y la base están profusamente decorados.

En su fabricación se sabe que intervinieron dos autores porque ambos dejaron constancia de su firma. Se trata del alfarero Ergótimos y el pintor Clitias, que colaboraron en esta y otras obras alrededor del año 570 a.C.

Según Antonio Blanco Freijeiro, autor de uno de los mejores libros sobre arte clásico, el Vaso François destaca por "su proporción, elegancia, firmeza y grandiosidad […] pero a este conjunto de perfecciones constructivas se le une la exquisita decoración de Clitias, que envolvió la superficie externa del vaso en un álbum de más de un centenar de miniaturas dispuestas en franjas horizontales".

Que un vaso de este tamaño y con este imponente y minucioso programa decorativo acabara en Etruria es un ejemplo más de lo bien conectada que estaba por entonces la economía mediterránea, y el alto desarrollo que habían alcanzado los etruscos, capaces de importar semejantes objetos de lujo. Hoy se puede ver en el impresionante Museo Arqueológico de Florencia, uno de los mejores de la ciudad del Renacimiento.

No servía simplemente para decorar. El Vaso François era una crátera de volutas (así llamada por las asas), un recipiente en el que se depositaba el vino, normalmente mezclado con agua, para que los asistentes a un banquete se fueran sirviendo.

Quizá este uso justifica la presencia de varias escenas marcadamente cómicas entre sagrados mitos como el de las exequias de Patroclo. O tal vez sea una prueba más del escaso fanatismo que envolvía la religión griega, sin exigencias morales y tolerante incluso con la ironía.

Para saber más sobre las imágenes representadas, recomendamos la lectura de este artículo.

El ¿Poseidón? del Cabo Artemisio

Se llama Poseidón de Artemision pero sólo la segunda parte de su nombre es segura, pues fue descubierto bajo el mar, en 1928, muy cerca del cabo del mismo nombre.

La identidad de la figura es complicada. Se ha dicho que es Poseidón en el acto de arrojar su tridente, pero ese acto de arrojar el tridente no era nada habitual. Y un tridente no encaja bien con la composición de la figura, como descubrió un grupo de historiadores. Lo que sí sabemos es que el Templo de Sunión estaba dedicado a él.

Se ha dicho también que podría ser Zeus en el acto de lanzar un rayo, pero la posición de las manos tampoco sería idónea. En realidad, el acto que más concuerda con la figura es el lanzamiento de una jabalina, pero la figura no es la de un atleta, que habría de ser más joven, sino la de un dios. Últimamente se le llama Dios de Artemisio.

En cualquier caso, es un figura valiosísima no sólo por su antigüedad (se ha datado en el año 460 a.C.) sino porque representa perfectamente la transición entre el estilo arcaico y el clasicismo. La figura es todavía rígida y carece del naturalismo que estaba por venir, pero ya hay una intención clara de romper el estatismo de la vieja escultura y añadir acción y movimiento.

Está en el Museo Arqueológico Nacional de Atenas.

Los Bronces de Riace o el anuncio del clasicismo

Han sobrevivido milagrosamente tres maravillas del arte griego realizadas en bronce. Una es el Poseidón de Artemisio, otra el Auriga de Delfos. La tercera son estos misteriosos personajes que fueron encontrados por un submarinista cerca de Riace, en la actual Italia, y que son la gran joya del Museo Arqueológico de Reggio Calabria.

A pesar de haber realizado numerosos y concienzudos estudios, los expertos no se ponen de acuerdo sobre la identidad de los dos individuos. Unos dicen que son atletas. Otros dicen que son guerreros. Otros, que son dioses o figuras mitológicas.

Nada está claro excepto su maravillosa calidad y su incalculable valor histórico, pues aquí tenemos, uno frente a otro, el paso del estilo severo, o de transición, al inconfundible estilo clásico. De hecho, el llamado Bronce B es tan, tan asimilable a las esculturas clásicas que hay quien ha defendido la autoría de Fidias, el mayor exponente del arte clásico.

Aquí ya está casi todo lo que hará del arte griego clásico inolvidable: el naturalismo, la elasticidad de los músculos, el apoyo en uno de los dos pies, la ruptura total de la vieja ley de la frontalidad, etc.

Tal vez te interese leer también este recopilatorio: diez templos griegos para viajar al mundo antiguo. Seguirás viajando por Sunión, Atenas, Delfos y otros rincones de Grecia.

El Discóbolo, la obra que hizo trizas la ley de la frontalidad

A mediados del siglo V a.C. Atenas brilló entre todas las ciudades de Grecia, y en Atenas, en aquel tiempo, empezó a florecer Mirón. Esculpiendo dioses, atletas y animales se hizo pronto un hueco entre los grandes del arte griego. Fue verdaderamente profuso y variado en la elección de sus temas, aunque se mantuvo a la vez más apegado a ciertas rigideces del arte clásico.

El Discóbolo, famosísimo, representa a un lanzador de disco en plena acción. En en suelo solo apoya el pie derecho y los dedos del izquierdo. Con la mano derecha impulso el disco hacia atrás para ganar inercia. Su cuerpo, en postura inverosímil para la estatutaria anterior, se inclina y se contrae en el momento previo al violento lanzamiento.

Este atleta es muy distinto a todos los anteriores. Debió sorprender y asombrar a sus contemporáneos, pues cambia radicalmente la relación del espectador y la obra. Si las antiguas estatuas frontales fueron concebidas para verse de frente y solo de frente, el Discóbolo no solo puede admirarse desde cualquier lado sino que casi parece que incita a hacerlo.

Y a pesar de todo, al margen de la postura, el Discóbolo no es una obra excesivamente novedosa. La anatomía sigue siendo casi pre-clásica: los músculos son planos; las facciones, esquemáticas e inexpresivas, y el conjunto no alcanza gran profundidad en el espacio. Admiración y asombro era lo que buscaba, no emoción. Hoy puede verse no el original, pero sí una excelente copia romana en el Museo Nazionale Romano, situada en el Pallazzo Massimo alle Terme.

La Atenea Lemnia, la más bella de las estatuas femeninas

Así lo pensaba al menos Pausanias, que la ensalzó como la mejor de todas las obras de Fidias. La Lemnia se esculpió en época de Pericles para adornar, aún más, la Acrópolis de Atenas. Pero al contrario que la Parthenos, diosa guerrera escondida en el colosal Partenón, esta versión de la diosa se representó como una dispensadora de paz. Por ello lleva la cabeza descubierta, el casco en una mano y la égida sobre el pecho.

La cabeza tiene todos los rasgos propios del arte griego clásico: frente alta, barbilla pequeña, labios menudos y carnosos, mejillas lisas y una línea del perfil casi perpendicular al plano horizontal. El finísimo modelado y la elegante taenia, la cinta lisa y ancha que sujeta el pelo, terminan de acentuar la plasticidad de todo el conjunto.

Contemplar la Lemnia es emocionante, y eso que solo se conservan un par de fragmentos y no del original, sino de copias romanas posteriores. La cabeza se encuentra en el Museo Cívico Arqueológico de Bolonia y, lo que parece ser una copia del cuerpo se puede ver en la Staatliche Kunstsammlungen de Dresde.

Las Parcas de Fidias y sus "paños mojados"

De los frontones del Partenón ya hablamos largo y tendido en el artículo que le dedicamos a dicho edificio. Pero hay un grupo de esculturas que merece ser individualizado y situado aquí, brillando con luz propia entre lo mejor del arte griego.

Estos tres cuerpos mutilados todavía impresionan por la corporeidad y por la vida que transmiten. Se los conoce como Las Parcas, aunque seguramente representan a Afrodita y Artemisa. En ellos se percibe bien la técnica de los llamados “paños mojados”, consistente en esculpir los ropajes con tal finura que parecen mojados, pegados por tanto al cuerpo y dibujando sus curvas y ondulaciones. Fidias llevó a esta técnica a una excelencia nunca antes vista, y luego fue imitado una y mil veces. La propia Victoria de Samotracia sería impensable sin este desarrollo previo.

Las Parcas, como todo el frontón del Partenón, pueden verse en la Sala Elgin del Museo Británico. Están en un estado algo precario, pero son las figuras originales que durante dos milenios adornaron el mejor de los templos griegos.

El Doríforo de Policleto, "el canon" del arte griego

El Doríforo es otra de las obras maestras del arte griego que se han perdido. Por suerte su fama fue grande en su tiempo, y los copistas romanos realizaron varias copias que sí se conservan. La mejor, o la mejor conservada, se descubrió en las excavaciones de Pompeya y se conserva en el Museo Arqueológico Nacional de Nápoles.

A pesar de su nombre, el representado es probablemente Aquiles, el héroe de la Ilíada. Y como la Ilíada, el Doríforo se terminó convirtiendo en la escultura más admirada, la más copiada, la que más influyó a escultores posteriores.

Curiosamente es una obra aún apegada a ciertos rasgos del arte arcaico. La separación de ingles y abdomen, o la línea que marca los pectorales, es excesivamente rígida. Lo mismo ocurre con las divisiones de los brazos y las piernas. Lo que Policleto aplicó de forma innovadora fue el canon geométrico que establecía el sistema ideal de las proporciones del cuerpo humano, y en en su forma de hacerlo reveló importantes influencias de los filósofos de us tiempo.

Platón había defendido en el Timeo que los dioses dieron a la cabeza humana una forma esférica como imagen de la figura del universo. La cabeza es perfectamente esférica, pero no es el único círculo. Las curvas del pliegue inguinal y del arco torácico son segmentos de un círculo imaginario cuyo centro estaría en el ombligo.

Por supuesto, lo más llamativo es la posición. Policleto esculpió una obra destinada a contemplarse desde un punto de vista principal, pero el Doríforo no es una obra rígida ni estática. El peso del cuerpo se apoya maravillosamente sobre una de las piernas, y el giro ligerísimo del tronco y la cabeza añade el movimiento justo para dotar al conjunto de vida.

La Afrodita de Cnido, el canon de belleza de los antiguos

"La destreza del escultor ha sido tan acertada que parece que el mármol ha perdido su dureza para moldear la gracia de sus extremidades", dijo de esta escultura Luciano de Samósata. Plinio el Viejo relató que una vez, un joven se enamoró de ella al contemplarla, y el rey Nicomedes de Cos la quiso hasta tal punto que ofreció a la ciudad de Cnido perdonar la deuda de la ciudad. Los cnidios se negaron.

Estamos ante la obra maestra de Praxiteles y la estatua femenina que los antiguos consideraron la más hermosa del mundo. Representa a Afrodita, la diosa del amor, en el acto de tomar un baño.

Toda la obra es un prodigio de sensualidad y delicadeza. La razón de que aparezca desnuda hay que buscarla en las costumbres locales de Cnido, donde Afrodita era venerada, entre otras cosas, como protectora de la navegación, de forma similar a la fenicia Astarté. En toda la región hay representaciones anteriores, muy antiguas, donde a la diosa de la fecundidad se la representa de la misma manera.

Pero Praxiteles convierte la desnudez de la diosa en un logrado elemento erótico gracias a la tersura del modelado, a las formas suaves y mórbidas que se mueven en un perfil sinuoso, la célebre "S" o curva praxiteliana. La vestidura y el ánfora cumplen una función estructural, pues permiten que el cuerpo "rote" ligeramente hacia delante y hacia la izquierda. Es admirable cómo consigue Praxiteles que esas vestiduras, que recuerdan a los paños mojados de Fidias, caigan lánguidamente, despacio, sobre el ánfora. Como dijo Luciano de Samosata, resulta difícil de creer que el material sea el duro y frío mármol.

Como en el caso del Doríforo, el original se perdió. Pero como su fama fue tan grande se hicieron bastantes copias, y algunas de ellas son de excelente calidad. La más conocida está en Roma, en el Museo Nacional Romano del Palazzo Altemps.

El Gálata moribundo y la nueva expresividad del helenismo

Es una de las obras más famosas de los Museos Capitolinos de Roma y una de las más reproducidas, merced a su enorme popularidad entre los viajeros del Grand Tour y a la intensa emoción que transmite.

Situada en el centro de una sala que lleva su nombre (Sala del Gladiador, pues en principio se pensó erronamente que el caído era un gladiador) representa a una víctima de la guerra emprendida en el siglo III a.C. por los Atálidas de Pérgamo contra los Gálatas (así llamaban aquéllos a las tribus célticas –los galos de los romanos– asentadas en el interior de la actual Turquía). El guerrero, que se muestra con la herida bien visible y próximo a morir, está rodeado de gran solemnidad y representado al estilo de los héroes clásicos, esto es, desnudo. La obra sirve así como recordatorio de la victoria, pero también como homenaje a la valía de los vencidos, que fueron dignos enemigos.

