Comenzamos diciembre con la mirada puesta en unas fiestas que le dan color y alegría al mundo. Comprobamos cómo la creatividad ilumina rincones del mundo, que aunque alejados entre sí, están unidos por el impulso popular de disfrutar de unos días, en los que se mezclan lo religioso y lo pagano.

Ya vimos en nuestro post sobre La Navidad en el Arte como perviven en estas fiestas muchas de las costumbres de las saturnales romanas:

En estas fiestas perviven muchas costumbres de las fiestas saturnales: fiestas romanas en honor a Saturno (dios de la agricultura), en las que se celebraban banquetes, intercambios de regalos, cánticos y bailes (eran una Navidad y un Carnaval juntos), y que tantos dolores de cabeza le dieron a la Iglesia católica en su intento de alejarlas de la religiosidad de la Navidad cristiana.

Y no sólo eso, por múltiples motivos, se han mezclado costumbres y personajes diferentes de unas latitudes a otras. Así vemos a Papá Noel conviviendo y compitiendo con los Reyes Magos, o con la encantadora bruja Befana italiana, o con el Olentzero, un viejo carbonero navarro que también reparte regalos en estas fechas.

Y así podríamos recorrer el mundo encontrando personajes ligados a costumbres ancestrales en cada rincón del planeta. Aunque sin duda alguna es Papa Noel el querido invasor más poderoso de estas fiestas. Lo encontramos por todas partes, en cualquier mercadillo navideño, o prestando su indumentaria a personas de las más diferentes razas, lenguas y culturas.

En los primeros días del mes de diciembre las ciudades se iluminan con las más variadas formas y colores. Esa fantasía luminosa es la campanada de salida. Una llamada al comienzo de unas semanas de compras, preparativos, diversión, reuniones con amigos y familia, conciertos, exposiciones, etc.

Nos asomamos a algunas de las más imaginativas:

La navidad en Medellín, Colombia

En la colombiana ciudad de Medellín sorprenden cada Navidad con un derroche de imaginación que comienza el siete de diciembre con la inauguración del alumbrado. La fiesta empieza con un desfile de Danzas, Mitos y Leyendas. Es una de las más destacadas tradiciones de la ciudad. Atrae a multitud de turistas que encuentran además una variada oferta de actividades culturales a lo largo de todo el mes. El Alumbrado es toda una institución para Medellín. Cientos de personas trabajan durante muchos meses para que miles de visitantes puedan disfrutarlo en puntos estratégicos de la ciudad.

El Molino de Clifton Mill, la Navidad en Ohio

El viejo molino de Clifton Mill es un escenario que atrae a miles de visitantes en Navidad. Su fantástica iluminación se consigue con más de tres millones de luces que iluminan puentes, árboles y senderos en un entorno lleno de magia. La reproducción de una villa en miniatura, un museo de Santa Claus, y mucha música envolviendo un entorno que hace las delicias de chicos y grandes.

El molino está a poco más de un kilómetro del Clifton Gorge State Nature Preserve, una Reserva Natural a orillas del río Cliftonnque hará que merezca la pena el viaje.

La Navidad en Montreux, a los pies de los Alpes suizos

Montreux es un lugar muy especial. Construido en la ladera de una montaña, con un paseo marítimo a la orilla del lago Lemán y con un ambiente relajado y lleno de paz. Es posiblemente uno de los lugares más lujosos y tranquilos de esta orilla del lago. Ha sido y es el refugio de artistas, músicos y escritores. Por sus calles pasearon entre otros Lord Byron, Tolstoi, Dostoievsky, Tchaikovsky, Stravinsky, Víctor Hugo, Dickens, Hemingway, Nabokov… o Freddie Mercury.

La Navidad es un festejo muy especial en esta ciudad que tiene un precioso mercadillo. En sus aproximadamente 120 puestos que son casitas de madera, se encuentran los adornos más especiales de toda Suiza. Delicadas y exquisitas creaciones de artesanos, y productos típicos de la zona. Una delicia.

El Montreux Noël es el más antiguo de la Suiza francesa. Además se levantan restaurantes, también de madera, donde entrar en calor con su famoso vino caliente con especias.

La Navidad en el parque Tivoli de Copenhague

Es el parque más famoso de Copenhague y en el se concentra durante estas fechas buena parte de la magia navideña. Además de acoger un gran mercadillo, el Tivoli ilumina todas sus atracciones con preciosos adornos que convierten el lugar en un espacio no apto para Grinches, (personaje literario que robó la Navidad). Hay puestos de comida y bebida, música en directo y juegos y entretenimiento para los niños, que disfrutan de lo lindo en la aldea de Santa Claus.

También se puede patinar sobre hielo en la pista que instalan todos los años en el Tivoli.

Y calentarse el cuerpo con baso glögg: el vino caliente tan típico del centro y el norte europeos que se llama glögg en Dinamarca. Es un vino aromatizado con especias que se sirve ardiendo y se encuentra en cualquier puesto callejero.

Y en el auditorio del parque se puede disfrutar de el Cascanueces desde finales de noviembre.

Y como en cualquier celebración de la Navidad hay en Dinamarca una buena tentación dulce. Hay que probar los æbleskiver, unos bollitos con mermelada, las típicas galletas de jengibre, los kanelsnegl, bollos de canela o los klejner, unos buñuelos que se preparan en Navidad en todas las casas danesas.

Londres en Navidad

El árbol navideño de Trafalgar Square un icono de estas fiestas en la ciudad y con mucha historia. Su primera vez fue en 1947 cuando Noruega se lo regaló a Londres en agradecimiento por el apoyo de Gran Bretaña a los noruegos en la Segunda Guerra Mundial. Desde entonces cada año la ciudad del Támesis recibe del país nórdico este navideño regalo que luce en Trafalgar Square convocando a sus habitantes y visitantes a escuchar villancicos, cantar y reunirse bajo la esperada decoración de este simbólico árbol, cuya iluminación se inaugura el primer jueves de diciembre. Junto al árbol también luce un pesebre con las figuras del nacimiento según la tradición cristiana.

Y la emblemática plaza Covent Garden es otra cita imprescindible en la Navidad de Londres. Además de la decoración espectacular, la Navidad en Covent Garden está llena de sorpresas. Hay muchos eventos gratuitos, como conciertos y todo tipo de actividades. Los niños se harán con toda seguridad la foto de rigor en la escultura de Lego relacionada con la Navidad que cambia cada año, y además de probar sabores de la Navidad típicos británicos en el famoso antiguo mercado de manzanas de Londres, se puede participar en el Great Christmas Pudding Race, una carrera de obstáculos en la que los concursantes van disfrazados y llevan el pastel típico de navidad británica sin que se les caiga hasta la meta.

Navidad en Edimburgo, una cálida ciudad donde te olvidas del frío

Edimburgo se engalana con las típicas decoraciones navideñas, se llena de luces centelleantes para invitar a una fiesta envuelta en una especie de cuento que consigue que te olvides del frío y de la niebla.

En The Mound brilla un enorme abeto navideño con el que el condado de Hordaland, en Noruega, obsequia anualmente a la ciudad en señal de amistad. Pero no es el único. El árbol de los grandes almacenes Jenners, en Princes Street, y el de The Dome, entre Rose Street y George Street, son una atracción muy esperada.

Tiendas, mercadillos y grandes almacenes ofrecen todo tipo de objetos de decoración y comida típica navideña. Las posibilidades de fiesta y la cantidad de atractivos de esta ciudad se multiplican en este tiempo de Navidad, como el cautivador desfile de antorchas del 30 de diciembre en el que cualquiera puede participar, y disfrutar del espectáculo de fuegos artificiales que despide el año el día siguiente.

Y para entonar el cuerpo entre tanta fiesta el 1 de enero los más valientes pueden darse un «refrescante» chapuzón en el Firth of Forth durante el Loony Dook que se celebra anualmente.

La Navidad ilumina la Casa y los Jardines Bellingrath, en Alabama

El jardín botánico de esta histórica casa que se encuentra en Theodore, un suburbio de Mobile, Alabama, se abren al público en Navidad para el disfrute de una espectacular iluminación que se ha convertido en una visita muy popular.

Las imaginativas luces llenan de magia el jardín nupcial, el invernadero, el exótico jardín japonés, la rosaleda, y cada rincón de este especialísimo jardín. Sus brillos se reflejan en la piscina de la sirena y en el lago espejo.

Los senderos del jardín compuestos de lajas que se obtuvieron de las viejas aceras de la ciudad en Mobile. Estas lajas habían estado en el lugar de llegada de los barcos, como lastre de los veleros que recogían cargas de algodón para los molinos en Mánchester, Inglaterra. En estas fiestas se llenan de mil colores y formas.

La Navidad en España

En España las luces, los abetos y las tradiciones belenistas se mezclan en todo el país. Nápoles fue el epicentro artístico desde el que llegó la tradición de los belenes a España. Un ejemplo es la ciudad de Sevilla, bendecida con unos inviernos suaves, que consiguen que la participación popular llene las calles de ciudadanos dispuestos a disfrutar de la magia de la Navidad.

En muchas ciudades españolas se representa la ciudad de Belén. Alrededor de la escena de la Natividad se puede hacer un recorrido por los rincones de una lejana ciudad ambientada con actividades e indumentarias que retratan diversos momentos y etapas de la historia.

La Navidad en Nueva York

La Navidad en Nueva York es el paraíso del consumo. Si te gustan las compras, las luces, la magia y consumir sin freno, esta ciudad lo ofrece todo en Navidad. Aunque las inauguraciones del encendido de los árboles del Rockefeller Center y del Bryant Park son las más llamativas, hay abetos espectaculares por toda la ciudad. Otro espectáculo entretenidísimo es el derroche de imaginación, y de presupuesto, en la decoración de los escaparates.

Y aunque abren antes de la Navidad, es un clásico patinar sobre el hielo en cualquiera de las pistas neoyorquinas, una estampa que hemos visto tantas veces en el cine. Por cierto la única gratuita es la The Rink at Bryant Park, abierta desde octubre a marzo. Junto a esta pista se instala un precioso mercadillo navideño. Otro precioso mercadillo se encuentra en una esquina del Central Park, es el Columbus Circle Holiday Market. Hay muchos otros. Pero si el frío aprieta, se puede disfrutar en el mercadillo y las múltiples tiendas de la estación Grand Central Terminal. En la sala Vanderbilt Hall se instala un elegante mercadillo de artesanía y decoración.

Y como es la ciudad de los musicales y los espectáculos será difícil no encontrar uno que interese. Muy navideño es el de Las Rockettes, una compañía de bailarinas que escenifica coreografías espectaculares mientras los decorados de rincones neoyorquinos van cambiando en el escenario. Actúan en el Radio City Music Hall.

