El mural de la última cena es un milagro artístico que se acerca a la perfección. Es único en su género y nada puede compararse con él

La frase es de Goethe, que además de gran escritor fue pintor aficionado y honesto crítico de arte. Milán, dijo, no le entusiasmaba. Su Catedral, icono hoy del Gótico italiano, le parecía "una monstruosidad", "una montaña de mármol de formas lamentables". Pero amaba profundamente un rincón de la ciudad de los Sforza y ese no era otro que el mural de Leonardo en Santa Maria delle Grazie. A pesar de que su estado, que él mismo calificó de "cadáver", era ya en aquel tiempo lamentable.

La Última Cena de Leonardo ha cautivado a muchos, y especialmente a muchos artistas y pintores. Pero también ha lenvatado muchos interrogantes. ¿Qué hace que la Última Cena un cuadro tan alabado por los más expertos? ¿Por qué está en tan mal estado, cuando otras obras de esta misma época o incluso anteriores se conservan a la perfección? ¿Qué hay de cierto en esas fabulaciones que sitúan en el cuadro a María Magdalena y lo relacionan con un cristianismo alternativo o hereje, o con los evangelios apócrifos?

¿La obra maestra de Leonardo Da Vinci?

El arte occidental ha representado la última cena repetidas veces y en todas las épocas, pero Leonardo escogió conscientemente no pintarla como siempre. Da Vinci escogió el momento preciso después de que Jesús transmitiera a sus discípulos que uno de ellos lo traicionaría.

Es el momento perfecto para jugar con las figuras, para agruparlas, para crear narraciones y convertir una escena estática en un enjambre de movimientos, historias y símbolos.

Quizá el principal instrumento del que se vale el pintor sean las manos de los personajes. Es fascinante observar las líneas que trazan, los puntos a los que se dirigen, la cercanía y la naturalidad que aportan a los personajes. Goethe dijo que sólo un italiano podía pintar un cuadro como éste. En Italia ya entonces se hablaba así, con las manos, verdadera extensión de la palabra y del sentimiento.

Pero la composición guarda muchos más secretos. Como en La Primavera de Botticelli y en muchos otros cuadros de la época, las figuras se entienden bien si las agrupamos de tres en tres. Al lado derecho de Cristo están Juan, Judas y Pedro:

Pedro, el más alejado, se lanza, por su fuerte carácter, cuando ha percibido la palabra del Señor, deprisa por detrás de Judas, quien mirando asustado hacia arriba, se inclina hacia adelante sobre la mesa con la mano derecha fuertemente cerrada sujetando la bolsa, pero haciendo instintivamente con la izquierda un movimiento convulsivo como si quisiera decir: ¿Qué quiere decir esto? ¿Qué va a pasar? Entretanto, Pedro ha cogido con su mano izquierda el hombro de Juan, que está inclinado contra él, y señala hacia Cristo a la vez que anima al discípulo amado a que pregunte quién es el traidor. Puñal en la diestra, se lo pone a Judas instintiva y casualmente en las costillas, razón que explica su asustado movimiento hacia adelante, en el que incluso derriba un salero. Este grupo, quizá el más completo, fue pensado el primero.

Goethe, en Viajes por Italia.

La misma fuerza tiene la reacción de los personajes del lado izquierdo. Santiago se echa hacia atrás y hace gestos de gran dramatismo e incredulidad. Tomás se dirige hacia Cristo con el índice levantado, mientras Felipe, casi puesto en pie, parece decir: "Señor, yo no soy". Leonardo maduró el cuadro durante años y el resultado es una composición rica, llena de micro-escenas y micro-narrativas, como cuadros dentro de cuadros.

En el centro está Jesús, cuyo rostro de Cristo plantea siempre el reto de plasmar una figura a la vez divina y humana. Más aún en este cuadro de Leonardo, pues el momento impone que la figura se muestre apenada por la situación, aunque su condición obligue a representarlo con solemnidad y grandeza. Hay en la Biblioteca Ambrosiana un dibujo que cumple todos los requisitos para ser considerado un boceto preparatorio. El cabello, la postura, la indiscutible traza de Leonardo así lo sugieren. Es una maravilla y contemplarlo aumenta la admiración por Leonardo.

¿Por qué está La Última Cena tan mal conservada?

Leonardo fue un genio que no paró de experimentar. Y como es natural, aunque muchas veces acertó y abrió nuevos caminos, otras se dio de bruces con el fracaso. La Última Cena, obra maestra de la composición, fue un desastre desde el punto de vista técnico.

Insatisfecho con la tradicional técnica del fresco, que se realizaba sobre una base de cal y agua y exigía al pintor rapidez, pues al secarse fijaba el pigmento al muro, Leonardo se inventó una nueva. Aplicó óleo directamente sobre yeso seco, lo que le permitía retocar infinitamente. Comentan Vasari y también algunos contemporáneos que Leonardo acudía cada día al convento de las Grazie pero que su actividad variaba enormemente. Unos días pintaba enloquecido. Otros se pasaba horas contemplando y daba solo dos o tres pinceladas. Una rutina que habría sido imposible en un fresco al uso y que tuvo consecuencias desastrosas.

A los pocos años de terminar la obra ésta comenzó a deteriorarse. La gran humedad del refectorio terminó escamando partes de la pintura, el pigmento no había quedado bien fijado al muro y se fue perdiendo.

Pero la técnica leonardiana no fue el único problema. El rápido deterioro requirió el servicio de dudosos restauradores. Belloti en 1726, Gorgi unos años más tarde o Mazza en 1770 hicieron auténticas chapuzas con el ya desfavorecido mural de Leonardo. Afortunadamente Giuseppe Bossi, a principios del siglo XIX, pudo llevar a cabo una copia fiel, para la cual pudo disponer de un amplio material documental entre el que se encontraban numerosos dibujos preparatorios del propio Leonardo. Se lo encargó el virrey Eugène de Beauharnais, pues ya entonces el estado de la Última Cena era tan malo que se temía seriamente su total desaparición.

A finales del siglo XX se llevó a cabo una restauración minuciosa, detallada y profunda que tampoco estuvo exenta de polémica. Muchos criticaron su decisión de ocultar las partes irrecuperables del fresco. Otros aplaudieron que por fin se pueda admirar la obra en un estado lo más parecido al original.

Porque si el tiempo y las malas restauraciones fueron un problema, la obra también estaba mal ubicada. Muy cerca de las cocinas del monasterio, estuvo por siglos expuesta a los humos y las grasas, y tan poco la cuidaron los monjes que llegaron a abrir una puerta debajo del fresco que destrozó los pies de Jesús y de varios apóstoles.

Y por si fuera poco, en 1943 los aliados bombardearon Milán y una bomba cayó directamente sobre Santa Maria delle Grazie. La iglesia quedó casi completamente destrozada, pero el fresco se salvó. Y no por parte de magia. Ante el más que posible bombardeo, muchos se ocuparon de reforzar y proteger esta parte de la iglesia. Héroes anónimos del patrimonio. Sin ellos hoy no tendríamos Última Cena, ni bien ni mal conservada.

El milagro, como puede verse, es que aún podamos contemplar la Última Cena en su emplazamiento original. Que además es una experiencia muy diferente a contemplar una reproducción, pues Leonardo tuvo muy en cuenta el espacio del refectorio y la altura a la que habría de pintar.

¿Qué hay de cierto en El Código da Vinci?

Hace algunos años se disparó el interés por el cuadro de Leonardo gracias a la publicación de una famosísima novela, El Código Da Vinci, de Dan Brown.

Su trama fantástica incluye la existencia de una línea directa e ininterrumpida de herederos de Cristo, que se habría casado con María Magdalena, además de una serie de sociedades secretas empeñadas en perseguirse y luchar por mantener el secreto. El centro de toda la trama es precisamente La Última Cena, en el que Brown sitúa, justo a la izquierda de Cristo, a la que sería su mujer, María Magdalena.

El único apoyo para semejante identificación es la larga melena de dicho personaje y la suavidad y blancura de su piel. Poca cosa para una invención que sin embargo permite crear una trama de misterio y echar más leña sobre una iglesia acusada de machista y conservadora. Como si hicieran falta invenciones.

En realidad, a la izquierda de Jesús el que aparece es Juan, el más joven de los apóstoles, y para Leonardo era común representar al tipo de "hombre joven" de esta guisa, con rasgos exageradamente "delicados" y refinados, casi andróginos. Se puede ver en numerosos cuadros de Da Vinci pero también de otros autores de la época, y responde más a un "tipo", a un icono fácilmente reconocido por el ojo contemporáneo, que a una oscura conspiración secular cuyos secretos, si uno lo piensa fríamente, habría sido mucho más fácil transmitir por otros medios.

[amazon_link asins=’8495618605′ template=’AnuncioProducto’ store=’rutacult-21′ marketplace=’ES’ link_id=’b193642d-ca24-11e8-b860-99410097fce7′]

Por supuesto, lo malo no es El Código Da Vinci, una novela de nula calidad literaria pero muy entretenida, sino la credulidad que lleva a algunos a tomársela en serio.

La entrada Una breve guía para mirar y entender La Última Cena de Leonardo se publicó primero en Ruta Cultural.

El Castillo Sforzesco se parece mucho a Milán. Se parece a Milán en que, a pesar de sus innegables atractivos, muchos piensan que no es para tanto. Que no deja de ser un edificio militar, como tantos otros.

Algunos ni siquiera entran. Se van sin saber que, tan valioso como sus imponentes muros, sus grandes torreones o su icónica torre de Filarete es su interior. Sus patios renacentistas. Las joyas que conservan sus museos.

Es curioso, pero un vistazo a las opiniones de sitios como TripAdvisor revela que lo más valorado es que la entrada sea gratuita y que el castillo sea grande y esté rodeado de parques. Los pocos que mencionan los museos se quejan de que haya que pagar para verlos y de que no sean, en el fondo, gran cosa.

Es consecuencia del turismo de highlights, y de las prisas. De querer ver iconos, más que obras de arte. Es un gran error.

El Castillo Sforzesco no es sólo uno de los grandes símbolos de la ciudad, su gran fortaleza o la residencia de sus gobernantes más notables. Es también una pieza de arquitectura sobresaliente y un contenedor de arte de primer nivel. Dentro están las firmas de Bramante, Miguel Ángel, Mantegna, Bellini, Filippo Lippi, Canaletto y Leonardo da Vinci, entre otros. Las autoridades milanesas llevan décadas cuidándolo y adquiriendo fondos. Es una lástima irse de Milán sin verlo por pensar que es "sólo un castillo".

El Castillo Sforzesco no es solo un castillo

Un edificio que tiene siete siglos de historia y se conserva prácticamente intacto, ¿puede ser sólo un castillo? Por supuesto que no.

Cuando, en 1368, lo construyó Galeazzo II Visconti sí era básicamente eso, un castillo. Pero ya sus sucesores, Gian Galeazzo y Filippo María Visconti lo engrandecieron, y éste último lo convirtió en un espléndido palacio ducal, como los que en ese mismo siglo se construirán en Venecia, en Urbino o en tantos otros lugares.

El siglo XV en Italia fue sin embargo un período tumultuoso, que dio lugar al Renacimiento pero también a infinitas guerras. En Milán, la muerte del último de los Visconti inició un breve y caótico período republicano en el que el gran castillo y palacio ducal fue casi demolido en 1447. Entonces llegaron los Sforza.

Francesco Sforza, antiguo condottiero de los Visconti, se casó con Bianca María Visconti y los propios ciudadanos de Milán le ofrecieron el gobierno. Entre él y su hijo Ludovico "Il Moro" convirtieron la capital lombarda en una de las grandes cortes humanistas, a la que acudieron Bramante, Leonardo y Miguel Ángel, y remodelaron el viejo castillo hasta dejarlo con el aspecto que tiene hoy en día.

De ahí su nombre, claro.

Con el tiempo Milán fue cambiado de manos y el castillo de dueños, hasta que en épocas modernas se convirtió en lo que es hoy, un lugar abierto, sede de preciosas celebraciones como los Estate del Castello (fiestas veraniegas de música y danza), y un museo. O más, un conjunto de museos.

Se exponen en el castillo piezas de arte antiguo, tapices, muebles y algunas de las mejores obras del Renacimiento. Merece mucho la pena visitarlos todos, pero antes conviene contemplar el exterior. El Castillo Sforzesco también es un castillo, y menudo castillo.