Apareció en el siglo XVII, en la Villa Ludovisi, junto con el Gálata suicida que puede verse hoy en el Palazzo Altemps, y fue adquirida por el museo en el siglo XVIII. Aunque los historiadores no se han puesto de acuerdo sobre su datación, la interpretación más aceptada es la siguiente: que el original griego data del siglo III a.C., que fue un encargo de Átalo I de Pérgamo como conmemoración de la citada victoria de los suyos contra los gálatas turcos, y que la copia expuesta en el museo es una obra romana del siglo I a.C., encargada por Julio César para conmemorar en el ámbito privado otra victoria –la suya– contra los galos, y realizada (esto acreditaría tanto la estima del dictador al original como la confusión de los historiadores) en mármol oriental por un taller de Pérgamo.

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Vanitas vanitatis son dos términos relacionados con un pasaje del Eclesiastés: «Vanitas vanitatum omnia vanitas» («Vanidad de vanidades, todo es vanidad»), que intenta transmitir la inutilidad de los placeres mundanos ante la certeza de la muerte y el absurdo intento del hombre de parecerse a Dios, olvidándose de que es un ser mortal y finito.

Vanitas es un término latino que podemos traducir por vanidad, en el sentido de insignificancia. Asimilable a la expresión "en vano".

En el mundo del arte se denominan "Vanitas" a una categoría de bodegones que se practicaron mucho en la época barroca, sobre todo en Holanda. Pero la vanidad y la muerte se han tratado en el mundo del arte antes y después del Barroco.

Autores como Dalí, Picasso o el controvertido contemporáneo Damien Hirts (un ejemplo es su famosa calavera de diamantes), han interpretado el tema de la vanidad y del memento mori bajo la mirada de su tiempo.

Durante el Barroco se desarrolló de una manera especial la percepción de la debilidad del ser humano, la fugacidad de la vida y la presencia de la muerte. La sensación social de la situación del hombre estaba en el siglo XVII en un clarooscuro continuo; de la lujuria de las fiestas barrocas, en las que se combinaban la celebración religiosa con la risa y los placeres sensoriales, lo sagrado con lo profano, se pasaba a entonar el mea culpa en iglesias y manifestaciones populares. Fue en esta época cuando empezaron a tomar fuerza los desfiles procesionales de la Semana Santa.

El arte reflejó esta situación utilizando de manera dramática la luz y las sombras en busca del impacto, la conmoción del espectador. Y los bodegones llamados "Vanitas" fueron una ayuda muy útil en la predicación devocional. Eran mensajes "moralizantes" que proliferaron en el siglo XVII, con un mensaje claro: el "memento mori" (recuerda que has de morir). Tanto en el Norte como en el Sur de Europa, en el ámbito cristiano y en el protestante, se usaron una simbología e intenciones muy parecidas.

Pero sin ser bodegones al uso, hubo otros pintores, como Caravaggio, que se acercaron a las "Vanitas" desde un punto de vista muy personal, incluyéndolos en representaciones de santos. Antes del barroco ya hubo grandes pintores, influenciados por las ideas medievales, que relacionaron la muerte y el pecado, como lo hicieron por ejemplo El Bosco o Brueguel el Viejo, o Tintoretto en el Renacimiento con su alegoría de la muerte.

El tema de las vanitas se llevó a la escultura e incluso a la arquitectura como en la capilla Magadalenenklause, construida en los jardines del Palacio Nymphenburg de Múnich. Una vanitas arquitectónica levantada en un jardín idílico para meditar sobre lo efímero de la vida.

Estamos en vísperas de una celebración muy especial, el Día de todos los Santos y el Día de los difuntos. Son fechas en las que se visitan los cementerios y se celebran cultos para honrar a los que se fueron y rogar por su descanso eterno.

Traemos aquí unos cuantos ejemplos que recuerdan a través del "memento mori" la fugacidad de la vida, con un mensaje claro por nuestra parte, el que acuñó el poeta romano Horacio: "Carpe diem, quam minimum credula postero" (Aprovecha el día, no confíes en el mañana).

1-El Jardín de las Delicias. Jheronimus van Aken el Bosco

Comenzamos este acercamiento a la representación del pecado y la muerte en el mundo del arte con una obra fascinante. El Jardín de las Delicias de El Bosco. En él el maestro holandés va desgranando la creación del mundo, desde el tercer día, cuando se separan el cielo y la tierra (imagen del tríptico cerrado).

En las tres tablas interiores de la obra, El Bosco nos empuja a entender el mundo desde la Creación del hombre (tabla de la izquierda), a la inconsciente felicidad del Jardín de las delicias (tabla central) y al destino inevitable en el Infierno musical (tabla derecha).

Hay mucho de vanitas en estas tablas enigmáticas y sarcásticas, pero en el recorrido por las etapas de la presencia del hombre en la tierra, son, la tabla central (el Jardín de las delicias) y la derecha (el Infierno), las que nos sirven para encabezar este recorrido por las vanitas.

En el Jardín de las delicias El Bosco nos presenta una situación de la humanidad inmersa ya en el pecado, especialmente el de la lujuria, aunque toca otros como la avaricia, que lo llevan a la perdición. Escenas eróticas heterosesuales, homosexuales y onanistas llenan la tabla de personajes entregados al disfrute. Entre los numerosos desnudos aparecen muchos tipos de frutas, en clara alusión a los placeres sexuales. En la Edad Media "coger la fruta" significaba tener comercio carnal. Además las frutas son un símbolo de la fugacidad de la vida y del placer, por su rápido deterioro.

Los animales que vemos en esta tabla se han interpretado como un símbolo de lujuria y los estanques de agua son símbolos de concupiscencia. Las mujeres que están en el interior del estanque van tocadas con cuervos e ibis, símbolos de vanidad, que veremos después en los bodegones de vanitas.

En la parte inferior derecha de la tabla un personaje vestido, el único, que mira al espectador mientras señala a la culpable de toda la situación: Eva, la que trajo el pecado al mundo. El arte occidental ha dejado auténticas maravillas respecto al erotismo, en las que siempre aparece la mujer como provocadora de los pecados.

Y como la humanidad ha caído en desgracia, sólo tiene un destino posible: el infierno.

La tabla del infierno, conocida como "EL infierno musical" porque está llena de instrumentos musicales (no se sabe porqué El Bosco relaciona la música con el castigo eterno), es la más sombría de las tres y explica que los innumerables tormentos que esperan a la Humanidad serán el pago por sus desmanes.

Personajes que defecan monedas, juegos de cartas y dados, en clara alusión a la avaricia, envuelto todo en un caos de torturas y confusión. Una sombría visión de las consecuencias de los pecados del hombre.

Se necesitan muchas horas para transitar esta maravilla datada entre 1500 y 1505, que se puede ver en el Museo del Prado de Madrid. Siempre hay algo en ella por descubrir.

Su influencia como obra moralizante ha sido enorme y muchos de los símbolos que en ella aparecen han inundado las obras de Vanitas del Barroco: juegos de mesa, monedas, instrumentos musicales, frutas, aves, etc.

2-El triunfo de la muerte. Pieter Brueghel el Viejo

Este cuadro que también se puede ver en el Museo del Prado de Madrid, lo realizó el maestro flamenco en 1562, un siglo antes de que nacieran los bodegones de Vanitas. Lo compró Isabel de Farnesio, la madre de Carlos III, en el siglo XVIII y pasó a la colección del Prado en 1827.

Es una obra moralizante que te sitúa ante el triunfo de la muerte sobre las cosas mundanas. Ésta está simbolizada por un gran ejército de esqueletos que arrasan la Tierra. Y dentro de él ya podemos ver algunas Vanitas (miradas con la sátira de Brueghel).

En la esquina derecha del cuadro encontramos un reloj de arena, marcando el final de la vida de un rey que tiene cerca unos barriles llenos de monedas (dos objetos muy utilizados en los bodegones de Vanitas). Al rey de nada le sirven ni el escudo, ni su apariencia lujosa, ni su alto rango para perecer como los demás.

Justo en la esquina contraria una pareja de enamorados son incapaces de ver que el músico que deleita su arrobamiento no es otro que un soldado de la muerte.

Influenciado por El Bosco, Brueghel inunda el cuadro de una desoladora realidad; la muerte es la vencedora inapelable ante la que es inútil resistirse. Entre los personajes desesperados, unos luchan contra lo evidente mientras otros se resignan a lo que les espera.

3-Vanitas. Anónimo holandés

En esta tabla datada en el siglo XVII, de la que se desconoce el autor, vemos una mirada sarcástica, típica de los maestros holandeses, al género de "Vanitas". El viejo avaro, sólo y rodeado de objetos que aparecen apiñados sin sentido decorativo, pura avaricia, mira asombrado al esqueleto que lleva colgado un bolso verde, ¿que llevará dentro?. Tocado con un sombrero de plumas, le dedica una canción antes de llevárselo.

Hay un cuadro, a la izquierda de la composición, en el que se ve la advertencia que ya le hizo el tétrico músico en la juventud: "memento mori": recuerda que vas a morir.

Los animales de las esquinas son también un divertido mensaje del anónimo autor. El lujurioso mono, que acaricia tranquilo la esfera terrestre mientras fuma (el tabaco como placer e indicio de mortalidad), parece expresar que con él no va la cosa, mientras el perro, símbolo de fidelidad, puede que se refiera aquí, a la interpretación iconográfica que utiliza a este animal para acompañar a los muertos en su tránsito por la laguna Estigia en su camino hacia el Hades, aunque en esta escena, el perrillo parece ladrar asustado ante el tétrico cantante.

4-Leonard Kern. El infante dormido o la alegoría del tiempo.

Del escultor alemán Leonard Kern, que se llevó de su estancia en Roma el amor por el arte clásico, traemos este "Niño Dormido" que realizó en marfil en el siglo XVII.

Es una obra de "Vanitas", que representa una alegoría del tiempo. Se puede ver en el Departamento de Artes decorativas del Louvre de París.

Sus escasos treinta centímetros retratan con una maestría, podríamos decir que minimalista, la esencia de las "Vanitas". Apoyado el brazo, sobre el que descansa su laureada cabeza, en una calavera (memento mori), que corona un reloj de arena, utilizado como un pedestal, mientras mide el tiempo de la vida.

La antorcha invertida entre sus piernas reafirma la sentencia de la muerte. El laurel que provoca sueños premonitorios, corona la cabeza del niño, que dormido nos envía un mensaje inequívoco.

5-Clara Peeters. Alegoría de la Vanidad

La pintora flamenca Clara Peeters nos dejó en este posible autorretrato del siglo XVI un bodegón Vanitas, que es una alegoría de la vanidad. La obra pertenece a una colección particular.

En ella se muestra vestida de manera lujosa, con un espejo abierto en la mano y apoyada en una mesa repleta de objetos que no son otra cosa sino muestras simbólicas utilizadas en las Vanitas.

Monedas, joyas, flores a punto de marchitarse, la bola de cristal que refleja lo que ha de venir y el generoso escote que deja ver sus pechos turgentes. Hay aquí mucha materia de la que vimos en el Jardín de las delicias.

6-Michelangelo Caravaggio. San Jerónimo escribiendo

Este "San Jerónimo escribiendo" fue una de las últimas obras de Caravaggio en su etapa romana, que se puede ver en la Galería Borguese de la ciudad eterna.

En él el santo escritor de la Vulgata aparece pobremente vestido y acompañado de una calavera para no olvidar el "memento mori".

Lejos de representarlo acompañado con el león, compañero iconográfico de este santo, reduce sus atributos al mínimo, lo representa en la pobreza más absoluta y absorto en su trabajo de escribir. Esta es una Vanitas moralizante, con un mensaje claro de cuál es la actitud a tomar si se quiere afrontar el momento de la muerte sin miedo al infierno.

La austeridad que transmite San Jerónimo fue inspiradora de la Orden de clausura monástica que lleva su nombre, que ha llevado su voz a tantos rincones de Europa. En su nombre se han fundado monasterios por muchos lugares, pero como vimos en nuestro recorrido por el Monasterio de Los Jerónimos de Belem, o el extraordinario Monasterio del Escorial, la vanidad de sus creadores se alejó mucho del mensaje del santo ermitaño.

