Si algo no le falta a la ciudad de Córdoba son zonas verdes por las que poder pasear y disfrutar de un día al aire libre. Las antiguas civilizaciones que han habitado en su territorio actual cuidaban especialmente este tipo de lugares y eso se ha traducido en una conservación muy buena por parte de una sociedad en la que confluyen diferentes religiones y razas.

Árboles en la zona centro de la metrópoli, parques a las afueras en los barrios más perimetrales o lugares escondidos entre la gran cantidad de rincones para visitar en Córdoba. Todo vale para tomar contacto con la naturaleza en estos diez jardines que te mostramos a continuación.

Jardines del Alcázar

Uno de los reclamos si decidimos hacer una visita al Alcázar de los Reyes Cristianos es visitar sus esplendorosos jardines. Estos se abonaron en torno al año 800 en la época musulmana y después de ser abandonados volvieron a tomar importancia gracias a la Reconquista. Situados al sur del recinto, sirvieron para dar sombra a la zona de los baños, donde más le interesaba a los monarcas que hubiera una temperatura más refrescante.

Hoy en día cuentan con una fuente de piedra, para recibir a las innumerables visitas turísticas, y que canaliza el agua proveniente de la sierra. Acequias, albercas y otros pilones y fuentes decoran un espacio muy demandado por las parejas de novios recién casados para completar su álbum de fotos.

Jardín de la Mezquita

También es un jardín privado perteneciente a la Mezquita de Córdoba. Se encuentra en la fachada Norte del Templo, donde en la etapa califal se daba cobijo a todos los ciudadanos que querían pasar. Se celebraban reuniones y espectáculos, hasta que en la Reconquista se decidió construir una capilla en esa cara de la construcción y el lugar quedó para el interior del templo.

Es conocido como el Patio de los Naranjos por los 98 ejemplares de dicho árbol que hay en él, aunque con ellos también conviven cipreses, olivos y palmeras. Se trata del jardín vivo más antiguo de Europa y cuenta con un aljibe de Almanzor que está siendo estudiado por arqueólogos y todavía no se puede visitar. En la ciudad es toda una leyenda.

Jardines de la Agricultura

En el núcleo central de la ciudad cordobesa confluyen varias zonas ajardinadas que recorren desde la Avenida de América hasta el barrio de San Basilio. Más al norte y muy cerca de la oficina de turismo se encuentran los Jardines de la Agricultura, conocidos popularmente como “Los Patos” por la denominación del estanque que hay en medio del lugar.

Son unos jardines que se remontan a los inicios del siglo XIX, cuando fueron inaugurados, y casi 50 años más tarde fueron reformados por el arquitecto Rafael de Luque con el objetivo de que fueran más vistosos. Además de la gran variedad de vegetales que los convierten en uno de los pulmones de Córdoba, contiene diversas esculturas y monumentos entre los que destaca el honorífico al pintor Julio Romero de Torres.

Jardines de la Victoria

Seguidamente de los anteriores se encuentran los Jardines de la Victoria, mandados construir en 1776 a las afueras del casco histórico para incluir espacios verdes entre los novedosos proyectos urbanísticos de la época. Para construirlos hubo que derruir el Convento de Nuestra Señora de la Victoria de Córdoba y en honor a este templo es que tomaron este nombre.

Antiguamente incluía un famoso salón para el desarrollo de la vida pública y la Caseta del Círculo de la Amistad, posteriormente bautizado como el Casino Cordobés. En esas instalaciones era en las que los miembros de la clase alta se reunían para echar sus habituales manos de cartas y de paso jugarse unos cuantos reales. Ahora los visitantes tienen su sala para el entretenimiento bastante más cerca de lo que imaginan de aquel antiguo emplazamiento, gracias al enracha zahira, que se encuentran enfrente.

Actualmente en su interior refugia el Mercado Victoria, el Kiosko de la Música, la Pérgola, un mausoleo romano y una fuente modernista. Lugar ideal para empaparte de cultura y disfrutar de un paseo al aire libre.

Jardines de Juan Carlos I

Al oeste de los Jardines de la Victoria y muy cerca de ellos están los Jardines de Juan Carlos I. Una zona perteneciente en su época a la Facultad de Veterinaria y que se habían convertido en un improvisado cementerio de animales. Tras su remodelación a comienzos del siglo XXI se abrió al público con fuentes y elementos recreativos para los más pequeños. Es una de las pocas zonas donde pueden dedicarse a ello en Ciudad Jardín.

Jardines de Vallellano

Y para terminar con este núcleo del centro tenemos más al sur los Jardines de Vallellano. Unos terrenos construidos en 1955 sobre la antigua Huerta del Rey y que recientemente han sido replantados para dotarlos de un mejor aspecto. Entre la flora destacan ejemplares singulares como el árbol de Júpiter, el ciruelo de Japón, la espina de Jerusalén o la washingtonia.

También posee restos arqueológicos como una cisterna romana y un depósito que se cree que servían como tumbas.

Jardines del Músico Pedro Gámez

En la zona más oeste de Córdoba encontramos los Jardines dedicados al músico Pedro Gámez Laserna. En el emplazamiento que hoy ocupan estos jardines se encontraba el Cuartel de Lepanto, donde tantas veces este intérprete dirigió a su banda militar, y que en 2017 se destinó para la beneficencia. Por eso es que diversas cofradías de la localidad consiguieron que se le pusiera su nombre a este recinto.

Un recinto rodeado por un centro de salud, un centro cívico, una casa ciudadana, una piscina, un puesto de Cruz Roja, una biblioteca y una residencia para mayores, por lo que movimiento en ellos no falta.

Jardines de la Merced

En la Plaza de Colón, en pleno centro, encontramos los Jardines de la Merced o también llamados Jardines de Colón en honor a la designación de la plaza. Estos jardines se unen en un núcleo central donde se avista una hermosa fuente de estilo modernista y que fue construida a principios del siglo XX. Junto a ella se encuentra El Morabito, una pequeña mezquita muy conocida.

En sus zonas verdes encontramos flora muy variada con árboles de la talla de plátanos de sombra, palmeras datileras, pinos o naranjos. En cuanto a arbustos encontraremos adelfas, senecios, durillos o rosales.

Jardines de Orive

Justo en frente de las ruinas romanas cordobesas se encuentran los Jardines de Orive. Este parque urbano y público constituye una de las zonas verdes del casco antiguo desde hace siglos y es gracias a las huertas de los marqueses del Palacio de los Villalones, o Palacio de Orive, y los huertos de los sacerdotes del Convento de San Pablo.

Sus jardines fueron inaugurados en 2004 para acompañar a los restos arqueológicos de la época musulmana encontrados en el recinto. Entre ellos destaca un circo romano y un conjunto de casas decoradas en sus fachadas.

Real Jardín Botánico de Córdoba

A orillas del río Guadalquivir se encuentra el Real Jardín Botánico de Córdoba. Un lugar para visitar y disfrutar de cinco hectáreas y media de este enclave en el que se rescatan colecciones vegetales en invernaderos y diferentes construcciones similares. Se fundó en 1980 gracias a un grupo de profesores de la Universidad de Córdoba y se unió a la Asociación Ibero-Macaronésica de Jardines Botánicos.

En su interior también se pueden ver las piezas que se exhiben en el Museo de Etnobotánica y el Museo de Paleobotánica.

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Los museos de Sevilla son uno de los muchos atractivos que la ciudad de la Giralda ofrece a propios y extraños. Hoy vamos a recorrer algunos de los más importantes.

Hemos visitado desde estas páginas dos palacios, que son auténticos museos, imprescindibles para entender el devenir histórico-artístico de Sevilla: La Casa de Pilatos y el Palacio de las Dueñas. Nos acercamos también a un rincón de su Alcázar; el Oratorio de Isabel la Católica, tan relacionado con los palacios antes mencionados. Hemos visto algunas de sus iglesias, magníficos contenedores de arte.

La ciudad de La Giralda pone al alcance de todos una variedad museística entre la que será difícil no encontrar algún interés personal. Pequeños como el interesante Museo Naval que ocupa las dependencias de la Torre del Oro, o muy grandes como El Centro de Arte Contemporáneo del Monasterio de la Cartuja.

Según el Consejo Internacional de Museos (ICOM), un museo es una institución pública o privada, permanente, con o sin fines de lucro, al servicio de la sociedad y de su desarrollo, y abierta al público, que adquiere, conserva, investiga, comunica, expone o exhibe, con propósitos de estudio y educación, colecciones de arte y científicas, entre otras, siempre con un valor cultural.

Nos acercamos a algunos espacios que cumplen con esa definición del ICOM, a sabiendas de que nos dejamos algunos más.

1. Museo de Bellas Artes

Se creó como “Museo de Pinturas” en 1835 con las obras incautadas a la iglesia por la desamortización de Mendizábal. La colección ha ido creciendo con adquisiciones y donaciones a lo largo del siglo XX.

Situado en la plaza del Museo que gira en torno a una escultura dedicada a Bartolomé Esteban Murillo, uno de las protagonistas de este museo (en la actualidad ofrece una magnífica exposición antológica sobre este artista sevillano, abierta hasta el 17/03/2019, con motivo de su IV Centenario).

El edificio es una joya que comenzó su historia poco después de la conquista de la ciudad a los almohades en 1248, por una cesión de Fernando III a la Orden de la Merced. Reformado en el siglo XVII por Juan de Oviedo y de la Bandera, su estructura interior es básicamente aquella reforma a la que se han añadido las adaptaciones necesarias para su función museística.

Hay que esperar a 1729 para datar la preciosa puerta principal que fue realizada por el cantero Miguel de Quintana siguiendo su propio diseño a medias con fray Francisco Bartolomé de Roxas.

Los paneles de azulejos que cubren sus muros son, en su mayoría, procedentes de otros conventos sevillanos, que fueron traídos aquí a causa de la Desamortización.

El monje mercedario y literato madrileño Tirso de Molina, residió en este convento en 1625 por una condena de la Junta de Reformación, que lo desterró desde Madrid a Sevilla

En este post nos acercamos a diez obras de la magnífica colección de este museo, que aconsejamos visitar a todos los amantes del arte. Es fundamental para entender la pintura barroca sevillana y la pintura andaluza del siglo XIX. Y es gratuito para todos los ciudadanos de la UE.

En su planta baja la temática de la colección es religiosa, y además de magníficos anónimos, desde la etapa Medieval hasta el Barroco, se encuentran entre los autores que firman las obras: Lucas Cranach el Viejo, Martín de Vos y Frans Franken el Viejo, Pietro Torrigiano, Mercadante de Bretaña, Pedro Millán, Alejo Fernández, Niculoso Pisano, Cristóbal de Morales, EL Greco, Francisco Pacheco, Diego Velázquez, Herrera el Viejo, Zurbarán o Murillo.

En la planta alta muestra un abanico más amplio de contenidos con importantes obras de autores como: Alonso Cano, Martínez Montañés, Juan de Mesa, Francisco de Herrera el Mozo, Zurbarán, Murillo, Cornelio Schut, y Valdés Leal (cuyas obras más famosas están en el sevillano Hospital de la Caridad, como vimos en este post sobre las Vanitas). Y una importante colección de pinturas costumbristas, retratos, cuadros de historia, etc., que llegan hasta el siglo XX, entre cuyos autores están: Valeriano Domínguez Bécquer, hermano del poeta Gustavo Adolfo Bécquer, Francisco de Goya, Eduardo Cano, José Villegas Cordero, Gonzalo Bilbao o Antonio María Esquivel, Santiago Bancarisas, Zuloaga, Daniel Vázquez Díaz o Rico Cejudo.

Los horarios de apertura son: de martes a sábado: De 09:00 a 20:30 horas y domingos: De 09:00 a 15:30 horas.

2. Museo Arqueológico de Sevilla

El 25 de mayo de 1946 se inauguró el Museo Arqueológico Provincial de Sevilla en su emplazamiento definitivo. El edificio, que acogió la importante colección arqueológica de esta provincia, lo construyó Aníbal González, en 1929, como Pabellón de Bellas Artes para la Exposición Iberoamericana que se celebró ese año en Sevilla. Es uno de los frentes que forman la Plaza de América en el Parque de María Luisa.

Con un diseño Neo-Renacentista, su interior fue remodelado para su función como museo. Es de destacar el amplio hall de forma ovalada inspirado en algunos museos europeos, como el Altes Museum de Berlín, uno de los que visitamos en este post.

La colección hace un recorrido cronológico que va desde la Prehistoria hasta la Edad Media:

• Objetos de la Edad del Cobre del importante yacimiento de los dólmenes de Valencina de la Concepción, de entre los años 2500 y 2000 a. C.
• De época tartésica se exhibe aquí el famoso Tesoro del Carambolo y los tesoros de Ébora y Mairena, de los siglos VII y VI a. C.
• Hay una pequeña representación en bronce de la diosa fenicia Astarté (diosa de las Marismas y los esteros), en la que se puede leer la inscripción más antigua de la Península: siglo VII a. C.
• La colección del mundo romano es otro de los lujos de este museo que exhibe piezas importantísimas del Imperio Romano en Hispania: esculturas, mosaicos, restos arquitectónicos, epigrafía, vidrio, cerámica, orfebrería, etc., traídas desde Munigüa, Itálica o Écija, entre otros lugares de la provincia. Sólo por admirar las colosales y extraordinarias representaciones de Venus (a cuya sensualidad nos referimos en este post), Mercurio o Trajano, traídas de la Villa romana de Itálica, merece la pena una visita.

Gratis para los ciudadanos de la UE, 1,50€ para el resto, su horarios de apertura es: Invierno (del 1 de septiembre al 30 de junio), de martes a sábado de 9:00 a 21:00. Domingos y festivos: de 9:00 a 15:00.

Verano (del 1 de julio al 31 de agosto), de martes a domingo de 9:00 a 15:00.

3. Museo de Artes y Costumbres populares de Sevilla

Justo enfrente del Arqueológico, hay un museo encantador y bien contado que acerca a la vida cotidiana de Sevilla a través de una exposición formada por piezas que van desde el siglo XIV al XX.

Inaugurado el 4 de marzo de 1973 en otro antiguo pabellón de la Exposición Iberoamericana de 1929. Es obra del mismo autor, Aníbal González, que esta vez eligió un lenguaje neomudéjar.

Formado por colecciones de pintura de temas costumbristas, y colecciones particulares de utensilios, muebles, cerámicas, lozas, tejidos, ropas típicas sevillanas, talleres de artesanos, etc., que ayudan a recorrer los cambios sociales y a entender cómo era la vida en la ciudad y en el campo.