Y como en todas partes del mundo, muchas reuniones con amigos y familia, mucha luz, mucha fiesta y unos kilos de más.

¡FELIZ NAVIDAD!

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San Francisco en éxtasis, de Bellini.

Jacob Burckhardt atribuyó al Renacimiento italiano el descubrimiento de la belleza del paisaje, y este cuadro del veneciano Giovanni Bellini es una buena prueba de ello.

San Francisco sale momentáneamente de su retiro y se asoma a un paisaje bendecido por una luz brillante, uniforme y clara que ilumina por igual cada detalle, llenando el mundo de belleza y esperanza. El pintor, contagiado, pinta cada detalle con esmero, con verdadero deleite. A Brian Oard le parece “uno de los cuadros más optimistas del mundo”.

El Caballo Blanco, de Constable.

Las grandes obras que Constable, conscientemente, dejó para la posteridad fueron seis lienzos de enorme tamaño (seis pies, de ahí que en inglés se conozcan como los six-footers) que son escenas tomadas, como no podía ser de otra manera, en el río Stour, el centro del país de Constable.

En la segunda mitad del siglo XIX, cuando se popularizó el estilo de la Escuela de Barbizon (que tuvo a Constable por maestro), el gusto por esos lienzos ganó muchos adeptos, y varios coleccionistas, sobre todo franceses, se hicieron rápidamente con muchos de ellos. No con este Caballo Blanco. Después de venderlo a su amigo John Fisher, Constable lo recompró y lo conservó durante toda su vida como “uno de sus cuadros más importantes”.

La Fragua, de Goya.

Una escena que Goya comienza a pintar en 1812, y que muestra a tres obreros trabajando juntos con encendida violencia, tiene que enlazarse con el contexto histórico de la guerra contra Napoleón, y así lo han hecho la mayoría de los historiadores; algunos han añadido ecos de la Fragua de Vulcano que pintó Velázquez.

Pero la obra es deliberadamente oscura y escurridiza; como tantas otras de Goya, parece lanzar más preguntas que respuestas. ¿Contra quién luchan? ¿A quién aplastan? ¿Qué forjan? ¿Qué construyen? ¿Es acaso un nuevo mundo, como han sugerido algunos críticos? ¿Y qué se puede esperar de un mundo construido de esa manera?

Los descendientes de estos herreros acabarán emigrando a América por la pobreza imperante, y allí trabajarán para gente como Henry Clay Frick, que, enriquecida, adornará sus elegantes mansiones con cuadros como este.

Retrato de Tomás Moro, de Holbein.

Hans Holbein el Joven llegó a Londres con una poderosa carta de recomendación, la del filólogo y humanista Erasmo de Rotterdam, a quien había previamente retratado. Erasmo aconsejó a Holbein que acudiera a su amigo Tomás Moro, entonces en la cúspide de su carrera política tras haber sustituido a Thomas Wolsey como Lord Canciller de Inglaterra y consejero de Enrique VIII.

El retrato que le hizo Holbein es una de sus obras más brillantes: la brillante representación de las telas y el vivo colorido enmarcan a un retratado de viva inteligencia, poseedor de una mirada escrutadora y penetrante, de cuya fuerza contenida parece surgir la intesidad cromática que lo rodea. Moro quedó encantado con el retrato: “Tu pintor, mi queridísimo Erasmo, es un artista maravilloso”, escribió de vuelta.

La Crucifixión, de Piero.

Esta Crucifixión, junto a una monja y un excelente San Agustín –todos en la Frick– formaba parte de un altar del pueblo de Sansepolcro, de donde era originario el gran Piero della Francesca (y donde comienza su ruta, que trazamos en otra ocasión).

Datado aproximadamente en 1460, el panel de la Crucifixión es pequeño, pero exquisito, con un magnífica composición y un uso del color que recuerda aquello que dijo Leon Battista Alberti, que hay “una cierta amistad entre los colores, que su belleza y su gracia se incrementa cuando se colocan unos junto a otros”. Cuando se colocan bien, claro.

Autorretrato, de Rembrandt.

El más impresionante de los abundantes auto-retratos de Rembrandt. El maestro holandés aparece aquí como un rey en su trono, ataviado con riquísimos ropajes, y sosteniendo el cetro como el rey de los dioses (algunos historiadores han sugerido que Rembrandt se representa aquí, precisamente, como Júpiter). Y curiosamente, en aquel tiempo Rembrandt estaba agotado, ignorado y en bancarrota: había perdido su espaciosa casa y se había visto forzado a vender toda su colección de arte.

Pero, ¿está sentado, o en pie? Las manos se apoyan claramente en una silla, pero la parte inferior del cuerpo se diluye en una forma que sugiere una pose erguida e incluso marcial; una feliz fusión –púramente pictórica– de los papas sedentes de Rafael y Velázquez y los reyes erguidos de Holbein o Tiziano. Rembrandt, aún sentado, parece estar en pie. Viejo y arruinado, sigue siendo el rey de los pintores.

Retrato de Pietro Aretino, de Tiziano.

La historia de este retrato, de 1548, se remonta a otro retrato del mismo personaje realizado en 1545. Tiziano había ensayado entonces una pincelada muy suelta, carente en buena parte de detalles, y Aretino –el hombre que hablaba mal de todos excepto de Dios, “a quien no conocía”– se lo había echado en cara: “Si le hubiera pagado más escudos por él, las telas serían mucho más brillantes y suaves, dando la auténtica sensación, de seda, terciopelo y brocado”.

Tiziano hace propósito de enmienda y pinta ahora las telas con mayor detalle. Paradójicamente, hoy se valora mucho más el primer retrato, aunque éste no le va a la zaga en lo que Tiziano realmente brilló: la captación filosófica de los personajes.

El Puerto de Dieppe, de Turner.

El Dieppe, en el norte de Francia, era un puerto bullente de actividad a comienzos del siglo XIX. Turner lo capta bien: gente que puebla el puerto, que va y viene, que trabaja, que se divierte, que lo deja todo sucio y desordenado.

Pero el paisaje humano e industrial del puerto es en lo que menos nos fijamos. Lo que domina es la cegadora luz del sol, que se extiende por el cuelo y el mar como un manto de oro, una luz que seguramente, como muchos críticos han notado, sea más propia del Mediterráneo –Turner fue un enamorado de Italia– que del Canal de la Mancha. ¿Una respuesta romántica al implacable avance del frío y sórdido mundo industrial?

Retrato de Felipe IV, de Velázquez.

El Felipe IV en Fraga, así llamado por la localidad oscense donde se pintó en junio de 1644, fue uno de los últimos retratos del rey hechos por Velázquez.

Inspirado, posiblemente, como ha dicho Jonathan Brown, por el retrato del Cardenal-Infante Fernando de Austria de Anton van Dyck (que se conserva en el Museo del Prado), destaca sobre todo por la espléndida realización de los detalles del traje, esas centelleantes bordaduras plateadas sobre la felpa rosada que contrastan con el gesto grave y preocupado del monarca, en plena campaña militar.

Señora y sirvienta, de Vermeer.

Vermeer pinta aquí una escena compleja, que ha generado numerosas interpretaciones. La criada surge de las tinieblas del fondo para interrumpir la escritura de la señora y hacerle entrega de una carta, que parece desconcertarla. Si se trata de una carta de naturaleza “privada”, como sugieren los expertos –¿un amor adúltero, quizá?– la criada parece estar enterada.

El fondo oscuro y el uso de la luz recuerdan a Caravaggio, pero el colorido y el suave efecto atmosférico –la carta es prodigiosa: el aire que la envuelve parece palparse– son típicos de Vermeer. El resultado es una obra genial que, con sus magistrales contrastes, nos hace partícipes de la escena pintada.

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Noviembre comienza para los católicos con un peregrinaje que lleva a los cementerios del mundo ofrendas de aromas y colores contra el olvido. Plantas y flores se usaron en la antigüedad clásica para atraer la protección divina. La flora mitológica ofrecía laureles a Apolo, a Ceres espigas, mirtos a Afrodita y viñas a Dionisios. Hoy los ramos de siemprevivas (esperanza en la vida eterna), de crisantemos (los colores de noviembre), de lirios (azucenas de pureza), de violetas (el sutil color del luto), o de rosas (símbolo del amor aceptando el dolor de sus espinas), son entre los ocres del otoño las ofrendas a los afectos que esperan en los brazos de Morfeo, el dios alado cuya misión era crear sueños para aquellos que dormían. ¿Seguirá Morfeo creando sueños después del sueño de la vida?

Según Ovidio, Morfeo duerme en una cama de ébano en una cueva sutilmente iluminada, rodeado de flores de adormidera. Como el dios de los sueños, centenares de miles de almas duermen en multitud de cementerios del mundo, bajo ritos distintos, según sus religiones, su cultura, o su entorno.

Los hay inmensos, pequeños y sencillos, monumentales, inquietantes, serenos, con vistas al mar o la montaña, pero todos tienen algo en común; son un intento de preservar la memoria de sus huéspedes. Mauricio Wiesenthal, comienza así su delicioso Libro de réquiems: En el cementerio protestante de Capri hay una sepultura con un reloj de sol y una cita de Mazzini, escrita en inglés: THERE IS NO DEATH IN THIS WORLD, ONLY FORGETFULNESS (no existe la muerte, sino solo el olvido).

Hoy vamos a recorrer algunos de estos lugares de sueños, silencios y memorias, que son también un consuelo, una ayuda, como estos libros, para superar el adiós definitivo.

Cementerio del Bosque. Estocolmo

Los arquitectos suecos Asplund y Lewerentz diseñaron en 1915 este gran cementerio de Estocolmo adaptado a la naturaleza de un bosque casi inalterado, construyendo varias capillas y un crematorio en un claro del mismo.

Hay dos áreas llamadas Bosque del recuerdo, donde se entierra de forma anónima y a su alrededor se pueden dejar flores y encender velas. En la Colina de la Meditación, al fondo de la cruz que vemos en la imagen, se yerguen doce olmos como los doce meses del año, doce árboles de hoja caduca que duermen en otoño para renacer cada primavera. En este cementerio se respira serenidad, es sin lugar a dudas uno de los lugares más especiales de Europa.

En un rincón de este bosque, siempre rodeada de flores está la sencilla tumba de Greta Garbo.

Cementerio de Highgate. Londres

Una auténtica ciudad de los muertos (unas 200.000 personas descansan allí). Construido a partir de 1839, es una joya arquitectónica funeraria de época victoriana incluida en la lista de los los siete magníficos, siete espectaculares cementerios londinenses.

Años de abandono permitieron que la naturaleza ocupara el lugar arrebatado por tumbas y mausoleos, para ofrecer hoy un espectáculo ciertamente hermoso, pero frío y espectral. Entre sus miles de huéspedes se encuentran Karl Marx, George Eliot, y los padres y hermanos de Charles Dickens (él está enterrado en la abadía de Westminster), y el famoso boxeador Tom Sayers, cuya tumba vemos en la imagen con su fiel amigo León.