7-Juan Valdés Leal. Las postrimerías de la vida

El maestro del barroco sevillano de cuya obra se puede ver una amplia muestra en el Museo de Bellas Artes de su ciudad, dejó en la Capilla del Hospital de la Caridad dos cuadros de Vanitas, fechados hacia 1670 que son considerados como obras cumbres de este género, no sólo por la magnífica factura técnica de ambos, si no por el nivel intelectual que derrochan.

Inspirado por "El discurso de la verdad" que escribió Don Miguel de Mañara, fundador del Hospital de la Caridad de Sevilla, Valdés Leal pintó dos lienzos conocidos como «Las postrimerías de la vida», que cuelgan en la Iglesia de San Jorge en el citado Hospital.

El primero lo tituló: In ictu oculi (En un abrir y cerrar de ojos).

La muerte, representada por un esqueleto que lleva un ataúd bajo el brazo, destroza con su guadaña la esfera celeste, mientras en un "abrir y cerrar de ojos" apaga la vela de la vida dejando sin sentido alguno los restos desordenados de todo lo que tiene poder en el mundo: una corona, una tiara, ricos vestidos y libros de eruditos científicos y de historia.

Entre éstos hay uno abierto por un grabado de Theodor van Thulden sobre un dibujo de Rubens: es uno de los arcos triunfales con que fue recibido en Amberes el cardenal-infante don Fernando de Austria tras la batalla de Nördlingen. Entre los que aparecen cerrados se ve el nombre de Plinio (quizá su Historia Natural) y la primera parte de la Historia y la vida de Carlos V, de fray Prudencio de Sandoval.

Pero las glorias del mundo acaban en el segundo cuadro: "Finis gloriae mundi" (El fin de la gloria del mundo), con dos cadáveres en descomposición en primer plano; un obispo y un caballero calatravo, como lo fue Mañara.

La muerte, paso previo para el juicio del alma, aparece como un brazo, como en un rompimiento de gloria, cuya mano sostiene una balanza con las inscripciones: Ni más, Ni menos.

En el platillo de la izquierda se pesan los pecados capitales. Sirviéndose de animales simbólicos, Valdés Leal pesa la soberbia, la gula, la avaricia o la pereza. No se necesita más para caer en pecado mortal.

Mientras que en el de la derecha, representado por rosarios, libros y enseres de iglesia, explica que no se necesita menos que la oración para salir de él.

Este "menos" enlaza con el discurso iconográfico desarrollado en la serie de cuadros de Murillo en la nave del templo. Todo el discurso artístico en esta iglesia lleva a la obra de Miguel de Mañara.

8-Antonio Pereda. La vida es sueño

Del vallisoletano Antonio Pereda traemos aquí un óleo fechado en 1650 que se puede ver en La Real Academia de las Artes de San Fernando de Madrid, titulado "El sueño del caballero".

La obra describe cómo un ángel le muestra a este caballero, vestido elegantemente a la moda del siglo XVII, entregado en los brazos Morfeo, lo efímeros que son los placeres, las riquezas, la gloria y los honores.

Una colección abigarrada de objetos, que hemos visto repetidos a lo largo de este artículo: joyas, monedas, una vela apagada, juegos, armas, un reloj, la onmipresente calavera y una careta que simboliza la hipocresía. Con ellos el autor va desgranando la advertencia del ángel, que le muestra un jeroglífico en el que una flecha vuela sobre el sol, con tanta velocidad como pasa el tiempo de nuestras vidas.

9-Cézanne. Pirámide de calaveras

Este óleo de Cézanne fechado en 1901, pertenece a una colección particular. Realizado cinco años antes de su muerte, la composición es un tétrico "memento mori" que tiene toda la fuerza de las pinceladas del maestro que sembró las bases del cubismo.

No se sabe si Cézanne, el pintor de Aix-en-Provence, realizó estos cuadros como consecuencia de ver cerca su final (hizo varias "Vanitas" en sus últimos años), o simplemente como otro tipo de bodegones, pero cambiando sus famosas manzanas por estas calaveras.

10-Carpe Diem. Mosaico romano de Pompeya.

Terminamos este recorrido con una loa al "carpe diem" representado en este mosaico romano, hallado en la libertina ciudad de Pompeya, al que le dieron el nombre de "Scheletro copiere" (esqueleto copero). Se expone en el Museo Arqueológico de Nápoles.

No es el único "carpe diem" encontrado en la ciudad de Pompeya representado en el viejo arte del mosaico. Formaban parte estas obras de los suelos del comedor de algunas casas insignes.

Aunque algunos historiadores relacionan estas obras con las religiones mistéricas orfico-dionisíacas, la interpretación más apoyada, a la que ayuda el lugar de la casa donde se encontraron, es que se trata de un claro "carpe diem". Una invitación a disfrutar de los placeres de la vida, en este caso los placeres de la mesa y más concretamente del buen vino: «mientras te quedas como yo, aprovecha y disfruta», parece ser el mensaje del viejo esqueleto compuesto con pequeñas teselas de piedra en blanco y negro, que ha llegado a nuestros días.

La entrada Vanitas Vanitatis, la vanidad ante la muerte en el arte occidental se publicó primero en Ruta Cultural.

El Castel Nuovo es uno de los monumentos napolitanos que más relación guarda con España. Lo construyeron los angevinos en el siglo XIV, para reforzar su dominio de la ciudad infinita. Pero un siglo después fue renovado profundamente y esos cambios se debieron a Alfonso V de Aragón.

En el marco de esa renovación, una serie de arquitectos y escultores, italianos y aragoneses, construyeron la gran maravilla del Castel Nuovo: el arco triunfal de Alfonso V.

Los libros son, entre mis consejeros, los que más me agradan, porque ni el temor ni la esperanza les impiden decirme lo que debo hacer.

Alfonso V de Aragón, llamado El Magnánimo, era un hombre de su tiempo: un humanista aficionado a los libros, interesado por el progreso científico y por los valores clásicos. Y un enamorado de Italia, que no abandonó desde la conquista de Nápoles, y de la que, incluso, intentó ser rey.

Toda Italia era entonces un enjambre de artistas, literatos y pensadores que revoloteaban alrededor de mecenas como Alfonso. Refinadas cortes palaciegas brillaban en Florencia, en Rimini, en Urbino, en Venecia o en Milán. Cuando Alfonso se aposentó en el Castel Nuovo a esa lista selecta quiso añadir Nápoles.

El castillo era ya una poderosa fortaleza que había pertenecido a los Anjou, pero a mediados del quattocento empezaba a mostrarse obsoleto. Comenzaba la edad de la pólvora. El impacto de los nuevos cañones podía destruir con facilidad un torreón rectangular pero no tanto uno de planta circular. De ahí que Alfonso hiciera sustituir los cinco viejos torreones (la misma evolución se puede ver en el Castillo Sforzesco de Milán, y en muchos otros).

Cuando se instalaba en una ciudad una dinastía nueva latía siempre el peligro de la rebelión. Máxime siendo, como en este caso, una dinastía extranjera. A la primera crisis los napolitanos podían volverse contra los nuevos regidores, y ante este peligro Alfonso fue conservador. Con el Castel Nuovo diseñó una especie de ciudadela, abierta al mar pero cerrada a la ciudad y protegida de ella.

Aunque hoy la situación ha cambiado, el castillo no estaba entonces cerca del mar, sino directamente en el mar. En el napolitano Museo de San Martín se conserva una tabla, llamada Strozzi, que reproducimos a continuación. Ilustra bien lo dicho: desde el interior del Castel Nuovo de Alfonso V se podía acceder al mar.

El arco triunfal de Alfonso V, la verdadera joya del Castel Nuovo

Los hombres del Renacimiento tenían como referentes a los grandes héroes de la Antigüedad grecolatina.

Alfonso no iba a ser menos que Francesco Sforza, Segismundo Malatesta o Federico de Montefeltro. Quiso estar a la altura de otros mecenas y mandó construir, entre dos torreones de su castillo, un arco triunfal que es la verdadera joya del castillo, lo que lo hace único.

El arco incluye un evidente ensalzamiento de la nueva dinastía, pero también un ambicioso programa humanista de recuperación de los valores clásicos. El proyecto lo inició el taller del mallorquín Guillem Segrera, pero poco duró el intento de importar a Italia el Gótico catalán. Corrían nuevos tiempos. Segrera murió en 1456 y fue sustituido por Francesco Laurana, autor del impresionante Palacio Ducal de Urbino.

Alfonso siempre anheló convertirse en rey de Italia -y acabó odiando a Segismundo Malatesta por impedírselo en Piombino- y aquí, en su monumento, hizo que la piedra cantara su procesión de entrada en la ciudad como si fuera el triunfo de un Augusto o de un Julio César. Ellos eran sus modelos, mucho más que sus cercanos y prosaicos contemporáneos.

En esa fachada está todo el Renacimiento: el uso del arco triunfal, la procesión que recuerda a las Panateneas del Partenón, los dioses fluviales que coronan el frontón curvo, la finura y el realismo de la escultura renacentista. Y como colofón, la referencia también al príncipe cristiano: quien corona el monomento no es Marte ni Apolo, sino San Miguel.

El interior del Castel Nuovo también guarda atractivos importantes

Aunque el interior no esté entre los imprescindibles de Nápoles, también es recomendable, si se dispone de tiempo, dedicarle una visita. Hay multitud de exposiciones, salas y patios, pero entre todo destaca la Capella Palatina (o Capilla Palatina) y la Sala dei Baroni (o Sala de los Barones).

La Capella Palatina es el único elemento que aún se preserva de la época angevina, del trecento italiano (nuestro siglo XIV). Se la conoce también como iglesia de San Sebastián, o de Santa Bárbara. Conserva una fachada, la que da al patio interno, con bellísimos relieves renacentistas, obra de Andrea dell’Aquila y del ya citado Francesco Laurana.

En el interior, iluminado por estrechas ventanas góticas, aún se pueden ver restos de unos frescos pintados por Maso di Banco. Son los que decoran la pared de la derecha. A la izquierda hay también varios frescos que fueron obra de la escuela florentina. Los que no se conservan, y es una verdadera pena, son los que se sabe que pintó Giotto alrededor del año 1330.

La Sala dei Baroni se ha llamado también Sala del Trono y Sala Mayor. No es difícil averiguar cuál era su función. En cierto momento estuvo decorada por un programa de frescos, obra de Giotto, que representaban a figuras ilustres de la Antigüedad como Eneas, Aquiles, Héctor, Hércules o Salomón. De haberse conservado estaríamos hablando de una de las grandes joyas del Renacimiento italiano, pero no queda ninguno.

Lo que sí permanecen son los cambios que le dio a la sala Guillem Segrera, entre los cuales destaca una preciosa cúpula, con diseño estrelladado, coronada por un óculo luminoso. Y una buena colección de obras de arte de esta época alfonsina, como la escalera helicoidal que da acceso a la cúpula, a la que llaman scala catalana.

Notables son, por último, la Capella di San Francesco di Paola y la barroca y muy española Capilla del las Almas del Purgatorio.

Horario y precio del Castel Nuovo y tres consejos para la visita.

El Castel Nuovo abre todos los días. De lunes a sábado permanece abierto de 8:30 a 19:00, y los domingos de 10:00 a 14:00. El billete de entrada cuesta 6€ y hay disponibles varias opciones para le billete reducido.

§1. En todo caso, conviene visitar la web oficial del Comune di Napoli para evitar sorpresas de última hora.

§2. Dado que muchas veces vamos cortos de tiempo o preferimos ver otros de los muchos atractivos napolitanos, no es mala idea contratar una visita guiada por la ciudad, a pie (ideal, entre otros, para cruceristas) o en autobús turístico.

Te llevarán a la Piazza Munizipio y a las puertas del Castel Nuovo, donde podrás apreciar la arquitectura exterior y la belleza del arco triunfal.

§3. Y si de has quedado tan prendado del castillo que no quieres dejar de verlo durante toda tu estancia en Nápoles, haz una reserva en I Giardini del Re (Los jardines del rey, en español). Se trata de un hotel (maravilloso, por otra parte) situado a doscientos metros del Castel Nuovo. Verás desde tu balcón la fachada principal.

Y si quieres saber más, tres recomendaciones para seguir leyendo.

Si la lectura de este post te ha despertado el apetito de adentrarte más en la época y en los temas aquí tratados (cosa que nos haría mucha ilusión) te dejamos varias recomendaciones:

§1. Si tienes curiosidad por los cambios ocasionados por la aparición de la pólvora, como los aquí mencionados (la sustitución de los torreones cuadrados por los circulares) lee La edad de la pólvora, un libro tremendamente atrayente que, según Jared Diamond, «es una lectura indispensable para los debates sobre la historia universal, y excitante, dramático y atractivo como una novela histórica.