Este es uno de los más entretenidos museos de Sevilla, sobre todo si vas con niños, siendo además muy interesante para los mayores.

Gratis para ciudadanos de la UE, su horario es: del 30 de junio al 31 de agosto, de martes a domingo y festivos de 09:00 a 15:00. Del 1 de septiembre al 30 de junio, de martes a sábado de 09:00 a 21:00; domingos y festivos de 09:00 a 15:00

4. Museo de Cerámica de Triana

Un garante de la memoria de la tradición ceramista de Sevilla es este museo, de reciente creación, se inauguró en 2014. Está situado en la antigua fábrica de cerámica Santa Ana de Triana, y tiene una doble función: expositiva y de taller cultural.

Es conocido como Centro Cerámica Triana y en él se exponen piezas cerámicas diseñadas por Aníbal González que decoraron la monumental Plaza de España, piezas de la colección museográfica del Ayuntamiento de la ciudad, préstamos del coleccionista Vicente Carranza, de la Junta de Andalucía y del Estado. La selección de las mismas las llevó a cabo el catedrático de historia del arte Alfonso Pleguezuelo, especialista en el tema de los azulejos cerámicos.

Además de la valiosa exposición, se visitan los hornos históricos, alguno de ellos del siglo XVI, y todo el recorrido necesario para entender paso a paso la creación de los paneles cerámicos que embellecen los muros de tantos edificios históricos de Sevilla.

El precio de la entrada es de 2,10 y el horario: De martes a sábado: 11:00 h a 17:30 h. Domingos y festivos de 10:00 h a 14:30 h.

5. Museo del Baile Flamenco

Este es el único museo del mundo, hasta ahora, dedicado al baile flamenco. Situado en la calle Manuel Rojas Marcos, en pleno barrio de Santa Cruz, fue creado en 2006, por iniciativa de la bailaora sevillana Cristina Hoyos.

Uniendo la moderna tecnología a los viejos sonidos del flamenco, durante el recorrido de sus salas, se llega a una inmersión en el mágico mundo del baile flamenco. Para saber cómo fueron sus inicios y su evolución a través de un acercamiento a los grandes artistas que han hecho famoso este arte; Carmen Amaya, Antonio Gades, el Güito, Sara Baras, Mario Maya y Cristina Hoyos. Una manera de atrapar al visitante entre sonidos y movimientos, desde las diferentes salas de la zona interactiva del museo.

Exposiciones de pintura, fotografía o escultura, con un protagonista claro: el Flamenco, además de cursos de cante y percusión, charlas, clases magistrales, y actuaciones diarias, completan una oferta flamenca de calidad.

Toda la información sobre horarios, precios y reservas de los espectáculos en la web del museo.

6. Archivo de Indias

En la Avda. de la Constitución y formando parte del triángulo monumental más importante de Sevilla (junto a la Catedral y el Alcázar), el edificio del Archivo General de Indias es, si te gustan la Historia y la Arquitectura, una visita indispensable para conocer la ciudad.

El edificio custodia cuarenta y tres mil legajos, que suman unos ochenta millones de páginas, entre ellas ocho mil mapas y dibujos, que ocupan más de nueve kilómetros lineales de estanterías. Todos ellos procedentes de los organismos metropolitanos que se encargaban de la administración de los territorios de ultramar, desde el siglo XVI al XIX.

El recorrido es un paseo por las salas donde se custodiaban los documentos (hoy están en un edificio anejo), en las que se encuentran objetos, reproducciones de mapas, hallazgos de los viajes del descubrimiento, manuscritos de Cristóbal Colón o Hernán Cortés, retratos de personajes históricos relacionados con el archivo y su contenido histórico.

Sobre su arquitectura tienes aquí una guía para que disfrutes la visita.

La entrada es gratuita, incluso a las exposiciones temporales, y el horario: De lunes a viernes de 8.00 a 15.00 horas, excepto verano solo hasta las 14.30 h.

7. Centro Andaluz de Arte Contemporáneo

Fundado en 1990, el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo de Sevilla tiene como sede desde 1997 el Monasterio de la Cartuja de Santa María de las Cuevas. El CAAC asumió también desde entonces la gestión de las colecciones del Conjunto Monumental de la Cartuja.

El monasterio ya merece por si mismo una visita, no sólo por su arquitectura, si no por el importante patrimonio artístico y arqueológico que atesora. Situado en la orilla derecha del Guadalquivir muy cerca de la recién inaugurada Torre Pelli, en la isla de la Cartuja, sus muros han sido ermita franciscana, refugio y consuelo de Cristóbal Colón, monasterio, retiro espiritual de Felipe II, cuartel de los franceses y fábrica de loza y porcelana, antes de ser el Pabellón Real de la Exposición Universal de 1992, evento para el que fue restaurado.

En la actualidad es, además de Museo de Arte Contemporáneo, la sede del Rectorado de la Universidad Internacional de Andalucía.

Con toda esta historia, hoy a lo largo de la iglesia y de las zonas monásticas, conviven obras de Arte Contemporáneo tanto de la colección permanente, con más de tres mil obras, como de exposiciones temporales, seminarios, conferencias, recitales de música y ciclos de cine. Toda la información de horarios y actividades aquí.

8. Palacio de la Marquesa de Lebrija

El palacio de la condesa de Lebrija o palacio de Lebrija está situado la calle Cuna, paralela a la famosa calle Sierpes. De esta casa, que comenzó a levantarse en el siglo XVI, se dice que es la "casa-palacio" mejor pavimentada de Europa. La afirmación no es gratuita; tiene 580 metros cuadrados cubiertos por mosaicos romanos, que la sitúan como la colección privada más importante de Europa.

Su construcción se inició en el siglo XVI como casa señorial y fue pasando por varios propietarios que la remodelaron según sus gustos y necesidades. Pero lo que la convertiría más tarde en museo, fue la afición a la arqueología y al arte de Regla Manjón Mergelina, condesa de Lebrija, que la adquirió en 1901, la restauró y la acondicionó para poder albergar sus antigüedades.

El Patio central es una mezcla de estilos y técnicas entre las que se pueden ver las yeserías mudéjares que tejen los arcos de medio punto, azulejos del siglo XVI (que se ven por toda la casa), y un mosaico romano del siglo II/III (una auténtica joya), que cubre el suelo, al igual que en el resto de las salas de la planta baja, en una de cuyas vitrinas se encuentra una colección glíptica procedente de Itálica.

Abierto como museo en 1999, aquí está toda la información sobre horarios y precios de visita.

9. Anticuarium de Sevilla

Este museo arqueológico situado en el subsuelo del Metropol Parasol de la plaza de la Encarnación, es el yacimiento arqueológico más importante de época romana que se conserva en Sevilla, con restos de casas y mosaicos ésta época, que van del siglo I al VI.

Casas de época almohade de los siglos XII y XIII e información de la época Medieval, Moderna y Contemporánea hacen de éste Centro de Interpretación una visita más que interesante para adentrarse en la historia de Sevilla.

En horario de martes a sábado de 10h a 20h y domingos y festivos de 10h a 14h. El precio es de 2€. En la misma planta de acceso al Antiquarium se puede acceder al mirador de "Las Setas", desde donde se disfruta de unas vistas magníficas de la ciudad. El horario del Mirador es de domingo a jueves: 9.30 a 23.00 h, y los viernes y sábados de 9.30 a 23.30 h. El precio del mirador es de 3€, (incluye una consumición en la cafetería).

Para los nacidos o residentes en Sevilla, los menores de cinco años, minusválidos físicos (75%) y acompañantes la entrada es gratis.

10. Conjunto Arqueológico de Italica

En Santiponce, a sólo siete kilómetros de Sevilla, se encuentra el Conjunto Arqueológico de la ciudad romana de Itálica. Una visita de acceso gratuito y más que recomendable.

El visitante se encuentra nada más entrar con el espléndido anfiteatro romano (el cuarto anfiteatro más grande del Imperio Romano), y la posibilidad de pasear por el trazado de lo que fueron sus calles, en las que dieron sus primeros pasos los emperadores Trajano y Adriano. También se pueden conocer las casas, los edificios públicos, así como objetos de arte y utensilios de la vida cotidiana utilizados por sus habitantes.

Los orígenes de Itálica se remontan al año 206 a.C., siendo la primera ciudad romana fundada en Hispania. Escipión el Africano la fundó para los licenciados del ejército y heridos en la batalla de Ilipa contra los cartagineses, “en una ciudad que llamó Itálica, tomando el nombre de Italia” (Apiano, Iber, 38).

Hoy sus nobles restos forman un Conjunto Arqueológico que está a la espera de ser parte de la Lista del Patrimonio de la Humanidad. Razones sobran.

Los horarios de visita son en invierno (enero a marzo), de martes a sábado: de 09:00 a 18:00 horas. Domingos y festivos: De 09:00 a 15:00 horas. En verano: de martes a sábado: de 09:00 a 20:00 horas. Domingos y festivos: De 09:00 a 15:00 horas.

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Levantada a la orilla del Guadalquivir como torre defensiva, era también (y lo sigue siendo), una atalaya de placer que ofrecía las vistas más cercanas del ambiente marinero del Guadalquivir, además de permitir otear el horizonte para avisar de la llegada de barcos enemigos. Punto focal del puerto sevillano, la Torre del Oro fue construida unos veinte años después que La Giralda, entre 1220 y 1221, por orden del gobernador almohade Abù l-Ulà.

Hermanada desde 1992 con la portuguesa Torre de Belém, hoy su imagen comparte, con el campanario de la Catedral, el privilegio de ser emblema icónico de la ciudad de Sevilla.

Su historia y su aspecto actual están marcados por los cambios vividos en la ciudad de Sevilla. Hay algunos mitos inventados sobre su nombre, que ya era «del Oro» en tiempos almohades; no es llamada así por haber estado cubierta de azulejos dorados, ni le debe el sobrenombre a ser la guardiana de tesoros musulmanes, aunque al parecer sí fue guardiana de algún tesoro de Pedro I.

Tampoco es cierto que guardara el oro y la plata que llegó desde América, estos se custodiaban en el "Cuarto del Tesoro" de la Casa de la Contratación. En realidad su brillo era debido a la mezcla de cal y paja prensada con la que estaba recubierta, que hacía brillar el color amarillo de la pintura que la protegía, reluciendo como el oro bajo el sol de Sevilla.

Es, eso sí, un contenedor de recuerdos que son auténticos tesoros, pero veamos su historia.

La etapa alhomade de la Torre del Oro

Los almohades construyeron una torre albarrana (una torre defensiva adelantada a la muralla que protege una fortificación), que estaba conectada por una coracha (lienzo de la muralla defensiva entre la fortificación y la torre albarrana), en este caso el Palacio de los califas almohades (el Alcázar de Sevilla).

En el camino de la coracha que llegaba al Alcázar, la Torre del Oro tenía dos torreones que le servían de apoyo en su misión defensiva: la Torre de La Plata, hoy en la calle Santander, también del siglo XIII, y la Torre de Abd el Aziz, la más cercana al palacio, datada en el siglo XII, conocida también como Torre de Santo Tomás, porque hace esquina entre la avenida de la Constitución y la calle Santo Tomás.

La Torre del Oro tiene planta dodecagonal en su dos primeros cuerpos (clara influencia de la arquitectura romana y bizantina), que son los construidos por los almohades. Coronados ambos cuerpos con almenas con un remate piramidal. El primer cuerpo se levantó con sillería y argamasa, mientras el segundo fue construido con ladrillo (posiblemente para aligerar su peso).

Mide algo más de quince metros de diámetro por casi treinta y siete de alto. El primer cuerpo tiene tres pisos organizados por medio de arcos semicirculares en tramos alternos, cuadrados y triangulares, cubiertos por bóvedas de arista.

Sobre el primer cuerpo, se eleva otro de ocho metros y medio de altura y tres de anchura, hexagonal desde abajo en el interior, pero dodecagonal en el exterior. Los dos cuerpos están coronados por almenas de terminación piramidal.

Su escalera de caracol decide la altura de las ventanas, que se adaptan al ascenso circular de la misma, idéntico sistema con el que se articula el alminar de la Giralda.

Tipológicamente, el aspecto exterior de esta torre es una forma híbrida de faro antiguo y de alminar, lo que explica la decoración cerámica del segundo cuerpo, como existe en los alminares de las mezquitas almohades.

Los vanos, que en la parte baja son la mayoría estrechas aspilleras, se abren en su parte más alta. Los balcones son resultado de una restauración del siglo XVIII.

Una franja de arcos ciegos de herradura apuntados rodea el primer cuerpo de la torre, en su parte más alta. Mientras en el segundo cuerpo, más decorado, aparecen también arcos ciegos de herradura, éstos están encuadrados por otros lobulares que se alternan con arquillos gemelos.

Aún queda mucho por saber de la vida almohade de este monumento sevillano. Sí se sabe que los arqueros y soldados que la defendían, la convirtieron en una torre casi inexpugnable.

La Torre del Oro en la conquista cristiana de Sevilla

El 23 de noviembre de 1248 la ciudad de Sevilla se rindió ante el Rey Fernando III de Castilla. Antes sufrió un durísimo acoso por parte de las tropas cristianas. El General Ramón de Bonifaz comandaba la escuadra de barcos, llegados a Sevilla en ayuda de las tropas terrestres que cercaban la ciudad hispalense, hacía ya varios meses.

La Isbiliya almohade aguantaba el asedio gracias a la llegada de suministros desde el Aljarafe, a través del puente de barcas que los sitiados habían tendido entre la zona del Arenal, en la margen izquierda del Guadalquivir, y el Castillo de Triana (hoy Castillo de San Jorge), al otro lado del río.

No fue fácil para el general burgalés vencer la resistencia de los almohades desde la Torre del Oro. Después de algunas escaramuzas que no llevaron a nada importante, en el mes de mayo de 1248 el rey Fernando ordenó destruir el puente de barcas de Triana, para acabar con el abastecimiento de la ciudad.

Según los cronistas de la época, unas poderosas cadenas que salían de la Torre del Oro y cruzaban a la otra orilla, hasta otra torre inexistente hoy, impedían el paso de la flota de Bonifaz, que era hostigada desde la torre albarrana.

Fue una pelea dura la que hubieron de librar los castellanos hasta acabar con el puente de barcas.