Un castillo enorme, imponente y formidable

Antes de deleitarse con los patios y los museos, conviene saber algo del castillo propiamente dicho.

Primero, una observación evidente: las cuatro torres que esquinan el edificio no son iguales. Los torreones del Santo Spirito y del Carmine, más antiguos, corresponden a la época de Francesco Sforza. Su forma circular les granjeó gran fama y terminaron inspirando los once torreones de acceso al templo más moderno de Milán, el Giuseppe Meazza, San Siro.

La Torre Castellana (donde se guardaba el tesoro) y la Falconiera son posteriores, de tiempos de Ludovico Il Moro. Su planta cuadrada se adecuaba mejor a las exigencias militares de la época. Curiosamente, terminó inspirando otro elemento moderno de Milán, la Torre Velasca, un edificio de oficinas.

Pero la más icónica es una que no hace esquina, la Torre de Filarete, así llamada por el arquitecto que la diseñó. Restaurada casi por completo, pero de forma exquisita y respetuosa con el original, en el siglo XX, se ha convertido en el símbolo de Milán. Es el elegante recuerdo de una época y un lugar en la que incluso los edificios militares se cuidaba el valor de la estética. Tenemos mucho que aprender.

Una curiosidad: los omnipresentes agujeros no tienen ninguna función estética. Servían para asentar los soportes de los andamiajes.

Los grandes tesoros artísticos del Castillo Sforzesco

No es la Pinacoteca de Brera, pero el Castillo Sforzesco tampoco es museo de segundo orden. Conserva una variedad sorprendente de obras de arte de todas las épocas y estilos. Como sería aburrido enumerarlas todas (y para eso, además, ya hay otros recursos), preferimos describir lo mejor de entre lo mucho y bueno que guardan sus muros.

El monumento ecuestre de Bernabò Visconti, de Bonino di Campione

Está hecho de mármol, se conserva en el Museo di arte antica y data de 1363. Es obra de un escultor lombardo, Bonino di Campione, que trabajó en diversas ciudades durante la segunda mitad del trecento y dejó, además de la obra aquí tratada, un monumental Mausoleo para Stefano Visconti, que se conserva en la Basílica de San Eustorgio, una Crucifixión que se puede ver en la Basílica de San Nazaro in Brolo y el monumento al Cansignorio della Scala, en Verona.

Tradicionalmente acusado de conservador, aquí se puede ver cómo Bonino es un escultor formado en la tradición gótica pero con los ojos y los oídos abiertos a las nuevas tendencias.

Las figuras cargan aún cierta rigidez, pero hay una indudable búsqueda de naturalismo y un gusto por mostrar su belleza y dignidad, visible en el caballo tanto o más que en el jinete.

Véase la diferencia con el Mastino II della Scala, realizadas unas décadas antes. El Renacimiento italiano está en camino.

El monumento funerario de Gaston de Foix, de Agostino Busti

En Ruta Cultural nos hemos topado a menudo con el ínclito Francisco I, rey de Francia, enemigo sempiterno de Carlos V e impulsor del fabuloso Castillo de Chambord.

En 1515, cuando tomó posesión del Ducado de Milán, decidió encargar un monumento fúnebre para uno de sus grandes militares, Gaston de Foix, que había perdido la vida tres años en Rávena, en el marco de las guerras de Italia.

El autor fue Agostino Busti, al que llamaban el Bambaia, artista que alcanzó mayor fama en su época que con posterioridad. En el Castillo Sforzesco se conserva otra obra de su autoría, la Madonna Taccioli, de 1522.

Pocos lo pudieron ver entero, pero entre ellos estuvo el gran cronista del Renacimiento, Giorgio Vasari, que quedó maravillado de que una figura como esta "se pueda hacer con las manos", y preocupado porque esta obra, "que puede ser considerada entre las más estupendas del arte", se mantenga "imperfecta y dejada por tierra y a trozos" para que sean "robadas algunas figuras y acaben vendidas y expuestas en otros lugares". No sabía Vasari cuánta razón tenía.

Hoy salta a la vista que a la escultura de Gastón de Foix le falta el típico podio o soporte monumental que lo ensalce. Y le faltan muchas más cosas. Busti realizó por partes la obra completa pero estas nunca llegaron a ensamblarse porque, en el año 1521, Carlos V recuperó Milán.

El proyecto financiado por su enemigo quedó abandonado, y los coleccionistas, como había dicho Vasari, hicieron acopio de lo que pudieron. Hoy día habría que hacer varios viajes para ver la obra:

• Tres estatuas femeninas, alegorías de la virtud, acabaron en el Victoria and Albert Museum (uno de los grandes museos de Londres).
• Un buen número de pilastras con armas y figuras alegóricas se conservan entre la Pinacoteca Ambrosiana de Milán y el Palazzo Madama de Turín.
• Un relieve de mármol que representa un desfile de soldados acabó en el Museo del Prado.

Tres "madonas" de tres grandes del Quattrocento

Tres de los grandes pintores italianos del Quattrocento están representados en el Castillo Sforzesco: Andrea Mantegna, Giovanni Bellini y Filippo Lippi. Las tres formaban parte de la Colección Trivulziana, alimentada durante siglos por esta familia principesca y que, en 1935, fue adquirida por el Ayuntamiento de Milán.

Del primero fue un gran admirador Galeazzo Maria Sforza, enamorado a prima vista de los frescos que pintó en el Palacio Ducal de Mantua. Aunque la obra magna de Mantegna está en la Pinacoteca de Brera, en el Castillo Sforza se puede encontrar una Madonna acompañada de cuatro santos: San Juan Bautista, Gregorio Magno, San Benedicto y San Gerónimo, aparecen bajo una virgen emplazada, insólitamente, en una mandorla.

La Madonna col Bambino pertenece a la primera etapa de Giovanni Bellini, a la sazón muy influido por el propio Mantegna. La obra, como pasa siempre con Bellini, tiene mucho contenido narrativo. El niño tiene en sus manos un fruto que simboliza el pecado original. La madre porta una expresión triste y melancólica que parece prefigurar el destino trágico del hijo.

La Madonna dell’Umiltà, de Filippo Lippi, se pintó para la iglesia florentina de Santa María del Carmine, donde Filippo había tomado los votos, pero acabó en Milán en 1831 como parte de la dote de Marianna Rinuccini, casada con Giorgio Teodoro Trivulzio. La adquisición de la colección trasladó finalmente al cuadro a la Pinacoteca del Castillo Sforzesco.

La Sala delle Asse, de Leonardo da Vinci

Una habitación, un techo decorado por Leonardo da Vinci. Muy mal conservado, por culpa de malos restauradores que, a finales del XIX, se dejaron llevar por criterios discutibles. Pero… un techo decorado por Leonardo al fin y al cabo. El único que existe, además.

En la Sala delle Asse hay que fijarse muy bien los detalles, porque son maravillosos y las fotos no les hacen justicia. Leonardo aplicó a toda la estancia un programa decorativo vegetal, un juego ilusionista con el que, como en tantos otros ámbitos, se adelantó a su tiempo. En una de las esquinas pintó troncos de árboles de los que salen ramas que parecen sostener el techo de la estancia. Y lo hizo, como no podía ser de otra manera, maravillosamente bien.

La Sala delle Asse, bajo la torre nordeste del Castillo Sforzesco, se dedicó casi siempre a banquetes, fiestas y celebraciones. Fue un proyecto encargado por Ludovico Il Moro que refleja bien el nivel de sofisticación, creatividad y refinamiento que alcanzó aquella corte milanesa, a la que no siempre se le hace justicia.

No es lo mejor que queda de Leonardo en Milán, ese honor corresponde a La Última Cena, pero, teniendo en cuenta lo poco que pintó y lo poco que se conserva de este genio inmortal, las da la Salla delle Asse son pinturas valiosísimas.

La Piedad Rondanini de Miguel Ángel

Y por último, Miguel Ángel, de quien se conserva en el Castillo Sforzesco su última obra, la que le mantenía ocupado, con más de ochenta años, cuando le sobrevino la muerte.

Miguel Ángel trabajó durante toda su vida entre Roma y Florencia, y quería ser enterrado en la basílica romana de Santa Mara Maggiore. Y en esa tumba quiso incluir una Piedad, vertical, tan diferente a aquella que en su juventud hizo para el Vaticano.

Planeó y diseñó una primera versión tres años de su muerte, pero, no contento con ella, la descartó. Pocos días (seis, según algunos cronistas) antes de morir empezó a trabajar febrilmente en una segunda versión, que no tuvo tiempo de terminar. Seis días de trabajo y como resultado una obra evidentemente inacabada, pero compositivamente innovadora, imaginativa y extraordinaria.

Miguel Ángel finalmente no fue enterado en Roma, sino en Florencia. Y su Piedad no adornó su tumba, sino el palacio de un marqués de apellido Rondanini, que se hizo con ella tras la muerte del artista. En 1954, el Ayuntamiento de Milán tuvo el acierto de comprarla para poner la guinda a los museos del Castillo Sforzesco, donde desde entonces se conserva.

La entrada El Castillo Sforzesco, mucho más que un castillo se publicó primero en Ruta Cultural.

En Italia, cuando se agotaron las las soluciones de la arquitectura románica, y se puso de moda el estilo Gótico, los arquitectos siguieron mirando de reojo a la Antigüedad clásica, que tenían tan a la mano.

Las formas góticas, que fueron un canto a la verticalidad en Francia y en Inglaterra, quedaron aquí muy suavizadas. Los arcos se apuntaron y se convirtieron en ojivales, pero solo ligeramente. Los grandes ventanales con vidrieras se introdujeron, pero solo puntualmente y con tamaños más reducidos. El clima italiano, más cálido, tampoco aconsejaba imitar los excesos de la Sainte Chapelle.

En Italia, además, hubo mucho más que iglesias. La mayor importancia de las ciudades, la precocidad del comercio y de la burguesía, permitieron que se erigieran grandes palacios y sedes para el poder político mucho antes que en Francia o en España.

Hemos dejado fuera ejemplos notables, como el Palazzo della Signoria de Florencia, o el Palazzo Comunale de Siena, o el Castel del Monte, una pequeña joya en el extremo Sur de Italia. También se han quedado fuera edificios religiosos como las basílicas de San Francisco de Asís y San Antonio de Padua. Lo que queda es todo de primer nivel. Ocho ejemplos sobresalientes de un estilo, el Gótico italiano, que hizo mucho por diferenciarse de sus contemporáneos europeos.

Santa María Novella, el lugar donde mejor se entiende el paso del Gótico al Renacimiento

La gran iglesia de los dominicos, situada hoy junto a la estación de tren, es una de las grandes maravillas de Florencia por varias razones.

Lo es por su fachada, obra de Leon Battista Alberti. Diseñada con principios renacentistas, conserva aún, en su parte inferior, algunos arcos apuntados.

Lo es también, y esto nos interesa más, por su fantástico interior. Ilustra de maravilla los rasgos habituales de la arquitectura cistercientese: es sencillo, austero y honesto. Una sucesión de dovelas bicolores recorren todo el espacio, dibujan su estructura interna, sus nervios y puntos de fuga.

Lo es, también, porque es un museo que ilustra, casi como ningún otro, el paso que dieron los italianos, en los siglos finales de la Edad Media, del Gótico al Renacimiento. Aquí está el Crucifijo de Giotto que empezó a romper con la rigidez y el hieratismo del arte bizantino. Aquí está el fresco de la Trinidad de Masaccio, uno de los primeros en incorporar de forma decidida las leyes de la perspectiva pictórica. Aquí está también la Capilla Tornabuoni, decorada finalmente, en el siglo XV, por Domenico Ghirlandaio, pero en la que intervinieron artistas de primer orden durante todo el siglo anterior.

Santa María Novella es una síntesis perfecta de un período artística y filosóficamente apasionante.

La Basílica de Santa Croce, un ejemplo canónico del Gótico italiano

El Gótico italiano tiene en Florencia una de sus más importantes capitales. La iglesia de Santa Croce fue construida por la orden de los franciscanos, en plena competencia con unos dominicos que poco antes habían erigido Santa María Novella. Tiene una fachada compuesta por el mismo esquema que las de Siena, Orvieto o el propio Duomo de Florencia, aunque algo más austera. Y tiene un interior realmente apabullante, sobrio y diáfano.