§2. Si te atraen las tramas novelescas de rivalidad entre reyes y príncipes, te gustarán El Príncipe desvelado y Sangre de Abril. El primero se centra en la rivalidad entre Segismundo Malatesta, Federico de Montefeltro, los Medici, Alfonso V y el Papa. El segundo narra la Conspiración de los Pazzi, un intento de acabar con los Médici en Florencia en el que estaba implicado nuestro querido Alfonso V.

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§3. Si lo que quieres es profundizar en los significados filosóficos y religiosos del arte renacentista, te recomendamos Los misterios paganos del Renacimiento. Léelo y te convertirás en un refinado experto en estos menesteres.

La entrada El Castel Nuovo de Nápoles y la razón principal para no perdérselo se publicó primero en Ruta Cultural.

Qué ver en Nápoles, dueña de uno de los patrimonios más extensos y ricos de la bellísima bota. Lo esencial se asoma a estas líneas, pero para descubrir su alma tendrás que mirar a los ojos de esta ciudad única, de la que Sthendal, escritor francés del que ya hablamos en nuestro recorrido por Florencia, dijo:

no olvidare jamás ni Via Toledo ni todos los barrios de Nápoles, a mis ojos, es sin comparación, la ciudad más bella de mundo.

Parafraseando a Italo Calvino en su magnífico libro «Las Ciudades invisibles»:

Una descripción de Nápoles, (Calvino habla de Zaira), tal como es hoy debería contener todo el pasado de Nápoles. Pero la ciudad no cuenta su pasado, lo contiene como las líneas de una mano, escrito en las esquinas de las calles, en las rejas de las ventanas, en los pasamanos, en las escaleras, en las antenas de los pararrayos, en las astas de las banderas, cada segmento surcado a su vez por arañazos, muescas, incisiones, comas.

Muchos viajeros pasan como mucho un día entre sus calles, camino de Pompeya, Capri o la Costa Amalfitana, o la ciudad arqueológica de Cumas. Se debe en parte a la mala fama que sobrevuela Nápoles de ciudad sucia y peligrosa. Pero no es tan peligrosa como cuentan, sólo hay que llevar los ojos abiertos, como en cualquier lugar del mundo, y aunque su aspecto tiene el sello de la decadencia, ese es precisamente uno de sus atractivos, que son muchos. Te aseguramos que si te dejas llevar, Nápoles te atrapará para siempre.

Sólo visitar estos dos museos: EL Museo Arqueológico Nacional, el más importante de Europa en su género, con un importante contenido de la ciudad de Pompeya.

Y el Palacio de Capodimonte, convertido en un museo donde se exhibe la mayor colección artística de Nápoles y una de las más importantes de Italia, con obras maestras de Tiziano y Caravaggio, entre otros, además de una colección única de porcelana y mayólica de diferentes residencias reales. Merecerá la pena el viaje. Pero una vez allí te aconsejamos que te dejes llevar por esta ciudad infinita.

Y es que si Roma es un museo al aire libre, como también lo es Florencia. Si Venecia es la más bella sirena de Europa, Nápoles es un teatro bajo el azul del cielo; Nápoles es el color decadente de sus fachadas, es la alegría de vivir, es un caos maravilloso acariciado por el mar y vigilado por el Vesubio; es música, historia, arte, gastronomía. La más apasionante y vital ciudad de Italia.

Via Duomo de Nápoles, una arteria vital de la ciudad desde tiempos romanos.

A la Via Duomo la cruzan tres calles, trazadas también desde la época romana: Via Tribulani, Via dell’Anticaglia, y la famosa Spaccanapoli, traducida literalmente significa «partenápoles». En ellas se encuentran un buen número de los tesoros de Nápoles.

El nombre de la vía Duomo le viene por el edificio religioso más importante de la ciudad: La Catedral de Nápoles; el Duomo di Santa Maria Assunta.

Construida sobre el solar de un templo griego al Dios Apolo, la primera catedral la construyó Constantino en el siglo IV, y la reconstrucción tal cual la conocemos hoy, la hicieron los Anjou entre lo siglos XIII y XIV. Su arquitectura es una suma de varios estilos sobre el Gótico primero, entre los que destaca el Barroco. Su fachada se remodeló en estilo Neo-gótico conservando las puertas procedentes del siglo XVI. En esta catedral se encuentra El baptisterio más antiguo de occidente.

Es memorable la capilla del tesoro de estilo barroco, que posee la estatua de plata del busto de san Gennaro y otras cincuenta y una estatuas de plata. Allí está también la reliquia napolitana más famosa, las cápsulas que contienen la sangre de San Gennaro, patrono de la ciudad, que se procesionan después del milagro que la licúa cada 19 de septiembre.

A sólo cinco minutos del Duomo, en la cercana Vía Vergini se encuentra El Palazzo dello Spagnolo. Una joya barroca del siglo XVIII concebida como un lugar de encuentro social. La imponente escalera principal de doble rampa que constituye la fachada interior del edificio, es un sello de la arquitectura barroca civil napolitana.

Qué ver en Nápoles en la Via Tribunali, una de las calles que cruzan la Vía Duomo

Desde la Via Duomo se llega a la Via Tribunali, que en sólo ochocientos metros tiene más de veinte iglesias. Joyas que tras fachadas deterioradas guardan auténticas bellezas. Imprescindible es:

La Capilla de San Severo. Un joyero de esculturas lleno de símbolos masónicos donde destaca una obra maestra: El Cristo Velado de Giuseppe Sanmartino.

En esta misma calle se puede acceder a la visita de Napoli Sotterranea, parada obligatoria en la que se viaja del Napoles romano, que utilizaba estos pasadizos para almacenar agua y alimentos, hasta el Nápoles de la II Guerra Mundial que utilizó de refugio antiaéreo las catacumbas que hay por todo el centro de la ciudad.

En esta calle está también la que puede que sea la mejor pizzería del mundo, Di Matteo, una trattoria con «sapori di Napoli» en la que disfrutó de sus pizzas un yanqui muy famoso: Bill Clinton.

Qué ver en la famosa Spaccanapoli.

Spaccanapoli, cuya traducción es «partenapoles», divide literalmente la ciudad vieja en dos. Desde Vía Tribunali se accede a Spaccanapoli por la Strata dil Pesebre. Calle donde se encuentran los famosos talleres de artesanos de belenes. Al final de la cual se llega a la Via San Biagio dei Librai, popularmente conocida como Spaccanapoli.

A lo largo de su trazado hay diecisiete Palacios y catorce Iglesias. Recorriendo la Spaccanapoli además de multitud de tiendas y puestos de lo más variado te encontrarás:

La iglesia del Gesù Nuovo. Una bellísima suma de Renacimiento y Barroco de la que llama la atención el almohadillado de su fachada del siglo XV.

El conjunto monástico de Santa Clara: Cuatro claustros monumentales, restos arqueológicos, un museo en el que entre otras muchas obras se pueden ver frescos de Giotto, y una basílica gótica construida en el siglo XIV sobre un complejo de baños romanos. Una joya imprescindible. En su iglesia se encuentran las tumbas de la dinastía Borbón.

La iglesia de Los Santos Filippo e Giacomo. En ella hay un más que interesante museo sobre la seda.

La basílica de Santo Domingo Mayor. Construida, inicialmente en estilo gótico, era la iglesia de la nobleza de la Corona de Aragón. En ella hay cuarenta y cinco sepulcros de la nobleza aragonesa. En la plaza que lleva su nombre encontrarás muchas cafeterías donde disfrutar del excelente café napolitano acompañado de un babà o una sfogliatela.

Via Toledo, la entrada al Quartieri Spagnoli

Desde la plaza de Gessú Nuovo por Via Maddaloni nos encontramos con Via Toledo. El eje comercial de la ciudad. Llena de tiendas antiguas que resisten el paso del tiempo. En uno de sus extremos se encuentra la bellísima Galería Umberto I. Y en el otro extremo se abre a la Piazza del Plebiscito, en cuyos márgenes se encuentran el Teatro de San Carlo. El teatro de ópera más importante de Nápoles y uno de los más famosos del planeta. Inaugurado en 1737 por iniciativa de Carlos III.

Por cierto el Quartieri Spagnoli, cuya fama de inseguro se la ha ganado a pulso, ha dado pasos suficientes para sacudirse esa mala fama y abrirse a la vista de los viajeros. En las horas centrales del día se puede transitar con tranquilidad. Hay demasiado Nápoles allí para perdérselo.

Piazza Bellini, un lugar napolitano moderno y alternativo

La Plaza de Dante, inicio de la Vía Toledo y una de las más importantes de Nápoles, lleva a la Vía Por´t Alba, plena de tiendas de libros y de instrumentos musicales. A través de esta vía se llega a la Piazza Bellini en cuyo centro se exhiben parte de las ruinas de los muros occidentales de la antigua ciudad griega de Nápoles.

Hoy se ha convertido, en uno de los puntos más modernos y alternativos de la ciudad. El Café Literario de la Piazza Bellini, es un buen lugar para disfrutar del ritual italiano del aperitivo. Es una plaza recoleta y especial donde se dan cita literatos y artistas.

Castillos de Nápoles

De sus castillos monumentales y llenos de historia recomendamos al menos estos tres:

El Castel dell’Ovo. Dice una leyenda que Virgilio, poeta romano, escondió un huevo en el interior del castillo que es el soporte de la edificación; si llega a romperse, ocasionaría grandes catástrofes. El famoso huevo debe estar a buen recaudo porque esta lujosa villa fortificada, que fue construida por los romanos y reconstruida por los normandos, ha sido residencia de los reyes de Nápoles, cárcel, y ha guardado el tesoro del reino y sigue en pie.

El Castel Nuovo. Construido por Carlos de Anjou, cuando ascendió al trono de los reinos de Nápoles y Sicilia en 1266. Le debe el imponente arco de triunfo de mármol de la entrada a la conmemoración de la entrada de Alfonso V de Aragón en Nápoles en 1443. Su salón central es la monumental Sala dei Baroni (Sala de los Barones), que hoy es sede las reuniones del Consejo Municipal y el Museo Cívico.

Castel Sant Elmo. Es una fortificación medieval situada en una colina, en la parte más alta de Nápoles, y es su castillo más grande. Desde él las vistas de la ciudad y la bahía napolitana so extraordinarias. Para llegar hasta Sant Elmo, puedes caminar desde el quartieri spagnolo o utilizar el funicular que sale de la Piazza de Montesanto.

Hay mucho, mucho más, Nápoles es infinita y como la ciudad eterna no se puede aprehender en un día.

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Frente al Golfo de Nápoles espera llena de historias y ecos ancestrales Capri, la isla en la que según Homero se esconden las sirenas. En Capri el emperador romano Augusto se construyó una villa de recreo en la que se refugiaba del bullicio de Roma. Su hijo y sucesor Tiberio trasladó la corte a la isla y se construyó otras diez villas a cual más lujosas. Después de ellos Capri fue víctima de piratas y luchas políticas, para volver a convertirse en objetivo de descanso a partir del siglo XIX, cuando se redescubrió su famosa Gruta Azul. A pesar de su reducido tamaño hay muchas cosas que ver en Capri, la isla de las sirenas.

Convertida en un reclamo turístico de altísimo nivel desde mediados el siglo XX, hoy está literalmente invadida por el turismo de masas. Desde la Costa Amalfitana o desde Nápoles los turistas la visitan unas horas y se marchan con el crepúsculo. Justo cuando aparecen los duendes y la luna “Sale de las Faraglioni y poco a poco se va transformando de amarillo en naranja pálido, hasta llegar a un blanco blanquísimo; hay que verlo para creerlo”.

Merece la pena dormir un par de noches en Capri, y así transitar sin prisas por lugares especiales, para que a la vuelta a casa tengamos en el rabillo del ojo de la memoria mucho más que fotos de paisajes, villas impresionantes, atardeceres imposibles y callejuelas verdaderamente únicas.

Las Villas más famosas que ver en Capri

Escondidas entre los acantilados y la vegetación, numerosas villas llevan mucho tiempo dando cobijo a políticos, artistas, personajes extravagantes, exiliados y millonarios.

En Capri han vivido Maximo Gorki, Lennin, Graham Green, Truman Capote, Gore Vidal, Tennessee Williams, Marguerite Yourcenar, Curzio Malaparte, Rainer María Rilke, Oscar Wilde, y muchos más, como Debussy, o Bizet que compuso en Villa Il Fortín las mejores arias de Carmen.