Hay una referencia que apoya la existencia de las famosas cadenas, sobre las que no hay documentación. Éstas aparecen rotas junto a un barco al lado de la Torre del Oro en los escudos de Cantabria, Avilés, Laredo, Castro Urdiales, Santander y San Vicente de la Barquera, de donde procedían los marinos a las órdenes de Bonifaz.

La Isbiliya almohade aguantó seis meses más abasteciéndose con barcazas que atravesaban el río con los víveres, hasta que los castellanos montaron una especie de policía fluvial, que acabó con la rendición de una población hambrienta y sin medicinas.

La Torre del Oro desde su conquista hasta el siglo XVI

No se conoce bien la utilización del interior en época almohade, es de suponer que tendría enseres necesarios para la defensa, y alguna estancia al servicio de los vigilantes. Pero tras ser conquistada, además de seguir utilizándose como atalaya de vigía, se usó como capilla dedicada a San Isidoro de Sevilla, en la que se celebraban cultos de importancia.

Alfonso X "el Sabio" eximió de todo tributo a los clérigos de las parroquias de Sevilla, a cambio de que el día de su santo acudieran a la Capilla de la Torre del Oro a cantar misa altamente de sobrepelliças vestidas.

Un siglo después Pedro I "el Cruel" cuyos restos, después de muchos traslados, descansan en la Capilla Real de la Catedral de Sevilla, escondió en la Torre del Oro a su amante doña Aldonza Coronel, protegida con guardianes, para evitar que los celos de María de Padilla, que vivía en el cercano Alcázar, lastimaran en su ausencia a su nuevo capricho femenino.

En realidad no fue sólo doña Aldonza, mujer de extraordinaria belleza, quien fue escondida por el rey en la Torre del Oro. Cuentan, sobre esto sí que no hay documentos, que Pedro el Cruel se intercambiaba amantes con Muḥammed V (rey nazarí de Granada). Nos imaginamos que si Doña Aldonza protestó cuando la sacó de un convento de Sevilla para esconderla en la Torre del Oro, de esto sí hay documentos, las chicas granadinas habitantes de la hermosa Alhambra tampoco estarían muy contentas.

La Torre del Oro, testigo privilegiado del momento cumbre de la historia de Sevilla

En el siglo XV se construyó a su vera el Puerto de las Muelas de la Torre del Oro. Allí llegaba la cantería de la Catedral de Sevilla desde Sanlúcar de Barrameda.

Desde allí partió Magallanes y allí regresó El Cano a bordo de la nao Victoria (única en volver de las cuatro naves que partieron), después de lograr su hazaña de ser el primero en dar la vuelta al mundo.

Entre la Torre del Oro y la puerta de Triana bullía una variopinta población y gentes de paso, que acudían a las múltiples actividades de aquel puerto que unía Europa y el Nuevo Mundo. En el puerto del Muelle se contrataban marinos y embarcaciones y se hacían todo tipo de negocios.

Sevilla, en el filo del siglo XV, se había convertido en un emporio náutico y mercantil al que acudían gentes de toda España y otros países de Europa, sobre todo: italianos, portugueses y flamencos. La Torre del Oro ya escuchaba otros idiomas antes de que llegaran los turistas.

El intenso ajetreo que se vivía en los alrededores de la ilustre torre albarrana fue en aumento hasta finales del siglo XVI, cuando Sevilla llegó a su cenit como metrópolis de las indias occidentales y orientales.

Abajo se puede ver la Torre del Oro (a la derecha de la imagen), en el siglo XVI, antes de las restauraciones que cambiaron su aspecto, cuando todavía estaba unida al Alcázar por la muralla defensiva.

Años después, diversas circunstancias fueron acabando con aquella etapa brillante de la ciudad andaluza, y a aquel ajetreo portuario se le fue apagando la voz poco a poco.

Restauraciones que cambiaron su aspecto

A principios del siglo XVI tuvo que ser intervenida porque su estado amenazaba ruina. Pero fue a consecuencia del terremoto de Lisboa de 1755, que la dañó gravemente, cuando sufrió un cambio importante en su aspecto.

Aprovechando que estaba muy dañada, el Marqués de Monte Real propuso su demolición con la idea de ensanchar el paseo de coches de caballos. Pero la oposición del pueblo de Sevilla, que llevó sus quejas hasta el rey, evitó que se perdiera esta joya histórica sevillana.

Las obras se realizaron en 1760. Entre otras acciones se cambió el remate, añadiendo una linterna con un cupulita pequeña, obra de Sebastián Van der Borcht. Se dejó la puerta del paso de ronda de la muralla, como acceso principal. Se utilizó el primer piso como cimentación añadida a la almohade, con lo que ésta pasó de cinco metros a once, y se abrieron los grandes vanos con balconada de hierro en el primer cuerpo, que fueron retiradas posteriormente.

Según los grabados de épocas anteriores, esta fue la restauración que más cambió su aspecto.

Años después, entre 1821-22, se llevó a cabo el derribo de la muralla que la unía con el Alcázar, y se reparó el lienzo de fachada que encajaba en la coracha.

El 7 de enero de 1870, la Marina tomó posesión de la torre, cedida en usufructo, para sede de las oficinas de la Comandancia y Capitanía del Puerto. Pese a ello al año siguiente se pensó derribarla, pero también esta vez, la Torre del Oro permaneció erguida, y el 27 de junio de 1871, se solicitó su declaración como Monumento Nacional (lo que no ocurrió hasta el 5 de junio de 1931).

De nuevo en 1868 corrió peligro de desaparecer, cuando los revolucionarios de la Gloriosa pretendían demolerla y poner sus piezas a la venta. Otra vez fue salvada por las quejas de los sevillanos.

El ingeniero Carlos Halcón, realizó una restauración en 1900 que fue duramente criticada. Un aspecto positivo de esta restauración fue el encuentro de un tablero de paños de sebka, sobre la puerta de acceso al segundo cuerpo.

Ha habido después varias restauraciones, la última fue la realizada en 2005 durante la cual se hallaron algunos restos arqueológicos de época de Alfonso X, y se retiraron elementos añadidos en otras restauraciones que restaban autenticidad al monumento medieval.

En 1944 se abrió en sus dependencias el Museo Marítimo, para lo que se habilitaron dos pisos, y la tercera planta se adecuó para uso de investigadores.

Las cuatrocientas piezas que se muestran en este pequeño museo fueron cedidas por el Museo Naval de Madrid.

Su propietario es en la actualidad el Ministerio de Defensa de España.

Horarios de visitas y precios de las entradas

Merece la pena una visita que te ocupará alrededor de media hora.

Horario: de Martes a viernes: de 10.00 a 14.00 h. Domingo y festivos: de 11.00 a 14.00 h. Precios: Adultos: 3 euros, Niños a partir de 6 años, estudiantes y jubilados acreditados: 1,50 Euros. Audioguía 2€

Te aconsejamos que compruebes los horarios en el teléfono: 954 22 24 19 o en el correo: torreoro@fn.mde.es, donde se concretan las visitas en grupo.

La entrada La Torre del Oro, el otro icono de Sevilla se publicó primero en Ruta Cultural.

Vanitas vanitatis son dos términos relacionados con un pasaje del Eclesiastés: «Vanitas vanitatum omnia vanitas» («Vanidad de vanidades, todo es vanidad»), que intenta transmitir la inutilidad de los placeres mundanos ante la certeza de la muerte y el absurdo intento del hombre de parecerse a Dios, olvidándose de que es un ser mortal y finito.

Vanitas es un término latino que podemos traducir por vanidad, en el sentido de insignificancia. Asimilable a la expresión "en vano".

En el mundo del arte se denominan "Vanitas" a una categoría de bodegones que se practicaron mucho en la época barroca, sobre todo en Holanda. Pero la vanidad y la muerte se han tratado en el mundo del arte antes y después del Barroco.

Autores como Dalí, Picasso o el controvertido contemporáneo Damien Hirts (un ejemplo es su famosa calavera de diamantes), han interpretado el tema de la vanidad y del memento mori bajo la mirada de su tiempo.

Durante el Barroco se desarrolló de una manera especial la percepción de la debilidad del ser humano, la fugacidad de la vida y la presencia de la muerte. La sensación social de la situación del hombre estaba en el siglo XVII en un clarooscuro continuo; de la lujuria de las fiestas barrocas, en las que se combinaban la celebración religiosa con la risa y los placeres sensoriales, lo sagrado con lo profano, se pasaba a entonar el mea culpa en iglesias y manifestaciones populares. Fue en esta época cuando empezaron a tomar fuerza los desfiles procesionales de la Semana Santa.

El arte reflejó esta situación utilizando de manera dramática la luz y las sombras en busca del impacto, la conmoción del espectador. Y los bodegones llamados "Vanitas" fueron una ayuda muy útil en la predicación devocional. Eran mensajes "moralizantes" que proliferaron en el siglo XVII, con un mensaje claro: el "memento mori" (recuerda que has de morir). Tanto en el Norte como en el Sur de Europa, en el ámbito cristiano y en el protestante, se usaron una simbología e intenciones muy parecidas.

Pero sin ser bodegones al uso, hubo otros pintores, como Caravaggio, que se acercaron a las "Vanitas" desde un punto de vista muy personal, incluyéndolos en representaciones de santos. Antes del barroco ya hubo grandes pintores, influenciados por las ideas medievales, que relacionaron la muerte y el pecado, como lo hicieron por ejemplo El Bosco o Brueguel el Viejo, o Tintoretto en el Renacimiento con su alegoría de la muerte.

El tema de las vanitas se llevó a la escultura e incluso a la arquitectura como en la capilla Magadalenenklause, construida en los jardines del Palacio Nymphenburg de Múnich. Una vanitas arquitectónica levantada en un jardín idílico para meditar sobre lo efímero de la vida.

Estamos en vísperas de una celebración muy especial, el Día de todos los Santos y el Día de los difuntos. Son fechas en las que se visitan los cementerios y se celebran cultos para honrar a los que se fueron y rogar por su descanso eterno.

Traemos aquí unos cuantos ejemplos que recuerdan a través del "memento mori" la fugacidad de la vida, con un mensaje claro por nuestra parte, el que acuñó el poeta romano Horacio: "Carpe diem, quam minimum credula postero" (Aprovecha el día, no confíes en el mañana).

1-El Jardín de las Delicias. Jheronimus van Aken el Bosco

Comenzamos este acercamiento a la representación del pecado y la muerte en el mundo del arte con una obra fascinante. El Jardín de las Delicias de El Bosco. En él el maestro holandés va desgranando la creación del mundo, desde el tercer día, cuando se separan el cielo y la tierra (imagen del tríptico cerrado).

En las tres tablas interiores de la obra, El Bosco nos empuja a entender el mundo desde la Creación del hombre (tabla de la izquierda), a la inconsciente felicidad del Jardín de las delicias (tabla central) y al destino inevitable en el Infierno musical (tabla derecha).

Hay mucho de vanitas en estas tablas enigmáticas y sarcásticas, pero en el recorrido por las etapas de la presencia del hombre en la tierra, son, la tabla central (el Jardín de las delicias) y la derecha (el Infierno), las que nos sirven para encabezar este recorrido por las vanitas.

En el Jardín de las delicias El Bosco nos presenta una situación de la humanidad inmersa ya en el pecado, especialmente el de la lujuria, aunque toca otros como la avaricia, que lo llevan a la perdición. Escenas eróticas heterosesuales, homosexuales y onanistas llenan la tabla de personajes entregados al disfrute. Entre los numerosos desnudos aparecen muchos tipos de frutas, en clara alusión a los placeres sexuales. En la Edad Media "coger la fruta" significaba tener comercio carnal. Además las frutas son un símbolo de la fugacidad de la vida y del placer, por su rápido deterioro.

Los animales que vemos en esta tabla se han interpretado como un símbolo de lujuria y los estanques de agua son símbolos de concupiscencia. Las mujeres que están en el interior del estanque van tocadas con cuervos e ibis, símbolos de vanidad, que veremos después en los bodegones de vanitas.

En la parte inferior derecha de la tabla un personaje vestido, el único, que mira al espectador mientras señala a la culpable de toda la situación: Eva, la que trajo el pecado al mundo. El arte occidental ha dejado auténticas maravillas respecto al erotismo, en las que siempre aparece la mujer como provocadora de los pecados.

Y como la humanidad ha caído en desgracia, sólo tiene un destino posible: el infierno.

La tabla del infierno, conocida como "EL infierno musical" porque está llena de instrumentos musicales (no se sabe porqué El Bosco relaciona la música con el castigo eterno), es la más sombría de las tres y explica que los innumerables tormentos que esperan a la Humanidad serán el pago por sus desmanes.

Personajes que defecan monedas, juegos de cartas y dados, en clara alusión a la avaricia, envuelto todo en un caos de torturas y confusión. Una sombría visión de las consecuencias de los pecados del hombre.

Se necesitan muchas horas para transitar esta maravilla datada entre 1500 y 1505, que se puede ver en el Museo del Prado de Madrid. Siempre hay algo en ella por descubrir.

Su influencia como obra moralizante ha sido enorme y muchos de los símbolos que en ella aparecen han inundado las obras de Vanitas del Barroco: juegos de mesa, monedas, instrumentos musicales, frutas, aves, etc.

2-El triunfo de la muerte. Pieter Brueghel el Viejo

Este cuadro que también se puede ver en el Museo del Prado de Madrid, lo realizó el maestro flamenco en 1562, un siglo antes de que nacieran los bodegones de Vanitas. Lo compró Isabel de Farnesio, la madre de Carlos III, en el siglo XVIII y pasó a la colección del Prado en 1827.

Es una obra moralizante que te sitúa ante el triunfo de la muerte sobre las cosas mundanas. Ésta está simbolizada por un gran ejército de esqueletos que arrasan la Tierra. Y dentro de él ya podemos ver algunas Vanitas (miradas con la sátira de Brueghel).

En la esquina derecha del cuadro encontramos un reloj de arena, marcando el final de la vida de un rey que tiene cerca unos barriles llenos de monedas (dos objetos muy utilizados en los bodegones de Vanitas). Al rey de nada le sirven ni el escudo, ni su apariencia lujosa, ni su alto rango para perecer como los demás.

Justo en la esquina contraria una pareja de enamorados son incapaces de ver que el músico que deleita su arrobamiento no es otro que un soldado de la muerte.

Influenciado por El Bosco, Brueghel inunda el cuadro de una desoladora realidad; la muerte es la vencedora inapelable ante la que es inútil resistirse. Entre los personajes desesperados, unos luchan contra lo evidente mientras otros se resignan a lo que les espera.