En sus abundantísimas capillas laterales están enterrados algunos de los más egregios personajes la historia florentina, como Maquiavelo, Galileo, Leonardo Bruni o Ugo Foscolo. Construida en forma de cruz egipcia –en forma de T–, la iglesia tiene su foco en su prodigioso altar mayor, que contrasta con la austeridad del resto del edificio.

Allí, un Cristo crucificado de rigidez bizantina preside una escena en la que se suceden, sin solución de continuidad, los frescos de fondo dorado y las vidrieras de colores. En el centro, un políptico presidido por la escena más típicamente italiana, la Madonna con el niño.

Curiosamente, en este misma iglesia, en el claustro al que se accede por una de las salidas laterales, se encuentra una de las grandes maravillas del Renacimiento italiano: la Capilla Pazzi de Filippo Brunelleschi.

El interior y el exterior de la Catedral de Siena, un edificio deslumbrante

Siena fue una ciudad tan próspera en los años finales de la Edad Media que llegó incluso a competir con Florencia, en términos comerciales y también a la hora de edificar grandes conjuntos monumentales. Para hacernos una idea baste una anécdota: a mediados del siglo XIV, la ciudad inició un proyecto de ampliación de su Catedral que planteaba ¡triplicar! su tamaño, dejando la parte edificada, la que sigue en pie hoy en día, como el crucero de un nuevo y gigantesco templo. Solo la Peste Negra de 1348 lo impidió.

El Duomo de Siena es un edificio deslumbrante. Por fuera reúne todos los rasgos del colorido Gótico italiano, que no puede ser más diferente al francés, al inglés o al español. Pero lo que más impresiona es su interior. Acostumbrado a la austeridad de las grandes iglesias florentinas, el viajero se lleva aquí una verdadera sorpresa. Continuamente atravesado por la sucesión de dos colores –el blanco y el negro que son símbolos de la ciudad–, el espacio interior del Duomo sienés es una abigarrada condensación de belleza, riqueza y lujo.

Cúpulas y capiteles de oro, bóvedas, altares y mosaicos dejan atónito a cualquiera que se acerque. Y, cuando conseguimos salir del asombro y echamos la vista al suelo, vemos obras de Donatello, de Pinturicchio, de Miguel Ángel o de Nicola Pisano, cuyo púlpito valdría por sí solo para colocar la Catedral en esta selecta lista de lo mejor del Gótico italiano.

La fachada refinada y cosmopolita de la Ca d’Oro, al pie del Gran Canal

La Más Serena República de Venecia vivió su Edad de Oro durante el siglo XVI. Construyó entonces algunos maravillosos edificios en estilo renacentista, pero fue un siglo antes cuando la ciudad situada sobre el mar puso las bases de su espectacular crecimiento, cuando sus más notables familias ganaron importancia y cuando éstas empezaron a construir formidables palacios.

El más sobresaliente fue sin duda el Palacio Ducal, del que hablaremos más abajo, pero a lo largo del Gran Canal emergieron entonces algunas de las más bellas muestras de arquitectura gótica que se pueden encontrar aún hoy en Italia. Y quizá la más hermosa sea el antiguo Palacio de Santa Sofía, más conocido como Casa de Oro o, simplemente, Ca’ d’Oro.

La Ca’ d’Oro fue, hasta la invasión napoleónica, el hogar de los Contarini, grandes comerciantes y financieros del ejército veneciano. Presenta una logia que emerge directamente desde el agua y un par de pisos cuya más notable rasgo son sus hermosos y ricamente ornamentados balcones. Tienen un aire a la vez gótico, clásico, bizantino e islámico, es decir, veneciano: sincrético y cosmopolita, como corresponde a un imperio comercial, siempre refinado y elegante.

La maravillosa fachada y el interior de la Catedral de Orvieto

Orvieto es un municipio de poco más de veinte mil habitantes, uno de esos pueblos relativamente pequeños que asombran al visitante con monumentos desproporcionados a su actual tamaño e importancia.

La clave está en que hace medio milenio la ciudad albergaba más almas, no menos, como es habitual. Treinta mil, para ser exactos. Más que Roma en aquella época. Y como no podía ser de otra manera, la ciudad, en aquellos tiempos aliada de Florencia y gran potencia militar, se adornó con iglesias y palacios para presumir de su importancia.

La Catedral de Orvieto presenta, a la manera típica del gótico italiano, una fachada dividida en tres partes. Cada una de las cuales cuenta con un pórtico monumental rodeado de arquivoltas y coronada por un gran y alargado gablete. En la parte superior, culmina el edificio un fantástico rosetón que fue obra de Andrea Orcagna.

Aunque en este caso es menor la presencia del mármol de colores, omnipresente en Siena y Florencia, la presencia de los mosaicos en los gabletes y en los rectángulos que los enmarcan añaden ese característico colorido propio del Gótico italiano. Lo más asimilable al Gótico europeo son las esculturas en hornacinas que rodean al rosetón, y la verticalidad apuntada por los esbeltos pináculos que, como llamas flameantes alimentadas por el dorado de los mosaicos, apuntan hacia el cielo.

La Catedral de Santa María de las Flores, mucho más que su gigantesca cúpula

Es famosa, sobre todo, por la gran cúpula diseñada por Brunelleschi. Pero su fachada no se queda atrás. Siguiendo el esquema tripartito que hemos visto también en Siena y en Orvieto, la fachada de la catedral de Florencia es, en cierto modo, la más parecida a las grandes fachadas del Gótico francés que podemos encontrar en la Toscana. Aunque poderosamente tamizada con la creatividad y la variedad cromática que los arquitectos italianos nunca abandonaron.

Tiene tres pórticos monumentales coronados por gabletes sobre los cuales se abren tres idénticos rosetones. Sobre ellos, un friso de extremo a extremo con figuras de los doce evangelistas. El recurso de los ventanas ciegas y las figuras geométricas sirve para rellenar espacios vacíos. Y en al zona más alta nada de pináculos, sino pequeños torreones, rodeados por esas ménsulas típicamente florentinas que le dan a la iglesia cierto aire de fortaleza.

En el interior, sobriedad y geometría y la gran cúpula de Brunelleschi, decorada por Vasari. Una joya completada por el Campanile de Giotto y un Baptisterio que es una de las grandes joyas del Románico italiano. Un compendio de estilos. Lo mejor de lo mejor de varios siglos de historia del arte.

El Palacio Ducal de Venecia, la lujosa sede del poder de la Serenissima

Si el Ca’ d’Oro, a la que hacíamos referencia más arriba, representa el esplendor de la burguesía mercantil veneciana, el Palacio Ducal, situado en la Piazza de San Marco, es la sede del poder ejercido por ese mismo grupo social. La Serenissima fue una construcción política enormemente estable: las mismas familias se repartían el pastel y se sucedían en el cargo de Dux. El Palazzo Ducale, el Palazzo del Dux, no fue más que la lujosa, refinada, ostentosa y ritualizada residencia del jefe del Estado más rico de su tiempo.

Se construyó en 1340, aunque fue un siglo después cuando adquirió el aspecto que tiene en nuestros días. La planta baja es un sucesión de arcos ojivales que sustentan con aparente gracilidad el piso superior. En el interior se encuentran habitaciones deslumbrantes, como la Sala del Maggior Consiglio o las estancias privadas del Dux. Nunca dejó de ampliarse y embellecerse, por lo que alberga numerosas maravillas, entre las que destacan varios de los más destacados lienzos de Tintoretto.

El Duomo de Milán, la más francesa de las catedrales italianas

Comenzada en 1386, tiene su punto más alto en la Madonnina, símbolo de la ciudad. Es una de las iglesias cristianas más grandes del mundo, y es una rareza en Italia porque su Gótico radiante no es nada habitual en el país transalpino. Las dobles naves laterales, por ejemplo, son influencia del Gótico francés. Lombardía siempre tuvo estrechas relaciones con Francia, y fueron precisamente dos arquitectos franceses, Nicolas de Bonaventure y Jean Mignot, quienes influyeron en su planta y estructura cuando la construcción estaba en sus comienzos. Cien años más tarde, durante el mandato de Ludovico Sforza, el Duomo recibió un impulso renacentista más en la línea de la arquitectura italiana.

En el siglo XVI intervinieron en su obra Giovanni Antonio Amadeo y Pellegrino Tibaldi, y en el siglo XVIII Filippo Juvarra, y Luigi Vanvitelli. Napoleón Bonaparte, entusiasmado con Milán, llegó a ofrecer del erario francés lo que hiciera falta para acabar el Duomo. No fue posible hasta 1965, fecha oficial de su terminación, aunque aún queden algunos bloques de mármol esperando convertirse en estatuas.

Por el contenido artístico de su interior, por las vistas de Milán que se disfrutan desde sus azoteas visitables, donde se puede pasear entre una multitud de pináculos magistrales, la visita a la Catedral, como la del Castillo Sforzesco, es una gozada, muy recomendable para quienes visiten la preciosa capital lombarda.

La entrada Ocho lugares donde apreciar la belleza del Gótico italiano se publicó primero en Ruta Cultural.

La Basílica de San Lorenzo, en Florencia

La Basílica de San Lorenzo es poco llamativa desde el exterior, porque su fachada, que iba a diseñar Miguel Ángel, quedó sin terminar. Sin embargo, su interior es impresionante y revolucionario.

La financió la que ya, a mediados del siglo XV, era la familia más rica y poderosa de Florencia, los Médici, y la diseño el arquitecto más innovador de su tiempo, Filippo Brunelleschi. Aunque San Lorenzo se terminó tras su muerte y en algunos detalles (sobre todo en las capillas laterales) sus planes iniciales quedaron alterados, contemplar la inmensa basílica sigue siendo una experiencia sobrecogedora. No a la manera sentimental, espiritual y apabullante de las catedrales góticas, sino de una manera nueva, racional y armónica, hecha por y para el hombre.

El Templo Malatestiano, en Rímini

Fue el pistoletazo de salida de la arquitectura renacentista fuera de Florencia y el primer templo religioso que estructuró su fachada principal en torno a un elemento eminentemente pagano: el arco de triunfo romano.

Obra de Leon Battista Alberti, la Iglesia de San Francisco (ese es su verdadero nombre) quedó sin terminar por la súbita caída en desgracia de su mecenas, Segismundo Pandolfo Malatesta, condottiero, personaje de nombre y vida novelesca, hombre de armas y de letras y epítome perfecta de su tiempo, a quien el Papa Pío II llegó a nombrar "Príncipe del Infierno"

Dentro pueden visitarse las tumbas del propio Malatesta, su última mujer, Isotta degli Atti, y la del filósofo bizantino Jorge Gemistos Pletón, maestro de Ficino, cuyos restos fueron rescatados por Segismundo desde la ciudad griega de Mistra.

Toda esta historia, por cierto, fue muy bien narrada por Alberto Cousté en El príncipe desvelado, una preciosa novela histórica que muestra las luces y las sombras de este tan particular personaje.

El Palacio Piccolonimi, en Pienza

Lo que no era más que un pequeño burgo medieval, situado en el bellísimo Val d’Orcia, se convirtió en una ciudad monumental por obra de Enneas Silvio Piccolomini, el Papa Pío II, que, ungido como pontífice, proyectó la conversión de su pequeña ciudad natal en una città ideale que siguiera los cánones del nuevo y pujante Renacimiento italiano.

En torno a la piazza Pio II, desde entonces centro neurálgico de la ciudad, se alza el Duomo y varios palacios, y entre ellos destaca este palacio pontificio que había de servir como residencia para las visitas papales a la ciudad (huelga decir que fueran pocas durante el breve lustro que duró el pontificado de Pio II, e inexistentes después). Lo diseñó Bernardo Rosselino, alumno aventajado de Leon Battista Alberti, y en su fachada exterior puede verse sin dificultad la influencia directa del florentino Palazzo Rucellai.

Con sus tres pisos, sus elegantes ventanales, su almohadillado y su bellísimo patio interior, conforma un cuidado y elegante contexto urbano con sus edificios vecinos, en uno de los espacios más coherentes y unificados del Renacimiento italiano. No por nada fue declarado Patrimonio de la Humanidad.

El Castello Sforza, en Milán

La pujante Milán es hoy la menos aclamada de las grandes ciudades del Renacimiento italiano, lo que sin duda tiene más que ver con la presencia hispano-francesa posterior, y con su continuada pujanza hasta la actualidad, que con sus carencias monumentales. En la época de los Visconti y de los Sforza, Milán fue, de hecho, el Estado que más cerca estuvo de dominar a sus vecinos, el más fuerte y ambicioso. El formidable Castello Sforzesco es buena prueba de ello.