En la Casetta di Arturo pasó unos meses Pablo Neruda. Allí se casó, la luna ejerció de sacerdote y lo casó con Matilde Urrutia en una celebración solitaria, mística y romántica a más no poder. ¡Cosas de poetas!

Muchos famosos del cine y el espectáculo como Sofía Loren tienen villas fastuosas entre las rocas de Capri.

Nos acercamos hoy a algunas de las más famosas:

Villa San Michele

Me dicen y me sorprende, que hay gente que nunca ha visto un duende. No se puede menos que sentirlo por ellos. Estoy seguro de que deben tener algún defecto en la vista.

Axel Munthe La historia de San Michele.

El autor de esta mítica novela en la que narra la historia de la Villa de San Michele, era un médico sueco, defensor de los animales, lo que era en sus tiempos una excentricidad. Se exilió en Capri y se construyó una villa en las tierras donde tuvo una de sus famosas casas el emperador romano Tiberio.

Mi casa estará abierta al sol, al viento y a las voces del mar, como un templo griego, y luz, luz, luz por todas partes

Y aquel seductor fascinante dejó una espléndida villa con sabor a Antigüedad, llena de recuerdos de arte antiguo y de multitud de anécdotas vividas en ella por los más distintos e increíbles personajes.

Diseñada por él mismo, los espacios abiertos (loggias, pérgolas, y terrazas) son más importantes que las estancias cerradas, decía Munthe que «el alma necesita más espacio que el cuerpo».

Merece la pena recorrerla sin prisa en busca de algún duende de los que convivieron con Munthe. Artistas, escritores, aristócratas, miembros de la realeza y algunos aprovechados, fueron recibidos en San Michel.

Villa San Michele está nada más traspasar la Porta della Diferenza, el símbolo de la enemistad entre Capri y Anacapri (el otro municipio isleño) conectado ahora por una carretera, pero que hasta 1877 tenía como único acceso al puerto la llamada Escalera Fenicia, con nada más que 777 peldaños.

Villa Jovis

Para rememorar las fiestas de Tiberio hay que visitar la Villa Jovis, aunque sólo podamos ver sus dignísimas ruinas. Son más que suficientes para imaginar aquella extraordinaria construcción.

En esta histórica villa cuentan que Tiberio se entregaba con desenfreno a sus famosas orgías y depravadas fiestas.

Al final de la avenida que conduce a la villa se encuentra el famoso “Salto di Tiberio”, un precipicio situado a casi trescientos metros del mar. Desde aquí lanzaba el emperador a quienes él considerara merecedores de una muerte tan espectacular. Pero esto son chismes de Suetonio, o eso decía Munthe, admirador del viejo Tiberio.

Villa Lysis

Esta es otra villa rodeada desde su construcción por escabrosos escándalos. Situada en Via lo Capo fue construida por el poeta francés Jacques d’Adelswärd-Fersen en 1905. En ella se refugió al ser exiliado de Francia por escándalos sexuales con jovencitos escolares.

Su nombre hace referencia al diálogo socrático “Lisis” sobre la amistad y el amor homosexual. Roger Peyrefitte la describe, cuando en ella vivía Farsen, como el símbolo vivo de la Capri: subversiva, refinada, sutilmente negativa y pagana.

La villa, frecuentada por lo más granado de la intelectualidad del siglo XX, tenía mala fama entre los habitantes populares de la isla. Cuentan que en Villa Lysis hasta los criados servían borrachos.

Hoy después de muchos avatares y quedar casi en ruinas, es propiedad del gobierno italiano que tras una controvertida restauración la abrió a las visitas.

Villa Malaparte

La Casa Malaparte es una extraordinaria obra arquitectónica de 1937, cuyo diseño y construcción están relacionados con dos nombres, el del arquitecto racionalista italiano Adalberto Libera y el de su dueño, el escritor Curzio Malaparte que fue realmente quien la construyó por desavenencias con el arquitecto.

Situada en uno de los más bellos parajes del mundo, en un costado de un acantilado sobre el Mediterráneo, al este de Capri, ha sido escenario de cine y es ahora un lugar de estudio para los arquitectos y aficionados del mundo entero, gestionada por la Fundación Malaparte.

Hoteles en Capri

Capri tiene una merecida fama de ser muy cara, pero si la comparamos con la vecina Costa Amalfitana veremos que no es verdad. Hay hoteles muy asequibles que tienen precios similares a cualquier sitio de costa, y de verdad merece la pena pasar un par de días en esta isla espectacular.

El histórico Hotel Quisisana (Donde se sana), era el hotel de la aristocracia, de cuyo comedor fue expulsado Oscar Wilde por presiones de los burgueses clientes que no querían mezclarse con un homosexual. Sigue siendo hoy uno de los más lujosos hoteles de la isla en el que es difícil encontrar una habitación libre, aun con meses de antelación, pero si el precio no es problema este hotel es un clásico.

Un espectáculo de precio medio muy recomendable es el Agriturismo del Sole.

El B&B Villa Cristina es una excelente opción y a un precio magnífico.

Y en el puerto deportivo de Marina Grande un tres estrellas estupendo y asequible. El Hotel Palatium Mari.

Otros lugares imprescindibles que ver en Capri

La Piazzeta de Capri y su casco antiguo

Desde Marina Grande, el mayor puerto de la isla, se accede a la ciudad a través del funicular, autobuses, taxis, o caminando. Es un puerto bullicioso, lleno de cafeterías, tiendas de recuerdos y a última hora del día, de famosos. Desde allí todo se dirige a la Piazzeta.

Este es un lugar imprescindible e inevitable de ver en Capri. La Piazza Umberto I, conocida como Piazzetta, es una pequeña, encantadora y bulliciosa plaza en la que además de la blanca iglesia de San Stefano, se encuentran exclusivas cafeterías, restaurantes y tiendas de lujo como La Parisienne donde Jacky Kennedy Onassis compraba sus pantalones blancos que puso de moda entre la jet set.

El bullicio lo forman turistas con indumentaria variopinta, y los glamurosos residentes que calzan sandalias de pedrería y visten túnicas étnicas. Un capuchino o un Martini en cualquiera de sus cafés mientras se contempla el mosaico humano que desfila por su suelo de piedra volcánica, es un clásico en esta visita. Vienen y van paseando por un casco antiguo peatonal y encantador en el que se encuentran las tiendas más glamurosas y caras del panorama actual. Todas las marcas del lujo están en Capri.

Y las famosas «made in Capri» como Canfora, donde María Callas o Grace Kelly se hacían a medida las famosas sandalias «Capri» adornadas con piedras o corales.

O la Carthusia-Profumi di Capri donde se elaboran los perfumes más exclusivos del mundo, fabricados únicamente con aromas naturales de la isla, por lo que son inimitables.

Marina Piccola

Se encuentra a los pies del monte Solaro, donde están los Jardines de Augusto con unas vistas impresionantes, y se puede acceder a ella a través de la Vía Krupp, construida por Friedrich Alfred Krupp, un magnate del acero enamorado de Capri. La Via es un paseo peatonal en zigzag que une Marina Piccola con el interior. Una auténtica belleza.

Krupp también se encargó en Marina Piccola de una cueva para celebrar reuniones sociales que se convertían en festivas orgías. Pero mucho antes que él ya la «disfrutaban» los romanos. Y justo aquí hay quien localiza el llamado «Escollo de las Sirenas» el lugar donde se ocultaban las sirenas que intentaron seducir a Ulises cuando pasó por estas costas en su viaje a Ítaca.

Para los amantes de los libros en Vía Le Botteghe 12, de Marina Piccola está La Conchinglia, es una librería llena de tesoros. Está repleta de joyas. Hay aquí centenares de libros sobre la isla, desde Homero hasta Marguerite Yourcenar. Tiene también una interesante colección de pintura de postales antiguas de la isla y de pinturas del siglo XIX y XX, todas sobre Capri.

Las Faraglioni, los colosos del mar

Al mirar el horizonte desde muchos puntos de la isla nos encontramos con la presencia de tres colosos de piedra que emergen de las profundidades. Son tres picos rocosos de más de cien metros de altura que le deben sus formas a la erosión del viento y el mar. Son las Faraglioni y no hay una visita a Capri que se precie sin un paseo en barca entre ellas y alrededor de la isla.

Y para disfrutar de unas vistas excelentes de estas esculturas del viento, nada como comprobar el eslogan de La Fontelina, el restaurante de la gente guapa: “Desde 1949 pan, mar y amor enfrente de las Faraglioni”. No sólo las vistas, la cocina es también un espectáculo.

La Gruta Azul

Irse de Capri sin conocer la famosa Gruta Azul es como irse de Egipto sin visitar las Pirámides. ¿Es otro escondite de las sirenas?

Dentro de la cueva hay una plataforma natural, con una escala de atraque que ya acondicionaron los romanos y que sirve para poder desembarcar y contemplar el azul intenso de las aguas de la gruta desde tierra firme. En el exterior, justo sobre la Gruta sobreviven los restos de la Villetta de Gradola o Gradelle, una pequeña villa de época romana.

Rincones de Anacapri

Capri es una isla para pasearla, para perderse por las calles más famosas y también en sus barrios más sencillos de Anacapri, donde el glamour deja paso a belleza de la sencillez: Le Boffe, La Porta, Le Stalle y La Pietra. Encontrarse sin pretenderlo con el Faro de Punta Carena, o con el Arco Natural, y dejarse enamorar por los senderos de los Fortines y del Passetiello, o ver las mejores postales desde el Belvedere Cannone, a un paseo de la Piazzeta. Conocido también como la Plazoleta de los pintores, lo que da una idea de la belleza de sus vistas.

En Anacapri hay dos iglesias, la de San Michel, un monumental templo de cruz griega de lenguaje barroco final, que es un muestrario feliz de la técnica de la mayólica, y la de Santa Sofía que arranca la historia de su construcción en 1590 y es sede del patrono de Anacapri, San Antonio.

Hay otra visita más que interesante es la Cartuja de San Giacomo (Certosa en italiano), edificada en el siglo XIV, que conserva aún el claustro aunque fue restaurada en el siglo XVI después de un incendio. Su situación en un promontorio y al borde del mar es de una belleza sobrecogedora. En su refectorio hay un pequeño e interesante museo dedicado a Karl Wilhelm Diefenbach, pintor y reformista social considerado el pionero del nudismo.

Además están la Casa Rossa, hoy un centro cultural utilizada antaño, según cuentan, como una especie de «convento-prisión» para casadas cuando los maridos se marchaban a trabajar al Arsenal de Nápoles. Y el Castello Barbarroja, del siglo XVI, un testimonio de las «visitas» del famoso pirata, o el Palazzo Cerio, con una interesante exposición de restos paleontológicos y arqueológicos.

Algunas recomendaciones gastronómicas

Si los limones de Capri están presentes en la gastronomía de la isla, como lo están en toda la Costa Amalfitana, sus tomates cambiarán la idea del sabor que conoces. Además de la famosa ensalada caprese hay que probarlos en todas sus formas. Las salsas de tomate ya nunca te sabrán igual.

Y otra de las especialidades de la isla son sus quesos. Se producen aquí excelentes Mozzarellas y Caciocavallo Silano, presentes en muchas recetas locales. Y al igual que las botellas de limoncello, estas especialidades de queso acaban saliendo de la isla en las maletas de muchos viajeros.

Los frutos del mar y la huerta, lo mejor de la gastronomía de Capri.

• En E’Divino además de una cocina excelente, soprende que el comedor puede estar en la cocina, en el dormitorio, en el jardín…a elegir. Está en el centro en Via Sella Orta, 10.
• En Al Grottino sirven comida casera de verdad, todos los productos son de la isla. El pescado allí es un espectáculo. Tiene una merecida fama de ser el mejor restaurante de Capri. Está en Via Longano, 27.
• La Pizzeria Aumm Aumm en Anacapri en la Via Rio Caprile, no es una trattoria pensada para el turismo. Frecuentada por los locales, ofrece una pizza espectacular, buena cocina y precios estupendos.
• Restaurante Da Gemma en la Via Cristoforo Colombo 7, aquí sirven los más famosos espaguetis de la isla. Es un consejo de amigos, no se te la pierdas.
• En el Viale Giacomo Matteotti, la estrecha calle que conduce a los Jardines de Augusto está el Ristorante Il Geranio, gastronomía italiana del Mediterráneo, amabilidad en el servicio, buenos precios y unas vistas impagables hacia el Tirreno con las famosas Faragloni emergiendo del agua.

