La arquitectura, la cerámica y la escultura occidentales hunden sus raíces en el arte griego, cuyas obras, tras más de dos milenios, están dispersas por una miríada de museos y galerías. Francia, Inglaterra, Alemania, Italia y Grecia conserva las principales obras maestras, aquellas que pudieron conservarse en su estado original o esas otras que, perdidas, podemos aún disfrutar gracias a las copias que hicieron los romanos.

Lo que sigue no es un ranking, pues faltan muchas maravillas. Pero sí es una selección de lo mejor de las distintas y variadas épocas y estilos por los que atravesó ese fenomenal conjunto de creaciones que hoy llamamos arte griego.

Cleovis y Bitón, un sensacional ejemplo del arte griego arcaico

El grupo escultórico de Cleovis y Bitón es uno de los mejores representantes que aún puede verse del arte griego arcaico. Representan un tipo muy común en aquel tiempo: el kuros u hombre joven desnudo, una representación idealizada del atleta y del soldado, fuerte, viril y en plenitud.

Estos dos en concreto son figuras mitológicas. Hijos de una sacerdotisa de Hera llamada Cídipe, la historia cuenta que en una ocasión fueron capaces de tirar del carro que llevaba a su madre a honrar a la diosa, una vez que sus bueyes habían quedado exhaustos.

Son esculturas muy parecidas al estilo de los egipcios. Se caracterizan por una postura rígida y tirante, brazos caídos y pegados al cuerpo, avance ritual de la pierna izquierda y un carácter compacto que impide olvidar que antes de un kuros la escultura fue un bloque de piedra.

Al modelado se le prestaba entonces poca atención. El escultor, de nombre Polimedes de Argos, trazó simplemente unos gruesos incisos allí donde el cuerpo solicita juegos de relieve, como los pectorales o el encuentro de las ingles y el abdomen.

Aunque no es lo habitual, de estas piezas se conoce, gracias a Heródoto, que fueron un encargo de la ciudad de Argos para adornar el Santuario de Delfos. Allí se colocaron aproximadamente en el año 600 a.C. Allí mismo fueron encontradas en el año 1893, y allí se pueden ver aún, más de 2600 años después, en el Museo Arqueológico de Delfos.

El Vaso François, la joya de la cerámica griega

El Vaso François es uno de los más impresionantes ejemplos de la cerámica griega. Mide nada menos que 66 centímetros de alto y está decorado al completo con historias de la mitología griega, monstruos e incluso escenas cómicas. Hasta las asas y la base están profusamente decorados.

En su fabricación se sabe que intervinieron dos autores porque ambos dejaron constancia de su firma. Se trata del alfarero Ergótimos y el pintor Clitias, que colaboraron en esta y otras obras alrededor del año 570 a.C.

Según Antonio Blanco Freijeiro, autor de uno de los mejores libros sobre arte clásico, el Vaso François destaca por "su proporción, elegancia, firmeza y grandiosidad […] pero a este conjunto de perfecciones constructivas se le une la exquisita decoración de Clitias, que envolvió la superficie externa del vaso en un álbum de más de un centenar de miniaturas dispuestas en franjas horizontales".

Que un vaso de este tamaño y con este imponente y minucioso programa decorativo acabara en Etruria es un ejemplo más de lo bien conectada que estaba por entonces la economía mediterránea, y el alto desarrollo que habían alcanzado los etruscos, capaces de importar semejantes objetos de lujo. Hoy se puede ver en el impresionante Museo Arqueológico de Florencia, uno de los mejores de la ciudad del Renacimiento.

No servía simplemente para decorar. El Vaso François era una crátera de volutas (así llamada por las asas), un recipiente en el que se depositaba el vino, normalmente mezclado con agua, para que los asistentes a un banquete se fueran sirviendo.

Quizá este uso justifica la presencia de varias escenas marcadamente cómicas entre sagrados mitos como el de las exequias de Patroclo. O tal vez sea una prueba más del escaso fanatismo que envolvía la religión griega, sin exigencias morales y tolerante incluso con la ironía.

Para saber más sobre las imágenes representadas, recomendamos la lectura de este artículo.

El ¿Poseidón? del Cabo Artemisio

Se llama Poseidón de Artemision pero sólo la segunda parte de su nombre es segura, pues fue descubierto bajo el mar, en 1928, muy cerca del cabo del mismo nombre.

La identidad de la figura es complicada. Se ha dicho que es Poseidón en el acto de arrojar su tridente, pero ese acto de arrojar el tridente no era nada habitual. Y un tridente no encaja bien con la composición de la figura, como descubrió un grupo de historiadores. Lo que sí sabemos es que el Templo de Sunión estaba dedicado a él.

Se ha dicho también que podría ser Zeus en el acto de lanzar un rayo, pero la posición de las manos tampoco sería idónea. En realidad, el acto que más concuerda con la figura es el lanzamiento de una jabalina, pero la figura no es la de un atleta, que habría de ser más joven, sino la de un dios. Últimamente se le llama Dios de Artemisio.

En cualquier caso, es un figura valiosísima no sólo por su antigüedad (se ha datado en el año 460 a.C.) sino porque representa perfectamente la transición entre el estilo arcaico y el clasicismo. La figura es todavía rígida y carece del naturalismo que estaba por venir, pero ya hay una intención clara de romper el estatismo de la vieja escultura y añadir acción y movimiento.

Está en el Museo Arqueológico Nacional de Atenas.

Los Bronces de Riace o el anuncio del clasicismo

Han sobrevivido milagrosamente tres maravillas del arte griego realizadas en bronce. Una es el Poseidón de Artemisio, otra el Auriga de Delfos. La tercera son estos misteriosos personajes que fueron encontrados por un submarinista cerca de Riace, en la actual Italia, y que son la gran joya del Museo Arqueológico de Reggio Calabria.

A pesar de haber realizado numerosos y concienzudos estudios, los expertos no se ponen de acuerdo sobre la identidad de los dos individuos. Unos dicen que son atletas. Otros dicen que son guerreros. Otros, que son dioses o figuras mitológicas.

Nada está claro excepto su maravillosa calidad y su incalculable valor histórico, pues aquí tenemos, uno frente a otro, el paso del estilo severo, o de transición, al inconfundible estilo clásico. De hecho, el llamado Bronce B es tan, tan asimilable a las esculturas clásicas que hay quien ha defendido la autoría de Fidias, el mayor exponente del arte clásico.

Aquí ya está casi todo lo que hará del arte griego clásico inolvidable: el naturalismo, la elasticidad de los músculos, el apoyo en uno de los dos pies, la ruptura total de la vieja ley de la frontalidad, etc.

Tal vez te interese leer también este recopilatorio: diez templos griegos para viajar al mundo antiguo. Seguirás viajando por Sunión, Atenas, Delfos y otros rincones de Grecia.

El Discóbolo, la obra que hizo trizas la ley de la frontalidad

A mediados del siglo V a.C. Atenas brilló entre todas las ciudades de Grecia, y en Atenas, en aquel tiempo, empezó a florecer Mirón. Esculpiendo dioses, atletas y animales se hizo pronto un hueco entre los grandes del arte griego. Fue verdaderamente profuso y variado en la elección de sus temas, aunque se mantuvo a la vez más apegado a ciertas rigideces del arte clásico.

El Discóbolo, famosísimo, representa a un lanzador de disco en plena acción. En en suelo solo apoya el pie derecho y los dedos del izquierdo. Con la mano derecha impulso el disco hacia atrás para ganar inercia. Su cuerpo, en postura inverosímil para la estatutaria anterior, se inclina y se contrae en el momento previo al violento lanzamiento.

Este atleta es muy distinto a todos los anteriores. Debió sorprender y asombrar a sus contemporáneos, pues cambia radicalmente la relación del espectador y la obra. Si las antiguas estatuas frontales fueron concebidas para verse de frente y solo de frente, el Discóbolo no solo puede admirarse desde cualquier lado sino que casi parece que incita a hacerlo.

Y a pesar de todo, al margen de la postura, el Discóbolo no es una obra excesivamente novedosa. La anatomía sigue siendo casi pre-clásica: los músculos son planos; las facciones, esquemáticas e inexpresivas, y el conjunto no alcanza gran profundidad en el espacio. Admiración y asombro era lo que buscaba, no emoción. Hoy puede verse no el original, pero sí una excelente copia romana en el Museo Nazionale Romano, situada en el Pallazzo Massimo alle Terme.

La Atenea Lemnia, la más bella de las estatuas femeninas

Así lo pensaba al menos Pausanias, que la ensalzó como la mejor de todas las obras de Fidias. La Lemnia se esculpió en época de Pericles para adornar, aún más, la Acrópolis de Atenas. Pero al contrario que la Parthenos, diosa guerrera escondida en el colosal Partenón, esta versión de la diosa se representó como una dispensadora de paz. Por ello lleva la cabeza descubierta, el casco en una mano y la égida sobre el pecho.

La cabeza tiene todos los rasgos propios del arte griego clásico: frente alta, barbilla pequeña, labios menudos y carnosos, mejillas lisas y una línea del perfil casi perpendicular al plano horizontal. El finísimo modelado y la elegante taenia, la cinta lisa y ancha que sujeta el pelo, terminan de acentuar la plasticidad de todo el conjunto.

Contemplar la Lemnia es emocionante, y eso que solo se conservan un par de fragmentos y no del original, sino de copias romanas posteriores. La cabeza se encuentra en el Museo Cívico Arqueológico de Bolonia y, lo que parece ser una copia del cuerpo se puede ver en la Staatliche Kunstsammlungen de Dresde.

Las Parcas de Fidias y sus "paños mojados"

De los frontones del Partenón ya hablamos largo y tendido en el artículo que le dedicamos a dicho edificio. Pero hay un grupo de esculturas que merece ser individualizado y situado aquí, brillando con luz propia entre lo mejor del arte griego.

Estos tres cuerpos mutilados todavía impresionan por la corporeidad y por la vida que transmiten. Se los conoce como Las Parcas, aunque seguramente representan a Afrodita y Artemisa. En ellos se percibe bien la técnica de los llamados “paños mojados”, consistente en esculpir los ropajes con tal finura que parecen mojados, pegados por tanto al cuerpo y dibujando sus curvas y ondulaciones. Fidias llevó a esta técnica a una excelencia nunca antes vista, y luego fue imitado una y mil veces. La propia Victoria de Samotracia sería impensable sin este desarrollo previo.

Las Parcas, como todo el frontón del Partenón, pueden verse en la Sala Elgin del Museo Británico. Están en un estado algo precario, pero son las figuras originales que durante dos milenios adornaron el mejor de los templos griegos.

El Doríforo de Policleto, "el canon" del arte griego

El Doríforo es otra de las obras maestras del arte griego que se han perdido. Por suerte su fama fue grande en su tiempo, y los copistas romanos realizaron varias copias que sí se conservan. La mejor, o la mejor conservada, se descubrió en las excavaciones de Pompeya y se conserva en el Museo Arqueológico Nacional de Nápoles.

A pesar de su nombre, el representado es probablemente Aquiles, el héroe de la Ilíada. Y como la Ilíada, el Doríforo se terminó convirtiendo en la escultura más admirada, la más copiada, la que más influyó a escultores posteriores.

Curiosamente es una obra aún apegada a ciertos rasgos del arte arcaico. La separación de ingles y abdomen, o la línea que marca los pectorales, es excesivamente rígida. Lo mismo ocurre con las divisiones de los brazos y las piernas. Lo que Policleto aplicó de forma innovadora fue el canon geométrico que establecía el sistema ideal de las proporciones del cuerpo humano, y en en su forma de hacerlo reveló importantes influencias de los filósofos de us tiempo.

Platón había defendido en el Timeo que los dioses dieron a la cabeza humana una forma esférica como imagen de la figura del universo. La cabeza es perfectamente esférica, pero no es el único círculo. Las curvas del pliegue inguinal y del arco torácico son segmentos de un círculo imaginario cuyo centro estaría en el ombligo.

Por supuesto, lo más llamativo es la posición. Policleto esculpió una obra destinada a contemplarse desde un punto de vista principal, pero el Doríforo no es una obra rígida ni estática. El peso del cuerpo se apoya maravillosamente sobre una de las piernas, y el giro ligerísimo del tronco y la cabeza añade el movimiento justo para dotar al conjunto de vida.

La Afrodita de Cnido, el canon de belleza de los antiguos

"La destreza del escultor ha sido tan acertada que parece que el mármol ha perdido su dureza para moldear la gracia de sus extremidades", dijo de esta escultura Luciano de Samósata. Plinio el Viejo relató que una vez, un joven se enamoró de ella al contemplarla, y el rey Nicomedes de Cos la quiso hasta tal punto que ofreció a la ciudad de Cnido perdonar la deuda de la ciudad. Los cnidios se negaron.

Estamos ante la obra maestra de Praxiteles y la estatua femenina que los antiguos consideraron la más hermosa del mundo. Representa a Afrodita, la diosa del amor, en el acto de tomar un baño.

Toda la obra es un prodigio de sensualidad y delicadeza. La razón de que aparezca desnuda hay que buscarla en las costumbres locales de Cnido, donde Afrodita era venerada, entre otras cosas, como protectora de la navegación, de forma similar a la fenicia Astarté. En toda la región hay representaciones anteriores, muy antiguas, donde a la diosa de la fecundidad se la representa de la misma manera.

Pero Praxiteles convierte la desnudez de la diosa en un logrado elemento erótico gracias a la tersura del modelado, a las formas suaves y mórbidas que se mueven en un perfil sinuoso, la célebre "S" o curva praxiteliana. La vestidura y el ánfora cumplen una función estructural, pues permiten que el cuerpo "rote" ligeramente hacia delante y hacia la izquierda. Es admirable cómo consigue Praxiteles que esas vestiduras, que recuerdan a los paños mojados de Fidias, caigan lánguidamente, despacio, sobre el ánfora. Como dijo Luciano de Samosata, resulta difícil de creer que el material sea el duro y frío mármol.

Como en el caso del Doríforo, el original se perdió. Pero como su fama fue tan grande se hicieron bastantes copias, y algunas de ellas son de excelente calidad. La más conocida está en Roma, en el Museo Nacional Romano del Palazzo Altemps.

El Gálata moribundo y la nueva expresividad del helenismo

Es una de las obras más famosas de los Museos Capitolinos de Roma y una de las más reproducidas, merced a su enorme popularidad entre los viajeros del Grand Tour y a la intensa emoción que transmite.

Situada en el centro de una sala que lleva su nombre (Sala del Gladiador, pues en principio se pensó erronamente que el caído era un gladiador) representa a una víctima de la guerra emprendida en el siglo III a.C. por los Atálidas de Pérgamo contra los Gálatas (así llamaban aquéllos a las tribus célticas –los galos de los romanos– asentadas en el interior de la actual Turquía). El guerrero, que se muestra con la herida bien visible y próximo a morir, está rodeado de gran solemnidad y representado al estilo de los héroes clásicos, esto es, desnudo. La obra sirve así como recordatorio de la victoria, pero también como homenaje a la valía de los vencidos, que fueron dignos enemigos.

Apareció en el siglo XVII, en la Villa Ludovisi, junto con el Gálata suicida que puede verse hoy en el Palazzo Altemps, y fue adquirida por el museo en el siglo XVIII. Aunque los historiadores no se han puesto de acuerdo sobre su datación, la interpretación más aceptada es la siguiente: que el original griego data del siglo III a.C., que fue un encargo de Átalo I de Pérgamo como conmemoración de la citada victoria de los suyos contra los gálatas turcos, y que la copia expuesta en el museo es una obra romana del siglo I a.C., encargada por Julio César para conmemorar en el ámbito privado otra victoria –la suya– contra los galos, y realizada (esto acreditaría tanto la estima del dictador al original como la confusión de los historiadores) en mármol oriental por un taller de Pérgamo.

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Alesandro François, el descubridor del Vaso François, se pudo considerar un arqueólogo afortunado. Nació en Florencia en 1796, aunque su familia era de origen francés. Durante su juventud, mientras por toda Europa se abatían las nubes de la revolución y los grandes reinos se enzarzaban en sangrientas batallas para frenar a Napoleón, Alessandro se dedicó a estudiar el mundo antiguo. (Sobre el arte clásico, te recomendamos estos diez libros imprescindibles) .

Viajó por toda Italia y buena parte del Mediterráneo y buscó con ahínco, por toda su tierra natal, la Toscana, la vieja Etruria, esos vestigios abandonados y rotos en mil pedazos de los que está hecha la arqueología.

En 1825 era ya un arqueólogo consumado. Excavó en Volterra, Fiesole, Vetulonia y Cosa. En 1857 encontrará una imponente tumba etrusca que desde entonces llevará su nombre, Tumba François. Su interior estaba decorado con una valiosísima serie de frescos de una época por lo demás poco conocida, el siglo IV a.C. Las imágenes, alegres y festivas, confirman la intrincada relación entre la cultura etrusca y la romana.

Fue su último hallazgo, pero no el más importante. Antes había encontrado, en las cercanías de Chiusi, en el extremo más meridional de la Toscana, una serie de fragmentos de lo que parecía una crátera griega de figuras negras. Su amigo, el también arqueólogo Arcangelo Michele Migliarini, quedó fascinado y animó a Alessandro a continuar excavando por la zona. En años venideros encontró más fragmentos, y con la ayuda de Vincenzo Monni y Giovan Gualberto Franceschi, el puzzle fue totalmente recompuesto. Era algo nunca visto.

El Vaso François medía nada menos que 66 centímetros de alto y estaba decorado al completo con historias de la mitología griega, monstruos e incluso escenas cómicas. Hasta las asas y la base están profusamente decorados.