3-Vanitas. Anónimo holandés

En esta tabla datada en el siglo XVII, de la que se desconoce el autor, vemos una mirada sarcástica, típica de los maestros holandeses, al género de "Vanitas". El viejo avaro, sólo y rodeado de objetos que aparecen apiñados sin sentido decorativo, pura avaricia, mira asombrado al esqueleto que lleva colgado un bolso verde, ¿que llevará dentro?. Tocado con un sombrero de plumas, le dedica una canción antes de llevárselo.

Hay un cuadro, a la izquierda de la composición, en el que se ve la advertencia que ya le hizo el tétrico músico en la juventud: "memento mori": recuerda que vas a morir.

Los animales de las esquinas son también un divertido mensaje del anónimo autor. El lujurioso mono, que acaricia tranquilo la esfera terrestre mientras fuma (el tabaco como placer e indicio de mortalidad), parece expresar que con él no va la cosa, mientras el perro, símbolo de fidelidad, puede que se refiera aquí, a la interpretación iconográfica que utiliza a este animal para acompañar a los muertos en su tránsito por la laguna Estigia en su camino hacia el Hades, aunque en esta escena, el perrillo parece ladrar asustado ante el tétrico cantante.

4-Leonard Kern. El infante dormido o la alegoría del tiempo.

Del escultor alemán Leonard Kern, que se llevó de su estancia en Roma el amor por el arte clásico, traemos este "Niño Dormido" que realizó en marfil en el siglo XVII.

Es una obra de "Vanitas", que representa una alegoría del tiempo. Se puede ver en el Departamento de Artes decorativas del Louvre de París.

Sus escasos treinta centímetros retratan con una maestría, podríamos decir que minimalista, la esencia de las "Vanitas". Apoyado el brazo, sobre el que descansa su laureada cabeza, en una calavera (memento mori), que corona un reloj de arena, utilizado como un pedestal, mientras mide el tiempo de la vida.

La antorcha invertida entre sus piernas reafirma la sentencia de la muerte. El laurel que provoca sueños premonitorios, corona la cabeza del niño, que dormido nos envía un mensaje inequívoco.

5-Clara Peeters. Alegoría de la Vanidad

La pintora flamenca Clara Peeters nos dejó en este posible autorretrato del siglo XVI un bodegón Vanitas, que es una alegoría de la vanidad. La obra pertenece a una colección particular.

En ella se muestra vestida de manera lujosa, con un espejo abierto en la mano y apoyada en una mesa repleta de objetos que no son otra cosa sino muestras simbólicas utilizadas en las Vanitas.

Monedas, joyas, flores a punto de marchitarse, la bola de cristal que refleja lo que ha de venir y el generoso escote que deja ver sus pechos turgentes. Hay aquí mucha materia de la que vimos en el Jardín de las delicias.

6-Michelangelo Caravaggio. San Jerónimo escribiendo

Este "San Jerónimo escribiendo" fue una de las últimas obras de Caravaggio en su etapa romana, que se puede ver en la Galería Borguese de la ciudad eterna.

En él el santo escritor de la Vulgata aparece pobremente vestido y acompañado de una calavera para no olvidar el "memento mori".

Lejos de representarlo acompañado con el león, compañero iconográfico de este santo, reduce sus atributos al mínimo, lo representa en la pobreza más absoluta y absorto en su trabajo de escribir. Esta es una Vanitas moralizante, con un mensaje claro de cuál es la actitud a tomar si se quiere afrontar el momento de la muerte sin miedo al infierno.

La austeridad que transmite San Jerónimo fue inspiradora de la Orden de clausura monástica que lleva su nombre, que ha llevado su voz a tantos rincones de Europa. En su nombre se han fundado monasterios por muchos lugares, pero como vimos en nuestro recorrido por el Monasterio de Los Jerónimos de Belem, o el extraordinario Monasterio del Escorial, la vanidad de sus creadores se alejó mucho del mensaje del santo ermitaño.

7-Juan Valdés Leal. Las postrimerías de la vida

El maestro del barroco sevillano de cuya obra se puede ver una amplia muestra en el Museo de Bellas Artes de su ciudad, dejó en la Capilla del Hospital de la Caridad dos cuadros de Vanitas, fechados hacia 1670 que son considerados como obras cumbres de este género, no sólo por la magnífica factura técnica de ambos, si no por el nivel intelectual que derrochan.

Inspirado por "El discurso de la verdad" que escribió Don Miguel de Mañara, fundador del Hospital de la Caridad de Sevilla, Valdés Leal pintó dos lienzos conocidos como «Las postrimerías de la vida», que cuelgan en la Iglesia de San Jorge en el citado Hospital.

El primero lo tituló: In ictu oculi (En un abrir y cerrar de ojos).

La muerte, representada por un esqueleto que lleva un ataúd bajo el brazo, destroza con su guadaña la esfera celeste, mientras en un "abrir y cerrar de ojos" apaga la vela de la vida dejando sin sentido alguno los restos desordenados de todo lo que tiene poder en el mundo: una corona, una tiara, ricos vestidos y libros de eruditos científicos y de historia.

Entre éstos hay uno abierto por un grabado de Theodor van Thulden sobre un dibujo de Rubens: es uno de los arcos triunfales con que fue recibido en Amberes el cardenal-infante don Fernando de Austria tras la batalla de Nördlingen. Entre los que aparecen cerrados se ve el nombre de Plinio (quizá su Historia Natural) y la primera parte de la Historia y la vida de Carlos V, de fray Prudencio de Sandoval.

Pero las glorias del mundo acaban en el segundo cuadro: "Finis gloriae mundi" (El fin de la gloria del mundo), con dos cadáveres en descomposición en primer plano; un obispo y un caballero calatravo, como lo fue Mañara.

La muerte, paso previo para el juicio del alma, aparece como un brazo, como en un rompimiento de gloria, cuya mano sostiene una balanza con las inscripciones: Ni más, Ni menos.

En el platillo de la izquierda se pesan los pecados capitales. Sirviéndose de animales simbólicos, Valdés Leal pesa la soberbia, la gula, la avaricia o la pereza. No se necesita más para caer en pecado mortal.

Mientras que en el de la derecha, representado por rosarios, libros y enseres de iglesia, explica que no se necesita menos que la oración para salir de él.

Este "menos" enlaza con el discurso iconográfico desarrollado en la serie de cuadros de Murillo en la nave del templo. Todo el discurso artístico en esta iglesia lleva a la obra de Miguel de Mañara.

8-Antonio Pereda. La vida es sueño

Del vallisoletano Antonio Pereda traemos aquí un óleo fechado en 1650 que se puede ver en La Real Academia de las Artes de San Fernando de Madrid, titulado "El sueño del caballero".

La obra describe cómo un ángel le muestra a este caballero, vestido elegantemente a la moda del siglo XVII, entregado en los brazos Morfeo, lo efímeros que son los placeres, las riquezas, la gloria y los honores.

Una colección abigarrada de objetos, que hemos visto repetidos a lo largo de este artículo: joyas, monedas, una vela apagada, juegos, armas, un reloj, la onmipresente calavera y una careta que simboliza la hipocresía. Con ellos el autor va desgranando la advertencia del ángel, que le muestra un jeroglífico en el que una flecha vuela sobre el sol, con tanta velocidad como pasa el tiempo de nuestras vidas.

9-Cézanne. Pirámide de calaveras

Este óleo de Cézanne fechado en 1901, pertenece a una colección particular. Realizado cinco años antes de su muerte, la composición es un tétrico "memento mori" que tiene toda la fuerza de las pinceladas del maestro que sembró las bases del cubismo.

No se sabe si Cézanne, el pintor de Aix-en-Provence, realizó estos cuadros como consecuencia de ver cerca su final (hizo varias "Vanitas" en sus últimos años), o simplemente como otro tipo de bodegones, pero cambiando sus famosas manzanas por estas calaveras.

10-Carpe Diem. Mosaico romano de Pompeya.

Terminamos este recorrido con una loa al "carpe diem" representado en este mosaico romano, hallado en la libertina ciudad de Pompeya, al que le dieron el nombre de "Scheletro copiere" (esqueleto copero). Se expone en el Museo Arqueológico de Nápoles.

No es el único "carpe diem" encontrado en la ciudad de Pompeya representado en el viejo arte del mosaico. Formaban parte estas obras de los suelos del comedor de algunas casas insignes.

Aunque algunos historiadores relacionan estas obras con las religiones mistéricas orfico-dionisíacas, la interpretación más apoyada, a la que ayuda el lugar de la casa donde se encontraron, es que se trata de un claro "carpe diem". Una invitación a disfrutar de los placeres de la vida, en este caso los placeres de la mesa y más concretamente del buen vino: «mientras te quedas como yo, aprovecha y disfruta», parece ser el mensaje del viejo esqueleto compuesto con pequeñas teselas de piedra en blanco y negro, que ha llegado a nuestros días.

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Testigo sonoro de los cambios que marcaron la historia de su ciudad, la Giralda de Sevilla ha visto cambiar la fisonomía del corazón monumental de la ciudad. Contempló la evolución del Alcázar, vio crecer el actual Archivo de Indias, que fue creado como La Casa Lonja de Mercaderes de Sevilla.

Y ella misma cambiaba de aspecto para confirmarse como una belleza con nombre de mujer, que vio transformarse la Mezquita Mayor de los almohades en una catedral gótica. Aquel cambio la convirtió en el original campanario de la Catedral de Sevilla.

Vamos a ver aquí la historia de esos cambios que nos permiten hoy disfrutar de un monumento único y los nombres de los artífices que la hicieron posible, para que aproveches tu visita, o simplemente conozcas algunos de sus secretos. Al final del artículo encontrarás información practica de horarios de visitas y recomendaciones de guías.

Convertida en el centro visual del casco histórico de la ciudad, éste se transforma en un espectáculo desde el excepcional mirador que es esta torre, de cuya impresión es difícil escapar. Privilegiada espectadora de momentos únicos, como los que suceden cada primavera en la Semana Santa sevillana. La imagen de La Giralda acompaña multitud de rincones de la ciudad. Numerosos hoteles ofrecen la posibilidad de encontrarse con ella desde sus terrazas y sus habitaciones.

Su presencia en la cotidianidad de los sevillanos que la encuentran en su camino al trabajo, al salir de compras o al tomar unas tapas, es un privilegio que comparten con los miles de viajeros que pasean Sevilla cada año.

Su Giraldillo le da nombre a la torre que se identifica con Sevilla desde hace muchos siglos. Don Miguel de Cervantes, vecino de la ciudad durante algunos años, la llevó a la segunda parte del inmortal Quijote, cuando el caballero del Bosque alardea de su astucia al contar el encargo que le hizo su enamorada, Casildea de Vandalia, nombre visigodo de Sevilla:

Una vez me mandó que fuese a desafiar a aquella famosa giganta de Sevilla llamada la Giralda, que es tan valiente y fuerte hecha de bronce, y sin mudarse de un lugar es la más movible y voltaria mujer del mundo. Llegué, vila y vencíle, y hícele estar queda y a raya, porque en más de una semana no soplaron sino vientos nortes.

La Giralda que se eleva a más de cien metros de altura comenzó siendo el alminar de la Mezquita Mayor de los almohades. Hoy las rampas, por las que ascendía a caballo el almuédano para llamar a la oración, son recorridas por miles de turistas que llegan al cuerpo de campanas continuando el ascenso a través de los escalones añadidos en el Renacimiento. Época en la Hernán Ruiz II la coronó con un campanario espléndido; arquitectónica y decorativamente una obra maestra.

La Giralda de Sevilla fue durante siglos la torre más alta de España y una de las más elevadas de toda Europa. Objeto de deseo de muchas ciudades del mundo a las que sirvió de inspiración cuando pensaban en una torre emblemática. De hecho hay réplicas y copias más o menos veraces de la Giralda en Carmona (Sevilla), Arbós (Tarragona), Badajoz, o Kansas City entre otros lugares.

El alminar de Isbiliya

Cuando Abu Yacub Yusub trasladó la capital del imperio almohade de al-Andalus de Córdoba a Sevilla, acometió la construcción de una Mezquita Alhama (Mezquita Mayor), en clara rivalidad con la prestigiosa Mezquita Mayor de Córdoba, acorde a una ciudad convertida en la referencia del poder almohade, en la que realizó todo un programa constructivo destinado a engrandecerla. Dentro de aquel ambicioso proyecto y lo más cercano posible al Alcázar, nació este templo que daría cabida a la creciente población de la ciudad.

Hasta entonces la Mezquita Alhama de Sevilla había sido la que fundaron los omeyas, la de al-Adabas, hoy la impresionante Basílica del Salvador. El templo se quedó pequeño y los fieles seguían los cultos desde el patio (sahn) y desde las tiendas de la alcaicería adyacente, con la pérdida de solemnidad y recogimiento que esto suponía.

En su construcción influyó de manera importante su ortodoxa manera de entender el islam. Ascéticos y austeros, purificaron las formas y prescindieron del lujo en la construcción de la nueva mezquita.

Pero la ausencia de lujo no quiere decir ausencia de belleza. La Mezquita Mayor de la Isbiliya almohade era un templo magnífico en el que la ornamentación era un delicado velo que acompañaba de manera sutil el fin esencial de la casa de todos: acercarse a Al-lāh.

De estas premisas surgió la nueva Mezquita Mayor, vigilada de cerca por el bellísimo alminar que visitamos hoy.

El proceso histórico de la Giralda de Sevilla

El espléndido alminar de la mezquita almohade que inauguró Abú Yusuf Yaqub, segundo califa de esta dinastía, en 1198, estaba coronado por un “yamur” (4 esferas doradas) que brillaban bajo el sol y lo hacían visible "a varias jornadas" de la ciudad.

Con ochenta y dos metros de altura, inspirado en el alminar de la mezquita Qutubiyya de Marrakech en Marruecos, el arquitecto Ahmad Ben Baso comenzó las obras en 1184.

Su exquisita decoración, que llegaba a una altura intencionada; la elevación del caserío de la Sevilla medieval, al alejarse de la torre, dejaba verla justo donde empezaba esa especie de encaje tan utilizado por los almohades, conocido como "paños de sebka".

Ahmad Ben Baso diseñó y comenzó la torre para lo que utilizó materiales de acarreo extraídos de los muros del palacio de Almutamid en el cercano Alcázar. Eran piedras romanas que le sirvieron para los cimientos (éstos miden a penas tres metros) y para la zona inferior de la torre. Prueba de la procedencia romana de los primeros metros de La Giralda son las inscripciones en latín de dos lápidas de soldados romanos que se pueden ver desde la calle.