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Entre Salerno y Sorrento, al sur de la bellísima Nápoles aparece una franja de tierra que invade el mar Tirreno. Entre verdes limoneros, naranjos y buganvillas de intensos colores se esparcen un ramillete de pueblos, balcones suspendidos hacia el mar, que dan vida al pedacito de costa más bonita del Mediterráneo. Es la famosa Costa Amalfitana.

Acantilados de vértigo que miran hacia un mar azul intenso, bahías y cuevas que dejan sin aliento, aromas de cítricos en el aire y la caricia del salitre en la piel forman parte de un espectáculo que ya saboreaban Augusto y Tiberio mientras escuchaban atónitos el canto de las mitológicas sirenas, habitantes milenarias de esta bellísima costa.

Sobre ella escribió el poeta italiano Renato Fucini:

«El día del Juicio Universal, para los amalfitanos que suban al Paraíso será un día como todos los otros».

No es para menos, reconocida como Patrimonio de la Humanidad por la Unesco, se queda prendida en todo aquel la visita.

Este paraíso sureño de Italia ha sido un lugar de «escape» desde la época del Imperio Romano. Desde entonces emperadores, reyes, políticos, artistas, bohemios, escritores, y gentes de todo el mundo han recorrido estos caminos para quedarse prendados y llevarse prendida la espectacular Costa Amalfitana.

Seguramente Sthendal hubiera empeorado de su propia enfermedad al ver desde cualquier acantilado de la Costa Amalfitana cómo el sol se estrella en el mar, se deshace y se entrega a Capri, la isla donde Augusto se construyó su refugio.

Giovanni Boccaccio la llevó al Decamerón. Richard Wagner se inspiró en el espectáculo de la Villa Rufolo de Ravello para crear la escenografía de Parsifal. John Steinbeck escribió allí Positano, una novela en la que describe esta perla amalfitana. En Amalfi escribió Henrik Johan Ibsen Casa de muñecas su obra más importante. Y el cine ha fijado en la retina del mundo en numerosas ocasiones las inolvidables imágenes de este paraíso de Italia.

Algunos imprescindibles de la Costa Amalfitana

Para comenzar una ruta por esta maravilla lo más fácil es salir de Nápoles. Esta ciudad es un espectáculo lleno de ecos españoles, de monumentos, palacios, arte, acordeones que se mecen en la nostalgia sorrentina, iglesias llenas de santos y vírgenes, y unos habitantes que reparten su estatus entre príncipes y pícaros, mientras indiferente, los mira el Vesubio.

Nápoles es una ciudad para perderse en todos los sentidos. Pero la idea es dirigir los pasos hacia este paraíso italiano que espera en la Costa Amalfitana unido por una carretera que parece una locura de tráfico imposible.

Dejando atrás la preciosa Sorrento, cuando se llega a Positano se descubre simplemente una delicia. Elegante, guapa, hospitalaria y sencilla, se derrama por la ladera de una montaña hasta abrir sus callejuelas a un mar azul intenso.

Es una parada obligatoria de los visitantes de esta costa. Entre las casas de colores que forman sus empinadas calles se encuentran tiendas, restaurantes y hoteles llenos del glamour de la auténtica belleza: anticuarios, galerías de arte, tiendas de ropa diseñada en Positano. No es que el resto de la costa amalfitana sea barata, pero esta preciosidad de lugar puede dejar la tarjeta en mínimos.

A menos de diez kilómetros está Praiano. Un pequeño pueblo que vivía de la pesca, y que conserva la plácida calma del Mediterráneo. Sus casas blancas de pescadores se han convertido en bares y restaurantes que ofrecen deliciosas recetas elaboradas con «il frutti di mare». A los pies de este tranquilo rincón amalfitano se extiende Marina di Praia, una pequeña y encantadora playa.

Amalfi y el amarillo del limoncello

Amalfi se asoma hacia un mar por el que llegaron griegos, romanos, cruzados y piratas. Aunque la leyenda dice que la fundó Hércules para regalársela a una bellísima amante de ojos azules como el mar, parece ser que la fundaron los romanos allá por el año 339. Perfumada por los campos de limones que crecen en terrazas enredados entre sí como si fueran viñedos.

Es la cuna del limoncello, delicioso licor omnipresente en estas tierras. Pero el limón es aquí mucho más que limoncello ya que forma parte de la gastronomía de toda la zona, y además se encuentra convertido en jabones y perfumadores que llevan envuelto todo el sol de la costa.

No andan desencaminados los que dicen que gracias a sus exquisitos limones y a los mil y un escalones que hay que subir y bajar, la salud de sus gentes se mantiene hasta edades muy avanzadas.

Amalfi conserva los ecos de su pujanza en la Edad Media, visibles en la espléndida catedral del siglo X, en cuya cripta descansan las reliquias del apóstol San Andrés.

Fue en los siglos X y XI una de las cuatro Repúblicas marítimas que dominaron el comercio en el Mediterráneo. Sicilia y Pisa acabaron con su hegemonía en el siglo XII. Un maremoto en el siglo XIV arrasó su entonces espléndido puerto. A partir del siglo XIX con la unificación de Italia, Amalfi comenzó a destacar como un centro turístico internacional.

Por su posición en el centro de la costa amalfitana es un buen lugar para conocerla pues el servicio de ferries hacia los demás pueblos y a Capri es excelente.

Una visita a la Gruta dello Smeraldo es una experiencia sorprendente. Sus aguas transparentes, las formaciones geológicas y el desafío de la luz que se interna en el silencio de la gruta merecen el plácido paseo en barca desde Amalfi.

Desde Amalfi es «obligatorio» acercarse a la vecina Ravello. No es imaginable un enclave más bello que el de Ravello. Situada en la cima de los acantilados y con la mirada puesta en el mar y en la cercana Amalfi, sus villas suntuosas y sus magníficos jardines confirman la sospecha de que la realidad supera la imaginación.

Los mundialmente famosos conciertos que se celebran en Villa Rufolo, son una experiencia imprescindible. Navegar bajo las estrellas mecidos por los mejores sonidos imaginables en este espléndido jardín suspendido sobre el mar, es algo que se lleva para siempre en el recuerdo.

Sólo un kilómetro separa Ravello de Minori, y con sólo otro kilómetro se llega a Maiori. Dos bellos rincones donde además de vestigios romanos, rutas de senderismo con vistas de infarto y playas tranquilas, se encuentran alojamientos asequibles, y románticos rincones buscados por las parejas de recién casados.

La histórica Salerno, al sur de la Costa Amalfitana

En la zona más al sur de la Costa Amalfitana, a unos sesenta kilómetros de Nápoles se encuentra Salerno, la población más grande de la zona. Su convulsa y fascinante historia hunde sus raíces en las del pueblo etrusco.

Deambular por el centro histórico de Salerno y por su paseo marítimo, visitar su catedral en cuya cripta descansan las reliquias de San Mateo Evangelista, y acercarse al castillo medieval de Arechi desde donde se contemplan las vistas del golfo de Salerno, es lo mínimo que hay que ver en la ciudad. Además de divertirse en su alegre ambiente donde a cada paso se encuentran trattorías, y cafés con el marchamo de la auténtica gastronomía de Italia.

Una visita recomendable a los amantes de la botánica y la medicina es el Jardín de Minerva, germen de los jardines botánicos. Creado por la histórica La Escuela Médica Salernitana. Primera escuela médica medieval que fue la mayor fuente de conocimiento médico de Europa en su tiempo. Algunos autores la consideran la primera universidad europea. En ella estudiaban e impartían conocimiento las primeras mujeres universitarias. Llamativo e importante dato si tenemos en cuenta que en las posteriores universidades la presencia femenina estuvo prohibida hasta finales del siglo XIX.

Prácticamente convertida en un barrio de Salerno, Vietri Sul Mare es una visita interesante para los amantes de la cerámica. Su fabricación está presente en este pequeño e histórico pueblo desde el siglo XV. Muchas de las cúpulas que se levantan entre las calles de esta costa están cubiertas por azulejos fabricados en Vietri Sul Mare, y la cerámica que se vende en los pueblos de la Costa Amalfitana nace en este precioso rincón. Una visita a la fábrica Solimene es una de las citas inexcusables.

Y a escasos kilómetros está Cetara. Como Vietri Sul Mare, Cetara no depende exclusivamente del turismo y eso ha jugado un importante papel en la conservación de su autenticidad. Para comer pescado, este es el sitio. Considerado como el mejor pescado en la Costa Amalfitana. El atún de Cetara es famoso en todo el mundo y se exporta en grandes cantidades a Japón, donde se utiliza en platos de sushi.

Otra seña de identidad de Cetara es la legendaria Colatura di Alici, una salsa de anchoa similar al antiguo romano «Garum». De hecho es una receta romana utilizada en múltiples platos de la zona. Este es un «recuerdo» que alegrará la cocina de vuelta a casa.

Hay mucho más: el Camino de los Dioses entre Positano y Praiano, Atrani con su forma de teatro mirando al mar; Furore situado en un monte y abierto al mar a través de un fiordo. Paraísos para disfrutar de la naturaleza, y mucho, mucho más. Y por si todo esto fuera poco, desde el azul intenso nos espera Capri, la isla de las sirenas. Tendremos que hacer un sacrificio y volver.

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La Villa Adriana de Tívoli

Adriano fue el primer emperador en erigir su residencia fuera de la ciudad de Roma, en cuyo centro no cabía un edificio más tras las monumentales construcciones de su predecesor, Trajano.

La Villa de Adriano está en un lugar idílico, bien surtido y comunicado, y contiene un conjunto de maravillas arquitectónicas inspiradas en los viajes del emperador, en su afición por la arquitectura y en su visión plural de las muchas culturas que conformaban el gigantesco imperio que le tocó comandar.

En la cercana ciudad de Tívoli puede visitarse también un precioso templo circular dedicado a Vesta, así como los fantásticos jardines manieristas del cardenal d’Este.

Las Termas de Bath

Aunque fueran mucho menos grandiosas que las de Diocleciano o Caracalla en Roma, las termas de Bath, que fue creada como un complejo termal, se siguieron utilizando durante mucho más tiempo -por estar justo sobre un manantial natural- y fueron luego reutilizadas y reconstruidas.

En la actualidad son uno de los monumentos más visitados de Inglaterra y, gracias a la presencia del agua y a su moderna reconstrucción, un verdadero espectáculo incomparable.

Bath es una ciudad Patrimonio de la Humanidad y su visita merece mucho la pena no sólo por sus ruinas romanas. La ciudad rezuma cultura y rebosa teatros y museos. Disfruta además de la belleza paisajística del Somerset, y del cercano Valle de Dedham, conocido como el país de Constable, y de la cercanía de Bristol (una de nuestras diez escapadas por Europa favoritas para el verano) o Glastonbury.

La ciudad de Pompeya

Sepultada por el Vesubio en el año 79 a.C., Pompeya se ha conservado como un paraíso arqueológico, a pesar de los muchos expolios de los que fue víctima tras su descubrimiento y del poco cuidado con que las autoridades se han tomado su conservación.

Se conservan allí calles enteras con pavimentos intactos, casas con sus habitaciones que no han cambiado desde que fueron utilizadas por sus primeros ocupantes, tabernas, prostíbulos, edificios públicos, todo ello en un estado de conservación incomparable y verdaderamente sorprendente.

En sus cercanías está la también sepultada Herculano y la caótica y bellísima Nápoles, cuyo Museo Arqueológico es uno de los más granados de Europa.

El Teatro de Orange

"La muralla más bella de mi reino", dijo Luis XIV del muro que cerraba la escena del Teatro Romano de Orange, y que ya por entonces contaba 1600 años de antigüedad. Cuatro siglos después sigue en perfecto estado de conservación.

El de Orange -ciudad que conserva espectaculares ruinas, como el Arco de Triunfo de Augusto– es un teatro sobrecogedor, que transmite como pocos -quizá sólo el de Bosra le puedan hacer sombra- la sensación de estar en un teatro romano.

Y el aficionado a la arqueología encontrará por toda la Provenza maravillas abundante, como el Anfiteatro de Nimes o el Pont du Gard, amén de otras muchas maravillas posteriores.

El Palacio de Diocleciano de Split

Diocleciano abdicó en el año 305 de nuestra era, después de haber puesto patas arriba un imperio ingobernable y de haber sancionado una división que ya llevaba tiempo siendo una realidad: la de Oriente y Occidente. Doce años antes, había ordenado la construcción de un enorme palacio-fortaleza en Spalatum (la actual Split), en la misma costa dálmata que lo vio nacer.