La importancia del Vaso François

En su fabricación se sabe que intervinieron dos autores porque ambos dejaron constancia de su firma. Se trata del alfarero Ergótimos y el pintor Clitias, que colaboraron en esta y otras obras alrededor del año 570 a.C.

Según Antonio Blanco Freijeiro:

el Vaso François reúne todas las condiciones que se pueden esperar de un bello vaso griego, a saber: proporción, elegancia, firmeza, grandiosidad, etc. Pero a este conjunto de perfecciones constructivas se le une la exquisita decoración de Clitias, que envolvió la superficie externa del vaso en un álbum de más de un centenar de miniaturas dispuestas en franjas horizontales.

Este estilo miniaturista de Clitias, en oposición a otro estilo más realista, vivió desde entonces un verdadero auge y dio origen a algunos de los más bellos ejemplos conservados de la cerámica griega, como los preciosos kylyx (copas de labio) de Teseo matando al minotauro, o el del Jinete y el corredor, que se conservan en Londres, en el Museo Británico.

Pero en ninguna parte se encuentra un vaso de este tamaño y con este imponente y minucioso programa decorativo. Que acabara en Etruria es un ejemplo más de lo bien conectada que estaba por entonces la economía mediterránea, y el alto desarrollo que habían alcanzado los etruscos, capaces de importar objetos de semejante lujo.

Su función no era simplemente decorativa. Se trata de una crátera de volutas (así llamada por las asas), un recipiente en el que se depositaba el vino, normalmente mezclado con agua, para que los asistentes a un banquete se fueran sirviendo.

Quizá este uso justifica la presencia de varias escenas marcadamente cómicas entre sagrados mitos como el de las exequias de Patroclo. O tal vez sea una prueba más del escaso fanatismo que envolvía la religión griega, sin exigencias morales y tolerante incluso con la ironía.

Las escenas del Vaso François

En el Vaso François podemos ver, concretamente en la zona donde la circunferencia del vaso es más extensa, justo a la altura donde nacen las asas, una representación de la noche de bodas de Peleo y Tetis, los padres de Aquiles. Se trata de una de las bodas más importantes de la Antigüedad, no sólo por tratarse de los padres de Aquiles sino por ser aquí donde nace la disputa entre las diosas Atenea, Hera y Afrodita. La que dará lugar al Juicio de Paris y a la Guerra de Troya.

Justo debajo se encuentra el friso de Aquiles y Troilo, otro episodio de la Guerra de Troya. Un oráculo había predicho que los griegos no podrían tomar Troya si Troilo, uno de los hijos de Príamo, alcanzaba la edad de veinte años. De ahí la preocupación de Aquiles por perseguirlo y darle muerte.

Por el lado contrario, a la misma altura, aparece una escena sin correspondencia en la literatura: el retorno al Olimpo de Hefesto, ese dios tan feo y desagradable que fue desterrado por su madre, Hera, nada más nacer, pero que luego se las ingenió para ser readmitido. Por eso también son importantes estos objetos, porque completan las lagunas de los libros perdidos.

Más abajo se sucede un friso decorado con animales mitológicos extraídos no sólo de la mitología griega sino también de la próximo-oriental, como las efigies que aparecen alrededor del árbol sagrado. Un recordatorio más de que las culturas no son compartimentos estancos sino recipientes abiertos que se influyen mutuamente.

Y más abajo aún, tras unas decoraciones geométricas, en el mismo pie del vaso una de las escenas más solemnes de la Antigüedad: los juegos fúnebres organizados por Aquiles para honrar a su querido amigo Patroclo.

Por el lado contrario completan el programa decorativo: una escena de Teseo tocando la lira frente a Ariadna, una representación de la Centauromaquia y una bellísima y, según Blanco Freijeiro, sin duda cómica, representación de la Geranomaquia: la lucha de los pigmeos contras la grullas.

En suma, el Vaso François es un objeto de uso cotidiano, una crátera, pero cuya utilidad práctica se ve sublimada por una de serie de escenas exquisitamente dibujadas que servían no sólo para embellecer, sino para dar pábulo a conversaciones, reflexiones, narraciones y, por qué no, algunas risas.

Se encuentra en el Museo Arqueológico de Florencia, que conserva una excelente colección de arte etrusco, egipcio y griego y cuya visita, como ya mencionamos en nuestro artículo de los mejores museos de Florencia, es más que recomendable.

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Unos dicen que el nombre de Montalcino viene de mons (monte) y de ilex (encina), y que significa "el monte de las encinas". Otros derivan sus últimas sílabas de Lucina, la diosa, romana pero de origen etrusco, que presidía el nacimiento de los niños. La propia etimología de Lucina es muy apropiada, pues podría provenir de lux (luz) y también de lucus (bosque).

Ambas cosas casan bien con Montalcino. En una zona que una vez fue habitada por los etruscos agrada pensar que estamos caminando por el monte de una diosa, Lucina, que reina sobre los bosques y que trae a la luz nueva vida.

Montalcino es uno de esos pueblos que embellecen la Toscana. Es vecino de Pienza y de Montepulciano. Se alza sobre un suave promontorio que alcanza, en su punto más alto, algo más de seiscientos metros. Es la casa de uno de los vinos con más renombre de Italia, el Brunello, un tinto robuso acompañado de aromas a geranio y a especias.

En la Edad Media fue una ciudad independiente y próspera, beneficiada por su posición en plena vía francígena, por donde acudían los peregrinos desde Francia hasta Roma. Lo siguió siendo hasta 1260, cuando otra ciudad que ya era más grande y que lo sería aún más, Siena, la derrotó en la batalla de Montaperti.

En la órbita sienesa se mantuvo Montepulciano por tres siglos, y en ese tiempo vio trabajar a artistas de la talla de Simone Martini y Ambroggio Lorenzetti, de cuya autoría aún quedan algunas obras en su pequeño pero extraordinario Museo Cívico.

En 1555 se produjo un hecho notable. Siena cayó en las manos de una Florencia expansiva, dominada entonces por Cosimo I de Mèdici. Pero muchos nobles de la ciudad, negados a dar su libertad por perdida, se refugiaron en Montalcino y proclamaron la allí la Repubblica di Siena riparata in Montalcino. Resistieron cuatro años. Luego Montalcino entró a formar parte del Gran Ducado de la Toscana y allí permaneció otros tres siglos, hasta el nacimiento del Reino de Italia.

Qué ver en una visita a Montalcino

Con sólo cinco mil habitantes no deja de resultar sorprendente el patrimonio histórico del que presume Montalcino. Arquitectura civil, arquitectura religiosa, museos y calles llenas de encanto se suceden por su pequeño casco urbano.

La Fortezza

De la etapa de dominio sienés se conserva todavía la fortaleza defensiva que, adosada a los muros de la ciudad, protegía a Montalcino de sus hostiles vecinos.

Llamada en italiano fortezza, impresiona el grosor de sus muros y la altura de sus torreones, aunque hoy, en su amplísimo patio o cortile, ya no hay escudos, espadas ni lanzas sino un programa casi continuo de espectáculos culturales. Desde sus altos muros hay vistas preciosas de los campos circundantes.

Los museos

Se llaman musei riuniti porque engloban dos: el Museo Cívico y el Diocesano. Ambos contienen obras de interés, pero en el primero especialmente encontrarán los amantes del arte varias obras de renombre.

Pertenecen todas a la escuela de Siena, el grupo de pintores que desde dicha ciudad desarrolló un proto-renacimiento luminoso, dulce y algo apegado a la vieja solemnidad del arte bizantino. Simone Martini y Ambroggio Lorenzetti son los nombres más destacados, aunque no los únicos.

La Piazza del Popolo

En el centro de todo pueblo italiano se encuentra una agradable piazza, casi siempre llamada del popolo o della repubblica. La de Montalcino es pequeña, pero está adornada con dos edificios históricos: el Palazzo Publico, aquí llamado también Palazzo dei Priori, y la Loggia.

El primero lleva siendo la sede del poder local desde que al gobernante local se la llamaba podestà, esto es, desde hace aproximadamente siete siglos. Decenas de signos heráldicos adornan unos muros que rezuman historia. Y a su lado, una preciosa loggia renacentista pone al broche a una plaza con verdadero encanto, el lugar ideal donde disfrutar de un buen café.

Las iglesias

Es sorprendente que un espacio urbano tan reducido como el de Montalcino se puedan encontrar decenas de iglesias. Las hay de todas las épocas, la mayoría pequeñísimas, poco más que parroquias locales.

La más destacada es la Chiesa di Sant’Agostino, que ha podido conservar su sobria fachada románica. El Duomo, en cambio, de estilo neoclásico y construido en el siglo XIX, es menos impresionante.

La Abadía de San Antimo

Muy cerca de Montalcino, junto a la pequeña aldea de Montelluovo del’Abate, se encuentra una de las mayores joyas del románico toscano.

Se trata de una abadía cuya fundación está relacionada nada menos que con Carlomagno, quien, al regreso de ser coronado emperador en Roma, se detuvo en una pequeña abadía y decidió sufragar su reconstrucción monumental. Su hijo Ludovico Pío fue quien finalmente envió los fondos. De esta primitiva abadía hoy solo queda el ábside, conocido como capilla carolingia.

Es conveniente acercarse a verla por la monumentalidad del edificio, construido en piedra, alabastro y mármol travertino, por su precioso emplazamiento, por la calidad de su fábrica y por las sorpresas que guarda su interior, donde se pueden encontrar capiteles formidables como el Daniel en la fosa de los leones, del Maestro de Cabestany.

Infinitas excursiones en el corazón de la Toscana

Por supuesto, Montalcino se encuentro en el corazón de la Toscana, y eso significa que las posibilidades para el turismo son casi infinitas.

Los pueblos de la Toscana, de las que ya hemos hablado, son verdaderas maravillas, y junto a Montalcino podemos encontrar dos de los mejores: Pienza y Montepulciano. Siena está a muy poca distancia, como también el lago Trasimeno y sus múltiples bellezas.

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Florencia es una ciudad artística y por lo tanto también una ciudad de museos. En la cuna del Renacimiento, como no podía ser de otra manera, la mayoría de los museos de Florencia se centran en aquella época: los Uffizi, la Academia, el Bargello o l’Opera del Duomo albergan las mejores que obras que se pueden ver de esta etapa artística. Otros, como el Palazzo Pitti, se extienden más en el tiempo.

Pero también está el Museo Arqueológico, que es una verdadera sorpresa, y el Museo Galileo. Y, como en Roma, también están las iglesias, que en muchos casos albergan colecciones de arte que para sí quisieran muchos museos del mundo.

10. El Palazzo Vecchio, donde se ha escrito la historia de Florencia.

El Palazzo Vecchio domina desde el siglo XIV la más conocida plaza de Florencia, la Piazza della Signoria, y además del Ayuntamiento alberga un museo llamado dei Ragazzi. Allí se exponen obras de Bronzino, Miguel Ángel y Vasari, entre otros.

Su fachada principal contiene uno de los emblemas de la ciudad, la Torre de Arnolfo, y en su interior sobresale el Salón de los Quinientos, con muros decorados con frescos de Vasari. No es poca cosa, si bien en su día trabajaron en ellos tanto Leonardo da Vinci, cuya Batalla de Anghiari se terminó perdiendo, y Miguel Ángel, que no llegó a terminar la Batalla de Cascina.

Pero además de los grandes salones hay rincones pequeños donde cuelgan varias sorpresas. Una de ellas es el más célebre retrato del gran Nicolás Maquiavelo, con su sonrisa indiscifrable. Otra es la Sala de los mapas Geográficos, realizada por Vasari: un verdadero atlas del mundo entonces conocido.

El propio edificio es un museo de la historia de Florencia. Llamado en origen Palazzo dei Priori o Palazzo Novo, fue luego Palazzo della Signoria, pues éste era el organismo principal de la República florentina en el siglo XV. Cuando, en 1540, Cosme I de Médici empezó a utilizarlo como residencia se convirtió en Palazzo Ducale. Y cuando, en 1565, el mismo Cosme I se mudó al Palazzo Pitti pasó a ser Palazzo Vecchio, el palacio viejo. Hasta hoy.

9. El Museo de Historia de la Ciencia, un templo dedicado a Galileo

También llamado Museo Galileo, conserva verdaderas joyas, como los telescopios con los que el genio pisano divisó por primera vez las lunas de Júpiter.

Es un museo pequeño, pero lleno de maravillas. Los experimentos que llevó a cabo Galileo han sido reconstruidos de forma interactiva y los propios visitantes pueden realizarlos.

La misma preocupación por el espacio que hizo a los artistas florentinos maestros de la perspectiva los convirtió también en excelentes navegantes y cartógrafos. Puede ponerse como ejemplo el célebre Américo Vespucci, nacido en la pequeña aldea de Montefioralle. Muchos de esos preciosos mapas se conservan aquí, y entre ellos destaca el del portigués Lopo Homem.

8. El Museo dell’Opera del Duomo, el complemento perfecto a la Cúpula y el Baptisterio.

Desde hace algunos años sólo hay una forma de visitar el Duomo florentino: pagar 18€. La entrada, eso sí, incluye la visita a la catedral, las subidas a la cúpula y al campanile, la entrada al baptisterio y la visita al Museo dell’Opera del Duomo.

Son muchos los que, agotados por todas las visitas anteriores, que incluyen esas dos subidas a las alturas florentinas, deciden no visitar el museo. Y aunque no hay duda de que en Florencia los hay mejores y más completos, su visita es muy recomendable y actúa como complemento perfecto a todo lo anterior.

Porque aquí están las esculturas originales que durante siglos decoraron la catedral, y desde hace tiempo fueron, como pasa con el David, sustituidas por réplicas. Porque aquí está la Piedad Bandini de Miguel Ángel, esculpida para decorar la que iba a ser su tumba en Roma. Y la María Magdalena de Donatello. Porque aquí se conservan también las puertas originales del impresionante baptisterio, obra de Lorenzo Guiberti y de Brunneleschi. Y aquí están también algunas de las herramientas, radicalmente innovadores para su época, que utilizó Brunneleschi para la construcción de la cúpula.

Si alguien duda del interés de estos elementos no tiene más que leer el libro de Ross King La Cúpula de Brunneleschi, y se dará cuenta de hasta qué punto este genial arquitecto e inventor revolucionó las posibilidades del arte y la ingeniería de su época.

7. La Capilla Brancacci, la Capilla Sixtina del primer Renacimiento.

En el interior de la iglesia de Santa María del Carmine, en el barrio de Oltrarno, se encuentra la que ha sido calificada como la Capilla Sixtina del primer Renacimiento.

Se trata de una capilla concebida como un todo y en el que todas las escenas se compusieron tomando como referencia el punto de vista de un espectador situado en el centro. Los frescos no deben verse por tanto (aunque pueden verse, y bien que se disfrutan) uno a uno, acercándose a ellos, como en cualquier iglesia, sino desde el centro, como un gigantesco políptico desplegado ante nosotros.

La capilla la encargó la familia Brancacci, que terminó desterrada por los Médici, y la llevó a cabo en su mayor parte uno de los pintores más innovadores de la historia, Masaccio, que de no haber muerto con sólo 27 años quizá estaría hoy en la lista de los más grandes.

6. El Convento de San Marco y los exquisitos frescos de Fra Angelico.

No es un museo, pero estas rígidas categorías, a veces, no sirven de mucho. Porque en el convento de San Marco, renovado monumentalmente en 1437 por Michelozzo bajo encargo de Cosimo il Vecchio, alberga una impresionante serie de frescos que para sí quisieran los mejores museos del mundo.

Son casi todos del mismo autor, el fraile dominico Fra Angelico, que acometió el proyecto decorativo monástico más ambicioso de la historia. No hay habitación sin su correspondiente fresco, no hay pasillo ni cámara sin decorar. Y todas están bañadas de la misma serenidad, de la misma fantástica luz que muchos han calificado de metafísica, de una piedad que sólo podía surgir de la intensa devoción del propio autor, dominico él también como los frailes a los que iban destinadas sus obras.

San Marco alberga lo mejor de uno de los mejores pintores del quattrocento. Y todas las obras se encuentran en sus lugares originales. Además, el propio convento, obra de Michelozzo, es también una maravilla de la arquitectura, un edificio tremendamente moderno gobernado por la funcionalidad.

5. El Palazzo Pitti, el último capricho de los Médici.

El Palazzo Pitti es el que convirtió en vecchio al Palazzo Vecchio. Se construyó a mediados del cinquecento para el banquero florentino Luca Pitti, aunque sus descendientes lo terminaron vendiendo a la dinastía más famosa de la ciudad, los Médici.

Lo adquirió en realidad Leonor Álvarez de Toledo, la esposa de Cosme I, que venía de un mundo de lujo en Nápoles que no podía compararse al que se encontró en el Palazzo Vecchio.

Con la compra vinieron también las reformas y entre ellas estuvo el Corredor de Vasari, una red de pasadizos que lo conectan con la vieja residencia del Palazzo Vecchio, pasando por el Ponte Vecchio y los Uffizi. Y se construyeron también los preciosos Jardines de Bóboli. Y se llenó de una colección de arte que no cabía ya en los Uffizi. Con el paso de los siglos se asentaron aquí otras dinastías de gobernantes que fueron llenando los enormes salones del palacio de nuevas obras de arte.

La colección resultante es amplia y espléndida, coronada por obras de Tiziano, Rafael, Andrea del Sarto, Tintoretto, Caravaggio, Rubens, Van Dyck o Antonio Cánova.

4. El Museo Arqueológico, el más inesperado de los museos de Florencia.

Demasiadas veces pasa desapercibido, quizá por ser el único gran museo florentino no centrado en el Renacimiento, y por tanto alejado de lo que muchos buscan o esperan encontrar.