Con un largo historial de leyendas de terror, entre sus muros se han llegado a organizar cacerías de vampiros, exorcismos y ceremonias mágicas. La profanación de tumbas fue algo habitual durante mucho tiempo. Se organizan visitas guiadas recomendables para no perderse.

Cementerio de los Reyes. Ginebra

Como un gran parque cuidadísimo podríamos definir el cementerio de Plain Palais, conocido también como Cementerio de los Reyes. No hay en él el más mínimo asomo de amargura. Sus frondosos árboles invitan al paseo o a la lectura, o simplemente a pensar.

Estamos aquí para rendirle un humilde homenaje al grandísimo Jorge Luis Borges que comparó la muerte con el mar: La muerte, ese otro mar, esa otra flecha. Que nos libra del sol y de la luna. Y del amor. Su sencilla tumba es vecina de la de una mujer extraordinaria: Griselidis Real, escritora, pintora y prostituta, de profesión peripatética, muerta en Ginebra en 2005. Muy cerca de ambos se encuentra la sobria tumba de Juan Calvino, austero reformador de la ciudad de Ginebra.

Green-Wood Brooklyn. New York

Este precioso parque es un cementerio ¿o habría que decirlo al revés? Como sea es un lugar que los neoyorquinos utilizan en ambos sentidos. Fue fundado en 1838 en estilo neogótico. Inspirado en los parques ingleses, fue a su vez inspiración del Central Park. En su parte más alta está el Battle Hill, donde el ejército independentista venció a los británicos en la batalla de Long Island. Desde aquí las vistas hacia New York son magníficas. Es uno de los hitos turísticos de la ciudad, recibiendo casi tantas visitas como las cataratas del Niágara.

Entre sus caminos, colinas y árboles centenarios, crecen esculturas, mausoleos y sencillas lápidas en memoria de un gran número de personajes notables. Entre las más 600.000 tumbas encontramos nombres como el del gángster Joe Gallo; Jean-Michel Basquiat (revolucionario pintor de los años 80); el inventor del famoso código Samuel Morse; el músico Leonard Bernstein; o Louis Comfort Tiffany , innovador creativo del mundo de los vitrales.

Isola de San Michele. Venezia

Un monumento a Dante y Virgilio del artista Georgy Frangulyan, situado en la Laguna, entre Venecia y San Michele, marca el camino al cementerio y nos acerca al canto III de la Divina Comedia:

Por mí se va a la ciudad doliente/por mí se va en el eterno dolor/por mí se va con la perdida gente/ …antes de mí ninguna cosa fue creada/sólo las eternas, y yo eternamente duro:/¡Perded toda esperanza los que entráis!

Esta es la única isla del mundo dedicada por entero a la muerte. Tiene zonas para ortodoxos, católicos, evangélicos, y protestantes (zona muy abandonada pero evocadora y decadente). Hay otras curiosas como las de los gondoleros, monjas, sacerdotes o militares. En San Michele descansan entre otros Igor Stravinsky y el creador de los Ballets Rusos Sergei Diaghilev, los poetas Ezra Pound y Joseph Brodsky y el futbolista Helenio Herrera.

Antes el último viaje se hacía en góndolas fúnebres muy decoradas llamadas barca dei morti, ahora se usan lanchas.

Monte de Los Olivos. Jerusalén

Este es el lugar donde los judíos han deseado ser enterrados desde la antigüedad. En el Monte de los Olivos, según la Biblia (Zacarías, 14:4), comenzará la resurrección cuando llegue el Mesías. Las tumbas más antiguas están al pie de la montaña, en el Valle de Cidrón. Son las de Absalón, hijo de David, Zacarías, y una tercera cuya inscripción menciona a los hijos de Hezir, familia de sacerdotes que vivió hace 2000 años. Con el tiempo, ha ido creciendo hasta extenderse por toda la ladera occidental y por la cara sur de este monte.

Las vistas desde el Monte de los Olivos sobre la ciudad de Jerusalén, son extraordinarias. La mirada se pierde evocando la profecía y los Salmos entre los valles de Hinnom y Cedrón, la Puerta Dorada del Monte Moriah, el Monte del Templo, el Monte Sión o la Ciudad de David.

Cementerio del Viejo San Juan. Puerto Rico

Simbólicamente situado de cara al Atlántico, «el viaje al más allá», y junto a las murallas del Fuerte San Felipe del Morro, este cementerio está considerado como uno de los más bellos del mundo. El eco del templete de San Pietro in Montorio de Roma se deja ver en su capilla neoclásica. Entre otras personalidades del mundo de la política y el arte descansa aquí desde 1951, el poeta madrileño de la Generación del 27, Pedro Salinas, muerto en el exilio tras la guerra del 36. Su emblemática obra La voz a ti debida, toma el título de un verso de Garcilaso de la Vega:

Y aun no se me figura que me toca/aqueste oficio solamente en vida/mas, con la lengua muerta y fría en la boca/pienso mover la voz a ti debida (Égloga III, verso 12).

Cementerio Lychakiv.Lviv. Ucrania

Nacido en 1786 el tiempo lo ha convertido en un lugar misterioso, pintoresco y único. Situado a los pies de una colina, la naturaleza ha seguido su rumbo envolviendo tumbas y monumentos.

Hasta que en 1975 fue declarado Monumento Histórico eran habituales allí las profanaciones de tumbas. Hay multitud de leyendas surgidas entre sus rincones, rituales de magia y superticiones como la relacionada con el obispo Mykola Charnetski, ante cuya tumba se congregan los estudiantes en época de exámenes para conseguir un poco de suerte.

Al pintor polaco Artur Grottger y su amada Wanda Monne, se les puede ver pasear por estos parajes en las noches de luna llena. El murió en París, pero su ardiente deseo de descansar en Lviv lo cumplió aquella chiquilla de 17 años haciendo auténticos esfuerzos económicos.

Está abierto al público, pero dado su tamaño es aconsejable apuntarse a un grupo de visitas guiadas.

Cementerio de Montparnasse. París

El Monte del Parnaso, morada mitológica de Apolo y las Musas, es considerado la patria simbólica de los poetas. Este cementerio debe su nombre a que en él descansan un buen número de intelectuales y atistas, extranjeros y franceses. Entre ellos la escritora neoyorquina Susan Sontag’s; Jean Seberg, musa de la Nouvelle Vague francesa; Tristan Tzara, poeta y padre del dadaísmo; el nóbel de literatura Samuel Beckett; Jean Paul Sartre y Simone de Beauvoir, filósofos franceses; Julio Cortázar, que sigue llamándonos a jugar con Rayuela; César Vallejo, poeta peruano; el escritor mexicano Carlos Fuentes, o Charles Baudelaire cuyo consejo ante la tiranía del tiempo nos viene a la memoria:

Hay que estar siempre borracho.Todo consiste en esto: es la única cuestión. Para no sentir la carga horrible del tiempo, que os rompe los hombros y os inclina hacia el suelo, tenéis que embriagaros sin tregua./ Pero ¿de qué? De vino, de poesía o de virtud; de lo que queráis. Pero embriagaos.

Cementerio Monumental de Staglieno. Génova

El cementerio de Staglieno custodia desde hace más de ciento cincuenta años majestuosos conjuntos escultóricos de mármol y bronce, crecen entre la vegetación y forman una antología de los estilos artísticos de los siglos XIX y XX; neoclasicismo, realismo, simbolismo o art decó, creando uno de los cementerios más bellos del mundo. Numerosas personalidades descansan aquí; Constance Lloyd, la esposa de Oscar Wilde, el primer ministro italiano Ferruccio Parri, o Giuseppe Mazzini, a quien citábamos al principio. Hay zonas destinadas a distintas confesiones. A la zona católica hay que sumar, un cementerio inglés, un protestante, uno judío y otro evangelista.

En el núcleo central una escalinata conduce hacia una copia del Panteón de Agripa de Roma. El realismo de algunas de sus esculturas, en muchos casos retratos de los difuntos, es conmovedor.

Cementerio central de Viena

Más de tres millones de almas duermen en este extenso cementerio, el segundo más grande de Europa tras el de Hamburgo. Dividido en zonas distintas dedicadas a varias religiones. Sobrecoge especialmente el Viejo Cementerio Judío (en la imagen), Hay una zona de sepultura islámica, una ortodoxa y está el llamado Parque de la quietud, en honor a los budistas.

Durante la Segunda Guerra Mundial, se utilizó como huerta. Desde la puerta principal una avenida nos lleva a la Iglesia del Dr. Karl Lueger, levantada en su honor por su memorable alcaldía de Viena desde 1895 a 1910, año de su muerte. Obra de Max Hegele, es considerada una de las más representativas del modernismo vienés.

Hay una sección destinada a los músicos, allí están las tumbas de Ludwig van Beethoven, Franz Schubert, Arnold Schonberg, Carl Czerny, Antonio Salieri o Theodor Leschetizky, Johannes Brahms y los Strauss. De Mozart sólo hay un monumento, pues su tumba está en el cementerio de San Marx.

Osario de San Bernardino. Milán

En los antiguos terrenos de esta iglesia de Milán, muy cercana a la espléndida catedral, hubo allá por el siglo XII un cementerio. Por falta de espacio se fueron albergando los huesos antiguos en una cámara u Osario. Pero tras un derrumbe en 1642, hubo que restaurar la iglesia y Giovanni Andrea Biffi aprovechó los restos para decorar los muros de la Capilla de las Ánimas. Los frescos de Sebastiano Ricci, de 1695, que representa el triunfo del alma, completan la «especialísima» decoración.

No es el único ejemplo en el mundo donde se han utilizado restos humanos para decorar capillas. En Portugal hay dos: en Évora y en Faro; en Austria el Osario de Eggenburg; hay uno bajo las catacumbas de París; en Austria en el Hallstatt Beinhaus en Hallstatt, donde los cráneos aparecen decorados. La lista es más larga y une el sentido práctico con el religioso, pero no todas las sensibilidades lo disfrutan.

Cementerio de Greyfriars. Escocia

Este cementerio es uno de los lugares mas tenebrosos de la tierra. Claro que si estamos en Edimburgo y hemos visitado su castillo, ya poco nos va a asustar. Fue durante el siglo XVII una cárcel política donde un tal George Mackenzie, conocido como Bloody (el sangriento), se despachó a gusto en la sala de torturas. Este Bloody está enterrado aquí, y dicen que algunos visitantes que acceden a la Ciudad de los muertos por la Cárcel de los Covenantersen, donde torturaba Bloody, sufren moretones y cortes, y muchos cuentan que han sentido sensaciones extrañas. Otro hecho constatable es que ha habido un buen número de muertes en el mismo cementerio.