Que los emperadores romanos dedicaran grandes sumas a construirse residencias suntuosas no era nuevo: ahí está la mencionada Villa Adriana, o las impresionantes mansiones que ocupaban en Roma la colina palatina y parte de las circundantes, como la enorme Domus Aurea de Nerón. Diocleciano hizo todo lo posible por estar a la altura.

El palacio estaba íntegramente rodeado de una muralla que alcanzaba los veinte metros de altura, y llegó a albergar a más de 9.000 personas. Era una verdadera ciudad y, de hecho, hoy en día buena parte del centro histórico de Split está construido dentro de sus muros. La amalgama de edificios históricos que se mezclan con estas impresionantes ruinas romanas crean algunos de los espacios más hermosos de Europa.

El Acueducto de Segovia

No hay manera de no admirar impresionado los enormes sillares de piedra que, desde hace casi dos mil años, se sujetan unos a otros, sin el pegamento de argamasa alguna, en la plaza del Azoguejo de Segovia. Se han convertido en el símbolo de la ciudad y en una de los obras romanas más admiradas del mundo.

Son dos filas de arquerías que hace poco se han datado en el año 112 dC, y que traían a Segovia agua proveniente de la sierra, a 87 kilómetros de distancia. Corresponde por tanto a los inicios del reinado de Adriano, época de abundantes construcciones y crecimiento interior, después de que Trajano llevara el Imperio a su mayor extensión territorial. Época también de profunda, definitiva y verdadera romanización de las provincias.

Como ha dicho Carlos Fernández Casado, "tenía que impresionar profundamente este imponente despliegue de arcos y pilares que traen a la ciudad el mensaje de la naturaleza". Se les podría suponer casi un poder mágico, y fueron sin duda un poderoso elemento de romanización y legitimación del poder. ¿Qué han hecho los romanos por nosotros? Traer el agua.

El Foro Romano, los Foros Imperiales y los Mercados de Trajano

El centro neurálgico de la capital estaba ocupado por una serie de Foros que se fueron superponiendo unos a otros durante siglos. El Foro Romano corresponde a la época republicana, aunque sus edificios más monumentales fueron construcciones o reparaciones hechas ya por emperadores, siempre en busca de prestigio y aplauso.

Luego vinieron los Foros Imperiales, que fueron ampliaciones monumentales financiadas por diversos emperadores, y finalmente llegó el Foro de Trajano, que incluía un asombroso edificio semicircular, el de los Mercados, que actuaba como un gigantesco centro comercial (los de hoy en día son más feos y estridentes, pero siguen exactamente la misma disposición).

Ocho siglos de historia supuerpuestos en unos pocos cientos de metros. Es una visita obligada para cualquier interesado en la historia y la arqueología, que debe ir acompañada de una buena guía para interpretar los espacios y no perder ningún detalle.

El Templo de la Fortuna Primigenia de Palestrina

En la ciudad Praenestre, al sur de Roma, se construyó uno de los edificios más espectaculares del mundo antiguo. Un santuario a la diosa Fortuna levantado en pendiente, cuyo recorrido incluía un juego teatral de pasillos y aberturas, escaleras y plazas, espacios cerrados y abiertos que exploraron todas las posibilidades del hormigón.

En la actualidad, la ya de por sí impresionante ruina se conserva bien, aunque desprovista de sus materiales más finos, y en su cima está aderezada por el palacio que en el Renacimiento construyeron los Farnesio.

El Coliseo

Es el más conocido icono de la ciudad de Roma y del Imperio que lo construyó. Su altura portentosa y la clásica elegancia de su fachada casi hacen olvidar los sangrientos espectáculos que albergaba en su interior. Fue de una de los obras de arquitectura más impresionantes de todas las construidas por los romanos.

Sorprende pensar que hasta fecha tan tardía, pues el Coliseo se construyó durante el reinado de Vespasiano, en el 72 d.C., no tuviera Roma un anfiteatro permanente. Antes, los espectáculos de gladiadores se celebraban en infraestructuras temporales, hechas de madera, que se desmontaban al fin de los espejos.

Con el tiempo, cuando los juegos de gladiadores se fueron abandonando y la ciudad de Roma se fue despoblando, el Coliseo quedó abandonado y fue durante siglos víctima de expolio. A la vista de lo cual, se conserva realmente bien.

El Panteón

Ha sido ensalzado con frecuencia, y en épocas muy distintas, como el edificio mejor construido de la antigua Roma. Y como uno de los mejores ejemplos de la historia de la arquitectura. El Panteón fue originalmente dedicado a todos los dioses y construido por Marco Cornelio Agripa, el arquitecto de Adriano, y ha sido admirado por todos los grandes arquitectos del mundo.

Es un edificio inesperado y hasta cierto punto inexplicable, que sorprende a todo el que se acerca a la romana piazza della Rotonda, muy cerca de la Piazza Navona y de San Luis de los Franceses. Pero el elegante clasicismo de su fachada es sólo un preámbulo para el verdadero asombro, que ocurre en el interior. Allí, el visitante encuentro un espacio circular que parece hecho de luz, una cúpula cuyo tamaño sólo fue superado en la época contemporánea, y un espacio que, amén de su nueva decoración, no ha sido restaurado ni retocado desde la época de su construcción, en el siglo II dC.

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La Basílica de San Lorenzo, en Florencia

La Basílica de San Lorenzo es poco llamativa desde el exterior, porque su fachada, que iba a diseñar Miguel Ángel, quedó sin terminar. Sin embargo, su interior es impresionante y revolucionario.

La financió la que ya, a mediados del siglo XV, era la familia más rica y poderosa de Florencia, los Médici, y la diseño el arquitecto más innovador de su tiempo, Filippo Brunelleschi. Aunque San Lorenzo se terminó tras su muerte y en algunos detalles (sobre todo en las capillas laterales) sus planes iniciales quedaron alterados, contemplar la inmensa basílica sigue siendo una experiencia sobrecogedora. No a la manera sentimental, espiritual y apabullante de las catedrales góticas, sino de una manera nueva, racional y armónica, hecha por y para el hombre.

El Templo Malatestiano, en Rímini

Fue el pistoletazo de salida de la arquitectura renacentista fuera de Florencia y el primer templo religioso que estructuró su fachada principal en torno a un elemento eminentemente pagano: el arco de triunfo romano.

Obra de Leon Battista Alberti, la Iglesia de San Francisco (ese es su verdadero nombre) quedó sin terminar por la súbita caída en desgracia de su mecenas, Segismundo Pandolfo Malatesta, condottiero, personaje de nombre y vida novelesca, hombre de armas y de letras y epítome perfecta de su tiempo, a quien el Papa Pío II llegó a nombrar "Príncipe del Infierno"

Dentro pueden visitarse las tumbas del propio Malatesta, su última mujer, Isotta degli Atti, y la del filósofo bizantino Jorge Gemistos Pletón, maestro de Ficino, cuyos restos fueron rescatados por Segismundo desde la ciudad griega de Mistra.

Toda esta historia, por cierto, fue muy bien narrada por Alberto Cousté en El príncipe desvelado, una preciosa novela histórica que muestra las luces y las sombras de este tan particular personaje.

El Palacio Piccolonimi, en Pienza

Lo que no era más que un pequeño burgo medieval, situado en el bellísimo Val d’Orcia, se convirtió en una ciudad monumental por obra de Enneas Silvio Piccolomini, el Papa Pío II, que, ungido como pontífice, proyectó la conversión de su pequeña ciudad natal en una città ideale que siguiera los cánones del nuevo y pujante Renacimiento italiano.

En torno a la piazza Pio II, desde entonces centro neurálgico de la ciudad, se alza el Duomo y varios palacios, y entre ellos destaca este palacio pontificio que había de servir como residencia para las visitas papales a la ciudad (huelga decir que fueran pocas durante el breve lustro que duró el pontificado de Pio II, e inexistentes después). Lo diseñó Bernardo Rosselino, alumno aventajado de Leon Battista Alberti, y en su fachada exterior puede verse sin dificultad la influencia directa del florentino Palazzo Rucellai.

Con sus tres pisos, sus elegantes ventanales, su almohadillado y su bellísimo patio interior, conforma un cuidado y elegante contexto urbano con sus edificios vecinos, en uno de los espacios más coherentes y unificados del Renacimiento italiano. No por nada fue declarado Patrimonio de la Humanidad.

El Castello Sforza, en Milán

La pujante Milán es hoy la menos aclamada de las grandes ciudades del Renacimiento italiano, lo que sin duda tiene más que ver con la presencia hispano-francesa posterior, y con su continuada pujanza hasta la actualidad, que con sus carencias monumentales. En la época de los Visconti y de los Sforza, Milán fue, de hecho, el Estado que más cerca estuvo de dominar a sus vecinos, el más fuerte y ambicioso. El formidable Castello Sforzesco es buena prueba de ello.

Encargo de Francesco Sforza, se levantó sobre las ruinas de la residencia tradicional de los Visconti, fue diseñado por el polifacético Filarete y apuntalado por artistas de la talla de Leonardo Da Vinci, Bernardino Zenale, Bernardino Butinone y Donato Bramante, que convirtieron el castillo en una de las cortes más lujosas de su tiempo.

Hoy es la sede de varios museos y colecciones de arte: el Museo Arqueológico de Milán, el Museo de Arte Antiguo, y de una pinacoteca que contiene obras de Canaletto, Giovanni Battista Tiepolo, Vincenzo Foppa, Tiziano y Tintoretto. Alberga también la excelente Piedad Rondanini de Miguel Ángel.

La Basílica de San Andrés, en Mantua

En el siglo XV, muchos de los miles de peregrinos que se dirigían a Roma desde Austria, Alemania y Europa Central, se detenían en Mantua para venerar unas gotas de la sangre de Cristo que presuntamente se conservaban en la Basílica de San Andrés. Era la época de las bulas papales y los peregrinos llegaron a ser tantos que el templo se quedó pequeño.

Leon Battista Alberti, en uno de sus últimos proyectos, diseñó un enorme pero armónico templo de una sola nave, con un interior amplio y diáfano, construido en base al ritmo de los grandes arcos triunfales ya en Rímini había tomado como modelo. El arco central gana aquí aún más importancia y actúa como pórtico o nártex. Con intradós casetonado y flanqueado por monumentales columnas corintias, las ventanas laterales dotan a la fachada de una aspecto armónico y estructurado. "La belleza”, esta era la máxima albertiana, “radica en la armonía de todas las cosas”.

Otro grande del Renacimiento italiano, el pintor Andrea Mantegna, se encuentra enterrado en el interior de la Basílica. Y la hermosa y serena Mantua, ciudad elegante y shakesperiana, será un disfrute para quien guste del arte y la arquitectura.

San Pietro in Montorio, en Roma

Construido en honor del príncipe Juan, único hijo varón de los Reyes Católicos, el tempietto de San Pedro in Montorio es la obra maestra de Donato Bromante y uno de los edificios más representativos del Renacimiento italiano.

Su forma circular remite a los antiguos templos circulares o tholos, que en la propia Roma tienen el notable ejemplo del templo de Hércules Victor. Pero lo que hace aquí Bramante no es, ni mucho menos, una mera copia de aquellos. Como el gran e innovador arquitecto que era, da nuevos vuelos al viejo modelo y lo convierte en algo nuevo: la cella o sala principal del templo ya no se detiene a la altura de la columna exterior, sino que sigue subiendo, crea un segundo piso cuya balaustrada parece extender hacia arriba las columnas que la sostienen y queda coronada finalmente por una cúpula semiesférica.

El tempietto fue un éxito radical, ha sido copiado hasta la saciedad y no podemos dejar de recomendar su visita, en la subida al Gianicolo desde el Trastévere, a todo aquel que visite Roma.

La Iglesia de la Consolación, en Todi

La preciosa Iglesia de la Consolación en Todi, pequeña localidad cercana a Perugia, puede ser el mejor ejemplo de lo que pudo haber sido San Pedro del Vaticano si se hubieran cumplido los deseos de Donato Bramante.

Aquí, el arquitecto de Urbino proyectó una iglesia de planta central osada por su llamativa verticalidad. Un elevado cubo central, embellecido y protegido por cuatro ábsides semicirculares, sirve de base a una gigantesca cúpula central sobre un alto tambor cilíndrico. La iglesia de San Biagio, en Montepulciano (que no ha entrado en la lista, pero de la que hablamos en nuestra lista de pueblos de la Toscana), sin duda tuvo su modelo.