Sin embargo, este Museo Arqueológico es uno de los mejores que se pueden ver en Italia. Alberga una extraordinaria colección de arte etrusco, como le corresponde por su situación geográfica. Pero además contiene una interesantísima colección de arte egipcio y una sorprendente, brillantísima de arte griego.

De hecho aquí hay que situar la gran joya del museo, la famosa crátera de figuras negras conocida como el Vaso François, datada hacia 570 a.C. y decorada con una compleja serie de narraciones mitológicas.

3. El Bargello, la mejor colección de escultura renacentista.

El Bargello es uno de los museos más bonitos que se pueden ver en Italia. Está en un edificio del siglo XIII que se construyó como ayuntamiento, y que más adelante fue residencia del jefe de policía de la ciudad (llamado bargello) y, más adelante aún, se utilizó como cárcel. En su patio hoy apacible fueron ejecutados decenas de condenados.

Con la unificación de Italia, el nuevo gobierno tomó la acertada decisión de convertirlo en uno de los primeros museos nacionales italianos. Y aquí se fue trasladando, desde 1865, una extraordinaria colección de escultura florentina. En el Bargello están los mejores escultores del Renacimiento: Miguel Ángel, Donatello, Verrocchio, Gianbologna, Cellini…

Tiene una colección mucho más valiosa y más amplia que el Museo dell’Opera del Duomo, e incluso que la Galería de la Academia. Y es el complemento perfecto a la visita a las Uffizi, más centrado en la pintura.

2. La Academia, donde se puede ver el gran icono de Florencia.

En 1563 nació en Florencia la primera escuela de Europa dedicada exclusivamente a enseñar las artes del dibujo, la pintura y la escultura. Su fundador fue Cosimo I de Médici y se llamó Accademia degli Arte del Disegno.

Con los años su función fue interrumpida, y no fue hasta 1784 cuando se refundó, ahora con el nombre de Accademia di Belle Arti, y acomodó numerosas obras de arte que sirvieran de inspiración y ejemplo a los nuevos estudiantes. Desde entonces y hasta hoy no ha dejado de ser un museo.

La Academia es famosa porque alberga una de las obras más icónicas del mundo. Como la Gioconda en el Louvre, aquí todo el mundo viene a ver el David de Miguel Ángel; el original, no las copias que adornan la Piazza della Signoria o el Piazzale Michelangelo.

Y, por supuesto, merece la pena. La merecería incluso si esta fuera la única obra expuesta. Pero no es así. En la Academia se pueden ver otras dos obras de Miguel Ángel: su San Mateo de 1508 y sus Cuatro prisioneros, obra que esculpió entre 1521 y 1523 para que adornaran la monumental tumba del papa Julio II.

Pero además de Miguel Ángel aquí hay una interesante representación de artistas locales, que en otro lugar podría sonar a poca cosa pero en Florencia significa Fra Bartolomeo, Filippino Lippi, Bronzino, Botticelli o Ghirlandaio.

1. La Galería de los Uffizi, uno de los mejores museos del mundo.

Y por fin, la Galleria degli Uffizi, la galería de arte más antigua del mundo y sin duda el más destacado de los museos de Florencia. Hoy extiende sus dos elegantes brazos desde la vera del Palazzo Vecchio hasta el Arno, casi a las puertas del Ponte Vecchio. Pero al contrario que estos viejos edificios, los Uffizi representan lo nuevo, lo moderno.

Fueron obra también de un hombre nuevo, un Cosimo I de Médici cuyo notorio apellido no debe llevar a engaño. Cosimo provenía de una rama menor de los Médici y era básicamente un don nadie cuando llegó a Florencia a mediados del cinquecento. Pero entonces desplegó unas sobresalientes dotes de mando. Trasladó su residencia al Palazzo Vecchio, centro del poder florentino, renovó por completo la administración, se casó estratégicamente con Leonor Álvarez de Toledo (cuyo fantástico retrato, obra de Bronzino, se conserva en los Uffizi), construyó fortalezas y puertos, conquistó Siena y convenció al papa Pio V para que creara el Gran Ducado de la Toscana, que le sobrevivió en varios siglos.

Y para su nuevo gobierno, reclutado entre las capas más humildes de la población puesto que no se fiaba de las viejas familias florentinas (de la suya especialmente) creó un fantástico edificio de oficinas. Al poco tiempo todos lo llamaban los Uffizi.

Cosimo, como sus predecesores, se rodeó de un notable grupo de artistas entre los que destacaban Benvenuto Cellini y Giorgio Vasari. Y a este último le encargó la construcción de sus nuevas oficinas, construidas en buena parte a base de hierro y de cristal. La planta alta es de hecho, prácticamente, una cristalera continua.

Un edificio ultra-moderno que treinta años después de su construcción, tras la muerte de Cosimo, ya se había convertido en una galería artística para albergar la extensa colección de arte de los Médici, que para esa época ya habían comprado también, y llenado de arte, el enorme Palazzo Pitti.

Hoy la Galería degli Uffizi es un macro-museo donde se puede encontrar lo más granado del arte italiano, del duecento al Barroco. De sus muros cuelgan obras como El nacimiento de Venus o La primavera de Botticelli, la extraordinaria Anunciación de Leonardo, el Tondo Doni de Miguel Ángel, la Venus de Urbino de Tiziano y cientos de obras maestras de los más grandes artistas italianos. Es uno de los grandes templos del arte.

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Se admira mucho la belleza pintoresca de los pueblos de la Toscana, esos que, subidos a menudo en lo alto de una colina, llenan las postales y los tablones de Pinterest. Pero los hay que son bellos por dentro además de serlo por fuera y Sansepolcro es uno de ellos. Sus calles son un museo al aire libre, sus iglesias están llenas de arte, y en sus museos se conservan varias obras de uno de los mejores pintores del Renacimiento, Piero della Francesca, nacido en Sansepolcro.

Si esto no fuera suficiente, Sansepolcro está en la región de la Valtiberina Toscana, el Valle del Tíber, entre la Umbria, la Toscana y Las Marcas, y el suyo es un emplazamiento privilegiado. Tiene a su alcance ciudades, pueblos llenos de encanto y algunos de los enclaves naturales más notables de los Apeninos.

Sansepolcro, como su nombre indica, tiene además su propia mitología. Dice la leyenda que fue fundado en el año 934 por dos peregrinos que volvían de Jerusalén. Arcano y Egidio eran sus nombres, y traían con ellos varias reliquias sagradas para las que construyeron un templo que hoy es la Catedral. Que es precisamente una de las razones para visitarlo. Empecemos.

La Catedral, o Duomo

Técnicamente no es Catedral sino co-Catedral, pues por motivos administrativos el capoluogo o capital de la provincia es Arezzo. Pero poco importa.

Se trata de un edificio de fábrica románica, levantado en el siglo XI aunque luego reconstruido durante el Renacimiento. Tiene dentro un crucifijo de madera policromada del siglo XII, uno de los más antiguos conservados en Italia.

Y conserva también, en una de las capillas del antiguo palacio del obispo, la tumba del más notable hijo de Sansepolcro: Piero della Francesca.

El Museo Cívico y sus cuatro obras de Piero della Francesca

La ciudad está asociada a su hijo más famoso: Piero della Francesca, quizá el mejor pintor del Quattrocento italiano. Piero residió aquí la mayor parte de su vida y aquí pintó la mayor parte de sus obras, aunque la mayoría se encuentren dispersas por los grandes centros del arte, tanto italianos como europeos.

En el Museo Cívico de Sansepolcro quedan cuatro: el Políptico de la Misericordia, los frescos de San Julián y San Ludovico y el impresionante fresco de la Resurrección.

El Políptico de la Misericordia fue un encargo de la Hermandad del mismo nombre en 1445, y es la primera obra de la que se tiene noticia. Tardó casi quince años en terminarla.

El fondo dorado del retablo, una exigencia de los comitentes, recuerda el estilo Gótico, pero la contundencia de las figuras la aprendió de Masaccio. El colorido le viene de su maestro en Florencia, Domenico Veneziano, y la perspectiva, que consigue en el panel central con el manto de la Virgen, del gran Brunelleschi.

Si bien los de San Julián y San Ludovico son consideras obras menores en la producción de Piero, el de la Resurrección es uno de sus más importantes trabajos, Datado entre 1463 y 1465 y pintado para la Sala dell’Udienza de Sansepolcro, tiene una trabajada iconografía que mezcla el poder civil y el divino.

Hay que fijarse en los paisajes, que sirven para simbolizar la exuberancia de la vida, a la izquierda de Cristo, y la tristeza de la muerte, a su derecha. Si atendemos al lugar para el que fue realizada, estos paisajes se pueden entender como una alegoría del buen y el mal gobierno, al estilo de los célebres frescos de Lorenzetti en Siena.

Su factura es una prueba del manejo extraordinario de la perspectiva por este geómetra apasionado, que da una lección con la utilización de la luz para resaltar la poderosa figura de un Cristo que triunfa ante la muerte.

Aldous Huxley calificó el fresco de la Resurrección como “la pintura más grande del mundo”. Lo dejó escrito en su libro de viajes A lo largo del camino y curiosamente, en 1944, un lector suyo llamado Anthony Clarke se encontró al mando de un destacamento de las fuerzas aliadas que se abría paso en Sansepolcro. Era una tarea ardua, con los nazis atrincherados y decididos a utilizar cada ciudad y cada edificio como una fortaleza. Clarke recibió la orden de bombardear, de arrasar el pueblo, pero jugándose un consejo de guerra decidió no hacerlo. Luego se supo que los nazis ya se habían retirado y que un bombardeo no habría servido de nada.

El Museo Aboca

Después del atracón de arte en el Museo Cívico toca cambiar de aires, y visitar otro museo muy distinto. El Aboca está dedicado a las hierbas medicinales, lo que lo hace sumamente original.

Contiene una enorme colección de morteros, objetos de cerámica y de vidrio, herramientas de laboratorio y, por supuesto, todo tipo de hierbas utilizadas en la cocina y en la farmacia.

Contiene también una joya histórica: la Bibliotheca Antiqua, una colección extremadamente valiosa de libros antiguos dedicados a las plantas medicinales.

La Iglesia de San Lorenzo

Es un pueblo, Sansepolcro, de muchas iglesias, pero la de San Lorenzo es la más destacada. Y lo es sobre todo porque conserva una obra maestra del manierismo, un Descendimiento del pintor Rosso Fiorentino, datada de 1528. Es menos conocido que el de Volterra, pero igualmente magistral.

Además de esta joya, el propio edificio es un notable ejemplo de su época y conserva una elegante fachada del siglo XVI.

El Convento de Montecasale

A las afueras del pueblo, en un precioso emplazamiento desde el que se pueden disfrutar grandes vistas, está el convento que albergó hace ochocientos años a San Francisco de Asís.

En toda la zona es venerado el líder de los franciscanos, y aquí, donde vivió varios años, se puede visitar su habitación, donde vivió rodeado de naturaleza y de tranquilidad. Es un lugar sencillo, como mandaban los cánones de los franciscanos, pero lleno de encanto y espiritualidad.

El Palio della Ballestra

El segundo domingo de septiembre es el día grande de Sansepolcro. El Palio, tradición típicamente toscana, tiene aquí un toque particular, pues en lugar de consistir en una carrera de caballos, como en Siena, lo que se celebra es un concurso de tiro con ballesta que enfrenta a los ballesteros de Sansepolcro contra los vecinos de Gubbio.

Antes del concurso hay un espectacular desfile de banderas que parece un viaje en el tiempo a la Edad Media. Es un evento que los locales se toman muy en serio y lleva celebrándose ininterrumpidamente casi cuatrocientos años. Y aunque atrae a cada vez más visitantes, no es comparable en masificación al Palio de Siena. En suma: es muy recomendable visitarlo.

Las múltiples excursiones por la Toscana, la Umbria y Las Marcas

Si te gusta la naturaleza, muy cerca de Sansepolcro se encuentra la Reserva Natural del Alpe della Luna, una zona boscosa famosa por su casi total aislamiento. No la atraviesan carreras ni grandes caminos, solo pequeños caminos forestales para senderistas y ciclistas de montaña.

Por supuesto, si estás por la zona no te puedes perder el capoluogo, Arezzo, la ciudad que hizo famosa Roberto Benigni cuando estrenó La vida es bella. Como hace tiempo publicamos una guía detallada, no profundizamos más.

Y si has llegado a Sansepolcro buscando las huellas de Piero della Francesca, has de saber que hay mucho más por la Toscana, la Romagna, la Umbria y las Marcas, y que visitar Perugia, Arezzo, Florencia o Urbino es además una experiencia muy satisfactoria. Te remitimos a nuestra guía para hacer la ruta completa.

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Visitar Florencia es pasear por un museo al aire libre en el que te encuentras a cada paso con el Renacimiento, época gloriosa de la ciudad, que emerge entre sus evocadoras calles medievales. En ellas está la historia de una ciudad que durante la Edad Media y el Renacimiento (sobre el que te recomendamos aquí una lista de libros) fue un referente de la vida intelectual y artística europea.

En el siglo XXI Florencia es un hervidero de actividades culturales. En este año 2021 sus teatros y salas de conciertos comienzan a despertar lentamente del golpe de la pandemia, a la que muy pronto esperamos poder ofrecerte acceso desde este post. Y en lo referente a fiestas populares, (a estas alturas pendientes de la evolución de la pandemia) como muy recomendable es «Il Calcio» que se celebra el 24 de junio y en la que se conmemora el nacimiento del futbol que, según la historia de la ciudad del lirio, nació a orillas del Arno y de allí se exportó al Támesis. Disputas aparte, la fiesta es de lo más interesante.

Cuna del Renacimiento y del Humanismo, desde su caserío monumental los ecos de estas corrientes se extendieron por toda Italia y por Europa entera. Y llegaron desde España hasta el Nuevo Mundo. Pero es además una ciudad dinámica que sin perder “milagrosamente» su esencia, mantiene un pulso de actualidad envuelto, eso sí, en una belleza sin igual.

Un primer consejo para disfrutar Florencia antes de abrumarte con la enorme oferta de esta ciudad: piérdete por sus calles y déjate llevar por tu instinto.

Una leve mirada a la historia de la etapa más brillante de Florencia

Los protagonistas de uno de los momentos de mayor auge cultural fueron algunos de los mejores y más influyentes escritores de todos los tiempos: Dante, Petrarca y Bocaccio. El único florentino es en realidad Dante. Petrarca aunque hijo de florentinos nació en Arezzo y Bocaccio en Certaldo. En todo caso todos eran toscanos, todos residieron en algún momento de sus vidas en Florencia y se conocieron, y lo más importante escribieron en su dialecto toscano: el florentino.

Dado el alcance de sus obras, comenzaron a extender el dialecto toscano entre toda la clase culta de Italia. De manera que cuando la unidad italiana fue un hecho, los lingüistas y los escritores de la nueva nación, tuvieron una poderosa herramienta identitaria y unificadora: una lengua, el florentino, que para entonces tenía ya más de quinientos años de antigüedad y un prestigio indiscutible.

En 1865 Florencia fue durante seis años capital de Italia, y el florentino era la lengua culta que habían utilizado todos los escritores influyentes de Dante a Galileo.

Pero volviendo a la época final de la Edad Media, mientras las letras se inundaban de gloria, Giotto diseñaba en 1334 el famoso campanille del Duomo. Cimabaue había cubierto de teselas de oro el interior de la cúpula del Baptisterio, y los pinceles de Masaccio dejaron en la Capilla Brancacci de Santa Maria del Carmine, la “otra” Capilla Sixtina del Renacimiento.

La llegada al gobierno de los Médici, una influyente familia de banqueros, a partir de 1434 hicieron de Florencia su feudo y el afortunado objetivo de su mecenazgo. El primero de ellos, Cosme “el Viejo” fundó en 1459 La Academia Platónica de Florencia, donde se terminó de gestar toda la base ideológica del Renacimiento. De ella formaron parte entre otros Marsilio Ficino; traductor y difusor de las obras completas de Platón, Pico della Mirandola; filósofo y teólogo, o León Battista Alberti; el influyente arquitecto renacentista.

Después sus descendientes siguieron potenciando esta hegemonía cultural y Florencia se benefició de ello, y nosotros también. Hacia mitad del siglo XV, en Florencia trabajaron casi simultáneamente Donatello, Brunelleschi, y Boticelli. Como lo haría también Michelangelo, bajo el patronato de los Médici.

Desde Florencia las grandes innovaciones artísticas, los descubrimientos en técnicas artísticas, y las modas pasaron a Roma y de Roma se difundieron por toda Europa.

Del mecenazgo mediceo son las extraordinarias colecciones de arte que podemos disfrutar hoy en sus museos, como lo es lo más señero de la arquitectura que convierte esta ciudad, como decíamos antes, en un museo al aire libre, una ciudad bellísima a la que seguro querréis volver.

Consejos para que visitar Florencia sea una experiencia inolvidable

Esta ciudad es arte, que en sí mismo es un disfrute, pero además en ella fluye como en toda la península italiana, una especie de pacto con el destino que se centra en disfrutar de la vida, a pesar de la vida misma. Para que visitar Florencia sea una experiencia inolvidable, os dejamos una serie de consejos que os ayuden a planificar vuestra visita sabiendo de antemano qué podéis ver, cuáles son los mejores alojamientos de Florencia, su gastronomía, y alguna pista para ver algo más de lo que ve todo el mundo.

