No conozco mejor definición de la palabra arte que ésta: "El arte es el hombre añadido a la naturaleza." Vincent Van Gogh. Cartas a Theo.

Cuando era niño veía su nombre en una lápida del cementerio de la iglesia donde su padre ejercía como pastor. Allí estaba enterrado un hermano fallecido al nacer y cuyo nombre heredó. No sabemos si guarda relación con la muerte del primer Vincent Van Gogh, pero su madre nunca le demostró mucho cariño al segundo. Fue ella quien le guió en sus primeros dibujos (a todos los hermanos), e incluso a fabricar sus propios lápices de ceras.

Vincent Van Gogh descansa en el cementerio de Auvers-sur-Oise, a unos treinta kilómetros de París, bajo otra lápida con el mismo nombre que aquella que veía en su infancia. A su lado, cubiertas las dos bajo un manto de hiedra verde, otra tumba cobija los restos de su querido hermano Theo.

Su muerte, provocada por un disparo, está envuelta en un espeso misterio. En un principio se dijo que fue un suicidio, después, que pudo ser un accidente fortuito, pero cada vez cobra más cuerpo la posibilidad del asesinato. Un grupo de jóvenes burgueses cuyo "cabecilla" era René Secrétan, dueño del arma que mató a Van Gogh, estuvieron burlándose de él y humillándole horas antes de su muerte.

En Auvers-sur-Oise pasó los últimos setenta días de su intensa vida. Vincent Van Gogh fue un hombre atormentado, apasionado e inquieto, sin duda excesivo. Vivió treinta y siete años durante los cuales tuvo al menos treinta y ocho direcciones, entre otros sitios vivió en: La Haya, Bruselas, Amberes, Amsterdam, Londres, París, Ramsgate, Arlés, Saint-Rémy-de-Provence y en la citada Auvers-sur-Oise, que vive hoy volcada en la figura del genial pintor holandés.

Mucho más han viajado sus obras. Sus más de novecientos cuadros y mil seiscientos dibujos, así como sus grabados, están repartidos por museos y colecciones de todo el mundo. En vida Vincent Van Gogh vendió muy pocos cuadros, uno de ellos fue "El viñedo rojo" que pintó en Arlés en 1888.

Durante mucho tiempo esta preciosa estampa de vendimiadores pasó por ser la única obra que vendió en vida. Hoy se expone en el Museo Pushkin de Moscú. Lo compró la pintora belga Anna Bosch que pagó por él el equivalente a unos setecientos euros. Pero aunque vendió algunos más, Van Gogh nunca pudo vivir de la pintura.

En la actualidad su firma, que convoca precios millonarios, es deseada por coleccionistas y museos de todo el mundo.

Entre las innumerables ciudades donde encontrarse con obras de Vincent Van Gogh están Berlín, Dresde, Colonia, Munich, Sidney, Viena, Bruselas, São Paulo, Toronto, El Cairo, Edimburgo, Nueva York, París, Avignon, Jerusalén, Madrid, Milán, Roma, Osaka, Tokio, Amsterdam, La Haya, México, Londres, y un larguísimo etcétera.

Durante aquellos setenta últimos días, mientras intentaba curar sus brotes psicóticos bajo los cuidados del doctor Gachet, tuvo tiempo de pintar setenta y dos cuadros, mas de treinta dibujos y un grabado.

El camino hasta encontrarse con la pintura

Van Gogh adquirió un buen nivel cultural de manera autodidacta, pues tuvo que dejar los estudios con sólo quince años para ayudar en la maltrecha economía familiar. A pesar de lo cual hablaba cuatro idiomas y consiguió los conocimientos necesarios para desarrollar su gran pasión, la pintura. Aunque antes transitó por distintos caminos profesionales.

Comenzó trabajando en Goupil & Co (más tarde Boussod & Valadon), una importante compañía internacional de comercio de arte de La Haya, de la que su tío Vincent y su hermano Theo fueron socios. Se adaptó bastante bien a esta nueva vida, llegando a escribir:

Es un negocio maravilloso. Cuanto más tiempo se trabaja en él más ambicioso se vuelve uno.

La empresa lo trasladó a una sucursal de Londres y después a París, lo que le permitió estar en contacto con el efervescente mundillo del arte de la capital francesa y recibir influencias de pintores como Jean-François Millet, cuya obra le llamaría especialmente la atención.