Pero no debe ser para tanto porque en la parte trasera, lindante con sus muros siguen funcionando la escuela George Heriot, y el pub Bobby Greyfriars, que lleva el nombre del perro más famoso de la ciudad, recordado porque vivió aquí, junto a la tumba de su dueño durante los catorce años que le sobrevivió.

Cementerio Sayalonga. Málaga

Sayalonga es un pequeño municipio de la Axarquía de Málaga, cuyo nombre tiene su origen en la Prehistoria. La arquitectura de su cementerio de forma octogonal, único en España, construido hacia 1840, genera todo tipo de especulaciones. Hay una la leyenda que cuenta que su forma obedece a la idea de que los difuntos no se dieran la espalda (las tumbas centrales son posteriores).

Investigaciones recientes relacionan la curiosa forma con el mundo de la masonería, teoría que se ve apoyada por la importante cantidad de símbolos masones que presentan muchas tumbas: columnas, triángulos, pirámides truncadas, el triple escalón, o el sol. En el interior del cementerio hay un centro de interpretación y las visitas son gratuitas.

Cementerio Okunoin.Japón

En Wakayama, al sur de Osaka se encuentra el cementerio más grande del país. Conocido como Okunoin, está en el monte Koya a más de 800 metros de altitud. Su historia arranca alrededor del año 800 por iniciativa del monje Kukai que eligió este monte como centro del budismo shingon, una de las principales escuelas budistas de Japón. Según la leyenda, Kukai alcanzó el Nirvana y sigue meditando en el monte Koya.

A lo largo de los siglos, este lugar se ha convertido en un cementerio muy popular, objeto de deseo para terminar aquí meditando con Kukai.

Muy diferente en su aspecto a los cementerios occidentales, es transitado no sólo como visita a los fallecidos si no como lugar de búsqueda de espiritualidad en sus 120 templos, o de conocimiento sobre esta cultura religiosa en la Universidad de Estudios Religiosos que está dentro del cementerio.

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Muchas descripciones se han escrito de Las Vegas y todas se parecen: Las Vegas es extravagante y hortera, pero divertida. Como dijo Tom Wolfe, es la Montecarlo de América, pero sin el lujoso olor a cerrado de la aristoracia europea. Si Mónaco y toda la Riviera siguen siendo destino de la Jet Set, del lujo, la moda y la elegancia, Las Vegas es la capital de otro tipo de lujo, el lugar donde los nuevos ricos tienen que disimular.

Las guías de viaje inciden en la misma idea: Las Vegas is about fun, insiste de forma machacante la prestiogiosa Frommers. “Tenga claro que esto no son vacaciones culturales, sino diversión”, dando por hecho no sólo que en Las Vegas no pueda encontrarse cultura (¡incluso que la cultura pueda ser el acicate para conocerla!) sino que turismo cultural y diversión son cosas contrapuestas. No es sorprendente: en la gran mayoría de los casos las guías turísticas no dicen más que banalidades.

Las Vegas, por supuesto, es un destino tan cultural como divertido. Es un fenómeno único en el mundo, radicalmente contemporáneo, rodeado de mitos y lleno de referentes. Nació como resort, como patio de recreo, pero su extravagancia luminosa terminó atrayendo no sólo a buscadores de fortuna y a turistas de la diversión sino a un buen número de escritores y artistas. Para muchos es simplemente un Disneyland para adultos. Para otros, un fenómeno estético y antropológico digno de conocer.

Los hoteles de Las Vegas, que allí no presumen de estar cerca de los atractivos turísticos sino de ser los atractivos turísticos, serían los primeros lugares en los que buscar. Más allá de las imitaciones pop del Venetian o el Caesar Palace, basta acercarse a la cúpula del hall del Belaggio, diseñada por el maestro del cristal Dave Chihuly, para dejar atrás puñados de prejuicios. Sí, hay arte en Las Vegas, y merece la pena conocerlo.

Especialmente en los últimos años la ciudad se ha llenado de museos, galerías de arte y centros de exposiciones. Los hay por doquier, desde museos clásicos con prestigiosas exposiciones de grandes maestros, como la galería del Bellagio, a espacios contemporáneos de experimentación o galerías que dan a conocer a emergentes artistas locales.

The Arts Factory

The Arts Factory es un complejo comercial lleno de galerías de arte contemporáneo y espacios para la promoción de artistas locales. Idóneo para conocer la escena y el aire artístico que se respira en la ciudad, para descansar del ruido (está en Gateway, una zona muy tranquila), para comer o cenar en la conocida Bar + Bistro. Suele haber eventos culturales, música en directo y performances callejeras.

Bellagio Gallery of Fine Art

La joya de la corona, si hablamos de las Bellas Artes. Cuando el Bellagio puso en marcha su galería de arte algunos reaccionarion con incredulidad (Las Vegas is about fun!) pero unos años después el propio casino tuvo que duplicar el espacio dedicado a la galería: se les había quedado pequeña.

Es caro y, prácticamente, sólo organiza exposiciones temporales, pero dichas exposiciones son siempre top notch: Warhol, Monet, Lietchteinstin, Cezanne, Picasso. Al fin y al cabo, es el Bellagio.

Marjorie Barrick Museum

La tradición de los nativos americanos se da cita en el Marjorie Barrick Museum, antiguo Museo de Historia Natural. Aquí se pueden encontrar objetos de artesanía, máscaras, cerámica de las culturas indígenas propias de la zona de Nevada, Arizona y Nuevo México, además de exposiciones temporales y un precioso jardín compuesto únicamente de plantas capaces de sobrevivir en el desierto que rodea a la ciudad.

The Art of Richard MacDonald

También en el Bellagio se encuentra esta galería, The Art of Richard MacDonald presented by Cirque du Soleil, resultante de una colaboración entre el afamado escultor figurativo Richard MacDonald y Guy Laliberté, fundador del Circo del Sol. Ambos dijeron compartir los mismos “objetivos creativos” y pusieron en marcha una muestra que comprende más de cien obras de bronce del escultor, muchos de ellas de gran tamaño, centradas en la energía y la pasión del cuerpo humano en movimiento.

The Gallery at CityCenter

Hace tiempo dedicamos un artículo al fantástico trabajo de Dave Chihuly, “una coreografía inspirada en la naturaleza en la que el viento, las plantas, los animales, el fuego y la tierra se unen en una danza espectacular y llena de color.”

El genio que llenó de flores de cristal el lobby del Bellagio (probablemente la instalación artística más fotografiada de Las Vegas) tiene en esta ciudad una galería dedicada a su obra. Es sin duda el mejor lugar posible para conocerla, pues si hubiera que ir de museo en museo para ir viendo sus creacioens habría que dar una vuelta al mundo.

Martin Lawrence Galleries

En The Forum Shops at Caesars, entre tiendas que simulan estar en el Foro Romano, se encuentra esta sucursal de una de las galerías más prestigiosas del mundo, la Martin Lawrence, que presume de disponer, entre otros, de un conjunto completo de Marilyn’s de Andy Warhol y del Dalí «más grande del mundo (March of Time Comittee – Papillon).

Es una galería enorme, espectacular, adornada con neones, y donde se pueden ver, siempre, obras de autores imprescindibles.

P3 Studio The Cosmopolitan

El P3 Studio está en la tercera planta de The Cosmopolitan y es… eso, un enorme estudio acristalado donde trabajan artistas en programas de residencia. La originalidad es que estos aristas crean “arte interactivo”: los visitantes pueden entrar e interactuar con ellos, hacerles preguntas o, incluso, intervenir en la creación de las obras (normalmente de 6 a 11 y de miércoles a domingo).

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El siglo XIX presenció el primer auge del turismo en el sentido moderno, es decir de masas. Al tiempo que surgían las primeras agencias de viajes y los primeros viajes combinados, la aristocracia europea escudriñaba los mapas a la caza de nuevos destinos que añadir al tradicional Grand Tour por Italia. Uno de esos destinos fue el Egeo, y en particular las más de treinta pequeñas islas que los geógrafos antiguos bautizaron como las Cícladas (palabra derivada de círculo, que hace referencia al escudo que forman en torno a la pequeña Delos, donde la mitología situaba la cuna de Apolo y Artemisa).

Las Cícladas, entre las cuales se cuentan Paros, Miconos o Santorini, no han perdido su encanto para el turista del siglo XXI, pero aquellos primeros viajeros, además de «playas paradisíacas, aguas cristalinas y pueblos con encanto», encontraron allí un tesoro artístico que iba a volverse muy popular en las capitales europeas.

Junto al turismo despegaba entonces la arqueología, impulsada por los espectaculares descubrimientos de Pompeya y Herculano (una arqueología entendida aún como “búsqueda del tesoro”, poco respetuosa con concepciones modernas como el patrimonio), y en las Cícladas aparecieron unas misteriosas figurillas que muchos se llevaron de vuelta como curiosos souvenirs. Desperdigas por Europa, pronto despertaron una admiración salvaje entre los artistas de vanguardia y los coleccionistas de arte.

Eran todas de mármol (un nombre más apropiado para las Cícladas habría sido Marmarinai o “islas de mármol”, pues este material se encuentra en abundancia en el archipiélago), utilizaban un lenguaje naturalista, a veces tan altamente estilizado y reducido a lo esencial que el ojo moderno se ve tentado a llamarlo minimalista. La mayoría, no todas, eran de sexo femenino, y algunas mostraban el abdomen hinchado ligeramente para sugerir un estado de embarazo. Las cabezas eran alargadas y estaban ligeramente inclinadas hacia atrás; los rasgos del rostro no existían o se limitaban a un largo triángulo para marcar la nariz. Eran figuras monolíticas y austeras, y sin embargo delicadas y alegres.

Rígidas y uniformes, evidenciaban sin embargo infinitas variaciones y un sugestivo movimiento contenido. Las de la última época representaban a músicos, flautistas y arpistas que recordaban al estilo alegre y jovial del arte cretense.

La fascinación y el misterio

Durante los últimos años del XIX el interés por estas figurillas fue en aumento y en paralelo creció el saqueo de los yacimientos, causando un daño irreparable no sólo a las comunidades locales sino al propio entendimiento del arte cicládico.

En Europa, la fascinación por estas figurillas alcanzó su cénit en la época de las vanguardias artísticas, que proporcionaron algunos de sus más fervientes admiradores: Picasso, Brancusi o Giacometti se entusiasmaron por la fuerza calmada de sus formas y por el misterio que las rodeaba. Las admiraban profundamente, pero poco sabían de la cultura que las había creado.

Hoy sabemos un poco más. Que se produjeron a finales de la Edad de Bronce, entre el año 3.000 y el 2.200 a.C., y que durante ese tiempo experimentaron, como el arte griego posterior, una evolución lenta, pero constante. Que formaban parte del ajuar funerario de los difuntos, aunque no pueda afirmarse si habían sido valiosas propiedades de los enterrados o si se producían ad hoc para acompañarlos en su descanso eterno.