Encargo de Francesco Sforza, se levantó sobre las ruinas de la residencia tradicional de los Visconti, fue diseñado por el polifacético Filarete y apuntalado por artistas de la talla de Leonardo Da Vinci, Bernardino Zenale, Bernardino Butinone y Donato Bramante, que convirtieron el castillo en una de las cortes más lujosas de su tiempo.

Hoy es la sede de varios museos y colecciones de arte: el Museo Arqueológico de Milán, el Museo de Arte Antiguo, y de una pinacoteca que contiene obras de Canaletto, Giovanni Battista Tiepolo, Vincenzo Foppa, Tiziano y Tintoretto. Alberga también la excelente Piedad Rondanini de Miguel Ángel.

La Basílica de San Andrés, en Mantua

En el siglo XV, muchos de los miles de peregrinos que se dirigían a Roma desde Austria, Alemania y Europa Central, se detenían en Mantua para venerar unas gotas de la sangre de Cristo que presuntamente se conservaban en la Basílica de San Andrés. Era la época de las bulas papales y los peregrinos llegaron a ser tantos que el templo se quedó pequeño.

Leon Battista Alberti, en uno de sus últimos proyectos, diseñó un enorme pero armónico templo de una sola nave, con un interior amplio y diáfano, construido en base al ritmo de los grandes arcos triunfales ya en Rímini había tomado como modelo. El arco central gana aquí aún más importancia y actúa como pórtico o nártex. Con intradós casetonado y flanqueado por monumentales columnas corintias, las ventanas laterales dotan a la fachada de una aspecto armónico y estructurado. "La belleza”, esta era la máxima albertiana, “radica en la armonía de todas las cosas”.

Otro grande del Renacimiento italiano, el pintor Andrea Mantegna, se encuentra enterrado en el interior de la Basílica. Y la hermosa y serena Mantua, ciudad elegante y shakesperiana, será un disfrute para quien guste del arte y la arquitectura.

San Pietro in Montorio, en Roma

Construido en honor del príncipe Juan, único hijo varón de los Reyes Católicos, el tempietto de San Pedro in Montorio es la obra maestra de Donato Bromante y uno de los edificios más representativos del Renacimiento italiano.

Su forma circular remite a los antiguos templos circulares o tholos, que en la propia Roma tienen el notable ejemplo del templo de Hércules Victor. Pero lo que hace aquí Bramante no es, ni mucho menos, una mera copia de aquellos. Como el gran e innovador arquitecto que era, da nuevos vuelos al viejo modelo y lo convierte en algo nuevo: la cella o sala principal del templo ya no se detiene a la altura de la columna exterior, sino que sigue subiendo, crea un segundo piso cuya balaustrada parece extender hacia arriba las columnas que la sostienen y queda coronada finalmente por una cúpula semiesférica.

El tempietto fue un éxito radical, ha sido copiado hasta la saciedad y no podemos dejar de recomendar su visita, en la subida al Gianicolo desde el Trastévere, a todo aquel que visite Roma.

La Iglesia de la Consolación, en Todi

La preciosa Iglesia de la Consolación en Todi, pequeña localidad cercana a Perugia, puede ser el mejor ejemplo de lo que pudo haber sido San Pedro del Vaticano si se hubieran cumplido los deseos de Donato Bramante.

Aquí, el arquitecto de Urbino proyectó una iglesia de planta central osada por su llamativa verticalidad. Un elevado cubo central, embellecido y protegido por cuatro ábsides semicirculares, sirve de base a una gigantesca cúpula central sobre un alto tambor cilíndrico. La iglesia de San Biagio, en Montepulciano (que no ha entrado en la lista, pero de la que hablamos en nuestra lista de pueblos de la Toscana), sin duda tuvo su modelo.

La Villa Rotonda, en Vicenza

Se cita a menudo una frase que Goethe escribió en sus diarios de viajes por Italia, sobre la Villa Rotonda de Palladio. Dijo el poeta que “quizá la arquitectura nunca haya alcanzado mayor altura” desde entonces, y dijo también que Palladio había levantado algo muy parecido a un templo clásico.

La Villa Rotonda está compuesta de cuadro fachadas iguales, cada una de las cuales sigue el modelo clásico del templo romano. En su interior hace un uso magistral de luz, que ilumina los espacios y los esquemas constructivos siguiendo el plan ya establecido por Brunelleschi. Su centro lo corona una cúpula que recuerda en cierto modo al Panteón de Roma. Es, como los mejores ejemplos del Renacimiento italiano, un sentido homenaje al clasicismo pero a la vez un edificio tremendamente innovador.

Goethe tuvo la suerte de visitar también su interior, un privilegio que, hasta hace un par de años, sólo tenían algunos. Ahora la Villa Rotonda puede visitarse por fuera todos los días y por dentro los miércoles y los sábados. Merece la pena cuadrar en esos días la visita a Vicenza y consultar la web oficial de la Villa para estar al tanto de cualquier cambio.

El Arco de Alfonso V en el Castel Nuovo de Nápoles

"Los libros son, entre mis consejeros, los que más me agradan, porque ni el temor ni la esperanza les impiden decirme lo que debo hacer". Alfonso V de Aragón, El Magnánimo, hizo del Castel Nuovo de Nápoles su corte desde 1443, y a pesar de ser Rey de Aragón ya no volvió a pisar tierras ibéricas.

En la poderosa fortaleza que había pertenecido a los Anjou, desde la cual se tenía incluso acceso al mar, Alfonso mandó construir un formidable arco de triunfo integrado entre dos bastos torreones. Hoy es uno de los grandes atractivos de una ciudad infinita y maravillosa.

Allí puede encontrarse un programa de evidente ensalzamiento de la nueva dinastía, pero también un ambicioso programa humanista de recuperación de los valores clásicos. Alfonso, que siempre anheló convertirse en rey de Italia -y acabó odiando a Segismundo Malatesta por impedírselo en Piombino- hace que la piedra cante sus gestas como lo habría hecho un César o un Augusto, sus modelos, sin duda, mucho más que sus más cercanos y prosaicos parientes medievales.

La Iglesia del Redentore, en Venecia

Una de las obras maestras de Palladio (¿alguna no lo fue?), la fachada de* Il Redentore* presenta un creativo juego de superposiciones y cruces.

Palladio construye dos fachadas en una; una de ellas dibuja el ancho del edificio; la otra, el alto. Ambas tienen sus columnas, su frontón, su tímpano, y quedan enmarcadas por un muro de fondo que en la parte superior dibuja también su propio tímpano. Al fondo, la gran cúpula y los campanarios cilíndricos, que semejan alminares, potencian el efecto fantástico y algo ecléctico de la obra, que anticiparía los juegos intelectuales del manierismo si no fuero por su apego radical a los esquemas clásicos.

Es recomendable compararla con la fachada de San Giorgio Maggiore, también de Palladio y también en Venecia, que juega con los mismos esquemas pero de forma distinta, para comprobar la infinidad de recursos del arquitecto vicentino.

Il Redentore se construyó en 1576 para celebrar el final de una epidemia de peste que hacía azotado a los venecianos. Está en la isla de Giudecca, y cada año, a finales de julio, se celebra una fiesta que conmemora aquel mismo acontecimiento feliz. Durante la Festa del Redentore los venecianos acuden en sus góndolas a festejar, y la isla se llena de luces y música y fuegos artificiales.

La entrada El Renacimiento italiano en diez obras maestras de la arquitectura se publicó primero en Ruta Cultural.

La ciudad de Mantua, capital de la provincia homónima, descansa, en plena llanura padana, junto a tres lagos que fueron originalmente creados con fines defensivos, pero que hoy la envuelven en un remanso de paz que rima bien con la belleza tranquila que desprende la ciudad.

Una capital de provincia, una ciudad pequeña de ilustre pasado, que tuvo gobernadores ricos y mecenas de las artes, que pasada su edad dorada dejó de crecer pero mantuvo casi todas sus maravillas. Aldous Huxley la llamó “la ciudad más romántica del mundo”, y los que gustan de la tranquilidad y del viajar lento tienen en Mantua un lugar del que enamorarse.

Mantua –Mantova, en italiano– tiene una muy antigua relación con la cultura. Fue la cuna de Virgilio, el gran poeta romano, y de Baltasar Castiglione, el gran poeta del Renacimiento. Su nombre, elegante y distinguido, resuena tanto en La Divina Comedia de Dante como en varias obras de Shakespeare (Sueño de una noche de verano, Romeo y Julieta).

Fue gobernada por la dinastía de los Gonzaga durante los siglos que abarcan el Renacimiento y el Barroco, y en aquel tiempo fue uno de las grandes centros de la cultura y de las artes. Hoy conserva buena parte del trazado urbano y tres auténticas joyas de la arquitectura. ¿Qué ver en Mantua? Sobre todo:

• el Palazzo Ducale, residencia de la familia gobernante;
• el Palazzo del Té, verdadera fantasía manierista; y
• la basílica de Sant’Andrea de Leon Battista Alberti, cuya fachada es una de las mayores joyas del Renacimiento italiano.

Por si fuera poco, Mantua disfruta de una posición envidiable, entre Lombardía, el Véneto y la Emilia-Romagna, que la hace idónea como campamento base para adentrarse a descubrir estas regiones. A tiro de piedra tiene el Lago de Garda, de donde proviene el río Mincio que la baña; y las ciudades de Módena, Bolonia, Parma, Ferrara, Verona o Vicenza. A menos de un par de horas, Milán y Venecia.

La Basílica de San Andrés

En el siglo XV, miles de peregrinos acudían a Mantua, a la Basílica de San Andrés, para venerar la famosa reliquia que albergaba: unas gotas de la sangre de Cristo, derramadas durante la crucifixión. La basílica actual se construyó en respuesta al éxito de dicha reliquia: los peregrinos eran tantos que dejaron pequeña la iglesia anterior, y sus donaciones costearon su renovación monumental.

Leon Battista Alberti, el gran arquitecto y teórico del Renacimiento, diseñó un enorme, pero armónico templo de una sola nave, de interior amplio y diáfano, cuyo principal foco de atención está en el enorme arco de la fachada principal. Concebida como un gran arco triunfal –de un solo vano, como el que levantó Tito en el Foro Romano– que actúa como pórtico o nártex, con intradós casetonado y flanqueado por monumentales columnas corintias. El resto de vanos y pilastras subrayan un rígido sistema de proporciones (“la belleza”, esta era la máxima albertiana, “radica en la armonía de todas las cosas”) que se extiende incluso a los elementos del entorno urbano en el que se inserta la fachada.

En el interior, además del relicario antes citado, se encuentra el sepulcro del gran pintor de los Gonzaga, Andrea Mantegna, que bien puede ser otro motivo por el que peregrinar a San Andrés.

El Palacio Ducal

La residencia de los Gonzaga es un edificio enorme, construido a pasos lentos entre los siglos XIV y XVII, que contiene más de quinientas habitaciones y quince patios, algunos de los cuales de tamaño colosal. Para su decoración y ornato los Gonzaga no repararon en gastos, pero lamentablemente, desde el siglo XVII en adelante, muchas de estas obras partieron hacia cortes más pudientes: Carlos I de Inglaterra adquirió una buena cantidad de obras en 1628; el Saco de Mantua, poco después, se llevó muchos más; Napoleón terminó de mutilar las colecciones.

Con todo, aún se pueden ver, además de la grandeza arquitectónica del edificio, obras de Tintoretto, Sustermans y Rubens; una grandiosa colección de estatutaria clásica, reunida en tiempos de Maria Teresa de Austria, y los abundantes y excelentes frescos que adornan las estancias.

Entre las más destacadas está la Sala del Zodiaco, el Salón de los Espejos, la Sala del Río, el Apartamento del Paraíso, el Apartamento de Troya, con frescos de Giulio Romano, o la reproducción, a escala, de la Scala Santa de Roma. La más famosa y celebrada la es la Cámara Nupcial, decorada con frescos de Andrea Mantegna.

El Palacio del Té

Construido por Federico II Gonzaga, oficialmente para disponer de una villa campestre donde descansar, extraoficialmente para escaparse con su amante, Isabella Boschetto, este palacio puramente manierista –clásico, pero no repetitivo, original, ligeramente juguetón–, no tiene nada que ver con la bebida del té: el nombre parece ser una abreviatura de tejeto, el nombre de una antigua isla que formaba parte de las obras hidráulicas para la defensa de la ciudad.