Su difícil carácter le complicó siempre la vida. Fue despedido de esta importante empresa porque intentaba influir en los clientes según sus propios gustos. Vincent no se cortaba un pelo al opinar contra algún autor por muy de moda que estuviera, y aconsejar a los clientes que no compraran su obra.

Desencantado con esta faceta profesional, durante la que fue rechazado por la primera mujer de la que se enamoró, intentó ser pastor como su padre. Pero de nuevo la intensidad de sus actitudes y su imposibilidad de acatar órdenes que contradijeran sus ideas acabaron con esta etapa de manera frustrante.

De modo que con veintisiete años Vincent Van Gogh había sido rechazado por su madre, por la iglesia y por la mujer que amaba, y decidió refugiarse en la pintura.

Las mujeres de Vicent Van Gogh

El carácter apasionado e impulsivo de Vincent no era bien entendido por las mujeres. Las dos primeras ocasiones en las que se volvió loco de amor fueron dos fracasos muy dolorosos para él y fueron un anticipo de lo que sería su vida amorosa.

La primera fue Eugenia, que era hija de la patrona de la pensión donde se hospedaba en el barrio londinense de Convet Garden. Se enamoró locamente de ella, pero la chica estaba comprometida y lo rechazó.​

En la primavera de 1881 Vincent llegó a Etten, en los Países Bajos, para visitar a su hermano Theo. Allí se enamoró perdidamente de su prima Cornelia Adriana Vos-Stricker, que acababa de enviudar. Le propuso de inmediato matrimonio y ella espantada le dijo que jamás. Pero Vincent no aceptaba un no por respuesta y siguió insistiendo, siempre sin éxito, y con el enfado de sus tíos y de su padre.

Después de estos rechazos, dirigió su vida a la religión e intentó hacerse pastor protestante. Como tampoco consiguió ser un predicador se fue a La Haya para dedicarse de lleno a la pintura.

En enero de 1882 encuentró pidiendo limosna en las calles de La Haya a Christina Clasina María Hoornik, a quien llamaba “Sien”. Con treinta y dos años, aquella prostituta alcoholizada, embarazada y con una hija conmovió el corazón del artista y la llevó a su casa. Sien y sus hijos fueron sus modelos. Vincent Van Gogh tenía veintinueve años.

Este invierno me encontré una mujer embarazada que tenía que hacer la calle para ganar su pan, ya sabes cómo. La tomé como modelo, y he trabajado con ella todo el invierno… he podido protegerla a ella y a su hija del hambre y del frío compartiendo con ellos mi propio pan. Comencé una nueva vida, no a propósito, sino porque tuve la oportunidad de empezar de nuevo y no rehusé hacerlo.

Vincent se enamoró de Sien y quiso casarse con ella, pero esta tuvo que volver a la prostitución pues él no vendía su obra y eran cuatro a la mesa. Al enterarse Theo de sus planes de boda le amenazó con retirarle el dinero que le pasaba y Vincent la abandonó.

Hacia finales de 1884 se mudó a Nuenen, también en los Países Bajos, aquí pintó su primera gran obra: "Los comedores de patatas", y aquí se enamoró perdidamente de una vecina: Margot, que tenía diez años más que él.

La relación era imposible por la negativa de Margot, que ante la insistencia de Vincent intentó suicidarse con estricnina. Esto provocó un escándalo que hizo que Van Gogh se marchase de Nuenen. Pero aquellos dos meses de amor no correspondido los recordó el artista hasta su muerte.

En sus Cartas a Theo le escribe a su hermano:

…amar es fácil, lo difícil es ser amado por quien uno ama.

En 1890 Van Gogh conoció a Marguerite Gachet. Marguerite era hija del doctor que cuidó de él en aquellos setenta últimos días de su vida en Auvers-sur-Oisey. Uno de sus famosos retratos es precisamente de su amigo el doctor Gachet, que a pesar de la amistad y el cariño que los unía no consintió que su hija se uniera a aquel desequilibrado artista, al que sin embargo ella amaba de verdad.

Durante mas de cincuenta años Marguerite se ocupó de que no faltara en la tumba de Vincent un ramo de flores amarillas.

Su hermano Theo. Su amigo y su único apoyo

Theo Van Gogh era el hermano pequeño de Vincent. Fue un marchante de arte de éxito, socio de Goupil&Co. Las cosas le iban bien y cuidó económicamente de Vincent que era incapaz de salir adelante por sí mismo. Lo apoyó siempre, cuidó de su hermano y lo animó para que hiciera lo que más le apasionó siempre: pintar.