1. Alojarse en Florencia

Florencia es como decimos una ciudad pequeña, pero es tal la densidad de lo que ofrece y hay tal invasión de turistas, que como os aconsejábamos en el post de Venecia, merece la pena pasear por sus calles en horas de silencio. Subir al Mirador de Michelangelo (Piazzale de Michelangelo) por la orilla del Arno cuando el silencio sólo lo rompe el trino de los pájaros, y cruzar el famoso Ponte Vecchio con las tiendas aún cerradas disfrutando del amanecer sobre el Arno, son sensaciones que no se olvidan.

Para ello lo mejor es buscar un hotel en Florencia, lo que os permitirá disfrutar de la ciudad cuando los grandes grupos de turistas se marchan y así podréis encontraros con el pulso cotidiano de sus calles.

Aquí os dejamos algunas recomendaciones para todos los bolsillos:

EL Albergue plus Florence. Muy cerca de la estación de Santa María Novella. Tiene habitaciones individuales y compartidas. Por experiencia de nuestros clientes muy bien recomendado y a unos precios buenísimos.

El Alfieri9. Muy cerca de la Galeria de la Academia, este pequeño hotel tiene una estupenda relación calidad-precio y unas críticas inmejorables por parte de nuestros clientes.

El Astrid Hotel está situado muy cerca de la estación de Santa María Novella, a diez minutos a pie de la zona del Duomo y con unas críticas excelentes.

Para bolsillos pudientes:

Grand Amore Hotel and Spa Este céntrico y lujoso hotel está situado a trescientos metros del Duomo. Los clientes vuelven encantados y recomiendan encarecidamente su restaurante.

1865 Residenza d’Epoca. Puro lujo en el corazón de Florencia. Si el bolsillo os lo permite, este hotel es una pasada.

Al Palazzo del Marchese di Camugliano Residenza d’Epoca A poco más de 400 metros del Duomo, este palacio del siglo XVI es un auténtico lujo que recomendamos especialmente para viajes románticos.

El Palazzo Vecchietti – Residenza D’Epoca, otro auténtico lujo florentino situado en el corazón de la ciudad, os hospedaréis en un palacio renacentista del que todos los clientes hablan de una buenísima relación calidad-precio.

Museos y palacios imprescindibles para que visitar Florencia sea una inmersión en el arte

Si el interés del visitante es el arte y pretende ver todos los museos de Florencia, sus palacios y sus iglesias, que también son museos, necesitará tiempo, una planificación para no perderse al menos lo más significativo, y una indumentaria cómoda. Disfrutará muchísimo y aunque no lo podemos asegurar, si se organiza, no sufrirá el síndrome de Sthendal. A continuación dejamos algunos de los considerados imprescindibles.

2. La Galería de los Uffizzi

Es la pinacoteca más visitada de Italia. Su colección de arte es una de las más antiguas y famosas del mundo. La construcción del edificio la comenzó en 1560 Giorgio Vasari, por deseo de Cosme I de Médicis. Levantado con la idea de albergar las oficinas de las magistraturas florentinas, cuando el Palazzo Vecchio se les quedó pequeño, de donde deriva su nombre «Galería de los Oficios». Terminado en 1581 fue durante años el almacén de las piezas de arte de la magnífica colección de la familia Médici.

Son tantos los autores y tan importantes las obras que encontraréis en este museo que os servirá para entender la evolución de la pintura desde Giotto a Jacopo Bellini y Gentile da Fabriano pasando por Masacio, Paolo Uccello, o Fra Angelico, y Piero della Francesca, o Botticelli, estrella de la sala más famosa del museo, de quien analizamos su famosa Primavera en un post anterior, y donde se encuentran obras de los pintores flamencos Hugo van Der Goes y Rogier van Der Weyden.

Además Perugino, Correggio y Mantegna, Miguel Ángel, Rafael, Leonardo, Tiziano, Tintoretto, Alberto Durero, Rembrandt, Velázquez, El Greco, Goya, Jusepe de Ribera, Jan Brueghel el Viejo, Van Dyck, o Charles Le Brun, Bartolomeo Manfredi, Guido Reni, Caravaggio, y muchísimo más.

3. La Galería de la Academia

Otro museo imprescindible de Florencia, que guarda el original del famosísimo David de Miguel Ángel.

De Miguel Ángel se encuentran en la Academia el San Mateo y los “Esclavos” conocidos como “Los Prisioneros”, que fueron diseñados por Miguel Ángel para la tumba del Papa Julio II, erigida en la Basílica de San Pedro en Roma, donde al final no se utilizaron. Tras la muerte de Miguel Ángel, acabaron en la tumba del Duque de Toscana Cosme I, en la cueva de Buontalenti en los Jardines de Boboli, junto al Palazzo Pitti, donde permanecieron hasta 1909 cuando fueron trasladados a la Academia. El nombre de prisioneros evoca esa lucha de siglos que parecen estar librando con la piedra de la que no terminan de escapar.

Sólo estas obras merecen ya una visita pero hay muchas glorias más repartidas en sus once espléndidas salas.

Como en los Uffizzi os aconsejamos que os dejéis guiar por los expertos que además conocen todos los secretos y las historias de estas obras y de los artistas que las realizaron.

4. Museo del Bargello

Este histórico edificio alberga la que pasa por ser la colección de escultura renacentista más importante de Italia, que hasta 1865 en que fue trasladada aquí, se encontraba en los Uffizzi pues también es parte de la colección de los Médici.

Además de los diseños del Sacrificio de Isaac que Lorenzo Ghiberti y Filippo Brunelleschi, presentaron al concurso convocado para la construcción de la segunda puerta del Baptisterio en 1401, aquí hay obras como Baco con un sátiro, de Miguel Ángel, y su delicado Tondo Pitti, o el maravilloso David y el Tabernáculo de San Jorge de Donatello o el Baco de Jacopo Sansovino.

Este museo es menos visitado que los dos anteriores, lo que hace que su visita sea más relajada.

5. Museo dell’Opera del Duomo

En uno de los laterales del Duomo está este pequeño y maravilloso museo que tiene un atractivo extraordinario: apenas es conocido y por tanto está libre de aglomeraciones. En él os encontraréis con la María Magdalena de Donatello, y con la Pietá Bamdini que Miguel Ángel realizó para su tumba, os aseguramos que la experiencia merece la pena. La impresión que causa esta dramática obra y la cercanía con la que podréis verla es algo único. También están allí la espléndida Tribuna de los Cantores de Luca Della Robbia, y los cuatro paneles originales de la Puerta del baptisterio «Puerta del Paraíso» de Ghiberti.

6. Museo di San Marco.

Este museo cercano a la Galería de la Academia se encuentra en la parte monumental de un antiguo convento dominico, en el que vivió Fra Angelico. En él se exponen obras de Fra Angelico, Jacopo Vignali, Domenico Ghirlandaio, Fra Bartolomeo, Plautilla Nelli, Fra’ Paolino y otros. Aquí se encuentra el fresco de la Anunciación de Fra Angelico sobre la escalera que lleva a las celdas.

7. Arqueológico Nacional.

Espléndido museo con una interesantísima colección de arte egipcio y una colección de arte etrusco extraordinaria. Y no lo es menos la de arte griego, que tiene entre otras joyas la famosa crátera de figuras negras datada hacia 570 a. C. conocida como el Vaso François que está decorado con una serie de narraciones mitológicas griegas rodeando su volumen.

Hasta ahora nos hemos acercado a los museos florentinos cuya llamada es más fuerte que la de los edificios que los albergan. Ahora nos encontraremos con tres de sus más insignes palacios que guardan tras sus muros auténticos museos.

8. Palazzo Médici Riccardi

Frente a la iglesia de San Lorenzo se encuentra el palacio Médici en la Vía Cavour. Era la morada de Cosme de Médici “El Viejo”, fundador de la dinastía. Realizado por Michelozzo di Bartolomeo en el año 1444. Es una visita imprescindible que más allá de su espléndida fachada guarda en su interior un despliegue de clasicismo y lujo artístico. Es famosa la sala de los Magos, conocida como la Capilla de los Magos. Sus muros están cubiertos por un ciclo de frescos que realizó Benozzo Gozzoli, demostrando su maestría tanto en retrato, como en paisaje y en el mundo ecuestre.

Es junto al Vecchio y al Pitti uno de los más importantes palacios de Florencia. Visitable de martes a jueves de 9 de la mañana a 7 de la tarde, y no suele haber colas.

9. Palazzo Vecchio

El Palazzo Vecchio (en español Palacio Viejo) está en una esquina de la Piazza della Signoria y además del Ayuntamiento de Florencia guarda en su interior otro museo, el Museo dei Ragazzi en el que se exponen obras de Bronzino, Miguel Ángel y Giorgio Vasari, entre otros.

Llamado en origen Palazzo dei Priori o Palazzo Novo, se cambió el nombre por el de «Palazzo della Signoria», el organismo principal de la República florentina, en el siglo XV. Cuando Cosme I de Médici en 1540 lo utilizó como residencia, y pasó a ser el «Palacio Ducal”. Y en 1565, cambió el nombre por Palazzo Vecchio al haberse mudado Cosme I al Palazzo Pitti.

Comenzado en 1299 tiene en su fachada principal uno de los emblemas de la ciudad, la Torre de Arnolfo. y en su interior sobresale el Salón de los Quinientos, cuya decoración mural se encomendó a Leonardo da Vinci (La batalla de Anghiari) y a Miguel Ángel (La batalla de Cascina). Pero no se terminaron y sus muros fueron decorados con los frescos diseñados por Giorgio Vasari. También a Vasari se le debe la Sala de los mapas Geográficos de Cosme de Médici por encargo de Cosme I.

10. Palazzo Pitti

Unido por el Corredor de Vasari al Viejo palacio de la Piazza della Signoria, y ya en el otro lado del Arno, sus comienzos en 1458 se deben al banquero florentino Luca Pitti. Fueron sus descendientes quienes lo vendieron a Leonor Álvarez de Toledo y Osorio, esposa de Cosme I de Médici, que añoraba la lujosa corte de su padre, Pedro Álvarez de Toledo y Zúñiga, el Virrey de Nápoles.

Cosme I le encargó a Giorgio Vasari la ampliación del palacio para ofrecerle a su esposa todo el lujo que ella añoraba. El tamaño del edificio aumentó considerablemente y se construyó el pasadizo elevado desde la antigua residencia real, el Palazzo Vecchio, atravesando los Uffizi y el Ponte Vecchio, al Palazzo Pitti. (El Corredor de Vasari)

Construyeron los Jardines de Bóboli, en cuyo diseño original había un anfiteatro, en el que se representaban obras de teatro para la cultivada corte florentina.

Hoy es un impresionante conjunto museístico cuya visita puede llevar más de una mañana, de la que podéis descansar en los jardines del Bóboli y montaros un picnic. Para haceros una idea de lo que aguarda en su interior, os contaremos sólo que en la Galería Palatina donde permanece la colección privada de los Médici, hay obras de Rafael, Botticelli, Tiziano, Correggio, Caravaggio, Rubens, Artemisia Gentileschi y Pietro da Cortona, entre otros.

Además de la extraordinaria colección de la Galería de Arte Moderno: cuarenta cuartos que guardan la colección privada de María Estuardo, están Las Estancias privadas de los Médici, el Museo de la Plata conocido como «El Tesoro Médici”, un Museo de la Porcelana en el «Casino del Cavaliere» de los Jardines de Bóboli, la Galería de TrajesMuseo de Carruajes

11. Ospedale degli Innocenti

Aunque no es un palacio, este antiguo orfanato construido y dirigido por el rico y poderoso «Arte della Seta» o Gremio de la Seda de Florencia, es un brillante ejemplo de la arquitectura del primer Renacimiento, en cuyo diseño y construcción está implicado el nombre Filippo Brunelleschi. Siguiendo la ruta de Brunelleschi captaréis toda la magnitud de lo que significó este arquitecto para Florencia. Su interior, cómo no, guarda una interesante pinacoteca.

12. Museo del Palazzo Davanzati

En él encontraréis cómo era una casa de la época de los Médici.

13. Loggia dei Lanzi o della Signoria.

Como decíamos al principio esta ciudad es un museo al aire libre. Esta Loggia situada en la espléndida Piazza della Signoria nació en el siglo XIV como pórtico de las asambleas públicas populares y las ceremonias oficiales de la República florentina. Entre su exposición de escultura destaca la obra de Benvenuto Cellini, Perseo con la cabeza de Medusa.

Un descanso para disfrutar de otros placeres mundanos de Florencia en sus más históricas cafeterías

Entre tanto disfrute artístico se hace necesario reponer fuerzas y saborear otros placeres como el de los imprescindibles “gelattos” italianos que en cualquier establecimiento que entréis estarán de lujo. Además en cualquier plaza de esta ciudad hay motivos para detenerse y saborear un delicioso café italiano.

14. Si estáis pensando en subir al Campanille os sugerimos un capuchino en el famoso Caffe Scudieri, en la Piazza San Giovanni, y como tenéis que subir unos “cuantos” escalones deberíais acompañarlo de cualquiera de sus sabrosos pasteles. Imposible aconsejar, apetecen todos.

15. Detrás del Duomo está la Biblioteca delle Oblate. Si estáis cansados de tanto jaleo de turistas, este es vuestro sitio. En la segunda planta hay una cafetería de ambiente estudiantil con estupendas vistas a la cúpula de Brunelleschi. Los miércoles y jueves desde las 18:30 la cafetería organiza aperitivos. Una aconsejable costumbre italiana.

16. Si os encontrais por la Piazza de la Signoria os aconsejamos el famoso Caffe Rivoire, tan imprescindible como los Uffizzi. Aquí además del omnipresente café, el chocolate es el indiscutible protagonista y es parte de la historia de la ciudad desde el siglo XIX. Las tentaciones son tantas en este local que os aconsejamos que os dejéis llevar. Su terraza frente al Palazzo Vecchio es un espectáculo inolvidable al caer el sol.

Y si estáis en la Piazza della Reppublica, hoy Piazza Vittorio Emanuele II, tenéis varias opciones, casi obligaciones, relacionadas con el mundillo cultural de Florencia:

17. Está eL café Paszkowski (declarado Monumento Nacional) nació en 1846 como el Caffè Centrale.

18. El Caffé Le Giubbe Rosse, desde 1827 que le debe el nombre a los uniformes que llevaban sus camareros. En él desde principio del siglo XX, se reunían numerosos intelectuales de la época.

19. El Caffè Gilli, puro estilo Belle Époque, que desde principios del siglo XX fue un elegante café literario, frecuentado por artistas e intelectuales.

20. Una última recomendación en la zona: El Caffe Giacosa se encuentra en el claustro del Palacio Strozzi. A escasos metros después de atravesar el arco de triunfo de la Piazza de la República os llamará la atención el fastuoso Palazzo Strozzi. En su interior aguarda otra cafetería de tradición literaria. En su patio encontraréis un bello y elegante refugio para descansar del ajetreo turístico.

Iglesias de Florencia

En cuanto a las iglesias os aconsejamos que si andáis paseando sin rumbo fijo, entréis a cualquiera que os salga al paso porque ninguna os defraudará. Por ejemplo caminando hacia la Piazza della Signoria,en la Via dell’Arte della Lana, encontraréis la iglesia de Orsanmichele en cuyo exterior ya tenéis una exhibición de escultura impresionante. Y si os interesa el mundo judío, la Sinagoga di Firenze que guarda un Museo ebraico y está muy cerca de la plaza de la Santa Croce, os encantará. Pero como estamos aconsejando lo imprescindible os dejamos con las más impresionantes.

21. Il Duomo. Santa Maria del Fiore. Cuando llegas por primera vez a la plaza del Duomo, si accedes callejeando desde la estación ferroviaria de Santa María Novella, la sensación es inexplicable.

Sólo el exterior de este conjunto monumental (Duomo, Baptisterio y Campanile) es un derroche de belleza tal, que apabulla. Una vez dentro el derroche continúa, aunque la mayor atracción es la Cúpula de Brunelleschi. Para ver los frescos de Vasari y Zucaro es imprescindible subir los más de 400 escalones que llevan “al cielo”, además las vistas desde la linterna son espectaculares.

Aunque a nuestro juicio las vistas desde el Campanile de Giotto son mejores porque además de Florencia, se disfruta de una vista de la magnífica cúpula que es impagable. Entre las dos subidas hay unos 900 escalones, (tomadlo con calma, hay 24 horas para visitar todo el conjunto con el mismo billete). La entrada para subir a la cúpula es obligatoriamente con reserva y con ella tenéis acceso a la Cattedrale, la Cúpula, el Baptisterio, el Campanile, la Cripta, y el Museo dell’Opera del Duomo. Toda la información la tenéis en la misma web de las entradas.

22. San Miniato al Monte.

Esta joyita románica está a unos cinco minutos andando desde el mirador del Piazzale Michelangelo. Os recomendamos subir a primera hora paseando desde la orilla del Arno en el barrio de Oltrarno (Al otro lado del Arno). Las vistas de Florencia con la cúpula del Duomo “flotando” sobre la ciudad son inolvidables. Las puestas de sol son también espectaculares. Su pequeño y artístico cementerio mira eternamente a la bellísima Florencia.

23. Basílica de la Santa Cruz.

Si tuvieseis que elegir una iglesia entre todas las de Florencia, os aconsejamos ésta. Es la iglesia franciscana más grande del mundo. El interior impresiona por la sobriedad y claridad de su lenguaje arquitectónico, típico de los franciscanos, y su contenido en escultura y pintura es extraordinario. Es el panteón de Florencia, en ella hay más de 300 tumbas, entre las que destacan las de Galileo Galiei, Maquiavelo, Lorenzo Ghiberti o Miguel Ángel. Para que os hagáis una idea de la belleza que guarda, basta contaros que durante la visita de Stendhal en 1817, incapaz de soportar tanta hermosura, sufrió los síntomas del que se ha dado en llamar desde entonces “el Síndrome de Stendhal»

Su imponente arquitectura gótica, el despliegue de maravillosos frescos, los retablos, sus preciosos vitrales que datan de 1380, y las numerosas y extraordinarias esculturas, hacen de esta iglesia, una de las páginas más importantes de la historia del arte florentino desde el siglo XIII. Os aconsejamos encarecidamente que si vais por vuestra cuenta, hagáis el recorrido con la audiguía. Una de las mejores que hemos escuchado.