Construido en torno a un gran cortile, uno de cuyos lados es semicircular, a modo de exedra, el Palazzo es un bellísimo retiro campestre rodeado de jardines, decorado con motivos palladianos, y tiene en su interior numeroso frescos de Giulio Romano, el discípulo de Rafael que huyó de Roma tras el Saco de Carlos V y encontró aquí trabajo como arquitecto y como pintor.

Los frescos son de tema mitológico y alcanzan verdadera grandeza en la Sala de los Gigantes, donde una escena que representa el tema de la caída del os gigantes se revela como un temprano ejemplo del ilusionismo que se hará popular en los techos y las cúpulas del Barroco.

La entrada La belleza serena de Mantua, la ciudad de los Gonzaga se publicó primero en Ruta Cultural.

Noviembre comienza para los católicos con un peregrinaje que lleva a los cementerios del mundo ofrendas de aromas y colores contra el olvido. Plantas y flores se usaron en la antigüedad clásica para atraer la protección divina. La flora mitológica ofrecía laureles a Apolo, a Ceres espigas, mirtos a Afrodita y viñas a Dionisios. Hoy los ramos de siemprevivas (esperanza en la vida eterna), de crisantemos (los colores de noviembre), de lirios (azucenas de pureza), de violetas (el sutil color del luto), o de rosas (símbolo del amor aceptando el dolor de sus espinas), son entre los ocres del otoño las ofrendas a los afectos que esperan en los brazos de Morfeo, el dios alado cuya misión era crear sueños para aquellos que dormían. ¿Seguirá Morfeo creando sueños después del sueño de la vida?

Según Ovidio, Morfeo duerme en una cama de ébano en una cueva sutilmente iluminada, rodeado de flores de adormidera. Como el dios de los sueños, centenares de miles de almas duermen en multitud de cementerios del mundo, bajo ritos distintos, según sus religiones, su cultura, o su entorno.

Los hay inmensos, pequeños y sencillos, monumentales, inquietantes, serenos, con vistas al mar o la montaña, pero todos tienen algo en común; son un intento de preservar la memoria de sus huéspedes. Mauricio Wiesenthal, comienza así su delicioso Libro de réquiems: En el cementerio protestante de Capri hay una sepultura con un reloj de sol y una cita de Mazzini, escrita en inglés: THERE IS NO DEATH IN THIS WORLD, ONLY FORGETFULNESS (no existe la muerte, sino solo el olvido).

Hoy vamos a recorrer algunos de estos lugares de sueños, silencios y memorias, que son también un consuelo, una ayuda, como estos libros, para superar el adiós definitivo.

Cementerio del Bosque. Estocolmo

Los arquitectos suecos Asplund y Lewerentz diseñaron en 1915 este gran cementerio de Estocolmo adaptado a la naturaleza de un bosque casi inalterado, construyendo varias capillas y un crematorio en un claro del mismo.

Hay dos áreas llamadas Bosque del recuerdo, donde se entierra de forma anónima y a su alrededor se pueden dejar flores y encender velas. En la Colina de la Meditación, al fondo de la cruz que vemos en la imagen, se yerguen doce olmos como los doce meses del año, doce árboles de hoja caduca que duermen en otoño para renacer cada primavera. En este cementerio se respira serenidad, es sin lugar a dudas uno de los lugares más especiales de Europa.

En un rincón de este bosque, siempre rodeada de flores está la sencilla tumba de Greta Garbo.

Cementerio de Highgate. Londres

Una auténtica ciudad de los muertos (unas 200.000 personas descansan allí). Construido a partir de 1839, es una joya arquitectónica funeraria de época victoriana incluida en la lista de los los siete magníficos, siete espectaculares cementerios londinenses.

Años de abandono permitieron que la naturaleza ocupara el lugar arrebatado por tumbas y mausoleos, para ofrecer hoy un espectáculo ciertamente hermoso, pero frío y espectral. Entre sus miles de huéspedes se encuentran Karl Marx, George Eliot, y los padres y hermanos de Charles Dickens (él está enterrado en la abadía de Westminster), y el famoso boxeador Tom Sayers, cuya tumba vemos en la imagen con su fiel amigo León.

Con un largo historial de leyendas de terror, entre sus muros se han llegado a organizar cacerías de vampiros, exorcismos y ceremonias mágicas. La profanación de tumbas fue algo habitual durante mucho tiempo. Se organizan visitas guiadas recomendables para no perderse.

Cementerio de los Reyes. Ginebra

Como un gran parque cuidadísimo podríamos definir el cementerio de Plain Palais, conocido también como Cementerio de los Reyes. No hay en él el más mínimo asomo de amargura. Sus frondosos árboles invitan al paseo o a la lectura, o simplemente a pensar.

Estamos aquí para rendirle un humilde homenaje al grandísimo Jorge Luis Borges que comparó la muerte con el mar: La muerte, ese otro mar, esa otra flecha. Que nos libra del sol y de la luna. Y del amor. Su sencilla tumba es vecina de la de una mujer extraordinaria: Griselidis Real, escritora, pintora y prostituta, de profesión peripatética, muerta en Ginebra en 2005. Muy cerca de ambos se encuentra la sobria tumba de Juan Calvino, austero reformador de la ciudad de Ginebra.

Green-Wood Brooklyn. New York

Este precioso parque es un cementerio ¿o habría que decirlo al revés? Como sea es un lugar que los neoyorquinos utilizan en ambos sentidos. Fue fundado en 1838 en estilo neogótico. Inspirado en los parques ingleses, fue a su vez inspiración del Central Park. En su parte más alta está el Battle Hill, donde el ejército independentista venció a los británicos en la batalla de Long Island. Desde aquí las vistas hacia New York son magníficas. Es uno de los hitos turísticos de la ciudad, recibiendo casi tantas visitas como las cataratas del Niágara.

Entre sus caminos, colinas y árboles centenarios, crecen esculturas, mausoleos y sencillas lápidas en memoria de un gran número de personajes notables. Entre las más 600.000 tumbas encontramos nombres como el del gángster Joe Gallo; Jean-Michel Basquiat (revolucionario pintor de los años 80); el inventor del famoso código Samuel Morse; el músico Leonard Bernstein; o Louis Comfort Tiffany , innovador creativo del mundo de los vitrales.

Isola de San Michele. Venezia

Un monumento a Dante y Virgilio del artista Georgy Frangulyan, situado en la Laguna, entre Venecia y San Michele, marca el camino al cementerio y nos acerca al canto III de la Divina Comedia:

Por mí se va a la ciudad doliente/por mí se va en el eterno dolor/por mí se va con la perdida gente/ …antes de mí ninguna cosa fue creada/sólo las eternas, y yo eternamente duro:/¡Perded toda esperanza los que entráis!

Esta es la única isla del mundo dedicada por entero a la muerte. Tiene zonas para ortodoxos, católicos, evangélicos, y protestantes (zona muy abandonada pero evocadora y decadente). Hay otras curiosas como las de los gondoleros, monjas, sacerdotes o militares. En San Michele descansan entre otros Igor Stravinsky y el creador de los Ballets Rusos Sergei Diaghilev, los poetas Ezra Pound y Joseph Brodsky y el futbolista Helenio Herrera.

Antes el último viaje se hacía en góndolas fúnebres muy decoradas llamadas barca dei morti, ahora se usan lanchas.

Monte de Los Olivos. Jerusalén

Este es el lugar donde los judíos han deseado ser enterrados desde la antigüedad. En el Monte de los Olivos, según la Biblia (Zacarías, 14:4), comenzará la resurrección cuando llegue el Mesías. Las tumbas más antiguas están al pie de la montaña, en el Valle de Cidrón. Son las de Absalón, hijo de David, Zacarías, y una tercera cuya inscripción menciona a los hijos de Hezir, familia de sacerdotes que vivió hace 2000 años. Con el tiempo, ha ido creciendo hasta extenderse por toda la ladera occidental y por la cara sur de este monte.

Las vistas desde el Monte de los Olivos sobre la ciudad de Jerusalén, son extraordinarias. La mirada se pierde evocando la profecía y los Salmos entre los valles de Hinnom y Cedrón, la Puerta Dorada del Monte Moriah, el Monte del Templo, el Monte Sión o la Ciudad de David.

Cementerio del Viejo San Juan. Puerto Rico

Simbólicamente situado de cara al Atlántico, «el viaje al más allá», y junto a las murallas del Fuerte San Felipe del Morro, este cementerio está considerado como uno de los más bellos del mundo. El eco del templete de San Pietro in Montorio de Roma se deja ver en su capilla neoclásica. Entre otras personalidades del mundo de la política y el arte descansa aquí desde 1951, el poeta madrileño de la Generación del 27, Pedro Salinas, muerto en el exilio tras la guerra del 36. Su emblemática obra La voz a ti debida, toma el título de un verso de Garcilaso de la Vega:

Y aun no se me figura que me toca/aqueste oficio solamente en vida/mas, con la lengua muerta y fría en la boca/pienso mover la voz a ti debida (Égloga III, verso 12).

Cementerio Lychakiv.Lviv. Ucrania

Nacido en 1786 el tiempo lo ha convertido en un lugar misterioso, pintoresco y único. Situado a los pies de una colina, la naturaleza ha seguido su rumbo envolviendo tumbas y monumentos.

Hasta que en 1975 fue declarado Monumento Histórico eran habituales allí las profanaciones de tumbas. Hay multitud de leyendas surgidas entre sus rincones, rituales de magia y superticiones como la relacionada con el obispo Mykola Charnetski, ante cuya tumba se congregan los estudiantes en época de exámenes para conseguir un poco de suerte.

Al pintor polaco Artur Grottger y su amada Wanda Monne, se les puede ver pasear por estos parajes en las noches de luna llena. El murió en París, pero su ardiente deseo de descansar en Lviv lo cumplió aquella chiquilla de 17 años haciendo auténticos esfuerzos económicos.

Está abierto al público, pero dado su tamaño es aconsejable apuntarse a un grupo de visitas guiadas.

Cementerio de Montparnasse. París

El Monte del Parnaso, morada mitológica de Apolo y las Musas, es considerado la patria simbólica de los poetas. Este cementerio debe su nombre a que en él descansan un buen número de intelectuales y atistas, extranjeros y franceses. Entre ellos la escritora neoyorquina Susan Sontag’s; Jean Seberg, musa de la Nouvelle Vague francesa; Tristan Tzara, poeta y padre del dadaísmo; el nóbel de literatura Samuel Beckett; Jean Paul Sartre y Simone de Beauvoir, filósofos franceses; Julio Cortázar, que sigue llamándonos a jugar con Rayuela; César Vallejo, poeta peruano; el escritor mexicano Carlos Fuentes, o Charles Baudelaire cuyo consejo ante la tiranía del tiempo nos viene a la memoria:

Hay que estar siempre borracho.Todo consiste en esto: es la única cuestión. Para no sentir la carga horrible del tiempo, que os rompe los hombros y os inclina hacia el suelo, tenéis que embriagaros sin tregua./ Pero ¿de qué? De vino, de poesía o de virtud; de lo que queráis. Pero embriagaos.

Cementerio Monumental de Staglieno. Génova

El cementerio de Staglieno custodia desde hace más de ciento cincuenta años majestuosos conjuntos escultóricos de mármol y bronce, crecen entre la vegetación y forman una antología de los estilos artísticos de los siglos XIX y XX; neoclasicismo, realismo, simbolismo o art decó, creando uno de los cementerios más bellos del mundo. Numerosas personalidades descansan aquí; Constance Lloyd, la esposa de Oscar Wilde, el primer ministro italiano Ferruccio Parri, o Giuseppe Mazzini, a quien citábamos al principio. Hay zonas destinadas a distintas confesiones. A la zona católica hay que sumar, un cementerio inglés, un protestante, uno judío y otro evangelista.

En el núcleo central una escalinata conduce hacia una copia del Panteón de Agripa de Roma. El realismo de algunas de sus esculturas, en muchos casos retratos de los difuntos, es conmovedor.

Cementerio central de Viena

Más de tres millones de almas duermen en este extenso cementerio, el segundo más grande de Europa tras el de Hamburgo. Dividido en zonas distintas dedicadas a varias religiones. Sobrecoge especialmente el Viejo Cementerio Judío (en la imagen), Hay una zona de sepultura islámica, una ortodoxa y está el llamado Parque de la quietud, en honor a los budistas.