Theo intentó dirigir la carrera de Vincent y gracias a él conoció en París, donde vivieron juntos en una casa de Montmartre, a Paul Gauguin, Paul Cézanne, Henri de Toulouse-Lautrec, Henri Rousseau, Camille Pissarro y Georges Seurat.

Fue Theo quien convenció a Gauguin para que visitase a Vincent, que se había trasladado a Arlés. Gauguin era reacio a vivir y compartir su trabajo con el conflictivo Vincent, pero Theo lo convenció de una manera incontestable: le pagó una cuantiosa deuda a cambio de que acompañara a su hermano.

Las cosas no salieron bien, eran dos caracteres muy fuertes y acabaron como el rosario de la aurora. Fue durante su convivencia en Arlés cuando Vincent perdió media oreja. No se sabe bien si fue él mismo quien se la cortó o tuvo ayuda de Gauguin que después de aquello salió corriendo y nunca más volvieron a juntarse.

Theo murió unos meses después que Vincent, con tan sólo treinta y tres años. Fue su esposa quien se ocupó de enterrarlo junto a su hermano y quien, años después, se encargó de la publicación de las cartas que durante veinte años Vincent le envió a su hermano Theo.

Estas cartas son una biografía del artista y del hombre, que se desnuda ante su hermano, pero además son una confesión estética que ayuda a entender mejor la obra de este creador único. Cartas a Theo es un libro imprescindible para conocer a fondo la obra y la personalidad de Vincent Van Gogh.

La obra de Vincent Van Gogh

"Los comedores de patatas", que se encuentra en el Museo Vang Gogh de Amsterdam, es como dijimos antes, su primera gran obra, fechada en 1885. Lejos aún de los luminosos colores que caracterizarán su obra posterior, este cuadro es un retrato realista y conmovedor de la pobreza en la que vivían los campesinos de Nuenen. Ayudado por los colores oscuros y terrosos muestra en él la clara influencia del francés Jean-François Millet.

Antes, durante su estancia en La Haya, dejó una serie de pinturas realistas también, entre las que destacan los retratos de su amada Sien y de sus hijos.

Durante su estancia en Amberes, después de huir de Nuenen por el escándalo con su vecina, se acercó a las estampas japonesas y al modelado, pero fue en París durante el tiempo que vivió con Theo cuando se acercó a los impresionistas y su paleta se llenó de la luz de aquellas pinturas que marcaron su obra.

En la etapa final de París pintó varios retratos de Père Tanguy, que ofreció la trastienda de su negocio como sala de exposiciones que usaron Gauguin, Seurat y el mismo Van Gogh. Uno de esos retratos se considera la obra más representativa de esta etapa.

Convencido de que necesitaba encontrarse con la luz del Mediterráneo, se marchó a La Provenza, donde se encontró con los colores puros que había estudiado en las estampas japonesas.

Aquel fue un periodo fértil para su obra, pero si cuando llegó a París apenas le quedaban dientes por culpa de la sífilis, aquí el abuso de la absenta y las incontables horas de trabajo agravaron su condición física y su debilidad mental.

Llegó a Arlés en 1888 y su paleta se llenó de amarillos, verdes y azules intensos, y sus pinceladas se comenzaron a tornar en ondulantes surcos de impaciencia y pasión.

Pintaba sin parar y dejó paisajes, retratos, puestas de sol, autorretratos como el "Autorretrato con la oreja vendada"; interiores como su "Dormitorio de Arlés", o "El café de noche" que pintó en tres noches consecutivas, o flores como sus famosos "Girasoles" o el precioso campo de "Lirios".

Estos últimos años estuvieron marcados por su inestabilidad mental y sus internamientos voluntarios en psiquiátricos como el de Saint-Rémy-de-Provence donde ingresó un año antes de su muerte. Allí nacieron los remolinos de su famosa "Noche estrellada", considerada su obra maestra.

Para ver este cuadro, que realizó Van Gogh con óleos humedecidos y pinceles muy finos, hay que visitar el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Regresó a París y de allí se marchó a Auvers-sur-Oise. Enamorado de los paisajes de Auvers, cuidado por el doctor Gachet e ilusionado con la hija de éste, Margarita, se volvió a fundir con la pintura y no paró de pintar hasta encontrar la muerte dos meses después de su llegada.