Que la mayoría de las figuras representen a mujeres y que muchas de ellas aparezcan embarazadas parece sugerir que tenían una función similar a las esculturas neolíticas –las diosas madre– que rendían culto a la fertilidad. Que muchas de estas obras se hayan encontrado en ajuares funerarios podría sugerir algún tipo de creencia relacionada con el más allá. Reafirmar la vitalidad de la vida podría ser también el objetivo simbólico de los tipos masculinos propios de la última etapa del arte cicládico: el flautista, el arpista, el servidor de vino, el cazador o el guerrero.

Los europeos del cambio de siglo admiraron estas figurillas, en fin, igual que admiraron otras, neolíticas o africanas, porque eran testigos de un tiempo remoto y más puro, libre de las estrictas normas de la civilización moderna. Pero los últimos estudios dibujan un escenario muy distinto.

La producción cicládica de esculturas no sólo respondía a una fórmula estandarizada, que los escultores conocían de memoria, sino a un extraordinario refinamiento en el diseño que alcanzaba la armonía a través del cálculo y la proporción, exactamente igual que el arte griego clásico. Los ídolos cicládicos –ídolos en el sentido griego del término, eidolon, es decir, imagen– eran sofisticados y hacían gala de un primitivo antropometrismo como el que un par de milenios después sustentará el arte de Atenas o Corinto.

El arte cicládico puede ser un ejemplo tardío de cultos remotos que se hunden en la Prehistoria, pero es también una piedra en el camino que llevó al Doríforo y al Partenón.

El referido “misterio” de las figuras nace de su carencia de detalles, de su increible sencillez, pero este “minimalismo” (dicho sea con toda la precaución) pudo tener motivos más pragmáticos que filosóficos. Los escultores de las Cícladas produjeron, en todas las épocas de su desarrollo, dos líneas de productos: una era más naturalista e intentaba reflejar con precisión los rasgos del cuerpo; la otra era más sencilla y los reducía a la mínima expresión (con un talento exquisito), hasta el punto de reducir los brazos a un par de incisiones sobre el pecho o dejar el rostro reducido a su forma (que luego, no obstante, se pintaba).

Hoy son estas últimas las que más nos llaman la atención y las que más convencidamente llamamos “modernas”, pero bien pudieron ser el intento de los escultores cicládicos de reducir costes de producción, simplificar el proceso de fabricación y llegar a mercados más amplios, dejando los tipos más naturalistas como versión avanzada para clientes más adinerados. No hay que olvidar que en las Cícladas, como en la mayor parte de las islas griegas, la agricultura estaba geográficamente negada, y fueron la industria y el comercio los motores de la economía.

El avance del conocimiento no tiene que desmitificar estas fantásticas creaciones. Su valor reside en su belleza y en el talento que fue necesario para diseñarlas, más allá de que su sencillez respondiera a creencias y rituales perdidos o a la búsqueda del beneficio empresarial. Lo verdaderamente importante es que estos productos milenarios, nacidos de talleres desconocidos y por motivos que sólo empezamos a imaginar, siguen disponibles en nuestros museos, y siguen maravillándonos cuatro mil años después.

Para ver arte cicládico, no vayas a las Cícladas

Consecuencia directa de la forma en que el arte cicládico se redescubrió en Europa –en oleadas desordenadas de viajeros coleccionistas– es que hoy en día esté disperso en museos de medio mundo. El título de este último epígrafe, no obstante, es un poco tramposo: en realidad, el Museo Arqueológico de Naxos sí conserva una buena colección de arte cicládico. Y el expolio sistemático del que fue víctima esta colección se consiguió arreglar, en parte, a finales del siglo XX, cuando el gobierno griego consiguió traer de vuelta la importante colección de Nicholas Goulandris.

Con ello, la más importante colección permanece en Grecia (eso sí, en Atenas), repartida entre el Museo Arqueológico, el Museo de Arte Cicládico de Atenas, y el –menos importante– Museo de Pavlos y Alexandra Kanellopoulou.

En Inglaterra, el British Museum tiene una sala entera dedicada a las Cícladas; también conviene visitar el Ashmolean Museum de Oxford, el Fitzwilliam Museum de Cambridge y el Sainsbury Centre for Visual Arts de Norwich. Excelentes colecciones se conservan en Alemania, especialmente en el Staatliche Antikensammlung de Munich, en el Badisches Landesmuseum de Karlsruhe y en el Staatliche Musee de Berlín.

Notable es también la colección del Antiksamlingen Nationalmuseet de Copenaghe. En Francia la única colección reseñable está en el Louvre. En España no existe ninguna

En Estados Unidos son destacables las colecciones del J. Paul Getty Museum de Malibú, la del Metropolitan Museum of Art de Nueva York y la de la Menil Collection de Houston, aunque hay colecciones menores en decenas de museos.

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Saint Paul’s Chapel

No es ni la más grande de las iglesias neoyorkinas ni la más notable, pero sí la más antigua: se construyó en 1766 (es el edificio público en uso continuado más antiguo de la ciudad), imitando a la londinensa St-Martin-in-the-Fields (y resulta entrañable pensar que, entonces, su torre fue el punto más alto de la ciudad) y veinte años más tarde sobrevivió al Gran Incendio que destruyó más de 500 edificios cercanos, durante la ocupación británica de la Guerra de Independencia.

En 2001 sobrevivió intacta al atentado contra las Torres Gemelas, a pesar de estar a pocos centenares de metros no perdió “ni una ventana” y se convirtió en el primer refugio de los afectados (hoy alberga un pequeño museo con recuerdos de aquella tragedia).

City Hall

El histórico Ayuntamiento de Nueva York se construyó entre 1802 y 1810, en un estilo que mezcla el georgiano –que fue la adaptación norteamericana del Renacimiento europeo–, visible sobre todo en el interior, y un neoclásico de clara inspiración fracesa que se hace palpable en la fachada exterior.

En el interior destaca el impresionante espacio central, conocido como rotunda, rodeado por diez columnas corintias y adornado por exquisitas escaleras de caracol. Allí reposan los dos grandes héroes de la guerra de Secesión: Abraham Lincoln y Ulysses S. Grant.

Trinity Church

Las catedrales góticas, a las que la Trinity Church neoyorkina rinde homenaje, suelen ser los edificios hegemónicos en sus ciudades. Incluso en muchas ciudades europeas la legislación ha prohibido superar en altura a sus estilizadas torres-companario para no empequeñecerlas. En cambio en Manhattan, entre Broadway y Wall Street, Trinity Church parece una iglesia diminuta entre los altos rascacielos que la rodean, aunque en 1846, cuando terminó de construirse, fuese el edificio más alto de la ciudad.

Para un visitante acostumbrado al urbanismo europeo, la visita a su interior y las vistas desde su torre (que en lugar de mirar hacia abajo invitan a alzar la vista) están rodeadas de esta curiosidad adicional.

Saint Patrick’s Cathedral

La Catedral de la Archidiócesis de Nueva York está en la Quinta Avenida y, frente al Rockefeller Centre, sus dos torres de cien metros de alto (similar altura tienen las de Chartes, 30 metros menos las de Notre-Dame) palidecen en altura, aunque su presencia siga siendo magnífica.

Se construyó a finales del XIX en estilo neo-gótico, y en su construcción intervinieron artistas italianos, ingleses y franceses. Los joyeros de Tifanny’s se ocuparon de los altares de Saint Louis y Saint Michel, y William Ordway Partridge esculpió una pietà que, no pudiendo competir en belleza con la de Miguel Ángel, es tres veces más grande.

Los rascacielos que la rodean la empequeñecen, pero también nos dan una oportunidad inimaginable en Europa: contemplar una catedral… desde arriba.

Cathedral of Saint John the Divine

Es la catedral más grande del mundo y fue consecuencia directa de la construcción de la Saint Patrick’s. Si aquella iba a ser la catedral católica de Nueva York, la fe protestante debía tener un templo, al menos, comparable.

La construcción se inició en 1892 y aglutinó casi todos los revivals de la época: románico, gótico y bizantino. Su enorme nave, sus vidrieras, su rosetón y sus magníficas esculturas de piedra la convierten en un templo espectacular y una visita obligada, aderazada además con los frecuentes actos musicales y teatrales que alberga.

Federal Hall

Verdadero templo de la democracia estadounidense, el –hoy llamado– Federal Hall se construyó en 1700 como ayuntamiento de la ciudad, y tras la Independencia fue, mientras se construían en Washington los nuevos edificios gubernamentales, el primer Capitolio de los Estados Unidos. Aquí tomó posesión de la presidencia George Washington y aquí se introdujo en la Constitución la sacrosanta Carta de Derechos.

Destruido en 1812 y reconstruido en 1842, fue sede de la oficina de Aduanas y del Tesoro; hoy es monumento histórico –visitable– y memorial dedicado a los importantes eventos que en él tuvieron lugar.

New York Stock Exchange

El capitalismo norteamericano tiene su templo en Wall Street, junto al Federal Hall. Es la Bolsa más concurrida y con más transacciones del mundo, y tiene su sede en un edificio histórico, construido en 1903 por George Post en un estilo que recuerda directamente a las fachadas de los templos clásicos.

En el tímpano aparecen varias figuras que representan “las fuentes de la prosperidad americana”, aunque el evento histórico más comúnmente asociado con este edificio no tenga nada que ver con la prosperidad: aquí estuvo, el 24 de octubre de 1929, el epicentro de La Gran Depresión.

Alexander Hamilton Custom House

Construido entre 1902 y 1907, es una de las obras maestras del neoclasicismo norteamericano y no sólo por su arquitectura: tanto en su extraordinaria fachada como sus bellísimos interiores están decorados por algunos de los mejores artistas de la época, como Albert Jaegers, Daniel Chester French o Louis St. Gaudens.

A la altura de la escalinata de entrada se extienden cuatro grandes grupos escultóricos que representan los cuatro contienentes de Asia, América, Europa y África, y sobre la cornisa superior, una serie de esculturas representan a las grandes naciones marítimas y comerciales, trazando una línea histórica que va de los fenicios a los Estados Unidos y reclamando así el legado de la prosperidad y la civilización a través del comercio.

Construido originalmente como sede para la Casa de Aduanas, hoy alberga el –muy interesante– Museo de los Indios Americanos.

New York Public Library

La segunda mayor biblioteca del país (después de la Biblioteca del Congreso) y la cuarta del mundo, la Biblioteca Pública de Nueva York no es sólo un bellísimo edificio neoclásico sino un verdadero icono (reconocido mundialmente gracias a su frecuente presencia en el cine) de la cultura y de las letras.