Para recuperaros de la profusión de obras maestras, en uno de los claustros os encontraréis con la serena Capilla Pazzi. Recinto funerario de esta familia, obra de Filippo Brunelleschi, de la que os hablamos en nuestra Ruta de Brunelleschi, a la que os hemos remitido ya en este post.

24. La Basílica de San Lorenzo.

Con un exterior poco llamativo por­que su fa­cha­da, que iba a di­se­ñar Mi­guel Ángel, quedó sin ter­mi­nar, tiene sin em­bar­go, un in­te­rior im­pre­sio­nan­te y re­vo­lu­cio­na­rio. De ella os hablamos en el citado post sobre Brunelleschi. Gestionada como un complejo monumental, la visita completa incluye además de la Basílica, el Museo delle Cappelle Medicee y la La Biblioteca Medicea Laurenziana. Toda la información y las entradas en esta web.

25. Santa María Novella.

En la plaza del mismo nombre y muy cerca de la estación de tren, que también lleva su nombre, esta basílica dominica construida en el siglo XIII guarda entre las firmas que intervinieron en su construcción la de León Baptista Alberti en la fachada. En el interior uno de los primeros intentos para dominar la perspectiva: «el fresco de La Trinidad» de Masaccio, además de unas bellísimas vidrieras en el altar mayor y en el rosetón de la entrada, de autores desconocidos, o la tumba del pintor Domenico Ghirlandaio en su intimísimo cementerio. Es un joya del Gótico italiano y también del Renacimiento.

También encontraréis allí la farmacia más antigua de Europa que lleva en activo casi 4 siglos. «La Farmacia de Santa María Novella”, con acceso también desde el nº 16 de Via della Scala.

Uno de los productos más antiguos fabricados en esta farmacia es la fragancia Acqua della Regina que al parecer fue preparada por los monjes para la reina de Francia Catalina de Médici, y se sigue fabricando con los mismos ingredientes. El inolvidable aroma que invade el precioso local es culpa de productos como el agua de lavanda, los jabones de oliva y los variados perfumes y aceites fabricados con sustancias naturales, (no os importe no comprar, están acostumbrados a ser una especie de visita turística más que un local de ventas, pero no os la perdáis)

Y en el Barrio de Oltrarno (al otro lado del Arno), otra imprescindible visita:

26. La Iglesia del Carmine.

Esta iglesia forma parte de un convento carmelita que sigue activo hoy día. Está en la plaza del mismo nombre y se mantiene erguida desde 1268. Esta iglesia guarda en su interior, sobreviviente de un tremendo incendio, la Capilla Brancci. Conocida por algunos como la «Capilla Sixtina del primer Renacimiento» por su magnífico ciclo de frescos, que se encuentran entre las más famosas e influyentes de la época y que fueron realizados por Masaccio, Masolino y Filippino Lippi.

Algunos consejos para que visitar Florencia sea una experiencia gastronómica

La cocina florentina está basada en la sencillez y la calidad de sus ingredientes. Entre sus platos más típicos destaca el «bistecca alla fiorentina”, la ribollita: una sopa de verduras, pan y judías, la pappa al pomodoro: sopa de pan y tomate, y la Tagliata con rucola: un tipo de ensalada con rúcula, romero, escamas de que parmesano, aceite y pimienta.

En los bares de vinos, allí enotecas, encontraréis buenísimos quesos y embutidos toscanos.

En cuanto a postres: los cantuccini: galletas de almendra, se sirven con un vino santo (vino dulce toscano) y se mojan en el vino, o si preferís con café, o cualquier dulce de las cafeterías recomendadas son un espléndido broche a una comida en Florencia.

27. La mejor comida rápida: los trippai. Los trippaio son puestos ambulantes en los que sirven “caninos con callos”. Dos rebanadas de pan que guardan dentro callos sazonados de diversas formas.

Los encontraréis con facilidad en cualquier esquina y saciaréis el hambre por algo más de tres euros.

28. Algunos locales muy recomendables.

Amici di Ponte Vecchio Da Stefano – Pizzas al taglio (al corte) y bocadillos variados. Excelente, tiene concedidas las tres BBB. Están en Oltrarno en Via de’Bardi, cerquita del Ponte Vecchio.

Y ya que estamos en Oltrano os sugerimos Il Ristoro, un local sencillo, imprescindible, económico, con dos salas y un mostrador en el que podéis comprar charcutería.

Il Pizzaiuolo (Via dei Macci 113) – Está siempre lleno de jóvenes florentinos (buena señal), encantados con su pizza napolitana de masa gruesa en horno de leña. Hay que reservar.

Gustapanino (Piazza Santo Spirito) la larga cola de florentinos y foráneos, que aguardan frente al pequeño local, calificado por muchos florentinos como la mejor enopaninoteca: (una moderna parada para tomar vino y un sándwich) de su ciudad. No hay asientos, por lo que las escaleras de la iglesia del Santo Espírito están siempre repletas de consumidores del Gustapanino.

En L’Osteria di Giovanni (Via del oro 22, en Santa María Novella) ofrecen una cocina absolutamente toscana y muy creativa.

La Trattoria Mariode la Via Rosina, junto al Mercado Central. Abarrotada de florentinos, a pesar de aparecer en todas las guías. Los lunes y los jueves se sirven callos, los viernes, pescado y los sábados, bistecca alla fiorentina. No se puede reservar y no aceptan tarjeta de crédito.

Si no conseguís comer en la Trattoria de Mario, a la vuelta está el maravilloso Mercado Central. Aquí además compraros sabrosos recuerdos a los mejores precios de Florencia, podréis comer en cualquiera de los múltiples puestos que preparan comida en el momento y catar vinos en la enoteca Gallo Nero.

O disfrutar de Tosca el restaurante del Mercado Central de Florencia, donde podréis comer cómodamente sentados disfrutando de una vista panorámica del interior del bullicioso mercado y eligiendo en el menú entre una gran selección de platos preparados al momento. ¡Ah y tienéis Wi-fi libre! La contraseña en el punto de información del mercado.

Qué comprar en Florencia que os evoque la ciudad en la lejanía

29. Después del auténtico disfrute del Mercado central (abierto de 10 de la mañana hasta la media noche) y ya que estamos en el barrio de San Lorenzo, os recomendamos que paseéis por sus animadísimas calles llenas de tiendas donde podéis encontrar a buenos precios uno de los artículos mas preciados de la ciudad: la marroquinería. Ojo hay muchas imitaciones que tendréis que valorar. Hay también muchos puestos de baratijas, camisetas máscaras venecianas y un sinfín de artículos.

30. La Scuola del Cuoio (Piazza di Santa Croce, 16), es un taller del cuero que se creó para proporcionar a los huérfanos un modo de ganarse la vida, pero hoy es toda una institución. Es un lugar de referencia en cuanto a la piel y el cuero, más caro pero razonablemente asequible.

31. Florencia es también famosa por sus manufacturas de papel. Entre las tiendas especializadas más populares están Signum (Lungarno Archibusieri, 14/r), Il Papiro (Via Cavour 49/r) y Giulio Giannini e Figlio (Piazza Pitti, 37) que cuenta con una larga tradición a sus espaldas y es todo un clásico de Florencia. Todas en las cercanías del Duomo.

32. Y la seda florentina. Si quieres conocer más sobre los artículos de seda en Florencia, un buen lugar que visitar es el Antico Setificio Fiorentino.

33. Y si el dinero no es vuestro problema sumergiros en la céntrica Via Tornabuoni. Una calle repleta de palacios que se ha convertido en un muestrario del lujo y la alta moda. En ella os encontraréis por ejemplo con Gucci y Ferragamo. Y en las cercanías del Ponte Vecchio repleto de joyerías, está la Via Por Santa María, Via Calimala y sus calles perpendiculares y paralelas encontraréis también tiendas exclusivas donde haceros un regalo inolvidable.

34. Un consejo imprescindible si os gusta la artesanía, perderos por el barrio de Oltrarno y callejeando sin rumbo os vais a encontrar con tiendas de artesanos de toda la vida. Tiendas de cerámica, velas, papelerías y productos gastronómicos locales, y bares y tratorías a las que no llegan muchos turistas. Si vais a visitar Florencia entre finales de abril y principios de mayo, estáis de enhorabuena, porque en esos días se celebra la la Feria Internacional de la Artesanía. Florencia se convierte en esos días en «La aldea global del arte, el misterio y la cultura». Muebles, objetos de decoración, cerámica, gastronomía, moda, productos de belleza. Un sin fin de posibilidades para disfrutar.

Teatros de Florencia

Acudir a un espectáculo de ópera o de teatro en Florencia es otra excelente opción.

35. La Musica es una parte importante en la historia de Florencia. Las primeras operas nacieron aquí al final del siglo XVI siguiendo las teorias y la experiencia de la Camerata de’ Bardi. Las posibilidades de asistir a algún concierto de ópera en este u otro espacio son múltiples a lo largo de todo el año.

36. En cuanto a los teatros, el de la Pérgola, Teatro alla Pergola, es el más antiguo de Europa y tiene durante todo el año una oferta de obras de teatro de alta calidad. Si os gusta el teatro os aconsejamos que os acerquéis, se puede visitar cuando no hay espectáculos.

Excursiones desde Florencia

Florencia es la capital de la Toscana y es un inmejorable lugar desde el que acercarse a lugares tan emblemáticos como Siena, Pisa, la zona del Chianti, Montalcino o cualquiera de los maravillosos Arezzo o Lucca, y la también cercana y bellísima Umbria, donde os espera la espectacular Perugia, la dulce Asissi que guarda auténticos tesoros en los muros de la Basílica de San Francisco, o la sorprendente joyita de Gubbio, donde llevan creando maravillas con el barro desde el año 1300.

Desde Florencia podéis acercaros a todos estos lugares por vuestra cuenta, bien alquilando un coche o utilizando la buenísima red de Trenitalia. Pero si preferís la comodidad de los servicios organizados os proponemos algunas excursiones muy recomendadas.

37. Cinque Terre, cinco pueblitos rodeados por colinas y viñedos que parecen suspendidos entre la tierra y el mar.

38. O la clásica y recomendable a Pisa, San Giminiano y Siena

39. O esta otra a Pisa, San Giminiano y Chianti con la particularidad de una degustación en una bodega de Chianti.

De momento y después de unos días en esta bellísima ciudad nos despedimos con un sentido ¡CIAO BELLA!

La entrada Cómo visitar Florencia en 2021: 39 experiencias para conocer su esencia se publicó primero en Ruta Cultural.

Como aficionados a los viajes, al arte y a la cultura, debemos considerar como una excelente noticia que Siena haya cambiado tan poco en los últimos ochocientos años. Porque, como tan bien ha dicho el escritor, y miembro de la Academia francesa, Dominique Fernández:"Siena es una de las raras municipalidades en el mundo que han llevado a lo largo de los siglos una política, consciente y obstinada, de belleza".

En el ondulado corazón de la Toscana nos espera una de las ciudades más bonitas de Italia. Una ciudad que, en los siglos finales de la Edad Media y en los inicios del Renacimiento, brilló con luz propia y llegó a rivalizar con la Florencia de los Medici. Quizá ese dato baste para evidenciar la magnificencia que llegó a alcanzar aquella ciudad de banqueros y papas, de aventureros y artistas.

Capítulo 1.Qué ver en Siena más allá de lo que todo el mundo ve

Siena es una ciudad pequeña, pero sus calles conservan numerosos palacios, museos e iglesias. ¿Se puede ver todo en un día? La respuesta es no. Se puede ver, en un día, lo principal. Es lo que casi todo el mundo hace. Pero se habrá visto una Siena volátil, una Siena de instagram. Si no hay más remedio –porque el tiempo apremia, o porque la visita es parte de un circuito– habrá que renunciar a los museos y a ciertas exquisiteces. Pero si es posible, nosotros recomendamos visitarla con calma e ir más allá de lo que visita todo el mundo.

Siena, como explicaremos más abajo, es además un punto perfecto desde donde salir a explorar las maravillas de la región. Está en el corazón de la Toscana, de esa Toscana de postal, casi lujuriosa, de colinas dibujadas y cipreses. Como si alguien lo hubiera hecho a propósito, los más bellos pueblos de la Toscana están situados a su alrededor. Las excursiones, desde Siena, son un disfrute.

Pero no nos adelantemos. Ya saldremos de sus calles. De momento hablemos de lo que hay en ellas:

1. El histórico Palazzo Publico, enclavado en la Piazza del Campo, esa en la que García Márquez vio materializada la armonía.
2. El Duomo, una de las maravillas del Gótico europeo, y su museo.
3. La Fortezza Medicea, hoy un parque agradabilísimo donde reflexionar con una copa de vino.
4. La Pinacoteca Nazionale, con sus abundantes tesoros de la Escuela de Siena.
5. La iglesia de San Domenico y la Casa de Santa Catalina de Siena, fascinante personaje más allá de su interés religioso.
6. El Palazzo Piccolomini y el curiosísimo Museo delle Tavolette

Lo que ve todo el mundo son los elementos 1 y 2, y a salto de mata. Nada más. Se pierden una barbaridad.

El esplendor del Palazzo Publico y la Piazza del Campo.

Los sieneses del siglo XIII estuvieron a la vanguardia de un proceso histórico que fue fundamental para el desarrollo del mundo moderno. Se trataba, nada menos, que de la reaparición de la ciudad. Y con ella, de la política (que viene de polis, ciudad).

Después de siglos de una Edad Media parva en grandes asentamientos humanos; cuando en Francia y Alemania la gente vivía en el campo y sólo se construían castillos y ermitas, reapareció, en el norte de Italia, la ciudad. Florencia, Venecia, Pisa, Lucca, Milán. Siena.

¿Las razones? Una fértil agricultura y, sobre todo, la expansión del comercio y el nacimiento de las finanzas modernas hicieron posible que cada vez más gente se concentrara en la ciudad. Con ellos volvió la vida urbana, con sus dulzuras y también sus problemas: la política. La lucha de las facciones por un poder cada vez más jugoso. El debate entre república y tiranía. Y las artes al servicio no ya –solo– de la iglesia, sino del poder civil.

De todo ello se puede reflexionar, quizá como en ninguna otra parte, en la Salla della Pace del Palazzo Pubblico de Siena. Allí se conserva un conjunto de frescos que fueron pintados por Pietro y Ambrogio Lorenzetti entre 1338 y 1340. Se les conoce por el nombre de Alegoría del Buen y el Mal Gobierno, y son una de las mayores joyas del entonces incipiente Renacimiento italiano. Recordaban a los gobernantes la importancia de su labor y que sus decisiones, por pequeñas que fueran, podían tener efectos benefactores o malévolos para la comunidad. Hoy quizá deberíamos colgar una reproducción de esta obra en cada diputación, en cada congreso, en cada ayuntamiento.

Pero además de esta joya histórico-artística de los hermanos Lorenzetti, el Palazzo (que sigue siendo Ayuntamiento de la ciudad) alberga mucho más. Hay una preciosa habitación llamada Sala del Mappamondo, donde los Lorenzetti pintaron, también al fresco, un gigantesco mapa del mundo conocido. Hay una preciosa Maestá, pintada en 1315 por uno de los grandes de la escuela sienesa, Simone Martini. Hay también una Vida de la Virgen de otro maestro, Taddeo Bartolo.

En el patio está la entrada a la impresionante Torre del Mangia, que corona la ciudad a noventa metros de altura. Quizá sea, junto a la Torre Grossa de San Gimignano, el lugar desde donde mejor se puede apreciar esa belleza mórbida, lírica, del paisaje toscano; sus valles verdes, sus colinas cruzadas por ordenadas líneas de cipreses que dibujan caminos y separan viñedos. Y también el fastuoso esplendor de la ciudad. Si París es la ciudad de la luz, Siena es la ciudad de la piedra. Tejados de terracota, piedra de color beige, piedra gris y, sobre todo, ese inconfundible ocre arcilloso. A los pintores les gustó tanto que terminaron bautizando un color en su honor.

Y la piazza, ese corazón de la ciudad que es un canto a la armonía. La sede del Palio, una de las carreras más famosas del mundo (más abajo damos un consejo si quieres verlo y no te gustan las aglomeraciones), el verdadero icono de Siena. Por la mañana y en las primeras horas de la tarde está atiborrada de turistas. Por la noche son los sieneses los que la ocupan. Pasean por allí ejecutivos vestidos de Armani, conductores de Vespas casco en mano, niños alborotando a la ingente población de palomas. Siena es uno de esos lugares con muchos turistas y pocas pernoctaciones. Ya decimos que merece mucho la pena quedarse a dormir.

La joya: el Duomo y el Museo dell’Opera del Duomo.

No hay forma de quedarse corto: el Duomo de Siena es un edificio deslumbrante. Su fachada principal reúne todos los rasgos ese colorido Gótico italiano tan particular, tan diferente del francés, del inglés y del español.

Pero, magnífico como es, lo que más impresiona es su interior.