Estoy plenamente absorbido por estas llanuras inmensas de campos de trigo sobre un fondo de colinas, vastos como el mar, de un amarillo muy tierno, un verde muy pálido, de un malva muy dulce, con una parte de tierra labrada, todo junto con plantaciones de patatas en flor; todo bajo un cielo azul con tonos blancos, rosas y violetas. Me siento muy tranquilo, casi demasiado calmado, me siento capaz de pintar todo esto. Le escribía a Theo.

Retrata a su médico, casi esculpe en el lienzo la iglesia de Auvers, se llena con los paisajes que rodean el pueblo. Utiliza un formato horizontal de doble cuadrado, como el que usó para inmortalizar el "Campo de trigo con cuervos", que se puede ver en el Museo Van Gogh de Amsterdam.

En sus "Cartas a Theo" Vincent le habla de la soledad y la melancolía que tienen estos últimos paisajes de trigales bajo cielos amenazantes. Algunos vieron en los cuervos que sobrevuelan los campos de trigo una premonición de la muerte.

En Auvers, desaparecieron poco a poco los colores cálidos de la Provenza. Sólo dos días antes de su muerte se sumergió en las "Chozas en Cordeville, en Auvers-sur-Oise", expuesto en el Museo de Orsay de París, donde las casas parecen engullidas por la espesa vegetación.

A Vincent Van Gogh, que pintaba in situ, lo ha catalogado la historia como Postimpresionista. En algún epígrafe tenía que estar, pero es seguro que no hay otro autor tan personalísimo y único, tanto en la técnica como en el tratamiento matérico de los temas, como este loco, sensible y maravilloso artista que es uno de los grandes genios de la pintura.

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Rembrandt nos mira desde el autorretrato que encabeza este post, que se encuentra en la Colección Frick de Nueva York, envuelto en una inmensa majestad. La del artista que ha conseguido pintar para sí mismo, lejos de las exigencias del mercado, y se retrata desde la serenidad de haberse sido fiel. Grande en su humildad, nos brinda toda una lección de honestidad.

El cuatro de octubre de 1669 fallecía en Amsterdam el más grande pintor de los Países Bajos, Rembrandt Harmenszoon van Rijn. Van Gogh dijo sobre el trabajo de Rembrandt: "hay que haber muerto varias veces para pintar así".

El próximo año se celebrarán un buen número de exposiciones con motivo de la conmemoración de los 350 años de su muerte, en Amsterdam, la ciudad donde se hizo inmortal, en La Haya, en Delft, en Dordrecht, en Leiden, donde nació y en Leeuwarden. También los museos de Amsterdam y otras ciudades, donde se exponen sus obras, celebrarán actividades especiales. Todo un despliegue festivo en honor del maestro barroco cuyas obras se exhiben en los museos más importantes del mundo.

Un viaje para conocer su obra recorrería gran parte de Europa y algunas ciudades de América. En Londres hay varios museos que exhiben obras importantes de Rembrandt: La National Gallery, el Victoria and Albert, la Wallace Collection y el Kenwood House. En la Colección Frick, en Nueva York hay uno de sus impresionantes autorretratos, y dos más en el Metropolitan de la misma ciudad. Nos lo encontramos también en el Museo del Prado de Madrid, en el Louvre de París, en museos de Washington, Boston, Los Ángeles, en Dresde, en Estocolmo, en Varsovia, en Haarlem, en La Haya, en Kassel, en Berlin, en museos de Colonia, de Munich o de San Petesburgo.

Pero su vida y su crecimiento como artista se fraguaron entre Leiden y Amsterdam.

Rembrandt nos dejó una biografía de sí mismo a través de sus magníficos autorretratos. Y son magníficos más allá de su extraordinario dominio técnico, lo son por la demoledora honestidad de su mirada, en ninguno de ellos, y nos dejó autorretratos durante veinte años, hay el más mínimo rastro de autocomplacencia. Del joven bohemio de los primeros, al viejo sabio del final, la tremenda humanidad de su mirada es el mejor testimonio biográfico que nos ha dejado este artista, que vivió en la cumbre y descendió a los infiernos de la soledad y el olvido.

El encuentro con los pinceles en Leiden

Rembrandt nació el 15 de julio de 1606 en Leiden, que hoy es una ciudad de la provincia de Holanda Meridional, concretamente la cuarta más poblada de esta provincia, después de Róterdam, La Haya y Dordrecht.