Además de su solemne aspecto exterior, sus amplios espacios interiores crean estupendos espacios para la lectura, y albergan de forma habitual eventos y charlas en torno a los libros y a la cultura.

Grand Central Terminal

Normalmente, las estaciones son edificios funcionales que transportan a los viajeros a los destinos que quieren visitar, pero la estación de Gran Central Terminal es un destino en sí mismo; una estación que recibe no sólo viajeros sino visitas turísticas y que figura entre los edificios más visitados del mundo (a juicio de historiadores como el británico David Cannadine, también como uno de los más majestuosos).

Situada en pleno centro de Manhattan, construida en 1913, Gran Central Terminal es un complejo monumental iluminado con luz natural, estructurado en torno a enormes espacios adornados con una meticulosa atención al detalle, que invita al visitante a mirar más allá de las taquillas y los paneles de información.

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La Venus de Itálica. S.II a.C. Mármol de Paros.

En el Museo Arqueológico de Sevilla podemos admirar a Venus, la culpable de todo. Esta escultura fue encontrada en 1940 en una casa de Itálica (localidad cercana a Sevilla).

Los poetas fueron los primeros que le dieron sentido a esta Venus sin cabeza:

¡Descabezada Dea¡ porque no estás turbada por el vil pensamiento, serás la pura Norma. (Agustín de Foxá).

Está desnuda por que el artista la realizó en la Baetica, cuya cultura nace en una clara relación con oriente, como la Venus de Cnido, y por ello el desnudo esta visto desde un sentido ideal de pureza y belleza originaria, y de Verdad artística.

Pero el poema de Foxá puede tener otra interpretación: Una espléndida figura femenina sin posibilidad de pensamiento, todas sus maldades (femme fatale) eliminadas por la pérdida de su cabeza.

¿El triunfo de la virtud sobre la terrible Lilith? -Diosa oriental, malvada portadora de seducción, que ha perseguido a los hombres infiltrada en el Arte occidental-

Posiblemente no, porque para los hombres que temieron el poder de la bella de cabellos largos hay en esta imagen suficientes motivos de seducción.

Su poder sigue presente en toda su geografía marmórea, aunque de su rostro sólo podamos intuir apenas, el final de unos mechones de su hermosa cabellera suelta cayendo por sus hombros.

Eva de Autún. Maestro Gislebertus.

Durante toda la Edad Media vemos representaciones en las iglesias referentes al tema de la sexualidad. Las más explícitas generalmente alejadas de los ojos del fiel, en los canecillos, o en los capiteles, a no ser que interesara avisarle de la tentación y las consecuencias de caer en el pecado como en esta conseguidísima Eva del maestro Gislebertus en la portada del Juicio Final de la Iglesia de San Lázaro de Autun. Fechada en 1130. Hoy se puede ver en el Musèe Rolin.

En un brillante ejercicio de adaptación al marco (formaba parte del dintel de la portada), el autor consigue dotar de un sinuoso movimiento a la figura. Es sin duda una de las maravillas del Medievo en la representación del erotismo en el Arte occidental.

Sensual e indiferente ante su castigo, lleva arrodillada unos siglos fuera del paraíso perdido, Eva acerca su mano a la boca y susurra los placeres del pecado a quienes accedan al templo, mientras les ofrece la fruta de la tentación.

Hermafrodito y la ninfa Salmacis. Bartholomeus Spranger.

En el Museo de Arte de Viena encontramos este ejemplo de representación del deseo femenino desde el punto de vista femenino, aunque fue pintado por un hombre.

La originalidad de Spranger, que firma la obra en 1581, para representar esta escena no tiene precedentes ni continuadores. La ninfa Salmacis se está comiendo literalmente con los ojos a Hermafrodito.

El autor nos convierte en voyeurs ante esta ardiente y hermosa joven que frente al indiferente y gélido chico, nos hace cómplices de la trampa de esta mujer que envuelta en un deseo sin tapujos, vivo y gozoso acabará venciendo al vanidoso Hermafrodito.

El pasaje mitológico cuenta que esta bella ninfa para satisfacer su deseo paralizó los cuatro miembros del atractivo joven y sólo dejó movilidad en el miembro restante. El orgasmo le provocó tal entusiasmo que en pleno éxtasis le rogó a los dioses que los dejaran juntos en un sólo cuerpo para la eternidad. Como la petición fue atendida, surgió «hermafrodita», por derivación del nombre del extraordinario joven.

Las pocas ocasiones que el arte occidental ha mostrado el deseo femenino, lo ha reducido a un momento de locura (Bacantes desatadas), o a una situación de ridículo (José y la mujer de Putifer), o bien a momentos obscenos, o a lacrimógenas e impotentes situaciones (Ofelia, Julieta…). Por eso es tan especial esta mirada al deseo femenino.

La Venus del espejo. Velázquez.

En la National Gallery de Londres encontramos a esta hermosa Venus pintada en 1651, que aparece de espaldas, atrapando la mirada del espectador.

Las sinuosas curvas de esta anónima Venus le sirven a Velázquez para representar a la mitológica diosa del amor en el cuerpo de su amante, y dado que era un hombre casado distorsiona con astucia su rostro jugando al equívoco.

De esta forma el genio de Sevilla deja abierto el análisis de esta obra, que como todas las suyas ha inspirado muchas páginas.

Si el rostro apareciera con nitidez, rompería el equilibrio del cuadro, que respira una atmósfera nebulosa en la que queda reforzado con toda claridad el ondulante cuerpo de la misteriosa dama. Los pinceles de Velázquez nos están diciendo que todo el poder de la diosa reside precisamente en la suave extensión de su pálida piel.

Susana y los viejos. José Ribera.

Una escena inspirada en la historia bíblica del libro de Daniel. Bajo el pretexto de ensalzar la virtud, sirvió de excusa a muchos pintores en los tiempos de la Contrarreforma, para dejar en sus lienzos espléndidos desnudos femeninos, como éste que vemos del «conflictivo» pintor valenciano que tuvo que huir a Nápoles perseguido por la justicia española.

Es un extraordinario ejemplo del tenebrismo barroco. Realizado en 1615, insiste en mostrar el cuerpo de la mujer como motivo de pecado.

Aquí una mujer casta que no cede a los propósitos de estos dos viejos verdes, que por cierto son dos ilustres jueces, y que a punto estuvo de morir lapidada por no acceder a sus deseos. Entre Susana y los lascivos jueces, Ribera representa un sátiro, que es aquí la imagen de la lujuria.

Con un magistral manejo de luces y sombras Ribera dejó ante nosotros un cuerpo tan blanco que nos recuerda la marmórea sensualidad de nuestra Venus de Itálica. Y como en la mayoría de los ejemplos de erotismo en el Arte occidental, el objeto de deseo es una mujer.

Sol ardiente de junio. Frederic Leighton.

Esta magnífica Venus es obra de Lord Frederick Leighton. Pintada en plena era Victoriana, el maestro inglés cuya historia podemos seguir en su Casa-Museo, se inspira en los patrones estéticos griegos para convertir a la diosa del placer en un símbolo lleno de lirismo.

A pesar de que no vemos a penas la piel de esta hermosa mujer, abandonada en los brazos de Morfeo, todo en ella es pura sensualidad. Leigthon la envuelve en transparentes velos, de influencia oriental, y la acomoda en una postura casi imposible. Enreda sus miembros en un escorzo que deja entrever parte de la voluptuosa belleza clásica de este cuerpo relajado a pesar de la sinuosa composición.

El cálido colorido de la obra invita a pensar en un país caribeño, pero Leigthon lo pintó en Londres. Sin embargo, este cuadro que fue subastado en 1940 por sólo 140$, viajó a Puerto Rico de la mano Luis A. Ferré, que lo encontró olvidado en un rincón de una galería de Amsterdam.

Ferré pagó por el 6000$, hoy vale millones y para admirarlo hay que visitar el Museo de Arte de Ponce fundado por Ferré. Todo un viaje el de esta Venus.

La luz dorada remite a una hora avanzada de la siesta en el momento de una ardiente puesta de sol, con el calor sofocante y húmedo que hace siempre posible el ensueño en los mares del Caribe.

Olimpia. Eduard Manet.

En 1865 Manet presenta en el Salón de París, esta Venus convertida en una descarada prostituta que vive en las salas del Museo D’Orsay de París.

Manet escandalizó a la sociedad parisina del momento con esta obra inspirada en la Venus de Tiziano, que el francés utiliza para presentar un tema contemporáneo.

Retoma el tema de la diosa del amor y lo coloca a nivel humano con toda la frialdad y lo prosaico del mundo de la prostitución. Descalza un pie de la chica, símbolo de la inocencia perdida, le coloca una orquídea en el pelo, considerada afrodisíaca, y sube a su cama a un gato negro, que en contra de la fidelidad que representaría un perro, está relacionado con la promiscuidad y el erotismo.

Olimpia no pone su mano entre las piernas por pudor, es que aún no llegó a un acuerdo con su cliente, que le envía un ramo de flores, como parece ser era la costumbre.

Black Irish. Georgia O’Keeffe.

En el O’Keeffe Museum de Santa Fé hay una amplísima colección de la obra de esta norteamericana enamorada de los paisajes de Nuevo México.

Toda la obra de O’keeffe es una interpretación exuberante de la realidad. Y es exuberante por la sensualidad que trasmiten sus lienzos.

Es imposible no ver vaginas en sus acantilados, o penes en sus meandros a vista de pájaro. Ella siempre explicó que se limitaba a contemplar la realidad, veía lo bello que hay en ella y lo pintaba.

El iris es una flor muy representada en el arte occidental, utilizada como un símbolo del sufrimiento de la Virgen, es una metáfora pictórica del dolor de una madre.

Pero O’keeffe, en sus sutiles representaciones, plasma las felices y bellísimas formas que componen estas flores en las que no somos los únicos que vemos un clítoris.

Consciente o inconscientemente, el sexo, ambos sexos, aparecen en estos lienzos a través de los pinceles de una mujer que sólo intenta pintar lo más hermoso de la naturaleza.

Fillette (Muchachita). Robert Mapplethorpe

Este es el retrato de una anciana feliz con una pícara y atractiva sonrisa. Pero ¿que lleva bajo el brazo? ¡vaya! ¡un enorme falo!

La anciana es la famosa escultora Louise Bourgeois, que es además la autora del falo. El fotógrafo, un conocido artista homosexual que ha escandalizado en más de una ocasión a la sociedad norteamericana.

No ha buscado a una chica joven y atractiva, le concede esta especie de triunfo ante el sexo contrario a una mujer mayor, y al presentarla con ese falo «castrado» y humillante, se ríe de la obsesión masculina por centrar su poder en ese lugar de su cuerpo. ¿O no es una burla? Hay algo de la diabólica Lilith en esta imagen, ¿no creen?