Acostumbrado a la austeridad de las grandes iglesias florentinas, el viajero se lleva aquí una verdadera sorpresa. No hay austeridad de ningún tipo, sino todo lo contrario. En las paredes, en los pilares, en las bóvedas, en las capillas, en todos lados solo encuentra lujosa decoración. Una permanente sucesión de los dos colores de la ciudad, el blanco y el negro. Una abigarrada condensación de belleza, riqueza y lujo. Bóvedas de lapislázuli, vidrieras, como la maravilla que corona el altar mayor, conocida como «el occhio del Duomo», capiteles de oro, altares y mosaicos que asombran a quien pone los ojos en ellos.

Como no podía ser de otra manera, hay también, dispersos por toda la iglesia, un conjunto selecto de obras de arte. Obras de Donatello, de Pinturicchio, de Miguel Ángel o de Nicola Pisano, autor de un púlpito conmovedor y anonadante. En el Museo dell’Opera del Duomo se pueden ver de cerca algunas de las obras que originalmente colgaron de sus muros, como la Maestà de Duccio, su obra maestra, una de las cimas del arte del Medievo.

Cuando la hayas recorrido, cuando hayas visto que no es, precisamente, una iglesia pequeña, piensa en lo siguiente. A mediados del siglo XIV, Siena había alcanzado un nivel de riqueza y esplendor tan extraordinario, que sus gobernantes pusieron en marcha un plan para triplicar el tamaño de su catedral. Has leído bien: para triplicarlo. La idea era convertir el edificio ya construido –el que sigue en pie hoy en día– en el crucero de una iglesia nueva y gigantesca. Los planes estaban hechos, aprobados y presupuestados. Pero entonces llegó la Peste Negra de 1348. La ciudad quedó asolada y el proyecto se abandonó.

Dio tiempo, no obstante, a construir parte de la fachada del nuevo templo. Hoy sigue ahí, la llaman el facciatone. Se puede comprar una entrada completa para visitar el museo y subir a las alturas del facciatone, que tiene unas vistas impresionantes. Mejores, quizá, que las de la Torre del Mangia, porque desde el facciatone, además de todo, se ve la Torre del Mangia.

La Fortezza Medicea, el recuerdo de los vencedores.

Los más aficionados a la Historia tienen aquí una visita que les será sin duda gustosa. También los amantes del vino, de la música, de la tranquilidad…

La fortezza lleva el nombre de los Medici porque fue construida por estos, entre 1561 y 1563. No es hito, por lo tanto, del esplendor de la historia de Siena, sino de su decadencia. Ya debilitada, Siena había hecho lo posible por oponerse al dominio de sus vecinos florentinos y de una potencia emergente que amenazaba toda Italia: la España de Carlos V. Las fuerzas de Carlos habían tomado la ciudad en 1548 e iniciado la construcción de una ciudadela defensiva, que fue destruida muy pronto, cuando los sieneses retomaron el control de su ciudad.

Parecía atajada la pesadilla del control extranjero, pero llegó la paz de Cateau-Cambresis, y entonces Siena perdió el apoyo de su gran aliado, Francia. La ciudad pasó a manos de Florencia, aliada de España. Y los Medici erigieron la enorme Fortezza Medicea para evitar cualquier rebelión.

Siena nunca volvió a ser independiente, aunque la fortaleza se mantuvo militarizada hasta el siglo XVIII. Hoy es un parque público, sede de conciertos y festivales y exposiciones de arte. Hay allí una estupenda enoteca donde probar los excelentes vinos de la región.

La Pinacoteca Nazionale, un templo de la pintura.

Los amantes de la pintura no pueden dejar atrás el principal museo de la ciudad, pues allí se conserva lo mejor, lo más granado de la encantadora Escuela de Siena. La Madonna dei Fracescani y obras obras de Duccio, el Agostino Novello de Simone Martini, las Dos Vistas de Pietro Lorenzetti, la Adoración de los pastores de Pietro da Domenico. Un recorrido completo que abarca el período comprendido entre los siglos XIII y XVII.

Las pinturas sienesas son líricas, delicadas y simbólicas. La escuela de Siena, dicen los libros de historia del arte, se mantuvo más apegada a la influencia bizantina. Esos omnipresentes fondos dorados. En realidad, aquellos ávidos pintores bebieron de todas las fuentes que tuvieron a su alcance. En sus cuadros se puede ver el minucioso detallismo del Gótico Internacional, la contundencia compositiva de Bizancio, la incipiente búsqueda de realismo de sus vecinos florentinos. Y una sensibilidad poética que debe darla la tierra. En resumen, maravillas únicas, como esta.

Las huellas de Santa Catalina, en su casa natal y en la iglesia de Santo Domingo.

Como todas las ciudades, Siena tiene su patrona, que en sucaso no es una más. Catalina Benincasa nació en una familia numerosa (numerosa es poco: fue la hija número 23 del matrimonio de un tintorero y la hija de un poeta). Fue desde pequeña –y hay que entenderla– una niña rara, refugiada en sí misma y amante del silencio. Pocas salidas tenía en aquel mundo más allá del hábito, y a ese objetivo se consagró hasta que su padre desistió de casarla. Siendo aún muy joven, Catalina entró en la Orden Tercera de los Dominicos.

Si hacemos caso a las fuentes, Catalina debió ser una personalidad genial como pocas. Entre visiones y estigmas, y sin venir de una familia poderosa, tuvo tiempo de cartearse con los principales líderes de la Europa de su tiempo. Les intentó persuadir –difícil empeño– de los beneficios de la paz.

En una visita a Avignon como embajadora de la República de Florencia dicen que consiguió convencer al Papa, Urbano VI, de volver a Roma y poner punto final al Cisma de Occidente. Murió en Roma en 1380 y fue enterrada en Santa María sopra Minerva, aunque su cráneo se llevó a Siena y se conserva en la iglesia de Santo Domingo. Casi un siglo después fue canonizada por el también sienés Pio II (Enas Silvio Piccolomini, del que enseguida hablamos). Catalina es patrona de Siena, decíamos, pero es también co-patrona de Italia, co-patrona de Europa y Doctora de la Iglesia.

Junto a su casa natal se construyó un Santuario. Hoy se puede visitar la celda en la que dormía y, quizá, tramaba sus planes de paz. Donde intentó arreglar aquella –en palabras de Mújica Laínez– Europa frenética, huérfana de Dios.

El Palazzo Piccolomini y el Museo delle Tavolette.

El más imponente de los palacios de Siena lo construyó la familia del más exitoso de los sieneses del Renacimiento: los Piccolomini: Eneas Silvio Piccolomini, el papa Pío II. Uno de los mayores talentos del Renacimiento.

Nacido en una familia noble empobrecida, sus padres lo empeñaron todo para que prosperara de la única forma que podía alguien de su clase: estudiando. Eneas fue destacando por todas las facultades y se ganó la vida de múltiples maneras, entre ellas escribiendo relatos eróticos que se vendieron como autenticos best-sellers. Viajó, hizo contactos, se hizo un hueco en la Iglesia (la otra opción era la abogacía, que no le gustaba) y lideró una facción que abogaba por despojar de poder a los papas, en favor de los concilios.

En 1458 se convirtió él mismo en Papa. Nada podía ser sorprendente en la Italia del Renacimiento. Como pontífice Pío pidió que se olvidaran de todo lo que había hecho y dicho hasta entonces: "no deis más importancia al laico que al pontífice: rechazad a Eneas, acoged a Pío".

Su actividad como Papa fue febril, pero hablemos de su legado material. Eneas había nacido en Corsignano, un aldea desconocida en las cercanías de Siena. Como era poca cosa, decicidió rebautilzarla: Pienza, la tierra de Pío. Y la llenó de monumentos. Hoy es uno de los pueblos más espectaculares de la Toscana.

Con todo, vivir en Pienza no era práctico. Era mejor residir en la capital. Los sobrinos y herederos de Eneas, que nadaban en el lujo, levantaron un nuevo palacio, aún más grande que el de Pienza, en la propia Siena. Se lo encargaron a Bernardo Rossellino, uno de los arquitectos más en boga en Florencia, y este se fijó en lo mejor que se había construido por entonces, los palacios Medici Ricciardi y Ruccellai de Florencia, y el propio Palazzo Piccolomini de Pienza.

El palacio alberga hoy el Archivo Histórico de Siena y un museo de lo más curioso: el Museo delle Tavolette di Biccherna.

La Biccherna era el nombre de la magistratura encargada del control de las finanzas de la república, y tenía una bonita costumbre. Cada año, cuando cerraba las cuentas, encargaba a uno de los artistas de la ciudad que pintara en una tabla de madera (una tavoletta) la cubierta o portada del libro donde se habían hecho todas las anotaciones del año. Esas escenas eran a veces religiosas, a veces cívicas, a veces simbólicas, a veces se dejaban al deseo del pintor.

Por supuesto, estos libros son hoy en día auténticas maravillas. Por dentro, un tesoro documental para los historiadores. Por fuera, joyas de la pintura para el disfrute de todos.

Capítulo 2. Qué ver en las cercanías y dónde alojarse

Desde Siena, con un coche de alquiler, se puede alcanzar en poco tiempo casi toda la Toscana, una región rica en maravillas urbanas y paisajísticas. Está al alcance la región del Chianti, el precioso Val d’Orcia, abundantes pueblos y varias ciudades históricas repletas de monumentos. Damos unas ideas:

• Una excursión a la abadía benedictina de San Galgano, a unos 40 minutos. San Galgano es muy conocida por encontrarse en ruinas y carecer de techumbre.
• Una excursión a la preciosa ciudad de Arezzo, inicio de la Ruta de Piero della Francesca, ciudad monumental y bellísima de la que hace tiempo hablamos aquí en Ruta Cultural.
• Una visita a los más bellos pueblos de la Toscana. En concreto, desde Siena, se pueden visitar fácilmente San Gimignano, Volterra, Massa Marítima, Montalcino, Pienza, Montepulciano y Cortona. Todos estos pueblos son auténticas maravillas: no exageramos.
• Un día dedicado a conocer la paradisíaca región del Chianti, conociendo pueblos como Greve y aldeas como Montefioralle, visitando los viñedos, catando los vinos más conocidos de Italia.
• Un tour por los estupendos baños termales que salpican la región. En este artículo hay mucha información al respecto.
• Por supuesto, a tiro de piedra está también la inigualable ciudad de Florencia. Por si falta algo por ver…

En cuanto a los alojamientos, es mejor optar por uno que no esté en el mismísimo centro histórico, especialmente si se opta por el coche de alquiler para salir de Siena a excursionar. Dentro de la ciudad hay numerosas restricciones de tráfico, y obtener licencias de circulación y aparcamiento puede ser un engorro. Como la ciudad es pequeña, es fácil acercarse a pie a la zona del Duomo y Piazza del Campo desde las colinas circundantes.

Capítulo 3.Ocho consejos para ver Siena como es debido

Terminemos con unos apuntes prácticos –gastronómicos, temáticos, de todo tipo en realidad– para disfrutar más y mejor de la estancia en Siena.

§1. En toda Italia es muy socorrido recurrir a una pizza al taglio como comida o cena improvisada, o como merienda. En Siena también se recurre a ella como postre. En pizzería San Martino venden una modalidad de pizza con nutella para tal fin… En cualquier caso, el taglio sienés es muy apreciado. Son pizzas más crujientes y con menos masa que las romanas o las florentinas. Ideales cuando se va mal de tiempo o para reponer fuerzas a mitad del día.

§2. La Antica Osteriada Divo es la más famosa y con mejor reputación de la ciudad. Número uno en TripAdvisor por su excelente relación calidad-precio. Si quieres pagar un poco más, son muy recomendables la Osteria del Coro y La Chiacchera. La Grotta di Santa Caterina tiene el aspecto de una casa sienesa del Renacimiento, y su carta un menú tradicional y sencillo. Quizá sea el mejor sitio para probar el stracotto (hervido de buey con patatas y salsa de tomate) y los scaloppini de ternera. Tiene excelentes postres y vinos del Chianti. Para disfrutar de la pasta hecha al modo tradicional, lo mejor es la Trattoria La Torre.

§3. No debe uno irse de Siena sin probar sus dos postres más característicos: el panforte y los ricciarelli. Y el Nannini es el mejor sitio para probarlos

§5. Hablemos del Palio. Es la fiesta grande de Siena: carreras de caballos en plena Piazza del Campo. Color, tradición y ambiente. Es un verdadero espectáculo, pero, como todos los eventos que han alcanzado fama mundial (una de los últimas películas de James Bond empieza justamente en Siena, en pleno Palio) atrae cada vez a más turistas. Verlo en directo desde la plaza es casi misión imposible, pues desde primera hora está todo virulentamente ocupado. Y la carrera no dura más de dos minutos. Si te gustan el gentío y la vocinglería, lo disfrutarás. Si prefieres un turismo más tranquilo, no es lo más recomendable. ¡Pero quiero ver un Palio de cerca! No te preocupes. Lee el consejo número cinco.

§5. El Palio no es una costumbre únicamente sienesa. Se celebran carreras similares, a veces idénticas, en numerosos pueblos de la Toscana, de la Lombardía y del Piamonte. No tienen el marchamo de celebrarse en la Piazza del Campo, pero sí la emoción, el color y la historia. En Saracino, en Torrita di Siena, en Micci, en Balestra, en Pescia, en San Paolino, en Rioni di Castiglion Fiorentino o en Marinaro se celebran palios llenos de historia y con mucho –¡mucho!– menos público.

§6. Siena es ciudad de turistas pero, como ya hemos dicho, la mayoría no se quedan a dormir. Vienen de Florencia o de Roma, bajan del autobús, se hacen fotos en la Piazza del Campo, visitan el Duomo, comen y se van. A la hora del atardecer ya quedan poquísimos. En ese momento, acércate al Duomo, aunque ya lo hayas visto. Verás que, cuando el sol se pone y el ocre de la ciudad se tiñe de dorado, cuando dan los últimos rayos en las estatuas y los mosaicos y la fachada entera parece iluminarse en una infinita gama de naranjas, te alegrarás de haberte quedado. Es un espectáculo. Un premio.

§7. Esto es para tí, que lees hasta el final. Además del Duomo, la Piazza y la Pinacoteca, Siena otra joyita artística. Se trata del hospital de Santa Maria della Scala. Es uno de los hospitales más antiguos del mundo, y en su interior, que hoy es museo, hay salas deslumbrantes. Allí se conservan algunos de los frescos más hermosos que se pueden ver en la Toscana. Fueron obra, casi todos, de los pintores de la escuela sienesa. Dicen que en el exterior pintaron maravillas increíbles, pero tristemente se perdieron. Los del interior no. Se pueden ver aún, y muy pocos lo hacen.

§8. Una última cosa. El interior del Duomo tiene un pavimiento que es en sí mismo un obra de arte. Es tan delicado y valioso que, normalmente, está tapado. Los visitantes no pueden pisarlo ni apreciarlo. Sólo se abre una pequeña parte. Sin embargo, en algunos momentos del año, normalmente en verano y coincidiendo con las fechas del Palio, pero también en otros días, y a veces de improviso, los custodios del Duomo retiran todo el cubrimiento, y ese suelo histórico y prodigioso se aprecia en toda su extensión. En esas fechas el precio de la entrada se triplica (de 3 a 9€). Aunque duela, no dudes ni por un momento si merece la pena.

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En Italia, cuando se agotaron las las soluciones de la arquitectura románica, y se puso de moda el estilo Gótico, los arquitectos siguieron mirando de reojo a la Antigüedad clásica, que tenían tan a la mano.

Las formas góticas, que fueron un canto a la verticalidad en Francia y en Inglaterra, quedaron aquí muy suavizadas. Los arcos se apuntaron y se convirtieron en ojivales, pero solo ligeramente. Los grandes ventanales con vidrieras se introdujeron, pero solo puntualmente y con tamaños más reducidos. El clima italiano, más cálido, tampoco aconsejaba imitar los excesos de la Sainte Chapelle.

En Italia, además, hubo mucho más que iglesias. La mayor importancia de las ciudades, la precocidad del comercio y de la burguesía, permitieron que se erigieran grandes palacios y sedes para el poder político mucho antes que en Francia o en España.

Hemos dejado fuera ejemplos notables, como el Palazzo della Signoria de Florencia, o el Palazzo Comunale de Siena, o el Castel del Monte, una pequeña joya en el extremo Sur de Italia. También se han quedado fuera edificios religiosos como las basílicas de San Francisco de Asís y San Antonio de Padua. Lo que queda es todo de primer nivel. Ocho ejemplos sobresalientes de un estilo, el Gótico italiano, que hizo mucho por diferenciarse de sus contemporáneos europeos.

Santa María Novella, el lugar donde mejor se entiende el paso del Gótico al Renacimiento

La gran iglesia de los dominicos, situada hoy junto a la estación de tren, es una de las grandes maravillas de Florencia por varias razones.

Lo es por su fachada, obra de Leon Battista Alberti. Diseñada con principios renacentistas, conserva aún, en su parte inferior, algunos arcos apuntados.

Lo es también, y esto nos interesa más, por su fantástico interior. Ilustra de maravilla los rasgos habituales de la arquitectura cistercientese: es sencillo, austero y honesto. Una sucesión de dovelas bicolores recorren todo el espacio, dibujan su estructura interna, sus nervios y puntos de fuga.

Lo es, también, porque es un museo que ilustra, casi como ningún otro, el paso que dieron los italianos, en los siglos finales de la Edad Media, del Gótico al Renacimiento. Aquí está el Crucifijo de Giotto que empezó a romper con la rigidez y el hieratismo del arte bizantino. Aquí está el fresco de la Trinidad de Masaccio, uno de los primeros en incorporar de forma decidida las leyes de la perspectiva pictórica. Aquí está también la Capilla Tornabuoni, decorada finalmente, en el siglo XV, por Domenico Ghirlandaio, pero en la que intervinieron artistas de primer orden durante todo el siglo anterior.