Durante la Segunda Guerra Mundial, se utilizó como huerta. Desde la puerta principal una avenida nos lleva a la Iglesia del Dr. Karl Lueger, levantada en su honor por su memorable alcaldía de Viena desde 1895 a 1910, año de su muerte. Obra de Max Hegele, es considerada una de las más representativas del modernismo vienés.

Hay una sección destinada a los músicos, allí están las tumbas de Ludwig van Beethoven, Franz Schubert, Arnold Schonberg, Carl Czerny, Antonio Salieri o Theodor Leschetizky, Johannes Brahms y los Strauss. De Mozart sólo hay un monumento, pues su tumba está en el cementerio de San Marx.

Osario de San Bernardino. Milán

En los antiguos terrenos de esta iglesia de Milán, muy cercana a la espléndida catedral, hubo allá por el siglo XII un cementerio. Por falta de espacio se fueron albergando los huesos antiguos en una cámara u Osario. Pero tras un derrumbe en 1642, hubo que restaurar la iglesia y Giovanni Andrea Biffi aprovechó los restos para decorar los muros de la Capilla de las Ánimas. Los frescos de Sebastiano Ricci, de 1695, que representa el triunfo del alma, completan la «especialísima» decoración.

No es el único ejemplo en el mundo donde se han utilizado restos humanos para decorar capillas. En Portugal hay dos: en Évora y en Faro; en Austria el Osario de Eggenburg; hay uno bajo las catacumbas de París; en Austria en el Hallstatt Beinhaus en Hallstatt, donde los cráneos aparecen decorados. La lista es más larga y une el sentido práctico con el religioso, pero no todas las sensibilidades lo disfrutan.

Cementerio de Greyfriars. Escocia

Este cementerio es uno de los lugares mas tenebrosos de la tierra. Claro que si estamos en Edimburgo y hemos visitado su castillo, ya poco nos va a asustar. Fue durante el siglo XVII una cárcel política donde un tal George Mackenzie, conocido como Bloody (el sangriento), se despachó a gusto en la sala de torturas. Este Bloody está enterrado aquí, y dicen que algunos visitantes que acceden a la Ciudad de los muertos por la Cárcel de los Covenantersen, donde torturaba Bloody, sufren moretones y cortes, y muchos cuentan que han sentido sensaciones extrañas. Otro hecho constatable es que ha habido un buen número de muertes en el mismo cementerio.

Pero no debe ser para tanto porque en la parte trasera, lindante con sus muros siguen funcionando la escuela George Heriot, y el pub Bobby Greyfriars, que lleva el nombre del perro más famoso de la ciudad, recordado porque vivió aquí, junto a la tumba de su dueño durante los catorce años que le sobrevivió.

Cementerio Sayalonga. Málaga

Sayalonga es un pequeño municipio de la Axarquía de Málaga, cuyo nombre tiene su origen en la Prehistoria. La arquitectura de su cementerio de forma octogonal, único en España, construido hacia 1840, genera todo tipo de especulaciones. Hay una la leyenda que cuenta que su forma obedece a la idea de que los difuntos no se dieran la espalda (las tumbas centrales son posteriores).

Investigaciones recientes relacionan la curiosa forma con el mundo de la masonería, teoría que se ve apoyada por la importante cantidad de símbolos masones que presentan muchas tumbas: columnas, triángulos, pirámides truncadas, el triple escalón, o el sol. En el interior del cementerio hay un centro de interpretación y las visitas son gratuitas.

Cementerio Okunoin.Japón

En Wakayama, al sur de Osaka se encuentra el cementerio más grande del país. Conocido como Okunoin, está en el monte Koya a más de 800 metros de altitud. Su historia arranca alrededor del año 800 por iniciativa del monje Kukai que eligió este monte como centro del budismo shingon, una de las principales escuelas budistas de Japón. Según la leyenda, Kukai alcanzó el Nirvana y sigue meditando en el monte Koya.

A lo largo de los siglos, este lugar se ha convertido en un cementerio muy popular, objeto de deseo para terminar aquí meditando con Kukai.

Muy diferente en su aspecto a los cementerios occidentales, es transitado no sólo como visita a los fallecidos si no como lugar de búsqueda de espiritualidad en sus 120 templos, o de conocimiento sobre esta cultura religiosa en la Universidad de Estudios Religiosos que está dentro del cementerio.

La entrada Quince cementerios del mundo contra el olvido del tiempo se publicó primero en Ruta Cultural.

Recorrer el Lago Como no necesita más motivo que él mismo, sólo hay que dejarse llevar por la intuición, que a veces es la mejor de las guías. Vayas donde vayas te encontrarás inmerso en una especie de círculo de la belleza, como la honda que dibuja en el agua una pequeña piedra que cae. Este es un lugar de la tierra que invita a gozar de la vida y a huir de los afanes.

Hay en sus ciudades, la mayoría pequeñas y pintorescas, historia, arte, naturaleza, gastronomía y encanto suficientes para sentir que a veces, el ser humano es capaz de grandes cosas, como lo que ha conseguido en la Lombardía italiana este pueblo que tan dado es a disfrutar de la dolce vita; unir naturaleza y vida sin cortar el hilo de la hermosura.

Hoy te invitamos a pasear por el lago Como siguiendo los pasos del cine; su villas, sus pueblos y él mismo han sido y seguirán siendo un telón de fondo único y espectacular para envolver las historias más diversas; lujo, pasión, romanticismo y belleza sin límites.

Desde Milán estás a tan sólo unos cuarenta kilómetros de la ciudad de Como, donde comienza el lago. Te aconsejamos que no te lo pierdas: podrás pasear por escenarios de películas famosas, y podrás narrar tu personal e inolvidale película, argumentos hay muchos. Preparados, cámaras, ¡acción!

Bellagio, la Perla del Lario

Bellagio es considerada la Perla del Lario, pues su construcción en el promontorio que divide el lago en dos brazos, el Como y el Lecco, la sitúa en un paisaje espectacular. Desde aquí se domina la totalidad del bellísimo Lago Como. Su historia está repleta de visitantes ilustres además de los relacionados con el mundo del cine: por ejemplo, Napoleón se hospedó en Villa Melzi.

Y el multimillonario Rockefeller se fijó en Bellagio para dejar aquí una sede de la Fundación Rockefeller dedicada a actividades filantrópicas en pro del arte.

No dejes de visitar su barrio de pescadores Il Pescallo. Allí, alejado de la masa de turistas, te aconsejamos comer en el modesto hotel La Pérgola.

Las cámaras de cine desde que éste comenzó su historia, han sido literalmente devoradas por los rincones de Bellagio. Empezaron los hermanos Lumière que rodaron aquí Carrera de Barcas, un reportaje sobre una regata celebrada hace ya más de un siglo, en 1896. Después siguieron muchos más, por citar algunos:

Luchino Viconti rodó aquí en 1960 algunas escenas de Rocco y sus hermanos. Annie Girardot y Renato Salvatori, actores en el reparto de esta historia, se conviertieron en marido y mujer en la vida real tras conocerse en esta dura y magnífica película de Visconti.

Sydney Pollack rodó Bobby Deerfield en 1977, con una extraordinaria actuación de Al Pacino, en un drama romántico inolvidable. Obra basada en la novela de 1961 El cielo no tiene favoritos de Erich Maria Remarque. Aquí se rodaron escenas que miran desde el promontorio en medio de las dos ramas del lago visto desde arriba, y otras cuyo protagonista es el puerto, rodadas desde un ferry hacia Cadenabbia, recreando la cámara en el Grand Hotel Villa Serbelloni.

La hermosa y triste Érase una vez en América, de Sergio Leone, aunque ambientada en EEUU, tiene escenas en Bellagio. Su protagonista, Robert De Niro quedó también prendado del lugar y lo visita asiduamente desde entonces. Parece ser que frecuenta la trattoría Belvedere, además de dar paseos interminables por los jardines de Villa Melzi. ¡Como para no pasear!

Aquí también se rodó en 1955 Un mes en el lago, de John Irvin. Los personajes se mueven desde el magnífico parador de turismo de Fascioli a múltiples rincones de Bellagio. La protagonista es la siempre espléndida Vanessa Redgrave, que encarna un personaje en el otoño de una vida marcada por los recuerdos de los veranos de su infancia.

La isla de Hitchcock. Comacina y su maldición.

Alfred Hitchcock rodó en 1925 El jardín de la alegría, utilizando como telón de fondo, para la escena más romántica, la isla de Comacina. El maestro del suspense, embaucado por lo extraordinario del lugar, volvió muchas veces después al Lago Como, y desde la Villa D’Este donde se hospedaba, navegaba hasta Comacina donde vivía largas veladas escuchando las historias que Lino Nessi, gerente del hostal y el restaurante, le contaba del pasado misterioso de esta isla.

Comacina fue poderosa y rebelde, hasta que en el siglo XII, Federico Barbarroja y los guerreros comascos la destruyeron como represalia por aliarse con Milán para arrebatarle el poder. El emperador promulgó un decreto prohibiendo que se reconstruyera y el obispo Vidulfo la excomulgó y la maldijo asegurando una muerte violenta a los que volvieran a habitarla. Nadie volvió a vivir allí hasta que en el siglo XX se convirtió en un refugio perfecto para artistas.

Dos socios de Lino Nessi murieron de forma violenta a poco de comenzar su negocio en la isla, pero él siguió adelante y hoy esta isla de cuento, por la que dicen que pasó el Santo Grial, sigue muy animada gracias entre otros a Benvenuto Purinelli y su famoso restaurante, Locanda dell’Isola (en el enlace tenéis un reportaje del sitio). Este Purinelli hace cada noche un exorcismo de fuego para expulsar los malos augurios ¡y parece que funciona!

En Lenno, la inmortalizada Villa del Balbianello.

En este mágico escondite del Lago Como se han rodado escenas del segundo episodio de Star Wars y la más romántica de James Bond, Casino Royale, entre otras. Te aseguramos que merece la pena el paseo.

Dioses y ninfas absortos ante el lago.

Laglio, buscando a Clooney

Esta es una de las dos villas que Clooney posee (o poseyó) en el Lago Como. Aquí se hospedó el equipo de rodaje de Ocean’s Eleven y se rodaron algunas escenas. Se ha convertido en una de las paradas desde el lago cuando los ferries de turistas pasan cerca.

En las laderas del monte Colmegnone, sobre Torriggia, una de las aldeas que forman Laglio, se encuentra la famosa cueva del «Oso del Oso» (visitable previa solicitud en las oficinas de la comuna) en la que se encontraron los huesos de Ursus spelaeus, una legendaria raza de osos europeos.

Cernobbio, el refugio de las estrellas en el Lago Como

Situado a poco más de cincuenta kilómetros de Milán, es una ciudad residencial famosa por sus hoteles de lujo y sus villas. Como todos los rincones del Lago Como, tiene una intensa relación con el cine.

Villa Erba, hoy convertido en Centro de Congresos, tiene salas dedicadas a Visconti, que fue su propietario. En el Villa D’Este, se han alojado ilustres del cine, de la ópera, y claro, multimillonarios; Elizabeth Taylor y Nick Hilton, Rita Hayworth y Orson Welles, Clark Gable y Carol Lombard, Ava Gardner y Frank Sinatra, Aristóteles Onassis y Maria Callas, Tyrone Power y Linda Christian, Woody Allen y Mia Farrow. Si te llega el presupuesto puedes elegir habitación según tus gustos cinematográficos.

En Villa D’Este rodó ALfred Hitchcock, algunas de las escenas del ya mencionado El Jardín de la Alegría, largometraje que significó su consagración defintiva.

También nos dejó imágenes de este bellísimo lugar la poco lograda Crónica de un engaño, en la que participó Antonio Banderas.

El alojamiento en Cernobbio ofrece múltiples posibilidades. Proponemos dos diferentes en cuanto a precios y servicios, las dos con muy buenas críticas.

El espectacular Casa de Santo Stéfano

Y el más sencillo pero encantador Trattoria Albergo la Vigneta

El último acto de Mussolini

En la orilla contraria de este lugar de fábula que es Varenna se encuentra la pequeña aldea Giulino di Mezzegra. Aquí fusilaron a Mussolini y a su amante Claretta Petacci antes de trasladarlos a Milán para colgarlos en la plaza pública.