Las cuatro hileras de piedras colocadas "a hueso" fueron la primera etapa de la construcción. Tras una abrupta interrupción fue continuada por Alí Gomara, pero el material elegido para terminarla fue el ladrillo, probablemente con la intención de aligerar el peso y facilitar su decoración.

El alminar se concluyó el 10 de marzo de 1189, cuando instalaron el remate que había labrado Abu Layz el Siciliano. Las cuatro esferas que formaban el yamur estaban decoradas con oro. Sus reflejos bajo el sol de Sevilla deslumbraron a propios y extraños durante casi dos siglos.

Dos veces estuvo la Giralda a punto de ser derribada por el hombre: la primera cuando Fernando III conquistó Sevilla y los musulmanes intentaron derribarla antes de entregar la ciudad. La salvó el infante don Alfonso que amenazó con degollar a todos sus vecinos si tocaban un solo ladrillo. La segunda cuando el cabildo catedralicio decidió derribar la mezquita incluido el alminar, algo que por suerte no sucedió.

Los hechos que cambiaron su aspecto

No sólo ha sobrevivido a las ideas posesivas del hombre. La Giralda de Sevilla ha permanecido erguida ante los envites de la naturaleza. Prueba irrefutable de las cualidades de la fábrica almohade. Dejamos aquí algunos de estos sucesos:

Un terremoto hizo temblar Sevilla en 1356, cuando ya era capital de un reino cristiano. La sacudida provocó la caída del "yamur" y fue sustituido por un campanario de madera.

En 1400 el primer campanario se sustituyó por una espadaña anclada en cuatro pilares que sujetaban una campana y se instaló el primer reloj público de Sevilla. Un siglo después, en 1504, la Giralda se salvó "milagrosamente" de otro terremoto, con epicentro en Carmona, "sujetada por las santas Justa y Rufina, co-patronas de Sevilla".

En 1558 el arquitecto cordobés Hernán Ruiz II fue el encargado de rematar el viejo alminar con un campanario monumental. Hernán Ruiz proyectó una gran estructura que apoyó sobre el cuerpo principal del alminar, eliminando el segundo cuerpo y elevando la torre hasta los noventa y cuatro metros, concediéndole así una esbelta silueta.

El remate del campanario, que recrece la torre a ciento cuatro metros, es una veleta que pesa más de una tonelada en forma de estatua que representa La Victoria de la Fe.

La palabra Giralda proviene de «girar» y según la RAE significa «veleta de torre que tiene figura humana o de animal». Esta alegoría de la Fe, popularmente llamada "el Giraldillo", acabó dándole nombre a toda la torre, como vimos al principio, que es conocida mundialmente como La Giralda de Sevilla.

El campanario de Hernán Ruiz es un feliz prodigio de la técnica. Añadido con genialidad a la obra almohade, no le restó un ápice de solidez. Lo demostró cuando el potente terremoto que en 1755 asoló Lisboa y gran parte de España, aunque la dejó maltrecha, no consiguió doblegarla.

En 1884 un rayo dañó considerablemente la caña almohade. A raíz de este accidente comenzaron una serie de restauraciones que, además de para devolverle su esplendor, sirvieron para conocer en profundidad el diseño de Ahmad Ibn Baso y el impagable remate de Hernán Ruiz II.

La decoración del alminar almohade

El despliegue decorativo de los dos prismas que componían el alminar empieza a alturas diferentes en cada una de las fachadas de la torre.

Esto está condicionado por los vanos, que al abrirse en función del movimiento helicoidal de la rampa interior, obligaron a abrirlos a una altura diferente en cada paramento. Además los arquitectos que la construyeron tuvieron que sortear la cercanía del muro del haram (sala de oración) en uno de sus laterales. Circunstancias que modifican los elementos de la decoración de cada uno de sus lados, como se ve en la siguiente foto.

Si miramos de frente la fachada septentrional, la que se ve desde la calle Placentines, que podemos ver desde el suelo, nos encontramos en el primer nivel tres ventanas saeteras, de clara ascendencia militar, decoradas con arcos lobulados y enmarcados por un alfiz (muy restaurados). Al estar en el primer piso que debe soportar un importante peso, los vanos no pueden ser muy grandes.

A partir del segundo nivel se abren más lo vanos y son enmarcados con más profusión decorativa. La balaustrada de columnas que los convierten en balcones es un añadido de Hernán Ruiz, que buscó así una coherencia con la decoración del campanario cristiano.

El maestro cordobés colocó también los discos de cerámica azul que hay sobre las ventanas bíforas. Buscaba Hernán Ruiz hacer vibrar la estética de la torre e integrar de manera sutil el mensaje estilístico de su decoración.

Al ascender la mirada nos vamos encontrando distintos vanos sobre los que aparecen las ventanas bíforas. Esta serie de cuatro ventanas dobles muy decoradas, que tienen a ambos lados el velo de los paños de sebka (realizados sobre el ladrillo estructural de la torre pero sin llegar a calarlo), nos lleva a un lugar muy cercano: el pórtico sur del Patio del Yeso del Alcázar de Sevilla, construido en la misma época. La semejanza estilística es clarísima. En el Alcázar es un pórtico, una invitación a pasar, en el alminar puede que envíe también un mensaje de bienvenida: esta es la antesala para escuchar la palabra de Al-lāh, reforzando así la llamada del almuédano.

El remate horizontal del alminar es una galería de diez arcos ciegos entrecruzados, de clara influencia omeya, que antes de la revisión renacentista, estaban coronados por almenas. Esta forma de cerrar la torre pudo estar inspirada en el alminar de la Alhama cordobesa antes de las modificaciones cristianas que lo convirtieron en campanario.

De manera que el maestro almohade volcó la carga decorativa en la parte más alta, la que se veía desde cualquier punto de la ciudad, y dejó el arranque de la torre bajo el dominio de la opacidad del muro. Regaló de esta forma para la posteridad toda una lección compositiva, con un refinamiento tan sutil que juega magistralmente con el principio de solidez de la torre y la belleza de su decoración.

El efecto ilusorio de esta decoración hace que la torre parezca más frágil y delicada en su parte más alta (incluso los paños de sebka del último nivel son más grandes, mas abiertos, dando una sensación de ligereza), cuando en realidad el crecimiento interior de sus muros, como veremos a continuación, afianza su estructura dejando todo el impacto decorativo hacia el exterior.

La estructura deL antiguo alminar

El perfil del antiguo alminar estaba formado por dos paralelepípedos superpuestos con base cuadrangular. Los más de trece metros de anchura de cada lado del cuerpo inferior sobrepasan los cincuenta metros de altura. El superior, desaparecido con la instalación del campanario renacentista, sólo alcanzaba los seis metros de anchura de cada lado y catorce de altura. Sobre ellos descansaban la cúpula y el yamur.

Los muros, en lugar de aligerarse con la altura, se engrosan progresivamente hacia adentro, y alcanzan diferencias de hasta cuarenta y dos centímetros de espesor entre el suelo y la azotea, lo que se aprecia con claridad a medida que se asciende.

El espacio interior, cerrado con bóvedas de arista, lo ocupa una gran rampa de treinta y cinco tramos separados por mesetas que sirven de transición. La rampa sustituye a las típicas escaleras utilizadas en los alminares andalusíes. Este sistema de subida facilitaba la posibilidad de acceder a la azotea a caballo, lo que seguramente agradecería el almuédano, que tenía que subir varias veces al día para llamar a la oración.

La rampa crea un movimiento helicoidal iniciado en la entrada y prolongándose hacia arriba en sentido inverso a las agujas del reloj. Los vanos que se abren a la luz, siempre en el centro del muro visto desde el exterior, condicionan la decoración de la torre como vimos arriba, y al rodearla se observa como los paños de sebka aparecen a diferente altura en cada una de las fachadas, con lo que consiguieron reproducir fuera el movimiento interior de la rampa.

La Giralda de Sevilla, de alminar a campanario cristiano

En 1556 Hernán Ruiz II fue elegido como maestro mayor de la Catedral tras el fallecimiento de Martín de Gainza. A partir de 1558 fue cuando comenzaron las obras del campanario cristiano que duraron hasta 1568 cuando se colocó el Giraldillo.

Hernán Ruíz construyó el campanario y dos templetes para colocar sobre el último una veleta, al parecer inspirada en la diosa mitológica Palas Atenea, en cuyo diseño se barajan nombres como el propio Hernán Ruíz o el escultor Juan Bautista Vázquez el Viejo, entonces implicado en la segunda fase del imponente Retablo Mayor de la Catedral de Sevilla. Fundida por Bartolomé Morel, esta "giganta" de bronce disfruta bajo el cielo andaluz de un espectáculo llamado Sevilla.

La inspiración del campanario la tomó Hernán Ruiz del Renacimiento italiano. La reinterpretación que hizo Ruiz de las "serlianas" (vanos creados por Sebastiano Serlio), entre las que cuelgan la mayoría de las veinticuatro campanas (dieciocho de repique y seis de badajo) son en realidad, junto con los dos templetes un arquitectura sonora. Y lo son porque fueron concebidas como un encaje calado para dejar volar la voz de las campanas. Estas con nombre propio y misión sonora diferente, suenan por motivos distintos, y cuando lo hacen juntas en los repiques generales, sus llamadas se escuchan con claridad entre el ruidoso murmullo que forma el devenir cotidiano.

Según la historiografía que sigue la trayectoria de Hernán Ruíz, no hay otra obra suya con la que se pueda comparar este magnífico remate en el que vibra el clasicismo, podríamos decir que, alejándose de él. Dicho en palabras del historiador Pedro Navascués Palacios:

…no cabe sino concluir que Hernán Ruiz se apartó aquí voluntariamente de aquella gramática clásica, en favor de una construcción «armada» a base de elementos frágiles y anticlásicos que le permitieran resolver lo que esencialmente exigía su destino como cuerpo de campanas. En esta línea Hernán Ruiz ideó un templete abierto a los cuatro vientos, en el que desaparecen las superficies continuas en contraste con la prácticamente ciega caña de la torre almohade

El simbolismo cristiano está presente en este campanario que coincide en el tiempo con el Concilio de Trento, en la difusión de mensajes como:

El versículo del capítulo dieciocho de los Proverbios, según el texto latino de la Vulgata (Turris fortissima nomen Domini – El nombre del Señor es torre fuerte), que aparece grabado sobre el llamado "cuerpo del reloj".

Sobre el campanario en la llamada "terraza de las azucenas", aparecen en las esquinas unas jarras que fueron diseñadas por Hernán Ruiz, que se inspiró para su creación en un aparato llamado eloípilas. Este aparato, que se utilizaba para estudiar los vientos, aparece en el Libro I de Los diez libros de Arquitectura del romano Marco Vitruvio. Las jarras fueron fundidas por Bartolomé Morel, el mismo fundidor del Giraldillo.

La intención original de estas jarras era introducir unas luminarias los días más señalados del año. Pero en 1751 Basilio Cortés realizó las azucenas (símbolo de pureza en el imaginario cristiano), que lucen desde entonces y han sido inspiración para otros edificios sevillanos.

Y coronándolo todo, la poderosa imagen del Giraldillo. La Victoria de la Fe cristiana.

Una reproducción de la espectacular imagen se puede ver a pie de calle en la Puerta del Príncipe de la Catedral de Sevilla.

Horarios de la Giralda de Sevilla

Si quieres visitarla por tu cuenta, te recomendamos que consigas las entradas en esta web (la oficial). En ella tienes toda la información sobre horarios y las diferentes tarifas, y los precios de las audioguías. Además evitarás colas agotadoras.

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El mes de julio pasado tuvimos la suerte de dejarnos seducir por la obra de Sarah Guldberg en la Sala Alta del Apeadero del Alcázar de Sevilla. Allí descubrimos el paso enorme que ha dado esta pintora danesa que lleva veinte años pintando Sevilla.

Conocimos a Sarah dibujando geometrías en el arco de entrada al Patio de Banderas de este histórico Alcázar, como lo hacían los artesanos musulmanes para diseñar los paños de azulejos siglos atrás; armada de reglas y compases.

Sarah Guldberg y su encuentro con Sevilla

Llegó a Sevilla de visita, llevaba en sus planes otro destino, pero el amor se cruzó en su viaje y deshizo la maleta. Sacó sus pinceles y pintó Sevilla. Sarah Guldberg lleva años dejando su sensibilidad en obras de pequeño formato que viajan en el equipaje de muchos visitantes de la ciudad de Sevilla. Salen éstos encantados de la visita al Alcázar y se encuentran en la puerta que lleva a la Catedral, con las acuarelas de Sarah.

Una oportunidad de llevarse a la cotidianidad de sus vidas, la mirada honesta y delicada que dedica Sarah a las formas geométricas repetidas en los azulejos árabes que decoran tantos muros del Alcázar sevillano. Esta técnica lleva siglos extendiendo su misterio, como si de un bello tapiz se tratara, sobre muchos monumentos del mundo.

El suyo era un arte inspirado en la calle, un arte de la calle de altísima calidad, que ha crecido ¡y de qué manera! en la intimidad de su estudio. Si tuviéramos que definir su obra en dos palabras éstas nos llevarían a dos conceptos tan intangibles y tan presentes en la vida, como «Geometrías y Alma». A eso se dedica Sarah Guldberg, a deslizar entre las formas geométricas inspiradas en los azulejos del Alcázar la fuerza de su especialísima manera de mirarlas, la mirada del alma.

El camino hacia el interior de Sarah Guldberg

La exposición del Alcázar llevaba el título inspirador de Reflections. La obra expuesta era un juego de formas y luces, de reflejos y colores, con los que Sarah libera esas formas geométricas. Formas durante siglos atrapadas en la trama que les da sentido, y sin perder sus raíces consigue que vuelen, que bajen y suban, que salgan y entren del entramado geométrico del que proceden.

Pero para llegar aquí Sarah ha hecho un recorrido hacia el interior, en todos los sentidos. Los cuadros de la exposición del Alcazar son el resultado de un encierro personal y voluntario, provocado por una de esas heridas que teje la trama de la vida. Encierro que ha significado para su obra ¡que llamativo! toda una liberación.

Y lejos de reproducir los modelos ancestrales atrapados en la trama geométrica, les ha abierto la puerta e inundándolos de luz les ha concedido la libertad, sin perder nunca de vista la base que los define.