Santa María Novella es una síntesis perfecta de un período artística y filosóficamente apasionante.

La Basílica de Santa Croce, un ejemplo canónico del Gótico italiano

El Gótico italiano tiene en Florencia una de sus más importantes capitales. La iglesia de Santa Croce fue construida por la orden de los franciscanos, en plena competencia con unos dominicos que poco antes habían erigido Santa María Novella. Tiene una fachada compuesta por el mismo esquema que las de Siena, Orvieto o el propio Duomo de Florencia, aunque algo más austera. Y tiene un interior realmente apabullante, sobrio y diáfano.

En sus abundantísimas capillas laterales están enterrados algunos de los más egregios personajes la historia florentina, como Maquiavelo, Galileo, Leonardo Bruni o Ugo Foscolo. Construida en forma de cruz egipcia –en forma de T–, la iglesia tiene su foco en su prodigioso altar mayor, que contrasta con la austeridad del resto del edificio.

Allí, un Cristo crucificado de rigidez bizantina preside una escena en la que se suceden, sin solución de continuidad, los frescos de fondo dorado y las vidrieras de colores. En el centro, un políptico presidido por la escena más típicamente italiana, la Madonna con el niño.

Curiosamente, en este misma iglesia, en el claustro al que se accede por una de las salidas laterales, se encuentra una de las grandes maravillas del Renacimiento italiano: la Capilla Pazzi de Filippo Brunelleschi.

El interior y el exterior de la Catedral de Siena, un edificio deslumbrante

Siena fue una ciudad tan próspera en los años finales de la Edad Media que llegó incluso a competir con Florencia, en términos comerciales y también a la hora de edificar grandes conjuntos monumentales. Para hacernos una idea baste una anécdota: a mediados del siglo XIV, la ciudad inició un proyecto de ampliación de su Catedral que planteaba ¡triplicar! su tamaño, dejando la parte edificada, la que sigue en pie hoy en día, como el crucero de un nuevo y gigantesco templo. Solo la Peste Negra de 1348 lo impidió.

El Duomo de Siena es un edificio deslumbrante. Por fuera reúne todos los rasgos del colorido Gótico italiano, que no puede ser más diferente al francés, al inglés o al español. Pero lo que más impresiona es su interior. Acostumbrado a la austeridad de las grandes iglesias florentinas, el viajero se lleva aquí una verdadera sorpresa. Continuamente atravesado por la sucesión de dos colores –el blanco y el negro que son símbolos de la ciudad–, el espacio interior del Duomo sienés es una abigarrada condensación de belleza, riqueza y lujo.

Cúpulas y capiteles de oro, bóvedas, altares y mosaicos dejan atónito a cualquiera que se acerque. Y, cuando conseguimos salir del asombro y echamos la vista al suelo, vemos obras de Donatello, de Pinturicchio, de Miguel Ángel o de Nicola Pisano, cuyo púlpito valdría por sí solo para colocar la Catedral en esta selecta lista de lo mejor del Gótico italiano.

La fachada refinada y cosmopolita de la Ca d’Oro, al pie del Gran Canal

La Más Serena República de Venecia vivió su Edad de Oro durante el siglo XVI. Construyó entonces algunos maravillosos edificios en estilo renacentista, pero fue un siglo antes cuando la ciudad situada sobre el mar puso las bases de su espectacular crecimiento, cuando sus más notables familias ganaron importancia y cuando éstas empezaron a construir formidables palacios.

El más sobresaliente fue sin duda el Palacio Ducal, del que hablaremos más abajo, pero a lo largo del Gran Canal emergieron entonces algunas de las más bellas muestras de arquitectura gótica que se pueden encontrar aún hoy en Italia. Y quizá la más hermosa sea el antiguo Palacio de Santa Sofía, más conocido como Casa de Oro o, simplemente, Ca’ d’Oro.

La Ca’ d’Oro fue, hasta la invasión napoleónica, el hogar de los Contarini, grandes comerciantes y financieros del ejército veneciano. Presenta una logia que emerge directamente desde el agua y un par de pisos cuya más notable rasgo son sus hermosos y ricamente ornamentados balcones. Tienen un aire a la vez gótico, clásico, bizantino e islámico, es decir, veneciano: sincrético y cosmopolita, como corresponde a un imperio comercial, siempre refinado y elegante.

La maravillosa fachada y el interior de la Catedral de Orvieto

Orvieto es un municipio de poco más de veinte mil habitantes, uno de esos pueblos relativamente pequeños que asombran al visitante con monumentos desproporcionados a su actual tamaño e importancia.

La clave está en que hace medio milenio la ciudad albergaba más almas, no menos, como es habitual. Treinta mil, para ser exactos. Más que Roma en aquella época. Y como no podía ser de otra manera, la ciudad, en aquellos tiempos aliada de Florencia y gran potencia militar, se adornó con iglesias y palacios para presumir de su importancia.

La Catedral de Orvieto presenta, a la manera típica del gótico italiano, una fachada dividida en tres partes. Cada una de las cuales cuenta con un pórtico monumental rodeado de arquivoltas y coronada por un gran y alargado gablete. En la parte superior, culmina el edificio un fantástico rosetón que fue obra de Andrea Orcagna.

Aunque en este caso es menor la presencia del mármol de colores, omnipresente en Siena y Florencia, la presencia de los mosaicos en los gabletes y en los rectángulos que los enmarcan añaden ese característico colorido propio del Gótico italiano. Lo más asimilable al Gótico europeo son las esculturas en hornacinas que rodean al rosetón, y la verticalidad apuntada por los esbeltos pináculos que, como llamas flameantes alimentadas por el dorado de los mosaicos, apuntan hacia el cielo.

La Catedral de Santa María de las Flores, mucho más que su gigantesca cúpula

Es famosa, sobre todo, por la gran cúpula diseñada por Brunelleschi. Pero su fachada no se queda atrás. Siguiendo el esquema tripartito que hemos visto también en Siena y en Orvieto, la fachada de la catedral de Florencia es, en cierto modo, la más parecida a las grandes fachadas del Gótico francés que podemos encontrar en la Toscana. Aunque poderosamente tamizada con la creatividad y la variedad cromática que los arquitectos italianos nunca abandonaron.

Tiene tres pórticos monumentales coronados por gabletes sobre los cuales se abren tres idénticos rosetones. Sobre ellos, un friso de extremo a extremo con figuras de los doce evangelistas. El recurso de los ventanas ciegas y las figuras geométricas sirve para rellenar espacios vacíos. Y en al zona más alta nada de pináculos, sino pequeños torreones, rodeados por esas ménsulas típicamente florentinas que le dan a la iglesia cierto aire de fortaleza.

En el interior, sobriedad y geometría y la gran cúpula de Brunelleschi, decorada por Vasari. Una joya completada por el Campanile de Giotto y un Baptisterio que es una de las grandes joyas del Románico italiano. Un compendio de estilos. Lo mejor de lo mejor de varios siglos de historia del arte.

El Palacio Ducal de Venecia, la lujosa sede del poder de la Serenissima

Si el Ca’ d’Oro, a la que hacíamos referencia más arriba, representa el esplendor de la burguesía mercantil veneciana, el Palacio Ducal, situado en la Piazza de San Marco, es la sede del poder ejercido por ese mismo grupo social. La Serenissima fue una construcción política enormemente estable: las mismas familias se repartían el pastel y se sucedían en el cargo de Dux. El Palazzo Ducale, el Palazzo del Dux, no fue más que la lujosa, refinada, ostentosa y ritualizada residencia del jefe del Estado más rico de su tiempo.

Se construyó en 1340, aunque fue un siglo después cuando adquirió el aspecto que tiene en nuestros días. La planta baja es un sucesión de arcos ojivales que sustentan con aparente gracilidad el piso superior. En el interior se encuentran habitaciones deslumbrantes, como la Sala del Maggior Consiglio o las estancias privadas del Dux. Nunca dejó de ampliarse y embellecerse, por lo que alberga numerosas maravillas, entre las que destacan varios de los más destacados lienzos de Tintoretto.

El Duomo de Milán, la más francesa de las catedrales italianas

Comenzada en 1386, tiene su punto más alto en la Madonnina, símbolo de la ciudad. Es una de las iglesias cristianas más grandes del mundo, y es una rareza en Italia porque su Gótico radiante no es nada habitual en el país transalpino. Las dobles naves laterales, por ejemplo, son influencia del Gótico francés. Lombardía siempre tuvo estrechas relaciones con Francia, y fueron precisamente dos arquitectos franceses, Nicolas de Bonaventure y Jean Mignot, quienes influyeron en su planta y estructura cuando la construcción estaba en sus comienzos. Cien años más tarde, durante el mandato de Ludovico Sforza, el Duomo recibió un impulso renacentista más en la línea de la arquitectura italiana.

En el siglo XVI intervinieron en su obra Giovanni Antonio Amadeo y Pellegrino Tibaldi, y en el siglo XVIII Filippo Juvarra, y Luigi Vanvitelli. Napoleón Bonaparte, entusiasmado con Milán, llegó a ofrecer del erario francés lo que hiciera falta para acabar el Duomo. No fue posible hasta 1965, fecha oficial de su terminación, aunque aún queden algunos bloques de mármol esperando convertirse en estatuas.

Por el contenido artístico de su interior, por las vistas de Milán que se disfrutan desde sus azoteas visitables, donde se puede pasear entre una multitud de pináculos magistrales, la visita a la Catedral, como la del Castillo Sforzesco, es una gozada, muy recomendable para quienes visiten la preciosa capital lombarda.

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La Primavera de Botticelli es uno de los grandes iconos del Renacimiento italiano. Está en la Galleria degli Uffizi, el mejor de los museos de Florencia, donde comparte sala con El Nacimiento de Venus, cuadro complementario pero no hermano, cuadro, también, de comprensión más sencilla.

Dijo C.S. Lewis que lo primero que exige toda obra de arte es una entrega, que “nos instalamos ante un cuadro para que éste nos haga algo, no para hacer nosotros algo con él”. Para ello, conviene saber qué es lo que tenemos delante, qué lenguaje se hablaba en su época, incluso en aquellos casos, como éste que nos ocupa, en que el misterio se esconde en su propia forma expresiva.

Botticelli pintó una obra extremadamente sofisticada, destinada al disfrute de los sentidos pero, sobre todo, al goce intelectual. Su destinatario era Lorenzo di Pierfrancesco de Medici, primo de Lorenzo el Magnífico. En su concepción participaron las grandes mentes de de Angelo Poliziano y Marsilio Ficino, los neoplatónicos de Florencia.

La Primavera no es, por lo tanto, un cuadro sencillo. Las escenas que representa son ambiguas y difíciles de interpretar. Su público objetivo era humanista, culto, iniciado en los misterios de las religiones antiguas pero conocedor también de las complejidades de la teología cristiana. Quienes lo iban a apreciar eran amantes de la filosofía, la poesía y la música. Estaban convencidos de vivir en una época de florecimiento comparable a la de la Antigüedad grecorromana, y con ella se medían

La Primavera, es sin embargo un cuadro que cualquiera puede disfrutar. De hecho,la mayoría de los visitantes de los Uffizi lo citan entre sus favoritos. Es un cuadro bonito. Sus cualidades narrativas se prestan a la interpretación y a la fantasía. Pero etiquetarlo con la simpleza de “una alegoría de la primavera” es quedarse a medias. Y describirlo como “una representación del neoplatonismo de la época”, siendo correcto, dice poco de su contenido y su mensaje.

Lo que queremos es disfrutar del cuadro desde su entendimiento. Saber cuál es cada escena y qué quiere decir su autor, pues creemos que siempre disfruta más aquél que sabe lo que está viendo. Así que recurrimos a los expertos. En concreto, a Edgar Wind, en cuya obra Los misterios paganos del Renacimiento se encuentra el análisis más preclaro y completo de La Primavera de Botticelli. Quien disfrute artículo sin ninguna duda amará este libro, que recomendamos encarecidamente como manual para adentrarse en el maravilloso mundo del arte y el pensamiento renacentistas.

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Cómo mirar La Primavera de Botticelli

Botticelli organizó la escena de tal modo que la primera pista se nos revela como evidente: el cuadro ha de mirarse de derecha a izquierda. Esto no significa que tenga un principio y un final, como veremos más delante, sino que, para entender su mensaje, debemos seguir ese orden.

Las pistas son claras: vemos un bosque cerrado y oscuro presidido por una figura central, Venus. Tras algunos árboles y por encima de sus copas vemos luz; es decir, este jardín o bosque no es un universo cerrado; hay mundo más allá. Lo tupido de los troncos sólo se rompe en un extremo del cuadro: aquél por el que irrumpe enérgico la figura azul que enseguida identificaremos como Céfiro, el viento que anuncia la llegada de la primavera.

Todos los personajes se inclinan hacia el otro extremo: Flora, el personaje más cercano al espectador, camina hacia la izquierda. En lo alto, Cupido aparece y apunta su flecha en esa misma dirección. Venus misma parece decirnos: continuad por aquí. Del grupo de las Tres Gracias, triangular, encerrado en sí mismo, escapamos por la mirada de una de ellas, que se dirige hacia la izquierda. Y en ese extremo del cuadro aparece una última figura que también se dirige hacia ese lado.

Parece obvio, pues, que el pintor diseñó una narración que sigue este orden. El sentido narrativo de los cuadros era muy común en el Renacimiento. Los cuadros cuentan historias, y a veces cuentan historias complejas, con varios capítulos.

El grupo Céfiro, Cloris y Flora

El primer grupo de figuras es por tanto el de Céfiro, Cloris y Flora. Son tres, o mejor, dos más uno, pues los dos primeros están representado una metamorfosis ovidiana. Lo explicamos enseguida.

Ovidio fue uno de los poetas más destacados del mundo clásico. Vivió en época de Augusto (que lo terminó deportando por irreverente) y escribió una obra que ha pasado a la historia como el mejor resumen de la antigua mitología grecorromana. Se llama Metamorfosis, y reúne centenares de estos cambios, con los cuales va contando toda la historia de los dioses y los héroes griegos y romanos. En el Renacimiento, y especialmente en el círculo de los humanistas florentinos, había auténtica devoción por Ovidio.

En La Primavera vemos a Céfiro, el viento del Oeste, irrumpir súbitamente en la escena en persecución de Cloris, una muchacha desnuda que huye pero que, en último momento, a él se vuelve. Ambos entran en contacto y del aliento de Cloris surgen flores. Ha nacido Flora, el tercer personaje.

Error común: identificar a Flora con Primavera. Flora anuncia la llegada de la primavera con su vestido lleno de flores. Ha nacido de la pasión de Céfiro por Cloris. Ovidio lo narra en otra de sus obras, los Fastos. Céfiro, tras tomar por la fuerza a Cloris, arrepentido, la transforma en Flora y le regala un hermoso jardín, donde reinará eternamente la primavera.

Gozo de una primavera eterna… / mi esposo cubrió de flores este jardín y me dijo: / Tú, diosa, ostenta la soberanía de las flores

El grupo de las Tres Gracias

La zona izquierda del cuadro tiene como protagonista una representación sofisticada, refinadísima –y hasta podríamos decir pedante– de las Tres Gracias.

Hijas de Zeus y nietas de Océano, las Gracias son las diosas de la alegría, del hechizo y de la belleza. Aparecen en escenarios que tienen que ver con el placer, como los banquetes y los espectáculos de danza. Son jóvenes y bellas, pero también sabias y elocuentes. En la mitología romana, que es la que inspira la representación de Botticelli, se llaman Castitas, Pulchritudo y Voluptas, y simbolizan a la Virgen, la Esposa y la Amante.

En La Primavera, la figura central es Castitas. A ella se dirige el flechazo de Cupido. Castitas no lleva adorno alguno. Sus cabellos van recogidos y su rostro es pensativo y melancólico. Un aspecto muy distinto muestra su hermana Voluptas, que aparece a su izquierda. Su pasión decidida se refleja en el animado movimiento de sus pliegues y en sus ondulantes cabellos sueltos. La tercera, situada a la derecha, es Pulchritudo, la más serena y orgullosa, la que dirige el grupo y anima la danza.

La presencia de Las Gracias se explicará bien al final, pero está relacionada con los temas principales del cuadro: el placer, el amor y el aprendizaje. Las manos de Voluptas y Pulchritudo, las dos hermanas más expertas, se juntan dibujando una corona sobre la cabeza de Castitas, que está siendo iniciada en la danza. Si sus dos hermanas simbolizan dos arquetipos opuestos (recordemos: la esposa y la amante), Botticelli pone algo de cada uno en una Castitas indecisa: su hombro izquierdo se nos muestra desnudo, en el lado de Voluptas; a su derecha está su pelo recogido y su mano bien sujeta por la serena Pulchritudo.

La misma lucha parecen librar los dioses del amor. Cupido lanza su flecha con pasión, pero una moderada Venus parece atemperar el efecto, y mantiene la danza, como dice Edgar Wind, "dentro de los límites de un melodioso comedimiento".

No hay duda de a dónde se dirige la mirada de Castitas. Hacia ese misterioso joven que, en el extremo izquierdo del cuadro, parece ajeno a lo que sucede a sus espaldas.

La figura aislada de Mercurio

Este joven es Mercurio, el Hermes de los griegos, y su papel es crucial para cerrar la narrativa y entender el mensaje de La Primavera.