Hay un rumor que habla de que en Dongo, muy cerca de donde ocurrieron los fusilamientos, se perdió el oro con el que supuestamente Il Duce pensaba huir a Suiza y que ese tesoro yace en el fondo del lago.

En la zona nadie apuesta por esta hipótesis. En realidad no se sabe lo que pasó, pero después de la muerte de Mussolini gentes que no tenían nada se hicieron con lujosas villas. El misterio continúa sin esclarecerse y da mucho que hablar.

La fallida huida de Mussolini la llevó al cine Carlo Lizzani en una aceptable cinta que tituló Mussolini: Último acto, rodada en estos idílicos paisajes.

Música de cine desde el Lago Como

Terminamos este recorrido por el Lago Como en Blevio, en una Villa que perteneció a Giuditta Pasta, hoy convertida en un más que recomendable hotel de lujo Casta Diva Resort. En este magnífico edificio, donde han sabido conjugar lo nuevo con lo antiguo en una fusión fantástica, encontramos todo el lujo que podamos desear, envuelto en una escenificación de los amores de la diva y el compositor Bellini. Cita asidua de interpretaciones de ópera entre sus escalinatas y jardines.

El nombre se lo debe a la conocidísima aria Casta Diva que compuso Bellini para su musa y amante Giudita Pasta, en la maravillosa ópera Norma. Presente en la banda sonora de numerosas películas, como Atlantic City, de Louis Malle, Oblómov de Nikita Mijalkov, Los Puentes de Madison de Clint Eastwood o La Señal de Ricardo Darín, entre otras que seguro se nos escapan.

Hay entre ellas un maravilloso poema cinematográfico titulado 2046, compuesto por el maestro hongkonés Wong Kar-Wai, que utilizó el aria Casta Diva en varias secuencias de esta película. Interpretada para la ocasión por la soprano Angela Gheorghiu acompañada por la Orquesta Sinfónica de Londres y bajo la dirección de Evelino Pido.

No se nos ocurre una mejor manera de cerrar este post, que recordando una cita de El club de los poetas muertos:

Carpe diem, aprovechen el día, hagan sus vidas extraordinarias

La entrada Lago Como, un espectacular escenario de cine se publicó primero en Ruta Cultural.

El mismo día en que Colón llegó al Nuevo Mundo, el 12 de octubre de 1492, cerraba sus ojos para siempre Piero della Francesca. Lo hacía en el mismo lugar en que vio por primera vez la luz hacia 1415, en Borgo de Sansepolcro (hoy Sansepolcro).

Figura esencial en el avance de la representación relacionada con la perspectiva, la proporción, la simplificación de las formas y la representación de la luz, Piero della Francesca dotó a sus personajes de verdad humana, los hizo monumentales, llenos de majestad, espiritualidad y poesía.

Con un estilo propio fácil de identificar, se movió con igual soltura en las técnicas murales, utilizando el fresco, el temple, el óleo, la tabla o el lienzo. Era un trabajador lento y reflexivo: para poder trabajar de forma minuciosa en sus pinturas al fresco, utilizaba el truco de aplicar paños húmedos al yeso por la noche, para mantenerlo húmedo y seguir trabajando al día siguiente, sin tener que arrancar cada jornada con yeso nuevo.

Hijo de un rico comerciante de tejidos, tuvo desde la infancia relación con las matemáticas, el cálculo, el álgebra y la geometría. Brillante tratadista y matemático, en su tiempo fue muy admirado por su sabiduría. Sobre él se ha escrito mucho. El primero en hacerlo fue Vasari, que se referiría al injusto olvido de su obra en los siguiente términos:

Y aunque el tiempo, al que llamamos padre de la Verdad, tarde o temprano saque a la luz esta verdad, (muchos) sin embargo son privados durante tiempo del honor que merece su trabajo. Este fue el caso de Piero della Francesca, De Borgo San Sepolcro.

La primera impresión que nos dejó su obra, más allá de todos los avances técnicos y estilísticos, es el silencio imponente en sus composiciones, un silencio ficticio, porque el espectador queda atrapado en una conversación íntima y poderosa con los personajes que le miran desde los cuadros y los muros. Y esa conversación silenciosa se baña de un aire de misterio, inescrutable en el que está inmerso el imaginario personal de este artista toscano, cuya obra quedó prácticamente en el olvido hasta la llegada de los impresionistas.

Con Piero della Francesca en la Toscana

Piero della Francesca en Sansepolcro

El río Tíber atraviesa la ciudad de Sansepolcro en su camino hacia Roma y también lo hacen la vida y la obra de Piero. Vivió allí la mayor parte de su vida, aunque algunas obras que pintó en su pequeña ciudad se encuentran muy lejos, como la tabla del Bautismo de Cristo, que se conserva en la National Gallery de Londres.

En el Museo Cívico de Sansepolcro, encontramos cuatro obras del artista.

El Políptico de la Misericordia, un encargo de la Hermandad del mismo nombre en 1445, que es la primera obra documentada de la que se tiene noticia. El maestro tardó casi quince años en terminarla y no todas las tablas las hizo él. La predela que contiene las pequeñas escenas con paisajes se le atribuye a algún autor local.

El fondo dorado del retablo una exigencia de los comitentes, acerca la obra al Gótico; mientras que la contundencia de las figuras, aprendida de Masaccio; el colorido que aprendió Piero della Francesca de la mano de su maestro en Florencia, Domenico Veneziano; y la perspectiva, que consigue en el panel central con el manto de la Virgen, aprendida de Brunelleschi, abren la obra al Renacimiento.

Entre las tablas que realizó él se encuentra la tabla central, parece ser que la última en terminarse: la Madonna de la Misericordia. El manto de la Virgen aparece como un gran tabernáculo bajo el que se protegen los hermanos de la cofradía. El personaje que aparece bajo el brazo derecho de la Virgen, mirando hacia arriba, se ha identificado como un autorretrato.

Además de los frescos de San Julián y San Ludovico, encontramos en este museo el extraordinario fresco de la Resurrección, datado entre 1463 y 1465 y pintado para la Sala dell’Udienza de Sansepolcro. La iconografía del fresco es una mezcla del poder civil y el poder divino.

Los paisajes de su entorno le sirven para simbolizar la exhuberancia de la vida a la izquierda de Cristo, y la tristeza de la muerte a su derecha. Si atendemos al lugar para el que fue realizada, estos paisajes se pueden entender como el buen y el mal gobierno. Su factura es una prueba del manejo extraordinario de la perspectiva por este geómetra apasionado, que da una lección con la utilización de la luz para resaltar la poderosa figura de un Cristo que triunfa ante la muerte. De nuevo vemos un autorretrato del artista, es el personaje que aparece dormido de frente bajo el brazo derecho de Jesús.

Hay una historia que situa a Aldous Huxley, autor de Un mundo feliz, como el salvador accidental de esta pintura durante la Segunda Guerra Mundial. Huxley, impresionado por el fresco, lo menciona en su libro de viajes A lo largo del Camino: notas y ensayos de un Turista, y habla de él como la «pintura más grande del mundo».

Una serie de casualidades se dieron cita en 1944 en Sansepolcro, que se encontraba en la línea del frente. La afición a la lectura del oficial de artillería Anthony Clarke, al mando de un destacamento de las fuerzas aliadas, le había llevado a leer el libro de viajes de Huxley y su sensibilidad le impidió convertirse en el responsable de la destrucción de aquella obra. Jugándose pasar por un consejo de guerra, dio la orden de cesar temporalmente el fuego para persuadir a los alemanes. Al día siguiente, las fuerzas aliadas entraron en la aldea sin la menor dificultad. Sobre este militar, que acabó después de la guerra abriendo una librería en Ciudad del Cabo, y lo que pasó en Sansepolcro os recomendamos leer este artículo.

La verdad es que el fresco ha «resucitado» en otra ocasión ya que fue cubierto de cal cuando la moda del rococó veía poco encanto en una obra como aquella y permaneció más de un siglo cubierta hasta que en 1839 volvió felizmente a ver la luz.

Piero della Francesca en Monterchi

Dejando atrás Sansepolcro, a unos 20 minutos en coche, nos vamos a acercar al pueblo natal de la madre de Piero, Monterchi, situado en una colina en el margen derecho del río Tíber y en el límite con la región de la Umbria.

Allí, para la antigua iglesia de Santa María a Momentana, aunque hoy la podemos ver en el Museo della Madonna del Parto, Piero realizó hacia 1460 este fresco probablemente dedicado a su madre, que está considerado como una de las obras maestras del Renacimiento italiano. Es la única pintura de ese siglo que representa a la Virgen en estado de buena esperanza. Para la realización del fresco, Piero della Francesca utilizó colores extraídos de minerales selectos y costosos que le proporcionan un acabado con una pigmentación brillante y llamativa. El ropaje de la Virgen es de lapislázuli, mineral que llegaba a la República de Venecia desde la lejana Afganistán, lo que encarecía bastante el pigmento.

La preciosa cortina de damasco, decorada con bordados de granadas -símbolo de la fertilidad- que sirve de baldaquino al sujetarla dos ángeles, guarda a una jovencísima María, con una dulce expresión en su rostro y una postura común en cualquier futura madre. María deja caer una mano sobre su estómago, mientras que apoya la otra en su cadera para soportar el peso. Esta Virgen es un ejemplo de lo que decíamos al principio sobre la pintura de Piero, respecto a que dota a sus personajes de verdad humana.

Hay un dato histórico que ha rodeado de un halo «milagroso» este fresco. En 1785 un terremoto destruyó por completo la iglesia, quedando en pie e intacto únicamente el muro en el que aparece esta virgen. Esto convirtió el lugar en un centro de peregrinación de mujeres embazaradas. Y de nuevo en 1910, se volvió a librar de otro destructivo temblor de tierra por haber sido cambiado de sitio tras una restauración.

Se salvó también de otro tipo de temblores, ya que siendo un misterio su iconografía, que no está nada en la línea de los dictados del Concilio de Trento, estuvo en el punto de mira de la Inquisición.

Piero della Francesca en Arezzo

A tan sólo media hora en coche desde Monterchi, seguimos a este itinerante maestro italiano por su Toscana natal y llegamos a Arezzo. Aquí en en la Capilla Bacci de la iglesia de San Francesco, encontramos el ciclo de frescos de la Leyenda de la Vera Cruz. Una obra maestra que está datada entre 1452 y 1466.

Hay una inscripción en la iglesia que anuncia lo que vamos a ver en la Capilla Bacci:

Serenidad, rigor, perfección matemática, tiempo resuelto en el espacio, presente que engloba los siglos, solemnidad armoniosa del existir. Es toda la inmortalidad que distingue la obra de Piero Della Francesca

Para desarrollar el tema de este ciclo pictórico, Piero se basó en la Leyenda Dorada de Santiago de la Vorágine, aunque hizo su propia interpretación y añadió la Anunciación que vemos en la parte derecha baja del testero central.

Hace más de 500 años Piero nos dejó esta maravilla en Arezzo. Supo construir un relato con siglos de leyendas que tejieron el símbolo de la Cruz; éstas parten de una semilla procedente del Paraíso, que siembran en el viejo cuerpo del padre Adán. De aquí nacerá el árbol que servirá para hacer la cruz en la que un día el hijo de Dios morirá para salvar a la humanidad.

Milagros, batallas, encuentros «fortuitos» con el madero, robos y recuperaciones del mismo quedan para siempre fijados en los muros de la sencilla iglesia franciscana de Arezzo. Sentados frente a la Capilla Bacci, a la espera del turno que permite entrar y escuchar las explicaciones del guía, se siente ya la emoción que el artista supo trasnmitir al contar esta mezcla de historia y de leyendas que son el fundamento de todo un símbolo cristiano: la Cruz.

Uno de los episodios de esta historia sucedió en el año 312, cuando se libró la batalla en el Puente Milvio, cerca de Roma. Su resultado fue un importante punto de inflexión en la historia del cristianismo. Los historiadores cristianos de esta época y posteriores, influidos por la narración de Eusebio de Cesarea, atribuyeron la victoria de Constantino sobre Majencio a una intervención divina, en la que Constantino vio en sueños una cruz con la leyenda «por este signo vencerás», lo que despertó en él un apego por el cristianismo que impulsó su legalización en el Edicto de Milán del año 313.

Ese sueño lo lleva Piero al muro de la Capilla Bacci en este espléndido fresco que hasta hace poco se creía una escena nocturna, pero una reciente restauración ha destapado luces que sitúan la escena en el amanecer.