La técnica de Sarah Guldberg

A las acuarelas con las que trabaja habitualmente, les ha añadido texturas, capas de color y reflejos metálicos. Como los reflejos iridiscentes que conseguían ya en los barros vidriados de Mesopotamia, con los que Sarah consigue dejar en el papel un feliz juego de luces, colores y símbolos.

Sarah llegó a Sevilla con una formación en textiles. Técnica que probablemente hizo que mirara esos extensos paneles de colores, pensados para decorar y proteger los muros, como se mira la intrincada trama de un tejido.

Y eso ha hecho al aumentar el tamaño de sus cuadros. Extenderlos como paños de tela y atraparnos en cada uno de ellos. Así nos induce a mirar los espacios abiertos cuando levantamos una pieza del diseño que nos vino dado. Toda una lección para descubrir de dónde parte la belleza que nos rodea en la inabarcable presencia de la geometría.

Un equipaje en el que viajan técnicas milenarias y métodos contemporáneos

Su obra es una especie de viaje de ida y vuelta. La inspiración de Sarah está en los «paños» de azulejos (alicatados y de arista) de patios e interiores del Alcázar sevillano. En nuestro recorrido por la historia del azulejo explicábamos porqué se utiliza el término «paños» cuando se habla de estos paneles de azulejos islámicos:

Piezas pequeñas de barro vidriado “aliceres”, que unidas entre sí despliegan diseños geométricos que se extienden por frisos interiores y patios, envolviendo los espacios con colores y formas inspiradas en la costumbre de decorar con telas vistosas los interiores de las jaimas, cuando habitaban como nómadas en el desierto. De ahí que se utilice el término “paños” para referirse a los zócalos que envuelven los muros.

Paños en los que la geometría en infinitas repeticiones es la forma que utiliza el islam para representar la presencia de Alá. Al fin y al cabo, la geometría está presente en todos los ámbitos de la vida. Y así el islam la lleva de los tejidos al barro y de éste a los muros.

Sarah lleva en su equipaje su formación en decoración de textiles desde su lejana Dinamarca, mira esos «paños» iluminados por la luz de Sevilla, y los lleva al papel de acuarela que es otra trama tejida de algodón. Allí, después de años dejándose envolver por su insistente misterio, se funde con él, con sus colores y sus formas, y utilizando las piezas de la simbología que utiliza el arte islámico para honrar a Alá, compone con toda la fuerza de su ternura, una loa a la vida; a la alegría y a la pena, a la luz y a la oscuridad, a las caricias y a las heridas, que va dejando la trama del tiempo. Todo un viaje.

Si van a Sevilla, no dejen de buscar a esta mujer, de momento sigue allí dibujando, al cobijo del arco de entrada del Patio de Banderas, los diseños de colores que llevan viajando miles de kilómetros y miles de años por las culturas del mundo.

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En la espectacular ciudad de Ronda, una de las joyas de la provincia de Málaga, se encuentra un yacimiento arqueológico de época nazarí que encierra un auténtico tesoro construido en el siglo XIII: los Baños Árabes de Ronda.

Visitar Ronda es deleitarse con su magnífico casco histórico e impresionarse al cruzar su Puente Nuevo abierto al vacío del Tajo que divide la ciudad en dos, imagen icónica de la ciudad. Es también relajar el alma desde los miradores del Paseo del Tajo, o visitar su famosa plaza de toros, una de las más antiguas y monumentales del mundo, construida por el arquitecto Martín de Aldehuela, autor también del Puente Nuevo.

Pero la Arunda celta que pasó a llamarse Runda tras la conquista griega, hecha ciudad por los romanos, guarda capítulos de su historia en cada uno de sus rincones.

Hay que saltar a la invasión francesa para entender la imagen de Ronda que difundieron los viajeros románticos. Época de bandoleros que inspiraron a escritores como Washington Irving, Mérimée, Ford o Doré, que mezclando ficción y realidad, forjaron la imagen romántica que aún tiene esta ciudad.

Hubo muchos otros, por ejemplo Ernest Hemingway, asiduo visitante de Ronda. El autor norteamericano buscó inspiración en la Guerra del 36 para su obra Por quién doblan las campanas, y Rilke dejó escritos sus paseos por la ciudad en cartas y poemas que hace unos años la editorial Pre-Textos publicó con el título: Ronda. Cartas y poemas, una belleza.

La romántica Ronda fue mucho tiempo antes una plaza importantísima de la historia de Al-Ándalus. Quedan testimonios que así lo acreditan. Uno de esos testimonios son los Baños Árabes situados a las puertas de su muralla. A ellos nos aceramos hoy.

¿Cómo son los Baños Árabes de Ronda?

Abiertas sus bóvedas al cielo a través de las simbólicas estrellas de ocho puntas, las salas de los Baños Árabes de Ronda, de tiempos nazaríes, evocan una cultura en la que la limpieza del cuerpo estaba unida a la purificación espiritual. Las estrellas de ocho puntas utilizadas con insistencia en la decoración nazarí, como se aprecia en tantos rincones de La Alhambra, eran una representación del paraíso, que según la creencia islámica está rodeado de ocho montañas.

El agua es un elemento imprescindible en esa concepción del paraíso islámico, como puede verse también en la Alhambra. Los Baños Árabes de Ronda tenían todos los elementos del paraíso soñado. Rodeados de frondosos jardines que regaban las aguas de la confluencia del Río Guadalevín y las del arroyo Culebras.

Desde allí una noria (conservada en la actualidad) llevaba el agua a las calderas subterráneas para conseguir el vapor que inundaba la sala caliente: bayt al-sajun que cumplía similar función al caldarium romano, y la templada: bayt al-wastani, como el tepidarium romano. El recorrido comenzaba y terminaba en la sala fría: bayt al-baryt, que era equivalente al frigidarium romano. El sistema hidráulico de éste histórico hammam ha llegado prácticamente intacto a nuestros días.

Los Baños Árabes son una mirada a las termas romanas. Con una arquitectura más humilde y de un tamaño menor, que procuraba más recogimiento y tranquilidad al haber menos bullicio. Tienen otra diferencia con las termas romanas: en éstas los usuarios se sumergían en piscinas, mientras los árabes se trataban con el vapor que se producía al derramar agua sobre el suelo que calentaban las calderas subterráneas.

Las bóvedas de cañón, al ser semicirculares, conseguían que las gotas formadas por el vapor no cayeran desde el techo, sino que se deslizaran por los muros, a lo que ayudaban las estrellas de los tragaluces, que con sus cristales de colores eran puntos fríos en contraste con los cálidos muros de ladrillo y conseguían equilibrar la concentración de vapor, además de crear una sutil y agradable iluminación.

A los Baños de Ronda se accede a través de una escalera que desciende hasta el vestíbulo de ingreso. Allí se desvestían los usuarios y se entablaban las primeras charlas antes de pasar a las salas.

La sala central que es la más grande. Tiene tres cuerpos unidos por cuatro pares de arcos de herradura sobre columnas de ladrillo y piedra. Éstas sostienen las bóvedas de cañón decoradas con tragaluces de estrellas de ocho puntas. Algunos de los capiteles que coronan las columnas son de factura romana. En esta sala, después de los tratamientos de las otras dos, se tomaba té mientras se charlaba, se recibían masajes, o las chicas se maquillaban y peinaban antes de ir a la mezquita.

El edificio está rodeado por un muro de arcos ciegos, que forman el acueducto, y al fondo hay una torre que contiene la caja de la noria. También se conserva el área de calderas donde se calentaba el agua. Al calentarse el agua, producía aire caliente que circulaba a través de las conducciones subterráneas, los llamados hipocaustos.

¿Por qué están los Baños a extramuros de la medina?

Este hamman, que no era el único que había en la ciudad, estaba situado en una importante entrada a la misma, junto a la desaparecida , que abría su potente muralla defensiva a la medina. Se utilizaba para cumplir un protocolo obligatorio: limpiarse el cuerpo y el alma. Una especie de salvoconducto para los visitantes, que protegía a los habitantes de la medina de enfermedades contagiosas y de ideas inconfesables.

Pero no sólo lo utilizaban los visitantes. El hamman era parte del barrio de San Miguel, un arrabal, que fue también judería, y que guardaba entre sus adarves e intrincadas callejuelas las viviendas de artesanos y agricultores, y en el que se situaban alfares o tenerías que han dejado su huella en la toponimia del barrio: Puerta de los Esparteros, Camino de las Ollerías, Puente de las Curtidurías, etc. Era por tanto el hammam del barrio para purificarse antes de ir a la mezquita.

Utilizados tanto por hombres como por mujeres en horarios diferentes, las mujeres musulmanas disfrutaban también de esta sana costumbre purificadora que cumplía, como en Roma, una función social y política. Eran lugares perfectos para relajarse conversando, lugares donde procurarse un disfrute para el cuerpo y el espíritu y donde entablar relaciones sociales, con todo lo que esto significaba.

Ocultos hasta 1914

A pesar de su enorme interés arquitectónico, los Baños Árabes de Ronda fueron abandonados tras la conquista cristiana. Una cultura nueva que no veía con buenos ojos ciertas prácticas. Las crecidas del río Guadalevín se cebaron con el edificio abandonado y acabaron sepultándolo.

Y ocultos permanecieron hasta 1914, cuando aparecieron los primeros restos al construirse unos jardines en esta zona por encargo de la Duquesa de Parcent. Una noble enamorada de Ronda que pasaba las primaveras y los otoños en su residencia de la Casa del Moro, llamada así por que fue el palacio del rey Almonated, de quien dice la leyenda que se bebía el vino en los cráneos de sus enemigos. El diseño de los jardines de esta casa lo encargó la duquesa a Jean Claude Nicolas Forestier, cuya mano está presente también en el embaucador Parque de María Luisa de Sevilla.

Pero nadie se ocupó del importante yacimiento arqueológico de los baños y tuvo que esperar hasta 1935, cuando fue adquirido por el Estado y se comenzaron las excavaciones que salvaron este testigo de piedra que nos adentra en una época esencial en la historia de Ronda.

En su centro de interpretación se pueden ver los orígenes de éstos Baños Árabes. Hay además una proyección en tres dimensiones que narra su época musulmana y reconstruye la Ronda amurallada de aquellos lejanos tiempos.

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En el oriente andaluz se extiende la provincia de Almería, casi nueve mil kilómetros en los que se suceden todos los contrastes posibles. Hemos elegido diez pueblos de Almería para acercarnos a la rotunda belleza de una naturaleza que ofrece en el mar y la montaña contrastes que van de la abrumadora hermosura de los desiertos, al fértil verdor de sus colinas y al límpido azul de sus playas.

Esta provincia guarda ancestrales testimonios de la lejana presencia del ser humano en la vieja Europa; La cultura del Argar, el Yacimiento Arqueológico de Los Millares, el mítico símbolo almeriense del Indalo que surgió en el abrigo de la Cueva de los Letreros, y muchos otros yacimientos arqueológicos esparcidos por sus tierras. A lo que se suman las huellas del Mundo islámico, el Mudéjar, el Gótico, el Renacimiento, el Barroco o el Neoclásico. Llegando hasta el siglo XXI convertida en un atractivo reclamo turístico que va mucho más allá del sonoro sol y playa, porque ofrece un turismo cultural de enorme importancia.

Su rosario de pueblos costeros, bellos refugios llenos de autenticidad donde huir de las aglomeraciones de otras zonas. Pueblos serranos o marineros, grandes o pequeños, llenos de historia y de verdad. Almería es un espectáculo despojado de artificio, como sus gentes y su gastronomía. En ella nos adentramos a través de estas diez perlas.

Serón, los sabores ibéricos más famosos de los pueblos de Almería

Serón forma parte de la Sierra de los Filabres, continuación del Parque Natural de la Sierra de Baza, en la provincia de Granada. Este precioso municipio serrano es conocido por sus excelentes jamones y embutidos. Una producción que mantiene la tradición artesanal, lo que propicia una calidad que le ha dado su justa fama.

Su pintoresco paisaje coronado por la iglesia Mudéjar de Santa María de portadas barrocas, lo conforman las calles sinuosas y estrechas formadas por casas encaladas que se derraman por la ladera. Recorriéndolas hacia arriba nos llevan hasta el castillo nazarí que corona su estructura piramidal y que ofrece unas espléndidas vistas de su privilegiado entorno.

Interesante resulta la visita al poblado minero de Las Menas. Sus yacimientos ferrosos fueron durante el siglo XX los más productivos de la provincia. No menos importante es el entorno natural de esta localidad, salpicado por rincones de gran interés paisajístico envueltos por su fresco verdor, que procuran la práctica del senderismo o la bicicleta de montaña.

Bentarique, un hermoso lugar de tesoros y leyendas

A unos treinta kilómetros de Almería capital, donde comienza La Alpujarra, se encuentra este precioso pueblo de sabor andalusí. Sus casas encaladas forman un blanco caserío de estrechas y empinadas calles. Rodeado por fértiles huertas y campos de naranjos que perfuman su aire en primavera con el aroma del azahar, Bentarique es un buen lugar para el turismo rural.

La tierra le devolvió a Bentarique un conjunto de valiosas joyas de factura musulmana, que aparecieron dentro de una vasija de cerámica, escondidas muy probablemente ante la llegada de las tropas cristianas en el siglo XV. Conocido como el Tesoro de Bentarique está expuesto en el Museo Arqueológico de Madrid.

Tiene más tesoros Bentarique que se disfrutan in situ: además de su bellísimo caserío, su alegre ambiente ligado a un tempo que se aleja del estrés, sus testimonios arquitectónicos de épocas prósperas como la de Al-Ándalus o la que vivió en el siglo XIX gracias a la uva de Ohanes que configuró su neoclásica plaza de San José, o el paraje natural de La Posnilla.

Las aguas termales de La Posnilla, utilizadas como termas en época romana, le deben su impronta a los árabes y son hoy un atractivo lugar de esparcimiento en este vergel que crece en el desierto, con un horizonte dibujado por las montañas de la sierra.

Carboneras, playas vírgenes de los pueblos de Almería

Gran parte de su territorio pertenece al Parque Natural del Cabo de Gata-Níjar. A orillas del Mediterráneo esta localidad de tradición pesquera disfruta de más de catorce kilómetros de idílicas playas. A algo más de sesenta kilómetros de Almería, esperan las playas urbanas de El Ancón, Los Barquicos y Los Cocones, desde las que se divisa la Isla de San Andrés, una pequeña isla rocosa cuyo perfil recuerda una ballena, declarada Monumento Natural, que es accesible desde los puertos de Carboneras y Agua Amarga.