El papel más conocido de Mercurio es el de mensajero de los dioses, pero sus funciones y poderes iban mucho más lejos. Mercurio es el psicopompos, el "guía de las almas", que conduce al Más Allá. Mercurio es el más astuto y el más veloz de los dioses. Mercurio es el que, con su vara, como dice Virgilio, "conduce los vientos y traspasa las nubes tempestuosas". Ahora miremos atentamente al cuadro y veremos que Mercurio hace esto exactamente, traspasar unas nubes. Miremos de nuevo al otro extremo del cuadro y recordemos qué personaje irrumpe con fuerza por aquella zona.

Mercurio era también el guía de las Gracias, y aunque aquí aparezca la espalda del grupo, éstas le siguen a través de Castitas. Para los humanistas, por último, Mercurio era el dios ingenioso e indagador, el revelador del conocimiento secreto o, por decirlo con precisión, del conocimiento "hermético", al que presta su nombre.

Para Marsilio Ficino, cuya filosofía impregna y educa el cuadro de Botticelli, Mercurio "hace que la mente regrese a las cosas celestiales mediante la fuerza de la razón". He aquí el asunto del cuadro. Mercurio, con su vara, está despejando unas nubes y simbolizando la fuerza iluminadora de la contemplación intelectual.

El lenguaje de los misterios y el significado de La Primavera

En el neoplatonismo de estos leídos, cultísimos, sofisticados y encantadores pedantes del círculo de Ficino, la Verdad nunca debía mostrarse a plena luz, pues su luz cegadora haría inútil la empresa. Todo esto, por supuesto, bebe directamente de Platón y de sus diálogos. "Velos enigmáticos y encubrimiento poético debe ocultar las cosas divinas", dirá otro neoplatónico empedernido como Pico della Mirandola. Así, el Mercurio de Botticelli es el interpres secretorum, el que abre un hilo de luz para contemplar las verdades sin que esa luz divina ciegue al contemplador.

Mercurio, el dios indagador que juguetea con las nubes en un extremo del cuadro, envía por el otro a Céfiro impetuoso, que reinicia el círculo con la fuerza de la pasión.

Detengámonos un momento a leer a Marsilio Ficino y lo entenderemos todo de un plumazo:

"… esta belleza divina ha engendrado en todas las cosas el amor, es decir, el deseo de ella misma. Ya que si Dios rapta para sí el mundo y el mundo es raptado por Él, hay un continuo atraerse entre Dios y el mundo; que comienza en Dios y pasa al mundo, y finalmente en Dios termina, y que, como un círculo, de allí de donde partió allí retorna. Así que un solo y mismo círculo de Dios al mundo y del mundo a Dios es designado con tres nombres. En cuanto comienza en Dios y atrae hacia sí, belleza; en cuanto, pasando al mundo, lo rapta, amor; en cuanto que retorna al autor y une a él su propia belleza, placer. Por tanto, el amor comienza en la belleza y termina en el placer. Y esto lo entendieron Jeroteo y Dionisio Areopagita en aquel himno excelente en el que los teólogos cantaron así: El amor es un círculo bueno que gira eternamente de bien a bien."

Razón y Pasión. Placer y Belleza. El Amor Profano y el Amor Divino. Los neoplatónicos no entendían una cosa sin la otra y esa es la razón de las divinidades del amor, Venus y Cupido, cuiden de este jardín de la eterna primavera. Y de que todo comience y termine en Mercurio, el dios indagador que dirige esta hermosa y cíclica procesión de los placeres. "El amor es un círculo bueno que gira eternamente de bien a bien". Y que se reinicia cada primavera. Disfrutemos.

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La Adoración de los Pastores, una escena omnipresente como testimonio artístico de la Fiesta más global del mundo, La Navidad. Es la ventana de la cabecera que nos acerca a Bartolomé Esteban Murillo en esta obra de 1655, puro naturalismo barroco sevillano. Murillo ilumina a María y a su hijo, y hace llegar la luz al simbólico cordero que acompaña a los pastores, influencia del Agnus Dei de Zurbarán. La misma luz se fija sutilmente en la vieja con la cesta de huevos, que recuerda a aquella otra que freía huevos salida de los pinceles de su paisano Velázquez. La obra refleja las palabras de los evangelistas Lucas y Mateo sobre el nacimiento de Jesús, y busca, como era habitual, detalles como la mula y el buey en los evangelios apócrifos.

La solemne Misa de medianoche, que se celebra en la noche del 24 al 25 de diciembre, popularmente conocida como Misa del Gallo, abre para la Iglesia católica el llamado tiempo de Navidad, que se celebró por primera vez en el año 379 en la ciudad de Constantinopla.

En estas fiestas perviven muchas costumbres de las fiestas saturnales: fiestas romanas en honor a Saturno (dios de la agricultura), en las que se celebraban banquetes, intercambios de regalos, cánticos y bailes (eran una Navidad y un Carnaval juntos), y que tantos dolores de cabeza le dieron a la Iglesia católica en su intento de alejarlas de la religiosidad de la Navidad cristiana.

Influidos por las ideas estéticas de cada momento histórico, por las costumbres sociales de cada región, por su personalidad, y las exigencias de los comitentes, artistas de todas las épocas han reflejado en su obra de una u otra forma La Navidad.

Desde aquí nos asomamos a diez obras de temática navideña y os emplazamos a una próxima ventana desde la que veremos las distintas miradas del arte a tres personajes que hemos dejado deliberadamente fuera de esta lista, esperando su turno para acercarnos más a su llegada en enero: Los Reyes Magos.

La Anunciación de Van der Weyden

Roger van der Weyden, miembro de esa lista de extraordinarios maestros «Primitivos flamencos», dejó en esta tabla central del conocido como Tríptico de La Anunciación, el encuentro con la Virgen de un ángel vestido de manera suntuosa, con dalmática de brocado, llena de joyas y perlas. Lujo que nos recuerda a las vestiduras de los ángeles cantores y músicos del Tríptico de Gante. que unos diez años antes (1432) había realizado Jan van Eyck.

Pero es al famoso retrato de Van Eyck el «Matrimonio Arnolfini», la obra que respira en esta preciosa Anunciación. Van der Weyden sitúa la escena en un lujoso interior envuelto con telas rojas y lámparas de cobre tallado, como aquel cuarto famoso dondo los esposos se casaban.

El cristal símbolo de pureza, es el material del jarrón con agua que hay sobre un rincón de la chimenea, reflejando la luz que entra por la ventana de la que sólo vemos uno de los postigos de madera, junto a María.

En el suelo un jarrón con lirios blancos, insiste en la pureza de la Virgen cuyo sencillo vestido contrasta con el lujo de las ropas del ángel. Ha sido sorprendida por éste mientras leía, suponemos un libro piadoso, porque lo hacía arrodillada, y quizá sea este libro el símbolo de la difusión de la fé cristiana a través de la Madre de Dios.

La Anunciación de Fra Angelico

Unos años antes de la Anunciación de Van der Weyden, el italiano Guido di Piero, conocido como Fra Angelico, pintaba para el convento de Santo Domingo de Fiésole, esta Anunciación considerada hoy como su primera obra maestra, y la primera versión que sobre este tema realizó Fra Angelico.

Su iconografía enfrenta el pecado original (expulsión de Adán y Eva del Paraiso) con la llegada del Hijo de Dios, para redimir a la Humanidad.

La minuciosidad de los detalles en el jardin del Paraiso, influencia en el dominico del gótico internacional de Gentile da Fabriano, junto a su acercamiento a Masaccio en su búsqueda de profundidad espacial al representar la escena en un interior, cuya estructura sigue la recomendación de Filippo Brunelleschi para los retablos de San Lorenzo, que de­bían ser cuadrados y sin adornos, nos habla claramente de sus influencias.

El Retablo llegó en 1861 al Museo del Prado desde las Descalzas Reales de Madrid. Aunque se desconoce cómo llegó al convento madrileño, se sabe que el duque de Lerma donó este regalo que le hizo Mario de Farnesio, para la iglesia del convento de los dominicos de Valladolid en el siglo XVII.

La Madonna del Parto. Piero della Francesca

Esta obra maestra del Renacimiento italiano es un fresco salido de las manos de Piero della Francesca. Un monumento a las madres en la figura de una Virgen a punto de dar a luz.

Toda la verdad de la obra de Piero la podemos encontrar en esta Virgen del Parto. El fresco realizado en un muro de la iglesia de Santa María a Momentana en Monterchi, es un homenaje a la madre del pintor, nacida en este pequeño pueblo toscano, muy cerca de Sansepolcro.

Esta obra que anuncia la Navidad, está envuelta en una historia «milagrosa». En 1785 un terremoto destruyó por completo la iglesia, quedando en pie e intacto únicamente el muro en el que aparece esta Virgen, lo que convirtió el lugar en un centro de peregrinación de mujeres embazaradas. Y de nuevo en 1910, se volvió a librar de otro destructivo temblor de tierra, porque lo habían cambiado de sitio tras restaurarlo.

Se salvó también de otro tipo de temblores, ya que siendo un misterio su iconografía, que no está nada en la línea de los dictados del Concilio de Trento, estuvo en el punto de mira de la Inquisición.

Es la única pintura de ese siglo que representa a la Virgen en estado de buena esperanza.

La Natividad de Giotto di Bondone

Retrocedemos más de un siglo para ver esta Natividad que pintara Giotto, figura imprescindible del Trecento italiano, hacia 1305 en los muros de la Capilla Scrovegni de Padua.

La solemne intimidad de esta madre que mira plácida al pequeño después del parto, envuelto en vendas como era costumbre en aquellos tiempos, es de una delicadeza extraordinaria.

La escena está coronada por unos ángeles que celebran con éxtasis el nacimiento de Dios, mientras unos pastores cuyos rostros no vemos los contemplan y San José descansa al calor de los animales.

Esta preciosa capilla, contiene un extraordinario ciclo de frescos sobre la vida de la Virgen y Jesús. La podéis ver desde este enlace, es un hito importantísimo en la historia de la pintura. Aquí Giotto experimentó abriendo el camino del arte pictórico hacia la perspectiva renacentista.

Adoracion de los Pastores. Hugo van der Goes.

Es la tabla central del extraordinario Tríptico Portinari, la obra más famosa del autor, y la estrella de la colección de pintura flamenca que posee la Galería de los Uffizi.

Pintado en Brujas por encargo de Tommaso Portinari y enviado a Florencia, su influencia en los pintores italianos fue extraordinaria. Este tríptico abrió una ventana hacia el arte flamenco para los pintores toscanos. Boticelli, Filippino Lippi, Domenico Ghirlandaio, o Leonardo da Vinci, se dejaron imbuir por la novedosa belleza del único cuadro documentado del pintor flamenco.

La tabla presenta como figura central a una dulcísima Virgen María, vestida de forma mucho más sencilla que los ángeles arrodillados ante el Niño, cubiertos por capas llenas de brocados. Ya vimos esta distinción de las ropas en la Anunciación de Van der Weyden, una de sus claras influencias.

Jesús desnudo en el suelo, rodeado por su Madre y un buen número ángeles, todos ellos idealizados al modo flamenco, mientras que a los pastores y a San José los presenta con rostros más realistas. Al fondo, tras la arquitectura con reminiscencias góticas, aparece el paisaje flamenco, que se amplía en las tablas laterales dedicadas a los comitentes.

Natividad Mística de Sandro Boticcelli.

Lejos de cualquier interpretación iconográfica tradicional, la Natividad Mística de Botticelli está llena de misterios, y como cualquier misterio ha generado ríos de tinta.

El lienzo se ha intentado explicar relacionándolo con las circunstancias históricas de la ciudad de Florencia, con la muerte de Lorenzo de Médici el Magnífico en 1492, la invasión de los franceses en 1494, y un cambio de siglo, que tantas superticiones genera. La obra está datada en 1501, y las predicaciones en contra del poder y de la corrupción del papado de Roma, entonces en manos de los Borgia, por parte del monje Savonarola que fue ajusticiado en Florencia acusado de herejía en 1498, teñían la Florencia de Botticelli de razonables dudas sobre la corrupción y el pecado.

Esta interpretación de la Natividad, más que una celebración parece una advertencia, un mal augurio quizá inspirado por los sermones de Savonarola, de quien dicen que anduvo cerca Botticelli. Basada según reza en la inscripción latina de cabecera del cuatro en el Apocalipsis:

«Este cuadro de finales del año 1500, durante las turbulencias de Italia, yo, Alessandro, lo pinté en el tiempo medio después del tiempo, según el XI de San Juan en el segundo dolor del Apocalipsis, en la liberación de los tres años y medio del Diablo; después será encadenado en el XII y lo veremos [precipitado] como en el presente cuadro»

Pintada para uso privado, suyo o de alguien cercano, alejada formalmente de la idealización del Renacimiento, el autor utiliza rasgos del gótico para contar la escena del la Natividad. Las proporciones de la Virgen y el Niño son desmesuradas, y las actitudes de los múltiples ángeles que bailan o levitan sobre el portal, o alrededor del mismo. Los demonios grises escondidos en los caminos esperando su oportunidad, han sido analizadas en multitud de ocasiones.

Es Botticelli, un autor considerado por algunos historiadores como un visionario, que indudablemente siempre hace pensar.

La Adoración de los Pastores. Corregio.

Conocida como «La noche» por su ambientación nocturna, que tiene un precedente en Arezzo. Unos ochenta años antes en el ábside de la iglesia de San Francisco, Piero della Francesca dejaba el nocturno «Sueño de Constantino» de la Leyenda de la cruz.

Sugerente juego de luces el que consigue aquí Correggio en una composición que abre la puerta del barroco y que se deja influir por los grandes renacentistas.

El Niño como foco de luz, inspirado en Tiziano, que le sirve para crear un juego de contrastes entre luces y sombras que enfatizan la dulce belleza de la Virgen y la ternura de los pastores, expresiones propias de Correggio. Mientras los cielos transparenes nos llevan a Rafael o a Leonardo, y el pastor del primer plano bebe directamente de Miguel Ángel.

Pero Antonio da Corregio se aleja del Renacimiento al desplazar la escena a la derecha, rompiendo así la simetría. Las posturas están realizadas con unos escorzos muy acentuados y presenta un rompimiento de gloria propio ya del Manierismo.

Y aún otra evidencia que nos acerca al barroco, el movimiento de esta composición que genera las diagonales cruzadas habituales en Caravaggio o Rubens.

La Natividad de Geroges La Tour

¿Estamos ante una pintura de género, o ante la escena de La Natividad? Difícil saberlo.

Conocido también como el Recién Nacido, este lienzo que forma parte de la colección del Museo de Bellas Artes de Rennes (Francia), es una de las obras más conocidas del pintor barroco más famoso de Francia.

La Tour representaba las escenas religiosas como pintura de género. Si es una Natividad, representa el nacimiento de Jesús con la Virgen María, el Niño Jesús y Santa Ana.

La enigmática escena que transmite paz y silencio, presenta un niño envuelto a la usanza medieval, en una composición sencilla: dos mujeres, una de frente y otra de perfil, y en brazos de la primera un recién nacido.

La luz rojiza que ilumina los rostros, deja en penumbra el resto de la escena. Sólo la cabeza del Niño y el pecho de Santa Ana, están iluminados por el color blanco de la luz de la vela que cubre con su mano la madre de la Virgen.

La Adoración de los Pastores. Caravaggio.

Expuesta en el Oratorio de San Lorenzo de la siciliana ciudad de Palermo hasta su robo por la Cosa Nostra en 1969, esta Natividad de Caravaggio tiene un enorme halo de tristeza.

San Lorenzo y San Francisco están presentes de manera simbólica junto a los pastores y a la Virgen, que con expresión de tristeza mira a un Niño rollizo y sonriente. La escena está inundada de un silencio melancólico tras el que se adivina el anticipo de la madre y los santos al dolor del sacrificio que le espera a ese precioso y pobre niño que los mira desde el suelo.

El único elemento de celebración es el ángel que desciende creando un movimiento en diagonal con el joven pastor que nos da la espalda. Para ambos seguramente fueron modelos chiquillos de la calle, costumbre tan habitual del maestro del barroco.

Este ángel tan «humano» lleva en una mano una filacteria que anuncia la «Gloria en las alturas», mientras que con la otra mano señala al cielo, indicando el origen divino del niño.

Desde la Navidad del 2015 una reproducción digitalizada ocupa el lugar del original. La copia digital es obra del laboratorio madrileño Factum Arte a partir de unas fotografías de la última restauración realizada en 1951.

Hace cuarenta y seis años que desapareció este cuadro, incluido entre los diez robos de arte más importantes de la historia, situándose en el puesto tercero.

Un integrante de la mafia aseguró durante un proceso judicial que el lienzo no se ha destruido, y que se expone durante las reuniones de «Cosa Nostra» como «símbolo de su poder».

Tondo Doni. Miguel Ángel.

Los ciento veinte centímetros de diámetro de este tondo, que mantiene el marco original diseñado por Miguel Ángel, son una obra maestra, otra, del grandísimo Buonarroti. La tenéis en la Sala 35 de la Galería de los Uffizi en Florencia.

El bellísimo colorido lo consiguió con una técnica mixta que emplea la témpera y el óleo. Con un procedimiento conocido como cangianti.

La composición, adaptada al formato circular con escorzos propios del Manierismo, presenta una Familia físicamente poderosa que más que pinturas, parecen esculturas en color.

En cuanto a la iconografía que continúa en el marco dorado con sibilas, profetas, sátiros y la cabeza de Cristo, se interpreta como la representación de las tres edades del mundo. Los «ignudi» (ángeles sin alas desnudos) al fondo tras el muro que los separa de la Sagrada Familia, son la civilización pagana, San Juanito y San José, la era mosaica (antiguo pueblo de Israel), y la Virgen y el Niño la era de la Redención, siendo San Juanito el elemento de unión entre las tres edades.

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