La vida de Rembrandt se desarrolló en el siglo XVII, un periodo conocido como la Edad de oro neerlandesa. Una época en la que el país vivió su momento más brillante en ciencia, comercio, cultura e influencia política.

Rembrandt nació en el seno de una familia acomodada. Su padre era molinero y su madre era hija de un panadero, entonces actividades muy lucrativas. Estudió el primer curso de Filosofía y Letras en la Universidad de Leiden. Pero desde muy joven sintió afición por la pintura y dejó la universidad para entrar en el estudio del pintor Jacob van Swanenburgh.

Allí estuvo tres años, pasando luego a Amsterdam donde durante seis meses afianzó su aprendizaje en el estudio de Pieter Lastman, un pintor especialista en cuadros de historia, donde al parecer conoció las técnicas del claroscuro del italiano Caravaggio.

De vuelta a Leiden, en 1625 abrió su estudio a medias con su amigo Jan Lievens. Además de dar clases de pintura, se hizo un hueco en el mercado por su extraordinaria habilidad como retratista, y en 1629 el estadista Constantijn Huygens lo introdujo en la corte. Apenas tenía veinticinco años y su fama creció hasta el punto de que el príncipe Frederik Hendrik le hiciera importantes encargos.

En sus años de Leiden, Rembrandt trabajó en temas religiosos y alegóricos de pequeño formato. Pintó también muchos tronies; un tipo de retratos, típicos del barroco holandés, en los que el pintor resalta una expresión facial exagerada, bien por unas facciones muy hermosas o por alguna pieza llamativa de su atuendo, o alguna actitud o gesto grotesco del retratado. Valga como ejemplo que en un catálogo de la obra de Vermeer aparecen como tronies "La joven de la perla" y "La joven de la flauta".

Cuando se trasladó a Amsterdam llevaba consigo bien aprehendida la lección barroca, una muestra es «El Rapto de Europa», todavía de pequeño formato, que realizó Rembrandt entre Leiden y Amsterdam, considerada como un «Brillante ejemplo de la Edad de Oro del Barroco»

Rembrandt se trasladó a Amsterdam, donde ya era un pintor famoso

Su fama le llevó en 1631 a trasladarse a Amsterdam, donde siguió ascendiendo su prestigio por su gran dominio en el arte del retrato. Amsterdam crecía vertiginosamente como centro de negocios, y su prosperidad se reflejó en el éxito de Rembrant. A su llegada se alojó temporalmente en casa de su amigo, el marchante de arte Hendrik van Uylenburg, primo de la que sería su esposa, Saskia.

De estos primeros años en Amsterdam es la Lección de Anatomía del Dr. Nicolaes Tulp, de 1632, la obra que lo elevó a lo más alto de la escala artística en su país. Cambió la composición tradicional de los retratos de grupo, en los que los personajes aparecían en fila, el joven Rembrandt los agrupa alrededor del doctor Tulp, que pagó el retrato, a quien escuchan atentamente con expresiones de sorpresa y atención los alumnos de esta lección en directo, a la que invita también al espectador. Las distintas expresiones de los rostros son magistrales.

En la medida que ascendía su fama, crecían su fortuna y sus contactos sociales. Era tal su reputación que, para poder atender los encargos que le llegaban, tuvo que abrir un taller con más de cincuenta alumnos.

En esta etapa de sus primeros años en Amsterdam dirigió su mirada hacia una representación más dramática en las escenas bíblicas y mitológicas y aumentó los tamaños de sus lienzos. Lo vemos en "Sansón y los filisteos" de 1636, para cuya composición, eligió el momento en que es abatido por los filisteos, después de que Dalila le cortara su poderosa melena.

La luz, que entra desde fuera del cuadro, se centra en el gesto de dolor del israelita, mientras roza tan solo a sus verdugos y a Dalila, en un claro uso de las técnicas del claroscuro del maestro italiano Caravaggio, que difundieron en el Norte de Europa los "Caravaggistas de Utrech"

A lo largo de su vida buscó siempre un lenguaje propio sin traicionar la tradición clásica. Minucioso en los detalles, en este cuadro vemos esa marca de la casa, aquí visible en las armaduras y los cascos e incluso en el bordado de la ropa de Dalila. La luz barroca se vuelve dorada en los pinceles de Rembrandt y la utiliza, como nadie, para retratar las emociones humanas.