Carboneras es uno de los pueblos de Almería en los que disfrutar de playas vírgenes, como la playa del Corral o la playa del Algarrobico, que formó parte del escenario de la película «Lawrence de Arabia», o la impresionante playa de los Muertos que debe su nombre a la antigua costumbre de esperar que el Mediterráneo devolviera los cuerpos de pescadores y náufragos perdidos en el mar.

Las Fiestas de Moros y Cristianos y las hogueras de San Juan llenan de alegría el mes de junio en Carboneras, que ofrece durante muchos meses al año la posibilidad de practicar vela y submarinismo en sus ricos fondos marinos.

Carboneras conserva varias fortificaciones defensivas como la Torre del Rayo, el Castillo de San Andrés y la Torre de la Mesa de Roldán desde donde se disfruta de una vista impagable de toda esta costa.

Cuevas de Almanzora, del Argar al siglo XXI

Es uno de los pueblos de Almería más antiguos. Lo atestiguan los numerosos yacimientos arqueológicos que hay en su término municipal como los de Fuente Álamo, El Oficio o Las Herrerías de la cultura argárica; las dos cuevas de La Zaja, de los periodos Musteriense y Paleolítico Superior; el Yacimiento fenicio de Baria, hoy Villaricos, habitado sucesivamente por fenicios, griegos, cartagineses, romanos, visigodos, bizantinos y musulmanes. Estos últimos crearon las casas-cuevas de El Calguerín que le dieron nombre al municipio.

Con la conquista de los Reyes Católicos el lugar pasó a manos del Marques de Vélez que construyó el castillo que es hoy un símbolo en Cuevas de ALmanzora. De visita imprescindible, este castillo del siglo XVI, ofrece en sus «estancias» el Museo de Arte Contemporáneo y el Arqueológico.

El turismo y la agricultura de regadío y bajo plástico sustituyó en el siglo XX a la floreciente actividad minera que le dio prosperidad durante el siglo XIX, de la que quedan edificios muy interesantes. Como lo son también iglesias y conventos que recogen arte y arquitectura de varios siglos. El Museo del poeta Álvarez de Sotomayor, hijo de Cuevas, o la Cueva-museo, son otros interesantes atractivos de este bellísimo rincón almeriense.

Además están las playas en las que encontrar calas inolvidables, de aguas transparentes donde practicar el submarinismo, como la Cala de Cristal, la Invencible, la de Dolores o la Cala Panizo. La recóndita cala del Peñón Cortado, a la que su difícil acceso convierte en un lugar solitario, lo que unido a la belleza de su paisaje bien merece la pena el esfuerzo de llegar.

Mojácar, uno de los pueblos más bonitos de España

El caserío blanco que forma laberínticos caminos adornados con flores de fuertes colores, dibuja el urbanismo de esta belleza que mira al Mediterráneo desde la última estribación de Sierra de Cabrera. Forma parte de la red de Los pueblos más bonitos de España.

Mojácar es un hermoso pueblo andaluz situado en un privilegiado entorno natural. Dueño de diecisiete kilómetros de playas vírgenes con una variedad que va de calas solitarias a playas turísticas. Rodeado de las profundas ramblas de Sierra de Cabrera que propicia senderos de bellos paisajes.

La Murgis-Akra griega, habitada desde la Edad del Bronce, fue frecuentada por fenicios, cartagineses y romanos. Convertida en la Muxacra árabe para pasar a ser la Mojácar cristiana. Vivió sangrientas batallas en el siglo XV entre árabes y cristianos en cuyo recuerdo Mojácar celebra cada mes de junio un importante fiesta de Moros y Cristianos

Si se elige como lugar de vacaciones, es un seguro de calidad de vida y experiencias inolvidables, pero si está cerca, ésta es una visita ineludible.

Níjar una joya del Mediterráneo

Su término municipal es de los mas grandes de España, conocido como Comarca de Níjar, es uno de los pueblos de Almería con mayor número de habitantes. En la comarca de Níjar se encuentra el Parque Natural de Cabo de Gata-Níjar. Un parque de origen volcánico, un espacio protegido marítimo-terrestre cuya superficie y relevancia ecológica es la más importante de todo el Mar Mediterráneo Occidental de Europa. En 1999 la Unesco le concedió la denominación de Geoparque. La belleza de su costa y su riqueza ecológica lo convierten en una joya para el turismo de naturaleza.

Hay pruebas de la presencia del ser humano en estas tierras desde el periodo mesolítico. Huellas de la cultura de los Millares y del Argar se encuentran repartidas por el territorio de Níjar compuesto por las siguientes localidades: San José, Pozo de los Frailes, Los Escullos, Rodalquilar, Las Hortichuelas, Las Negras, Agua Amarga, La Isleta del Moro, Fernán Pérez y la Boca de los Frailes, todas forman parte del Parque de Cabo de Gata-Níjar.

Tierra inspiradora de obras como Bodas de Sangre que Federico García Lorca situó en el Cortijo del Fraile; Puñal de Claveles, que convirtió Rodalquilar en un hermoso espacio literario a través de la pluma de Carmen de Burgos; o el viaje descorazonador Campos de Níjar, que escribió desde el alma Juan Goytisolo.

Con escenarios de cine como la Playa de Monsul (foto de portada), la de los Genoveses, los Albaricoques, Rodalquilar, etc, donde se han rodado escenas de películas internacionales como Indiana Jones y la última cruzada, El bueno, el feo y el malo, La muerte tenía un precio, o Exodus: Dioses y reyes. Y cintas españolas como El Niño, Hable con ella, o Vivir es fácil con los ojos cerrados, entre otras muchas.

«The New York Times» publicó en 2010 un reportaje, en que hablaba de las playas del Parque Natural del Cabo de Gata-Níjar como el paraíso de Europa. No exageraba nada el diario neoyorquino.

Tabernas, un desierto famoso en los pueblos de Almería

A veintinueve kilómetros de Almería capital, entre las Sierras de los Filabres y Alhamilla, se encuentra Tabernas, enmarcada en un paisaje sobrecogedor. Este paraje formado por cárcavas que recorren auténticos wadis, ríos torrenciales en los desiertos que arrastran con el agua, barro, y piedras, es la única zona desértica de Europa.

El espectacular paisaje del Desierto de Tabernas es desolador pero está lleno de vida. La riqueza de su aviafauna le valió la declaración de Zona de Especial Protección para las Aves. Habitado ademas por reptiles y mamíferos, cuenta con una vegetación similar a la de los desiertos norteafricanos, y tiene especies botánicas únicas en el mundo.

Esta zona desértica ha sido un punto neurálgico de la industria del cine europeo durante dos décadas del siglo pasado, cuando se rodaban aquí los famosos spaghetti westerns. Hoy convertidos los antiguos estudios en el poblado del Oeste Fort Bravo (Texas Hollywood), son un auténtico reclamo turístico.

Ohanes, La Alpujarra de Almería

Ohanes forma parte de la Alpujarra de Almería. Habitada desde el Neolítico, la Cultura del Argar en la Edad del bronce dejó aquí sus huellas, como lo hicieron también iberos, fenicios y cartagineses. Fueron los yemeníes los primeros árabes en habitarla, pasando por el califato de Abderramán III y el Reino Nazarí hasta la llegada de Los Reyes Católicos en 1492.

En Ohanes nació la uva que lleva su nombre, que se cultiva en muchos pueblos almerienses y que tanta prosperidad dio a Ohanes en el siglo XIX cuando se exportaba a Europa y a EE.UU.

El caserío de Ohanes lo forman callejuelas encaladas que dibujan laberínticos caminos fruto de su pasado árabe. Situado a casi mil metros de altitud en las estribaciones de la falda sur de Sierra Nevada, Ohanes es un magnífico lugar para los amantes del senderismo.

Uno de los senderos, el PR-A 248, que se puede recorrer a pie o en bicicleta de montaña, lleva a parajes tan singulares como las terrazas moriscas que desde el siglo XIX se dedican al cultivo de la uva de Ohanes, a molinos y acequias de origen árabe para llegar a la cumbre del Peñón de la Polarda, a más de dos mil metros, donde esperan vistas panorámicas de Sierra Nevada y de los valles del Andarax y Fiñana-Abrucena.

El Ejido, en el corazón de un «mar de plástico»

Desde el Poniente Almeriense mira al Mediterráneo El Ejido, nombre que deriva de la romana Exitu «salida». Y una salida hacia el bienestar económico de este lugar desértico, ha sido la agricultura intensiva conseguida gracias a los invernaderos que rodean la población, y al riego con goteo inventado en Israel. La explotación de estos invernaderos ha generado una rica industria auxiliar que comercializa los productos hortícolas a nivel nacional e internacional.

La cultura del cultivo bajo plástico es hoy una realidad de la que se sienten orgullosos, con razón, en esta población que ha visto crecer empresas como Clisol Turismo Agrícola, que tras el empuje de una entusiasta y admirable mujer, Lola Gómez (Medalla de oro de Andalucía en 2013) ponen en su justo sitio una manera de producir tan sana y valiosa como las más antiguas. Si estás cerca te recomendamos una visita guiada por los invernaderos de Clisol.

En su franja costera tiene El Ejido otro de los pilares de su pujante economía. Su Festival de Teatro que cuenta con más de cuarenta años de historia, se celebra entre los meses de mayo y junio, está catalogado como Fiesta de Interés Turístico por la Junta de Andalucía.

Vélez Blanco, en el origen del Indalo

Este precioso pueblo de la comarca de los Vélez cuyo urbanismo es un Conjunto Histórico de altísimo nivel patrimonial, está coronado por un castillo del siglo XVI vinculado al linaje murciano de los Fajardo. El castillo construido sobre una importante alcazaba islámica, conjuga la misión defensiva con la palaciega y es un bello ejemplo de la arquitectura renacentista.

El patio de honor, una obra maestra del primer renacimiento español, junto con el del Castillo de la Calahorra en la provincia de Granada, se encuentra en el Museo Metropolitano de Nueva York, después de todo un viaje que comenzó con su venta por el XVI marqués de los Vélez, Joaquín Álvarez de Toledo y Caro a un anticuario francés. Parte de los relieves del friso de este patio aparecieron en 1996 en el Museo de Artes Decorativas de París.

Pero en el importante mosaico de grupos humanos que han pasado por este lugar hay que mirar a la Prehistoria, de la que guarda Vélez Blanco nada menos que ocho abrigos prehistóricos que pertenecen al Patrimonio de la Humanidad dentro del Arte rupestre del arco mediterráneo de la Península Ibérica.

Entre ellos el Abrigo del Maimon esconde la Cueva de los Letreros, declarada Monumento Histórico Nacional y Patrimonio de la Humanidad. En esta cueva hay una figura que se ha convertido en el símbolo de la provincia de Almería, EL Indalo, imagen unida a la suerte y la prosperidad en el imaginario colectivo.

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El conocido como Caminito del Rey es una pasarela colgada a ciento cinco metros de altura en las paredes del Desfiladero de los Gaitanes, cuyo nombre hace referencia a las grandes aves carroñeras que hubo y hay en este paraje. Un recorrido de casi ocho kilómetros que convierten a este «caminito» en uno de los senderos más sobrecogedores de Europa. Está situado entre los términos municipales de Ardales, Álora, y Antequera.

Descubierto por los viajeros del siglo XIX que iban a Málaga en ferrocarril, y abierto al tránsito por Rafael Benjumea en el siglo XX, gracias a las pasarelas que colgó en las paredes opuestas a la línea férrea sobre los impresionantes abismos de El Chorro.

Hablamos de uno de los fenómenos geológicos más relevantes del Sur de la Península Ibérica, que ha pasado de ser el camino más peligroso del mundo a una de las mejores experiencias de Turismo Activo de Europa. Situado a una hora escasa de Málaga, Antequera, Ronda o Marbella y a dos horas de Granada, Córdoba o Sevilla. Recorrerlo es una experiencia inolvidable.

Es un recorrido lineal de algo menos de ocho kilómetros, que se realiza en un sentido único. Se empieza en el término municipal de Ardales y se termina en Álora. En este último pueblo hay un servicio de autobuses lanzadera hasta el aparcamiento de Ardales.

Este camino es sólo un ejemplo de los cientos de kilómetros de senderismo cultural que disfruta la bellísima provincia de Málaga. Caminos que unen pueblos con parajes y parajes con monumentos patrimoniales o naturales.

Alfonso XIII y el Caminito del Rey

Su nombre se lo debe al rey Alfonso XIII, pero no porque lo construyeran para él. El camino se construyó entre 1901 y 1905 y Alfonso XIII no lo recorrió hasta 1921. Nació para abrir un paso entre los dos saltos de agua propiedad de la compañía Sociedad Hidroeléctrica del Chorro: el Salto del Chorro y el Salto del Gaitanejo. Un «estimulante» sendero que utilizaban los operarios y servía también para trasladar los materiales y facilitar la vigilancia de las instalaciones.

Y fue en 1921 cuando Alfonso XIII inauguró la Central Hidroeléctrica, y el Pantano del Chorro, obras del ingeniero sevillano Rafael Benjumea. Disfrutó el monarca de las espectaculares vistas a las que se accede gracias a este camino, llamado entonces el sendero de Los balconcillos que mucho tiempo después pasó a llamarse Camino del Rey, para más tarde conocerse como Caminito del Rey.

Durante las obras eran frecuentes las visitas de las personas cercanas a los constructores, asombrados por la belleza del paisaje. Fue entonces cuando Benjumea decidió mejorarlo y reformó el puente que hay entre los dos lados del desfiladero, diseñado por el ingeniero de caminos Eugenio Rivera y conocido como Balconcillo de los Gaitanes. En las últimas obras de reestructuración no se acometió la rehabilitación de este puente, al parecer por el elevado presupuesto. En paralelo al antiguo puente una pasarela recorre el espacio, convertida en un vertiginoso mirador.

En 1901 se iniciaron las obras hidroeléctricas en El Chorro, que tardaron veinte años en terminarse, para darle a la ciudad de Málaga suministro eléctrico y de agua potable suficiente para la población y para los riegos de la zona de la Hoya, que linda con el río Guadalhorce. Aprovechando los desniveles que los ríos habían producido en los cañones del Desfiladero de los Gaitanes, realizaron un salto hidrológico que puso en marcha la primera gran central hidroeléctrica del Sur de Europa.