Aunque bien podría ser también una declaración de amor, de Louise y de Robert, al sexo masculino.

Lo que si parece claro es que el poder femenino en el mundo de Eros está presente de una u otra forma a lo largo de toda la Historia del Arte occidental.

Los amantes. René Magritte.

Todo este post habla de erotismo, de diosas del amor, de deseo y pecado, de mito y religión, de hombres y mujeres. Pero no hemos hablado de besos.

Este de Magritte, que está en una colección particular, es uno de los besos sobre los que más se ha escrito.

Pintor del movimiento surrealista solía decir que «la realidad es tan equívoca, incoherente y abstracta como cualquier pintura»

Un beso sin labios, sin miradas, sin piel…entren y vean e interprétenlo.

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Hace unas semanas hablábamos en este blog de la magia que envuelve el mundo de la vidriera, y dejábamos pendiente una mirada a este escultor nacido en Tacoma, Washington, que lleva desde muy joven buscando expresar su feliz idea del arte de la escultura a través del vidrio soplado. Cuenta que una de sus inspiraciones contínuas es el jardín de su madre en su Tacoma natal, donde comenzó su andadura.

Chihuly se graduó en la Universidad de Washington, en Seattle, licendiándose en Diseño de Interiores. Cursó un Máster en Ciencias de la Escultura en la Universidad de Wisconsin y otro Máster en Bellas Artes en la Escuela de Rhode Island del Diseño.

En 1968 gracias a una beca Fulbright, estudió en la fábrica Venini de Murano, donde aprendió que el trabajo en equipo es fundamental en las técnicas del vidrio soplado. El proceso que fragua estas piezas necesita la implicación de una serie de personas que actúan en una sincronía como la que ocurre en una orquesta, así surge esta especie de milagro que explican mejor que cualquier palabra las imágenes de sus obras.

Ha montado instalaciones centradas en la idea del jardín, fruto de su fascinación por las formas abstractas que le ofrecen la naturaleza, los jardines o el océano y sus criaturas. De todos ellos hay reflejos en sus esculturas.

La búsqueda del paraiso a través del jardín es un anhelo perseguido por el hombre desde las culturas más ancestrales. Chihuly ha intervenido con sus creaciones en un buen númeo de parques, entre los que se encuentran: el Conservatory Garfield Park, en Chicago y “Mille Fiori” en el Museo de Arte de Tacoma. Desde el año 2001 ha dejado su huella en varios jardines botánicos como en el Garfield Park de Chicago, en el Real Jardín Botánico de Kew, cerca de Londres, en el Jardín Botánico de Nueva York, en el Pittsburgh Phipps, o en el Botánico de Missouri, entre otros muchos.

La organicidad de sus esculturas de vidrio se mezclan con naturalidad entre la flora de los jardines o las formas arquitectónicas, añadiendo fantasía y belleza a los caminos cotidianos. La danza de la que hablábamos al principio la compone aquí la unión entre la naturaleza, el arte y la luz.

Su enorme éxito hace que encontremos sus esculturas cubriendo techos de hoteles, casinos y museos.

Cuando se acerca a tamaños más pequeños, nos sorprenden pequeñas joyas que producen una fascinación más alcanzable, por su cercanía; en ellas la explosión del color sigue envolviento un movimiento que es una constante en toda la obra de Chihuly.

Desde el año 2000 una impresionante lámpara creada por Dale centra el hall de entrada del espléndido Victoria and Albert de Londres.

En 1976 y en 1979 sufrió dos accidentes. Uno le costó la vista de un ojo y el otro la imposibilidad de mover libremente un brazo, con lo cual no puede soplar vidrio. Pero lejos de alejarle de su empeño, simplemente cambió el rol, según sus propias palabras «ahora no soy bailarín, soy coreógrafo». En efecto, dirige un grupo de personas que lleva a cabo sus diseños, aunque la composición de estas «musicales y coloridas esculturas sigue siendo obra suya»

El espectacular juego de luces y formas despierta la imaginación de la mirada sorprendida de quienes se crucen con sus obras.

La naturaleza y el Cosmos en una coreografía sin límites.

La mayor exposición permanente de su obra se encuentra en el Museo de Arte de Oklahoma City. Es además empresario y tiene una galería en el Las Vegas City Center en Gallery Row, ciudad de la que dejamos unos cuantos consejos para visitarla, y dos tiendas en asociación con los MGM Resorts International, una en el famoso Hotel Bellagio de Las Vegas, del que hablábamos en nuestra entrada sobre las vidrieras, y otra en el MGM Grand Casino en Macao.

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La Maison Carrée de Nimes sería aún más famosa de lo que es si Thomas Jefferson hubiera sido más «romántico». Todo el mundo conoce la anécdota de Henri-Marie Beyle, Stendhal. En el año 1817, el conocido escritor francés llegó a la ciudad de Florencia. Contemplando la maravillosa fachada de la Basílica de Santa Croce, le sobrevino una suerte de estremecimiento espiritual, causado, precisamente, por la apabullante belleza que tenía delante. “Me latía el corazón”, dijo, “la vida estaba agotada en mí, andaba con miedo a caerme”. Desde entonces llamamos Síndrome de Stendhal a cualquier episodio parecido. Porque viajeros impresionados por la belleza de edificios milenarios ha habido muchos, después de Stendhal y también antes

Precisamente treinta años antes, en 1787, un viajero norteamericano había llegado a la ciudad francesa de Nimes, en el Languedoc, y allí le ocurrió un episodio bastante similar. En este caso el nombre del viajero era Thomas Jefferson. Era embajador de los –recién nacidos– Estados Unidos de América en París, y alguños años después se convertiría en el tercer presidente de aquél país.

Lo que vio en Nimes le impresionó tanto que mandó levantar planos y construir una copia del edificio en su hogar, en Virginia. Pero Jefferson no dejó escritas líneas de pasión tan arrebatada como las de Stendhal. Era un ilustrado, no un romántico, y dijo simplemente que la Maison Carrée de Augusto era «el más hermoso vestigio de arquitectura que nos ha legado la Antigüedad». No es poco, pero no es lo mismo (y luego preguntan que para qué sirve la poesía)

El templo romano mejor conservado de Europa

Nimes se enorgullece de disponer del templo romano mejor conservado de Europa, y no le falta razón. Cuando se construyó la ciudad se llamaba Nemausus y era un antiguo asentamiento celta, bendecido por unos fantásticos manantiales de agua y por una estratégica posición entre los caminos que conectaban el Norte de Europa con el Mediterráneo, la península Itálica con la Ibérica. Cuando el dominio romano de la Galia se hizo estable y seguro (cuando acabaron las guerras civiles y se pacificaron los Alpes) Augusto hizo tres cosas: mejorar las comunicaciones transalpinas, levantar un gran trofeo a la paz en La Turbie y asentar a un buen número de veteranos en Nemausus.

Como todas las ciudades bendecidas por Augusto (Pula, Perugia, Rimini…) Nimes creció de forma espectacular: levantó nuevas murallas, de las que se conservan dos torres de vigilancia y una bonita puerta conocida como Puerta de Augusto; construyó un ninfeo, un enorme anfiteatro, un nuevo acueducto (del que formaba parte el impresionante Pont du Gard) y, por supuesto, un foro, coronado por un clásico templo romano que se encargó de diseñar el más cercano de los ayudantes del emperador: Marco Vipsanio Agripa. Clásico, decimos, excepto por un detalle: este no fue dedicado a las tradicionales deidades romanas, sino al culto imperial.

La Maison Carrée como prototipo del templo romano

La Maison Carrée es un templo romano prototípico, el que mejor ilustra el estilo y las características de la arquitectura vitrubiana. Es un templo próstilo (con columnas libres únicamente en su fachada principal y en el pórtico que precede a la cella), hexástilo (con seis columnas en dicha fachada) y pseudodíptero (con columnas alrededor de todo su perímetro, pero adosadas al muro en tres de sus cuatro lados); tiene dimensiones medianas (26x15m); está elevado sobre un podium al que sólo se accede por la escalinata de la fachada principal; tiene una cella (espacio interior) sin divisiones internas de ningún tipo; está hecho completamente de mármol.

El tiempo lo ha tratado bien por una sencilla razón: nunca dejó de tener algún uso. Ha sido iglesia, almacén y museo, y hoy es una especie de cine donde se proyecta un video para turistas que resume en veinte minutos la historia y los atractivos de la Nimes romana.

Ha perdido –y es una gran pérdida– la decoración escultórica de los frisos, pero ha conservado casi todo lo demás, en especial su elaborada y finísima decoración vegetal: las hojas de acanto de los capiteles corintios y los patrones florales que embellecen el friso, la cornisa y los casetones del pórtico. Parte de esta decoración ha sido recientemente restaurada y es una verdadera maravilla.

El Carrée d’Art, el tributo de Norman Foster

Justo al lado del templo, que hoy se encuentra felizmente aislado en la gran plaza que lleva su mismo nombre, se alza el moderno Carrée d’Art, un edificio diseñado en 1993 por sir Norman Foster, de cristal, ultramoderno, y, con todo, similar, en algo más profundo que los materiales, al templo de Agripa. Entre ambos edificios hay un diálogo productivo que alcanza su cénit al atardecer, cuando la piedra de la Maison Carrée se refleja en los cristales de la Carré d’Art.

A propósito del nombre del templo… Carrée significa en francés cuadrado, forma a la que el templo, obviamente, no se adecua. La razón es la siguiente: en el siglo XVIII, cuando se empezó a llamar así, carrée designaba a cualquier forma con cuatro ángulos: se decía entonces carré long al rectángulo y carré parfait al cuadrado. Maison Carrée era entonces Casa Rectangular.

El más hermoso vestigio de la Antigüedad viaja a América

La Maison Carrée es uno de los más hermosos, si no el más hermoso, vestigio de arquitectura que nos ha legado la Antigüedad. Es sencillo, pero noble en su expresión. Será un honor para nuestro joven país ofrecer a los viajeros un gesto de tal buen gusto.

Son palabras de Thomas Jefferson, que conocemos por su correspondencia privada. El ilustrado embajador americano quedó tan prendado del edificio de Agripa que cuando recibió el encargo de proponer un diseño para un nuevo capitolio que debía construirse Virginia no lo dudó ni un momento: contrató a un arquitecto francés y trabajó con él en adaptar la Maisón Carrée a su nuevo uso.

Jefferson consideraba a los escultores de Virginia incapaces de tallar algo tan fino con las hojas de acanto, así que sustituó los capiteles corintios por otros jónicos. El nuevo edificio debía tener luz, así que le abrieron ventanas en sus fachadas laterales y dividieron su interior. Su estructura y proporciones las dejaron inalteradas, intentando mantener con ellas la serena nobleza, la grandeza mesurada y armónica del original. Y así, 18 siglos después de su muerte y 14 siglos después de la desaparición del Imperio Romano, el legado de Augusto, Agripa y Vitrubio cruzó una frontera más: la del Océano Atlántico.