Sentado en un banco bañado de luz, un siervo vela su sueño y mira pensativo hacia el espectador, como si conversara con él en silencio (desde el banco donde se espera la entrada ya se entabla esa conversación). El tratamiento de la luz, que se adelanta al futuro maestro Caravaggio, destaca en la oscuridad a los centinelas en primer plano, que reciben la iluminación únicamente por la luz proyectada desde arriba por el ángel. El mensajero divino desciende para mostrarle la cruz al emperador durante su sueño profundo, en un anuncio que cambiará la historia de Occidente.

En la siguiente escena Piero recrea esa victoria con un fondo del paisaje de Sansepolcro con el río Tíber serpenteando entre los soldados. La Batalla tuvo lugar en el Puente Milvio, cerca de Roma, sobre las aguas del Tíber.

Mucho después, en el año 614, el rey persa Cosroes II, que había tomado Jerusalén y robado la Vera Cruz (encontrada legendariamente por Elena, la madre de Constantino) fue vencido y degollado por Heráclito, que la recuperó. Esta escena la representa Piero en otro episodio que sitúa justo enfrente de la batalla de Constantino.

El ciclo lo podemos seguir por orden o dejarnos llevar sin necesidad de tener en cuenta la magnífica invención de esta historia. Cada una de las escenas es en sí misma un deleite lleno de detalles extraordinarios; en las expresiones de los rostros, en los juegos de luces, en las composiciones narrativas, o en el reconocimiento de los paisajes que nos acompañan en la ruta emprendida por esta zona bendita de Italia.

Entre estos paisajes amados por el artista y algunas arquitecturas locales (como la ciudad de Arezzo, a la que emplaza en una colina rodeada de una muralla para representar Jerusalén, o el mismo Sansepolcro con sus edificios colocados en perspectiva como fondos escenográficos, detrás y a la derecha del templo de Venus que tanto recuerda a la arquitectura de su admirado Alberti) Piero della Francesca presenta figuras elegantes, centradas en una geometría perfecta, que van desarrollando escena tras escena esta vieja leyenda.

Anthony Minghella nos sorprendió con algo más de dos minutos de emoción en su película El Paciente Inglés, cuando a Hanna le regala su amado un vuelo hacia estos maravillosos frescos. La escena termina con un sincero thank you, que hacemos nuestro también.

En el Duomo de Arezzo todavía podemos disfrutar de otra obra magnífica; la monumental, bellísima y misteriosa Magdalena del Duomo, que debió ser la misma modelo que vemos en la Anunciación de la Capilla Bacci en San Francesco y la misma que vimos en la Madonna del Parto.

Con Piero della Francesca en la Umbria

Piero della Francesca en Perugia

Aproximadamente a una hora de Arezzo encontramos en la Galería Nacional de Umbria, en bellísima Perugia, una obra compleja y magistral de nuestro pintor. Se trata del Políptico de San Antonio, que pintó en el convento del mismo nombre de esta preciosa ciudad en 1467, por encargo de las hermanas terciarias para la capilla del edificio.

Es una mezcla del Gótico Final de la mayoría de las tablas, muy apreciado en la Umbria durante el Quattrocento, con el pleno Renacimiento del tímpano donde Piero dejó una clase magistral de perspectiva.

Con Piero della Francesca en Le Marche

Piero en Urbino: camino hacia la madurez

Salimos de la Umbria para adentrarnos en la región italiana de Le Marche, apenas hora y media de coche nos llevará a la impresionante ciudad de Urbino, cuna de Rafael Sancio.

Entre 1454 y 1486 Piero della Francesca mantuvo una intensa relación con esta ciudad, que durante el mandato de los duques Federico de Montefeltro y Battista Sforza llegó a su etapa más brillante tanto en el aspecto político como en el cultural.

El Duque quiso hacer de Urbino una nueva Atenas y para ello llamó a los mejores artistas y humanistas. Allí Piero coincidió con León Battista Alberti, Melozzo da Forli, Justo de Gante, y el matemático Luca Pacioli entre otros, y en Urbino dejó Piero un nuevo lenguaje pictórico presidido por la arquitectura, como vemos en la Pala de Brera, en la Madonna de Senigallia o en la Flagelación de Cristo. El contacto con los artistas flamencos influyó decisivamente en su obra, como observamos en la Natividad, probablemente pintada aquí y que podemos ver en la National Gallery de Londres, o el Políptico de San Agustín, hoy desmembrado, del que podemos admirar la tabla que retrata al Santo en el Museo de Arte Antiguo de Lisboa.

En el Palazzo Ducale di Urbino, sede de la Galleria Nazionale delle Marche, se encuentra la Flagelación de Cristo, una de las imágenes más controvertidas y famosas del Quattrocento. Todo en esta tabla resulta enigmático: la fecha en que está datada, que contradice la presencia de los tres personajes de la derecha; algunos los identifican con personas posteriores en el tiempo. El mensaje de los protagonistas de las escena del fondo, o la frialdad de esa misma escena, que más bien parece un cuadro dentro de otro cuadro.

Lo que no admite interpretación alguna es que el tratamiento de esta obra le concede todo el protagonismo a la arquitectura. El escenario clásico es de manera palpable la principal preocupación del artista, que parece haber congelado el momento de la Flagelación trasladándolo en el tiempo.

En la misma Galería encontramos esta tabla que debe su nombre a la iglesia de Santa María de las Gracias en Senigallia, de donde procede. Datada entre 1470/75, es una escena naturalista, ambientada en una habitación con decorados renacentistas, que hace un guiño a la influencia flamenca en una cesta con ropa blanca que aparece en la repisa del fondo, en los bordados de los trajes o en la ejecución de los pliegues de las ropas.

De 1475 es este panel de madera trabajado en témpera y que se atribuye a Piero della Francesca, que también podemos ver en esta Galería. La preocupación constante del artista por la arquitectura, la geometría y el cálculo, sumados a la iluminación de los edificios de esta ciudad ideal, que parecen salidos de los pinceles de Piero; su preocupación por los temas humanísticos, como la búsqueda de la ciudad ideal; o el hecho de que dejara tres tratados que abordó al final de su vida: «De prospectiva pingendi», «Trattato d´abaco» y «De quinque corporibus regularibus», revelando en ellos su deseo de plasmar la realidad de las cosas a través del orden matemático, siguiendo a Brunelleschi o Alberti, hacen más que probable el acierto de esta atribución.

Con Piero della Francesca en la Emilia-Romagna

Piero della Francesca en Rímini

A una hora de Urbino pasando de la Umbria a la Emilia-Romagna, llegamos a Rímini, en la costa Adriática, ciudad de playas interminables y cuna de Federico Fellini. Aquí en 1450 el condotiero Segismundo Pandolfo Maltesta llamó a Piero della Francesca para trabajar en el Templo Malatestiano, una obra maestra del Renacimiento que le debemos a Leon Battista Alberti. Allí dejó Piero un fresco votivo monumental que conocemos como Pandolfo Malatesta a los pies de su santo patrón.

Piero estuvo en contacto con Alberti en Rimini y este contacto será decisivo en su obra. En el fresco del Templo Malatestiano desarrolla un esquema perspectivo en consonancia con las proposiciones albertianas, proposiciones que Alberti bebió del mundo clásico que tenía tan a la mano en esta ciudad balneario que mira al Adrático.

La escena está encerrada en un marco arquitectónico que recuerda un bajorrelieve. El revestimiento con mármoles polícromos enriquece los colores, como vimos en el suelo del tímpano en el Políptico de San Antonio. Ante el trono de San Segismundo se arrodilla el condotiero, majestuoso gobernante cuyo perfil recorta Piero para rendirle homenaje al santo. Otro retrato también de perfil de Segismundo, como era costumbre en estas fechas, se encuentra en el Museo del Louvre.

A pesar de la presencia del santo, que más bien parece un consejero, nada acerca esta obra a un tema religioso. Es una obra profana envuelta en una fastuosa arquitectura. El retrato heráldico centra la composición y el emblema del castillo aparece en una ventana cuyo marco circular tiene todo su volúmen arquitectónico, al igual que las columnas.

Los dos hermosos galgos recostados detrás del condotiero y adelantados a éste, ayudando con la perspectiva, son un ejemplo de extrema sencillez en su representación. Las líneas de las cabezas de los animales tienen formas tan simples que revelan un extraordinario conocimiento de la naturaleza, pero en la redondez de sus cuerpos vemos el interés de Piero por el estudio de los volúmenes, algo que hemos encontrado en toda su obra.

De vuelta a la Toscana

Piero della Francesca en Florencia

Desde Rímini volvemos a la Toscana: dos horas y media de coche nos separan de Florencia, donde un jovencísimo Piero tuvo contacto por primera vez con las enseñanzas directas del Renacimiento. Fra Angelico, Masacio, Alberti, Brunelleschi, Veneziano… podemos decir que en Florencia, donde apenas quedan restos de los frescos en los que trabajó con Domenico Veneziano, Piero della Francesca absorbió la esencia del Renacimiento, recogió las enseñanzas del camino emprendido y sirvió de puente hacia Perugino o Sandro Botticeli.

Venimos en busca de una de las tablas más extraordinarias que pintó Piero della Francesca. La hizo en Urbino, pero la obra está en la Galería de los Uffizi. En esta magnífica pinacoteca, sin duda el mejor museo de Florencia y uno de los mejores del mundo, se puede comprobar la evolución del arte de una época gloriosa, que surgió en la Toscana por alguna razón que sabrán los dioses.

Hablamos de un retrato de los Duques de Urbino, conocido como Ritratti di Federigo di Montefeltro, duca d’Urbino e della moglie Battista Sforza. La datación no es segura pero sabemos que lo terminó después de 1472, fecha del fallecimiento de Battista, dado que el de ella es un retrato póstumo. Es por lo tanto una obra de madurez del pintor, donde se unen todos los hallazgos de su recorrido vital y profesional.

Cada centímetro de este retrato es un disfrute para los sentidos. Tendremos que esperar al pintor rococó francés Antoine Watteau para encontrar de nuevo un colorido en los paisajes, tan cercano al toque de una piedra preciosa.

Los paisajes idealizados del fondo, tomados desde una perspectiva elevada, impropia de Italia, son una clara influencia flamenca. La representación de perfil de los retratados, que se miran de frente, es típica de esta época en Italia y parte de una influencia de las monedas romanas.

La delicada minuciosidad con la que el artista se pasea por las joyas de Battista o los bordados de su traje y la técnica al óleo con la que realiza Piero della Francesca esta tabla son, ambas, conexiones directas con el mundo flamenco.

En el reverso, representó la llegada de los esposos a la villa de Urbino sobre dos carros triunfales. Situados igual que los bustos de los retratos, uno frente a otro, a ambos los acompaña en primer término Cupido, y mientras el Duque cuenta tras éste con la presencia de la Prudencia, la Justicia y la Fortaleza, y es coronado por la Victoria, la Duquesa aparece acompañada por la Castidad y la Esperanza. Acercándose a Cupido aparecen la Fe y la Caridad. Son los Triunfos de Federico de Montefeltro y de Batista Sforza.

Terminamos este recorrido por una época única con la sensación de que volveremos a encontrarnos con las miradas de Piero della Francesca en algún momento de nuestras vidas. No en vano sus personajes siguen mirando al mundo mas allá de sus muros. Carlos Fuentes, en su libro Viendo Visiones, se refiere así a las figuras del maestro de Sansepolcro:

Las figuras de Piero, audazmente, miran fuera de las fronteras de su propio espacio. Miran fuera del mural. Existe un mundo más allá de los límites reconocibles. Quizás se trata de un mundo diferente, el mundo de los demás, el mundo donde ya no nos reconocemos, pero somos invitados a reconocernos en lo ajeno. Piero della Francesca murió en 1492, cuando Cristóbal Colón estaba descubriendo que el mundo tenía otra mitad, desconocida hasta entonces para los europeos, los asiáticos y los africanos. Piero ve más allá de las fronteras. Y en sus murales de Sansepolcro hace que sus figuras duerman y, acaso, sueñen. ¿En qué cosa sueñan? Quizás, en un mundo nuevo. Y acaso el artista sea, en verdad, el pequeño dios de Rimbaud. Este minidiós, quizás, inventó el mundo y todo lo que en él existe hace apenas veinte segundos. ¿Quién puede demostrar lo contrario?

La entrada La ruta de Piero della Francesca se publicó primero en Ruta Cultural.