La Villa Rotonda, en Vicenza

Se cita a menudo una frase que Goethe escribió en sus diarios de viajes por Italia, sobre la Villa Rotonda de Palladio. Dijo el poeta que “quizá la arquitectura nunca haya alcanzado mayor altura” desde entonces, y dijo también que Palladio había levantado algo muy parecido a un templo clásico.

La Villa Rotonda está compuesta de cuadro fachadas iguales, cada una de las cuales sigue el modelo clásico del templo romano. En su interior hace un uso magistral de luz, que ilumina los espacios y los esquemas constructivos siguiendo el plan ya establecido por Brunelleschi. Su centro lo corona una cúpula que recuerda en cierto modo al Panteón de Roma. Es, como los mejores ejemplos del Renacimiento italiano, un sentido homenaje al clasicismo pero a la vez un edificio tremendamente innovador.

Goethe tuvo la suerte de visitar también su interior, un privilegio que, hasta hace un par de años, sólo tenían algunos. Ahora la Villa Rotonda puede visitarse por fuera todos los días y por dentro los miércoles y los sábados. Merece la pena cuadrar en esos días la visita a Vicenza y consultar la web oficial de la Villa para estar al tanto de cualquier cambio.

El Arco de Alfonso V en el Castel Nuovo de Nápoles

"Los libros son, entre mis consejeros, los que más me agradan, porque ni el temor ni la esperanza les impiden decirme lo que debo hacer". Alfonso V de Aragón, El Magnánimo, hizo del Castel Nuovo de Nápoles su corte desde 1443, y a pesar de ser Rey de Aragón ya no volvió a pisar tierras ibéricas.

En la poderosa fortaleza que había pertenecido a los Anjou, desde la cual se tenía incluso acceso al mar, Alfonso mandó construir un formidable arco de triunfo integrado entre dos bastos torreones. Hoy es uno de los grandes atractivos de una ciudad infinita y maravillosa.

Allí puede encontrarse un programa de evidente ensalzamiento de la nueva dinastía, pero también un ambicioso programa humanista de recuperación de los valores clásicos. Alfonso, que siempre anheló convertirse en rey de Italia -y acabó odiando a Segismundo Malatesta por impedírselo en Piombino- hace que la piedra cante sus gestas como lo habría hecho un César o un Augusto, sus modelos, sin duda, mucho más que sus más cercanos y prosaicos parientes medievales.

La Iglesia del Redentore, en Venecia

Una de las obras maestras de Palladio (¿alguna no lo fue?), la fachada de* Il Redentore* presenta un creativo juego de superposiciones y cruces.

Palladio construye dos fachadas en una; una de ellas dibuja el ancho del edificio; la otra, el alto. Ambas tienen sus columnas, su frontón, su tímpano, y quedan enmarcadas por un muro de fondo que en la parte superior dibuja también su propio tímpano. Al fondo, la gran cúpula y los campanarios cilíndricos, que semejan alminares, potencian el efecto fantástico y algo ecléctico de la obra, que anticiparía los juegos intelectuales del manierismo si no fuero por su apego radical a los esquemas clásicos.

Es recomendable compararla con la fachada de San Giorgio Maggiore, también de Palladio y también en Venecia, que juega con los mismos esquemas pero de forma distinta, para comprobar la infinidad de recursos del arquitecto vicentino.

Il Redentore se construyó en 1576 para celebrar el final de una epidemia de peste que hacía azotado a los venecianos. Está en la isla de Giudecca, y cada año, a finales de julio, se celebra una fiesta que conmemora aquel mismo acontecimiento feliz. Durante la Festa del Redentore los venecianos acuden en sus góndolas a festejar, y la isla se llena de luces y música y fuegos artificiales.

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Los templos griegos son uno de los atractivos turísticos más visitados en muchas ciudades cuya historia se remonta a los tiempos de Solón, Pericles o Alejandro, y que han tenido la suerte de conservarlos, aunque sea en ruinas.

Antiguamente fueron el alma de esas ciudades y su lugar más sagrado. No al modo de nuestras modernas catedrales, pues los templos de los griegos eran lugares cerrados. Eran la casa de un dios, o más bien la casa de la estatua de un dios, que quedaba custodiada en el interior. Todos los rituales y ceremoniales religiosos se celebraban fuera del tempo, y allí mismo la ciudad dedicaba estatuas a sus héroes militares y deportivos, y celebraba fiestas que impulsaron el desarrollo de la lírica, la música o teatro.

El templo griego siempre se caracterizó por la extrema rigidez de sus proporciones, tan estudiadas que cualquier pequeña reducción o ensanche habría alterado su belleza. Los más primitivos fueron de adobe o madera, tan modestos y pequeños como habitaciones, pero poco a poco, en una progresión lenta y constante, se fueron haciendo de piedra y mármol y se embellecieron con pórticos de columnas y con pinturas. Pero desde sus más modestos inicios aparece ya el gusto griego por la medida y la proporción, y con él desarrollaron esos conjuntos inmortales que conocemos como órdenes.

En la siguiente lista mezclamos templos en estado ruinoso, pero de importancia capital en la evolución de la arquitectura o en lo simbólico, y otros que en su tiempo quizá fueron menos relevantes, pero que han sorteado a los avatares del tiempo permaneciendo –casi– intactos. Algunos se han conservado muy bien por haber permanecido en uso, en forma de iglesias cristianas o cumpliendo otras funciones. Es una lista, nos parece, de hermosos lugares que conocer, rincones llenos de historia, portadores de una belleza nunca perdida.

Sin más, te dejamos con la lista. Los que siguen son diez templos griegos que merece especialmente la pena conocer, y que te transportarán de inmediato al mundo antiguo.

El templo de Hera en Olimpia

De forma perfecta, si bien exageradamente alargado, este Heraion es uno de los templos más antiguos que en Grecia se pueden visitar. Data del siglo VII a.C. y debió sufrir varios derrumbes y reconstrucciones, pues aún en el siglo II d.C., cuando lo visitó Pausanias (el gran viajero de la Antigüedad), quedan algunas columnas hechas no de piedra sino de troncos de árbol.

Es un templo períptero (es decir, rodeado de columnas) y hexástilo (con seis de ellas en su pórtico), que sería luego la combinación más repetida. Tiene el opistodomos (sala trasera) más antiguo del que se tiene constancia. Custodiaba en su interior un Hermes de Praxiteles milagrosamente conservado.

El templo de Apolo de Delfos

Fue tristemente destruido en uno de esos tristes episodios de intolerancia religiosa, el liderado por el emperador Teodosio contra los templos paganos. En estado de ruina, sólo pueden verse los cimientos y algunas columnas recuperadas en las excavaciones, que permiten confirmar cómo era, en su última versión, un templo dórico hexástilo, que albergaba una colosal estatua del dios Apolo.

Más que esto, la importancia del templo y del sitio de Delfos es que fue sede del más famoso oráculo de la Antigüedad, y en su interior daba consejo o presagio la Pitia. La importancia simbólica del templo, la belleza natural de los alrededores y las piezas que se conserva en los cercanos museos hacen de esta una visita obligada.

El templo de Afaia en Egina

El templo dedicado en Egina a la diosa local, Afaia, es el compendio perfecto del dórico clásico y el más nítido anticipo del Partenón. Las columnas son ya más delgadas y el éntasis (la mayor anchura de las columnas en su parte central) casi inapreciable; los equinos del capitel menos chatos y más armónicos.

Maravilla aparte de este templo son las esculturas de sus frontones, compradas por Luis I de Baviera y conservadas desde 1811 en la Gliptoteca de Múnich. Hablan, entre otras cosas, de las hazañas que en Troya realizó el héroe local, Áyax.

El templo de Hera en Paestum

Lo llamaron basílica sus descubridores, creyendo por su tamaño colosal (mide 24 x 54 metros) que era un edificio romano. Es, en realidad, un templo arcaico dedicado a la diosa Hera, igual que su “hermano” llamado erróneamente “templo de Poseidón” (hoy se conocen como templos de Hera I y Hera II).

Se percibe intacto el encanto robusto del dórico más antiguo: anchas columnas con exagerado éntasis, unos capiteles curiosamente delgados y achatados, y una fachada de nueve columnas, que obliga a desempolvar el poco usado término de eneástila. Estas pequeñas rarezas son más habituales en las colonias que en la Grecia continental. Paestum está en la Campania, en la antigua Magna Grecia, y es una de las mejores excursiones que se pueden hacer desde Nápoles.

El Templo de Apolo en Bassae

Pausanias, el gran escritor de “guías de viaje” de la antigüedad, hablaba maravillas del templo de Apolo Epicuro en Bassae. Está situado en una pequeña elevación de terreno, solitario, en medio de las montañas de Arcadia. En la actualidad lo cubren unas carpas de lona para protegerlo, por lo que el efecto paisajístico se ha perdido, pero sigue conservando su magnífico interior.

Es un templo hexástilo que tiene la extraña particularidad de combinar columnas pertenecientes a los tres órdenes. Su columnata exterior es dórica, pero en su interior se transforma e incluye una elegante columnata jónica entre la cual se introduce la mayor rareza: el primer capitel corintio conocido.

El Templo de Zeus en Olimpia

En el bosque sagrado de Olimpia se erigía, en honor de Zeus, el más hermoso de los templos del Peloponeso. Era un edificio de tamaño colosal (27 x 64 metros), construido por arquitectos de la generación anterior a la que levantó en Atenas el Partenón

Pocos años después de su construcción albergó una de las estatuas de culto más admiradas de la antigüedad, ejecutada por Fidias en honor al rey de los olímpicos, en oro y marfil. Fue una de las siete maravillas de la antigüedad.

Lamentablemente nada queda de todo aquello. El templo está en ruinas, pero en el Museo de Olimpia sí se han conservado valiosas piezas de sus frontones. Y se puede visitar el “taller de Fidias”. No es poco.

El Templo de la Concordia de Agrigento

Con permiso del templo de Hefestión, en Atenas, puede decirse que el de la Concordia de Agrigento es el templo griego que mejor ha capeado los avatares del tiempo. Más allá de la decoración, está notablemente intacto, gracias a su uso ininterrumpido como iglesia cristiana entre los siglos VI y XVIII.

Construido en en el siglo V aC, poco antes de que los cartagineses destruyeran la ciudad, es un ejemplo modélico de la sobriedad y el equilibrio arquitectura dórica. Una curiosidad: su fachada principal es la que inspira el logotipo de la UNESCO.

El Partenón, rey de los templos griegos, y el resto de la Acrópolis

El más bello y monumental de los edificios de Atenas ha llegado a nosotros en un estado de conservación que puede calificarse de excepcional. Dórico y octástilo, la impresión de elasticidad que producen sus líneas es el resultado de la curvatura de muchos elementos teóricamente rectilíneos. No sólo las columnas: el estilóbato es más alto por el centro; las columnas de las esquinas son más voluminosas y todas las del peristilo se inclinan hacia atrás; las superficies verticales caen ligeramente hacia el interior y el entablamento hace lo contrario. Si te interesa, en este artículo lo explicamos al detalle.

En la misma Acrópolis hay otros dos templos magníficos: el Erecteion y el diminuto y precioso de Atenea Niké. El Hefestión, fuera del recinto sagrado, también debería visitarse por su excepcional estado de conservación.

El Templo de Démeter en Segesta

En Segesta, a pocos kilómetros de Palermo, se encuentra uno de los templos mejor conservados del Mediterráneo, y no porque fuera usado como iglesia, que es lo habitual, sino porque nunca se terminó y se construyó aislado de poblaciones locales, lo que evitó el uso de sus materiales.

La construcción se debió abandonar súbitamente, porque ni siquiera las columnas llegaron a ser estriadas. Nunca tuvo techo. Puede decirse, no sin emoción, que el templo de Démeter en Segesta lleva más de dos mil años en el mismo estado en que puede verse hoy.

El Templo de Poseidón en Sunión

Quizá sea, en la actualidad, el más escénico de todos los templos griegos. Y puede que también lo fuera en el lejano siglo V aC, cuando Pericles, en plena edad de oro del imperio ateniense, ordenó su construcción sobre las ruinas de un templo más antiguo.

Se erige sobre un promontorio a 60 metros sobre el mar, en un lugar estratégico por el que habían de pasar todos los barcos que se dirigían a Atenas, un lugar mítico en el que según la leyenda se había suicidado Egeo, dando nombre al mar.

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