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La sorpresa está presente en el mundo de las vidrieras desde que se descubrió el vidrio. No se sabe muy bien cómo fue el hallazgo, ni donde exactamente. Si le hacemos caso a lo que nos cuenta Plinio el Viejo en su Historia Natural, fue un hallazgo casual ocurrido a unos mercaderes egipcios cerca de Fenicia, que usaron piedras de natron, al no encontrar otra cosa para calentar su cena campestre, después de la cual, pasaron la noche bajo las estrellas.

El natrón es una especie de sal, conocida en Egipto como «sal divina», que se utilizaba entre otras cosas para embalsamar. A la mañana siguiente descubrieron que las piedras al enfriarse se habían fundido con la arena y se habían formado unas piezas transparentes y duras, que resultaron ser el vidrio.

Fueran o no éstos mercaderes quienes se encontraron con el vidrio de manera tan sorprendente, lo que sí es historia probada es que fueron los fenicios, en el siglo I a.C. quienes descubrieron la técnica del soplado, gracias a la cual aparecieron en las mesas los primeros vasos, y se pasó de utilizar el cristal como bolitas para collares y piezas cerámicas a doblegar ese material duro, transparente y frágil, que mantiene una complicidad con la luz cercana a la magia.

Hoy el vidrio es tan cotidiano en nuestras vidas que casi ni nos damos cuenta de su presencia; vajillas, gafas, pantallas, relojes, y un sinfín de objetos que nos acompañan a diario.

En la arquitectura contemporánea encontramos muchos ejemplos de cómo los muros de los edificios se han convertido en el reflejo del devenir de las ciudades, árboles, personas, coches u otros edificios. Forman parte viva de los mismos, y cambian de color en función de las horas del día o del clima, gracias al reflejo de nuestras protagonistas.

Las primeras vidrieras

Pero hasta llegar aquí, la arquitectura se sirvió de los vitrales; composiciones a base de vidrios de colores ensamblados con varillas de plomo, con intenciones llenas de mensajes y simbología en los edificios religiosos. El paso de la luz por los cristales fue utilizado por la iglesia con un bello símil al compararlo con la inmaculada concepción de la Virgen María, pues concibió a Jesús (Luz Divina) sin romperse ni mancharse.

Si bien es verdad que su uso también ayudó a mejorar la vida, protegiendo a los fieles del frío, el calor y la oscuridad.

Hasta hace poco la historia del vitral en Europa se ha relacionado con el románico, concretamente con las iglesias de la Île de France, pero recientes descubrimientos arqueológicos nos obligan a mirar hacia el año 540.

En la iglesia de San Vitale, en Rávena, han aparecido unos fragmentos de vidrios que presentan el perfil de un Cristo bendiciendo, fechados en esa época. No es extraño que por la temprana relación de esta zona italiana con Oriente, recibieran sus influencias antes que el resto de Europa, pues fueron los árabes quienes introdujeron la técnica del vitral en el viejo continente.

De lo que no hay duda es de que fue a partir del siglo XIII, y en la plenitud del gótico cuando las vidrieras llegaron a un punto culminante. En sus comienzos los diseños se montaban con piezas de colores, y para dar forma a las figuras se utilizaba un esmalte grisáceo, como vemos en estas de la Catedral de Le Mans, del siglo XII.

O este medallón perteneciente a una vidriera de la Basílica de Saint-Denis, fechado en el siglo XII, que narra cómo Moisés es salvado de la aguas.

La llegada del Gótico, el auge de las vidrieras

Las iglesias, desde la transición del Románico al Gótico, se sirvieron de los vitrales para aligerar el peso de sus elevados muros, y para llenar de historias bíblicas y de santos las imponentes naves con sus luces de colores.

Un ejemplo ineludible de la historia del vitral, son los muros de este relicario francés, Le Saint-Chapelle, consagrado en 1248 y situado en la parisina Île de la Cité:

A los sorprendidos ciudadanos medievales les debía parecer pura magia ver reflejadas en las tumbas catedralicias de clérigos y poderosos, las figuras de Cristo, de la Virgen o de los Santos, que por efecto de la luz bajaban desde los vanos a compartir sus rezos, para después volver a las alturas.

¿Quiéres saber más sobre el gótico frances? ¿O sobre las iglesias de París?

Los artistas medievales que le dieron vida a las vidrieras

Poco sabemos de los hombres y mujeres que estuvieron detrás de aquellas espléndidas creaciones medievales, ni de las herramientas y medios con los que contaban para su labor.

Con el avance de la arquitectura, los vitrales formaron parte de las tracerías góticas y ocuparon el lugar de la pintura al fresco, tan abundante en las iglesias románicas, convirtiéndose en el soporte donde se desarrolló esta pintura gótica que era a la vez una Biblia en imágenes.

Tal fue el auge de los artistas del vitral que el rey Ricardo II de Inglaterra creó el puesto de vidriero real en el siglo XIV, y su contemporáneo francés Carlos VI hizo lo propio en sus dominios. El imaginario gótico convertido en vidrios de colores fue enormemente fructífero.

Abajo dejamos algunas imágenes de vitrales de iglesias góticas en Francia, Alemania y España, muchas de ellas, aunque destinadas a templos con un claro lenguaje gótico, fueron terminadas en el Renacimiento, circunstancia que se refleja en el incipiente cambio de estilo que va apareciendo en ellas.

Sobre el altar mayor del Duomo de Siena se encuentra el conocido como «ojo de la catedral», diseñado por el artista sienés Duccio di Buoninsegna, hacia 1287. Narra escenas de la vida de la Virgen, y como la mayoría de las vidrieras suele pasar desapercibida ante el enorme despliegue artístico del templo. Si vas en un día de sol, no olvides mirar hacia arriba, es deslumbrante.

Las vidrieras en el Renacimiento

Con el cambio de ideas y de formas artísticas, que ahora miraban a la Antigüedad Clásica, cambió el vocabulario plástico de las vidrieras, y los diseños de los encargos más importantes pasaron a manos de pintores consagrados, mientras las realizaban los maestros vidrieros, que seguían siendo considerados como artesanos.

Las técnicas se fueron ampliando y los esmaltes se fundieron con los vidrios, de manera que éstos, en el Renacimiento, fueron utilizados como lienzos donde se narraban historias divinas y humanas. Nombres como Alberto Durero, Simone Martini o Lorenzo Ghiberti están detrás de algunos diseños de la época.

En el Museo Real de Arte e Historia, de la ciudad de Bruselas, encontramos estos magníficos ejemplos de vitrales renacentistas:

Y cambiando de país, en el extraordinario museo londinense de Victoria and Albert, del que hablamos aquí, encontramos este bellísimo ejemplo, procedente de la basílica alemana del monasterio de Steinfeld, en la Renania del Norte, realizado por Gerhard Remisch entre 1526 y 1557.

Con la llegada del Barroco, su uso prácticamente desapareció y no fue hasta el Neogótico, cuando nombres como Viollet-le-Duc recuperaron la antigua técnica de los vitrales.

Las vidrieras en el cambio de siglo: el Modernismo

El movimiento Arts and Crafts inspiró a mediados del siglo XIX una mirada a la naturaleza y a la artesanía, como rebeldía ante las manufacturas industriales, y recuperaron el oficio del vitral, silenciado durante siglos, para introducirlo en la vida cotidiana en todo tipo de edificios. Valga un ejemplo como el de la iglesia de La Trinidad de Boston, que es trabajo conjunto de Burne-Jons y Morris, dos nombres implicados en este movimiento.

Con el cambio de siglo, las influencias de Arts and Crats enraizaron de manera prodigiosa en el Modernismo, que según cada país recibe un nombre diferente: Art Nouveau (Bélgica y Francia), Sezession (Secesión de Viena, Secesión de Múnich), Jugendstil (Alemania y paises nórdicos), Modern Style (en los países anglosajones), Nieuwe Kunst (en Países Bajos), Floreale o Liberty en Italia.

Fué con estos movimientos artísticos cuando la vidriera dejó de ser principalmente un mensajero religioso para fundirse en el ámbito civil. Nombres como el norteamericano Louis Comfort Tiffany, o el francés Henri de Toulouse-Lautrec, derrocharon creatividad y sensibilidad en el mundo de la vidriera. Ellos firman a la limón esta belleza que podéis disfrutar en el Museo Orsay de París

O esta otra, del maestro norteamericano, que actualmente se encuentra en el Museo de Bellas Artes de Houston

O el extraordinario mural de la educación en la Universidad de Yale, donde la firma Tiffany deja entre otros estos ejemplos:

O, en Barcelona, esta espectacular ventana de la Casa Lleó y Morera:

En París, los almacenes Lafayette nos regalan esta espléndida cúpula:

Y en el Palacio de La Música de Cataluña, de Lluís Domènech i Montaner, las vidrieras forman parte de un auténtico derroche de imaginación:

Unos años después de construir este espectacular Palacio de la Música catalán, fechado hacia 1908, estalló la gran Guerra en 1914 (de la que encontrarás información en la Revista de Historia Rea Silvia).

Las dos guerras que destrozaron Europa en el pasado siglo, dañaron infinidad de monumentos, como la Catedral de Reims, que sufrió heridas considerables, de las que los restauradores han dejado testimonios para la memoria.

La emblemática iglesia, herida pero orgullosa de su historia, volvería a resurgir de sus cenizas y hacia 1974, un judío ruso que residía en París inauguró las vidrieras que diseñó para la capilla central del ábside de la reconstruida catedral.

Hablamos de Marc Chagall, cuyo museo en la Provenza os recomendamos. Pintor que como pocos supo entender el sentimiento de la luz.

Chagall y sus poderosos azules dejaron en esta iglesia gótica el mismo mensaje que aquellos lejanos maestros contaron hace siglos, el sacrificio de Cristo y la victoria de su Resurección. Mensaje cristiano que es una metáfora en vidrio del devenir de este edificio en el convulso siglo XX.

Las vidrieras en el mundo contemporáneo

Otros grandes creadores han dejado atravesar sus obras por la magia de la luz, como Matisse, Fernan Léger, Pierre Soulages, el mexicano Leopoldo Flores, el extraordinario Narcissus Quagliata, o el «coreógrafo» del vidrio Dale Chihuly, a cuya obra le dedicamos un post.

Y por supuesto de la mano de arquitectos como Le Corbusier, Frank Lloy Wrigtht, Ernesto Basile, o el brasileño Oscar Niemeyer, Jean Nouvel, o Norman Foster, entre otros muchos. El mundo de la vidriera sigue fascinando y sorprendiendo como en éstas últimas imágenes que dejamos a continuación.

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