En cuanto a la leyenda urbana sobre su construcción, que asegura que hubo muchas muertes de obreros y que fue construida por presos, sólo es una leyenda, de las muchas de rodean estos parajes. No lo construyeron presos si no hombres de mar acostumbrados a subirse a los mástiles de los barcos de vela, que eran a principio del siglo XX los auténticos especialistas en trabajos de altura. En cuanto a las bajas, en veinte años que duró su construcción sólo hubo que lamentar dos, un obrero descargando material y un dinamitero.

En el mes de mayo de 1921 Alonso XIII llegó en tren hasta la Estación de Gobantes en Peñarrubia, y se desplazó en coche hasta muy cerca de la histórica y encantadora Ardales. Villa que hunde sus raíces en la celtibérica Turóbriga, en cuya cercanía tuvo lugar el levantamiento de Omar ibn Hafsún contra los omeyas cordobeses, construyendo el poblado rupestre de Bobastro. Hoy es un interesantísimo yacimiento arqueológico al que se puede acceder al final del recorrido, en las Mesas de Villaverde.

Desde Ardales Alfonso XIII recorrió en lancha el Pantano de El Chorro (Pantano Conde de Guadalhorce desde 1953), colocó la última piedra de las obras hidráulicas, y firmó el documento de finalización de las obras en el Sillón del Rey. Visitó la Central de Gaitanejo y paseó bajo una insistente lluvia por las pasarelas.

Las obras que han permitido abrir de nuevo el camino las han realizado alpinistas y espeleólogos, y la llegada de los materiales a las zonas más problemáticas se solucionó con un helicóptero.

Las espectaculares vistas del Caminito del Rey

A pesar de que la función de la pasarela seguía siendo el paso de los obreros, tras la visita del Rey se convirtió en un destino del turismo de aventura de Málaga. Personajes de la política y la cultura quisieron recorrer el camino del Desfiladero de los Gaitanes. La belleza seductora de este lugar ha inspirado a infinidad de artistas desde los viajeros románticos; dramaturgos, poetas, pintores, cineastas, fotógrafos, etc, han plasmado a través de sus obras de arte la esencia de este maravilloso rincón. Su fama fue creciendo hasta que en los años sesenta del pasado siglo, sustituyeron el antiguo canal por una tubería y ya no fue necesaria la pasarela para su mantenimiento. Entonces comenzó un largo abandono que la convirtió en un peligroso sendero.

La falta de mantenimiento y el riesgo que su deterioro suponía no impidió que aventureros y deportistas siguieran utilizando el Caminito, costándole la vida a varias personas a causa de su gastada estructura. Su paso estuvo prohibido durante años, hasta que en 2015 se inauguró la nueva pasarela, que permite transitarlo sin riesgos. Pero antes de la prohibición el Caminito del Rey fue utilizado por niños camino de la escuela, por mujeres para hacer la compra, vecinos de los pueblos Ardales y Álora y por algún que otro ciclista sin vértigo.

Su poder de atracción lo justifican no sólo el lujo que suponen sus vistas. Es una experiencia que se traduce en emociones inolvidables. A la sensación única de caminar sobre un vacío de más de cien metros, se suman las sorpresas que esperan en cada tramo. Formaciones geológicas como el mal llamado «arco gótico». Encuentros con rincones que fueron la despensa de antepasados del Neolítico: cazadores de cabras montesas y pescadores de salmones. Observar cuevas colgadas en lo más alto de estos muros naturales que son el refugio de nidos de buitres y otras rapaces, o contemplar el bosque vertical que crece en las paredes de los cañones. Encontrarse con la línea férrea que desde 1865 rompió el cerco montañoso de Málaga, hoy recorrida por el AVE.

Contemplar las Hornacinas de San Cristóbal mientras sobrevuelan los cielos los buitres de la cercana Buitrera del Chorro, y retar al vértigo desde el Balcón de cristal, que se asoma al vacío más allá de la pasarela. Observar fósiles marinos que tienen millones de años, y pasar por un puente colgante a ciento cinco metros de altura y unos treinta y cinto metros de recorrido, cuya base deja ver el vacío. ¿Emocionante verdad?

Es bueno sobreponerse al vértigo en este puente, para disfrutar de un rato inolvidable en el que «las mariposas de agua» (gotas atravesadas por la luz), vuelan al son de la banda sonora que componen los buitres y el agua.

La diversidad de hábitat que se da en tan escasos kilómetros cuadrados en los que se encuentran manantiales, fuentes, escarpes, cañones estrechos, cuevas y algunas playas fluviales, sirve de protección a una enorme variedad de especies como zorros, cabras montesas, murciélagos, anfibios, peces, reptiles, y una gran variedad de aves: garzas, ánades, fochas, ruiseñores, garzas, águilas, vencejos reales, buitres leonados y alimoches, entre otras muchas especies.

Datos prácticos para visitar El Caminito del Rey

Aunque el recorrido completo es de casi ocho kilómetros, no todo son pasarelas. Éstas cubren un total de unos tres kilómetros. Se tardan entre tres y cinco horas en transitarlo y no pueden acceder a él los niños menores de ocho años. Tampoco mascotas. El resto es puro sentido común. Cualquier persona cuya salud y habilidad física le permitan caminar, subir escaleras, y enfrentarse a las pasarelas, que en todo momento ofrecen sensación de seguridad, puede hacer este «caminito». Ropa y calzado adecuados, agua y algún tentempié y una mirada abierta a vivir unas horas de verdad inolvidables, es todo lo que se necesita.

Hay que tener en cuenta que las entradas se tienen que reservar con tiempo. Insistimos en recomendar cualquiera de las visitas guiadas de Civitatis. Son expertos conocedores del camino que además de encargarse del tema de las entradas, os conducirán con total seguridad y con ellos no os perderéis detalle.

Este espacio es también uno de los principales centros de escalada sobre roca de Europa gracias al Desfiladero de los Gaitanes, al filo del cual transcurre el sorprendente trazado del Caminito del Rey que al menos habría de recorrerse una vez en la vida.

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Este es un paseo por la preciosa ciudad de Priego de Córdoba, a la que incluimos en nuestra lista de Pueblos de Córdoba. Pero no es un paseo por sus numerosos monumentos a lo que te invitamos, estimado lector, en la certeza de que disfrutarás de algo muy especial. El paseo de hoy busca la fresca presencia del agua. Agua que brota en Priego a borbotones de vida y que ha marcado el perfil de su aspecto a lo largo de la historia. Un skyline muy especial, porque si la palabra inglesa habla de la línea que recorta en el cielo el perfil de una ciudad, en el caso de Priego de Córdoba esta línea está marcada por la indefinible, esencial, huidiza, imprescindible presencia del agua.

Prueba de lo que decimos es que la existencia de manantiales en Priego de Córdoba da lugar al encuentro en sus calles con un buen número de fuentes que desde el siglo XVI adornan y realzan un caserío blanco, entre el que brillan con luz propia no pocos monumentos envueltos con el velo exuberante del barroco.

Este rincón cordobés lleva habitado al menos desde hace cien mil años. Las pruebas de ello están en el Museo Histórico Municipal de Priego, con importantes hallazgos del Paleolítico, Neolítico, Edad de los Metales, Antigüedad y Edad Media.

La importante presencia del Barroco en Priego de Córdoba fue la coincidencia en el tiempo de este estilo artístico y el florecimiento económico que vivió la ciudad en el siglo XVIII gracias a su importante industria textil. Era entonces Priego uno de los centros de sericicultura (producción comercial de seda) más importantes de España. De sus factorías partían tafetanes y terciopelos hacia Francia, el resto de España y el Nuevo Mundo. El agua es en la manufactura de la seda, un elemento imprescindible, como lo es también en la realización de las yeserías que cubren los espacios barrocos de las iglesias de Priego.

Pero el Barroco no es el único tesoro en cuanto a arquitectura y urbanismo que aguarda en esta precioso enclave cordobés. De su importante pasado medieval da cuenta el embaucador Barrio de la Villa, que recibe el agua desde el manantial conocido como la Fuente de la Salud.

El agua da forma a lugares prieguenses como el paraje de La Cubé, un espacio natural a los pies del Adarve, en el que se unen importantes valores arqueológicos, geográficos, biológicos, y geológicos. Las cuevas de La Cubé están envueltas en leyendas del mundo árabe y del romanticismo bandolero. Su importancia llevó al Ayuntamiento de Priego a solicitar su declaración como Monumento Natural.

El encuentro con el agua en Priego de Córdoba es una suerte de costumbre que sorprende al visitante, y que conserva estampas de otros tiempos como el precioso lavadero de la calle Loja, ahora en desuso, que guarda celoso, secretos de mujeres, rumores y noticias de antaño.

El agua, elemento esencial para la vida, es también un imprescindible purificador que permite acercase a los hombres a sus dioses. Presente en rituales de purificación en numerosas religiones, como en el sacramento del bautismo cristiano. El agua del manantial que brota en la Fuente de la Salud de Priego, en cuyo escenario se mezclan personajes religiosos con fascinantes protagonistas de la Mitología Clásica, acabará regando huertas y jardines. Pero antes provoca en la contigua Fuente del Rey un espectáculo teatral que forma parte de la vida cotidiana de la ciudad.

La Fuente de la Salud de Priego de Córdoba

Apoyada en un muro de la antigua muralla, dice la leyenda que esta construcción de sabor manierista se levanta en el mismo lugar que ocupó el asentamiento de Alfonso XI para acabar conquistando la plaza a los árabes. Hoy es un Bien de Interés Cultural que convierte en monumento a un histórico manantial. Otra leyenda concede un deseo a quien sea capaz de encestar de espaldas una moneda en la hornacina de la Virgen de la Cabeza.

Se levantó en 1585 para canalizar uno de los más importantes manantiales que abastece a la población. Su diseño se atribuye al jienense Francisco del Castillo, creador de la Chancillería de Granada.

Bajo el frontispicio almohadillado de mármoles polícromos, en la zona de las rocas de la que surge el manantial, se extiende un programa decorativo con bajorrelieves cuya iconografía fusiona las mitológicas figuras de Neptuno con dos de sus esposas: Anfítrite y Medusa, con la imagen religiosa de un pastor guiando un rebaño de ovejas que aparece a la izquierda de la hornacina de la Virgen. Al parecer es un homenaje al pastor de Colomera (Granada), descubridor de la imagen de la Morenita de Andújar. Fue financiada por la hermandad de la Virgen de la Cabeza de Priego de Córdoba.

Es una combinación de agua, arte, naturaleza y utilidad, pues su manantial, como decimos, nutre la vida de Priego de Córdoba.

La Fuente del Rey de Priego de Córdoba

La Fuente del Rey es un bello ejemplo del barroco tardío de Priego. Fue declarada Bien de Interés Cultural en 1985. No sabemos si debe su nombre al Rey Alfonso XI que en 1341 conquistó la ciudad a los árabes, o a Carlos IV que reinaba en el momento de su construcción. También es conocida como Fuente de Neptuno.

Su monumental estructura hace honor al manantial que nace en la Fuente de la Salud, del que recibe el caudal, y que acaba deslizándose oculto bajo la zigzagueante calle Río. En esta calle se levantan bellas mansiones del siglo XIX y principios del XX entre las que perviven ecos modernistas y regionalistas. En el número treinta y tres, está la casa natal de Niceto Alcalá Zamora, Presidente de la II República Española, convertida hoy en un museo.

Esta preciosa fuente, transformada en varias ocasiones desde el siglo XVI, está organizada en tres estanques suavemente escalonados. El primer estanque tiene forma de trébol y sus chorros están enmarcados por los mascarones más artísticos de la fuente. Todos son diferentes. En su centro, un león, obra de juventud del escultor prieguense José Álvarez Cubero, lucha contra un dragón marino que al entregar la vida abre su fauces de las que mana el agua que cae en cascada hacia el segundo estanque, que es el más grande.

Aquí el dios del mar, Neptuno, lleva cabalgando desde el siglo XIX, sobre un carro tirado por dos caballos marinos, decorado con delicados relieves mitológicos. Le acompaña su esposa Anfítrite, la diosa del mar tranquilo, que abraza a un pez desde cuya boca un surtidor vuelca el agua al final del carro. Este conjunto escultórico, como el diseño definitivo de la fuente, es obra del escultor Remigio del Mármol, de Alcalá la Real (Jaén), que era vecino de Priego.

En el fondo del último estanque rodeado de animales marinos, abre la boca para recibir el agua que le llega, un imaginativo mascarón que entrega el preciado líquido al soterramiento que la reparte entre el caserío de Priego.

El sinuoso contorno de la fuente está rodeado por bancos de piedra que invitan a sentarse para escuchar el coro acuático que crean sus ciento treinta y nueve caños, al que se suma el rumor del agua cuando cae por las pequeñas cascadas. Un escenario teatral de piedra y agua que relaja y refresca a quien lo observa. A lo que ayuda la cortina vegetal que rodea este precioso paraje.

De manera que las dos fuentes mantienen una conversación de siglos entre el humanismo manierista italiano de la primera, y la fiesta barroca del agua que se celebra en la segunda. Ésta es la estrella, el icono de Priego de Córdoba.

El Adarve y el Recreo de Castilla

Cerramos el paseo en El Adarve, un balcón abierto al paisaje de la Subbética que rodea abrazándolo el medieval Barrio de la Villa, Conjunto Histórico-Artístico desde 1972. Es un barrio hermano de la Judería de Córdoba o el Albaicín de Granada. Y su balcón, El Adarve, es un paseo que además de preciosas vistas, ofrece a lo largo de su recorrido el agua fresca que mana de tres históricas fuentes de piedra. El desnivel de este balcón es tan importante que ha sido una defensa natural para Priego a lo largo de su historia.

Justo al borde de la muralla del Adarve, bajo el Castillo de Priego, se encuentra el conocido como Recreo de Castilla, (apellido de su último propietario), cuya primera referencia escrita aparece en 1550 con el nombre de Huerta de las Infantas.

Antonio Castilla compró este espacio en 1857 y construyó en él una casa, conocida como La Quinta . Convirtió el espacio de la huerta en un jardín romántico a base de juegos de agua y una exuberante vegetación. Todo el sistema de riego y la alimentación de estanques y fuentes recibían el agua de la Fuente del Rey. La misma fuente que movía el engranaje de cinco molinos que existían en la zona. Las noches de verano organizaban en sus jardines fiestas privadas y eventos culturales.

En 1948 se celebró en estos jardines un concierto que sería el origen del actual Festival Internacional de Música, Teatro y Danza , que se celebra todos los veranos en Priego. Hoy tanto La Quinta como los jardines son visitables y están unidos al centro histórico a través del Adarve.

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