La pintura de historia de Rembrandt

Como pintor de historia Rembrandt fue un artista muy personal. Muy influido por Rubens, en su obra se advierten también fuertes influencias de Tiziano, Tintoreto, Velázquez, Ribera y Veronés. Su búsqueda de una mirada propia hacia la historia le llevó a utilizar para sus cuadros modelos cercanos: su hijo Titus, su esposa, sus padres y amigos y sus amantes, con los que representó a personajes históricos.

Caravaggio ya había hecho algo similar, pero el italiano fue más lejos, buscó modelos en los bajos fondos, tabernas y prostíbulos para representar personajes bíblicos.

Rembrandt encontró una forma nueva y personal de narrar los hechos. Añadió teatralidad y espontaneidad a lo que había aprendido de Rubens, Tiaziano o Tintoretto. Los modelos no posaban para él, se movían como en una obra de teatro. Vestidos con telas y abalorios orientales (que coleccionaba) , descontextualizaba la vestimenta y "olvidaba" los atributos de los santos y personajes, lo que ha complicado su identificación a los historiadores.

La imagen de abajo, muestra esta dificultad de la que hablamos. Es su hijo Titus representando, según unos a Palas Atenea, según otros a Alejandro Magno. Se puede ver en Museu Calouste Gulbenkian, de Lisboa.

De los años felices al dolor y la soledad

Con veintiocho años, en 1634, se casó con Saskia van Uylenburg, hija de un acaudalado burgomaestre, que llevaba consigo una dote importante. Tuvieron cuatro hijos y vivieron en un acomodado barrio judío de Amsterdam.

El enamoramiento de Rembrandt por aquella chiquilla arrobada ante un artista de éxito es palpable en las múltiples ocasiones en que la retrató. Abajo dejamos un retrato del principio de esta relación en el que Rembrandt convierte a Saskia en la diosa Flora. Una Flora del Norte, vestida con suntuosas y tupidas telas, provocando desde la inocencia de su mirada. Tan alejada de la sensualidad de la mirada de Flora en la Primavera de Boticcelli.

Durante los ocho años siguientes la desgracia se cebó con el matrimonio: fallecieron tres de sus cuatro hijos, la madre de Rembrandt, su cuñada favorita y finalmente en 1642 la misma Saskia, cuando Tito, el único hijo que les vivió tenía tan solo un año.

Unido a estas desgracias encadenadas en su vida personal, su popularidad como pintor comenzó a apagarse. Después de pintar su obra maestra en 1642, Ronda de noche (cuyo tema era la formación de una compañía de la milicia holandesa bajo el mando del Capitán Banning Cocq). Fue difícil entender aquel enorme avance pictórico para una sociedad que disfrutaba con el estilo de pintura elegante (amable), o de esplendorosos paisajes.

La Ronda de noche

Enmarcado en la tradición de los retratos de grupo tan de moda en la "Edad de Oro neerlandesa" aparece este retrato que Rembrandt realizó entre 1640 y 1642, en plena debacle emocional. Su título original fue "La compañía militar del capitán Frans Banninck Cocq y el teniente Willem van Ruytenburgh", según consta en un boceto preparatorio. Pero fue rebautizado en el siglo XIX como Patrouille de Nuit por la crítica francesa, y Night Watch por Sir Joshua Reynolds, de donde viene su nombre popular "Ronda de noche".

En realidad Rembrandt no pintó una escena nocturna. La verdad es que en el siglo XIX el cuadro estaba en una situación de pésima conservación; los barnices oxidados y la suciedad acumulada oscurecían de tal modo la escena que la hacía parecer nocturna.

Al restaurarla en 1947 se descubrió que no se desarrolla de noche sino de día. Los personajes se preparan para salir de un portalón en penumbra que recibe un potente rayo de luz que los ilumina con intensidad.

El cuadro fue un encargo de la Corporación de Arcabuceros de Ámsterdam para decorar el Gran Salón, del Kloveniersdoelen, sede de la milicia.

En el se ve al capitán Frans Banninck Cocq dando la orden de marchar al alférez Willem van Ruytenburch. Detrás se preparan los dieciocho integrantes de la Compañía. Esta obra, que sigue siendo propiedad del Ayuntamiento, permanece cedida al Rijksmuseum.

Lejos del estatismo propio de los retratos corporativos, Rembrandt le otorgó un movimiento muy original, para lo que hizo una composición en la que puso el ordenamiento de los personajes al servicio de la plástica y no del protocolo. Esto no gustó mucho a algunos de los miembros de la Compañía, que tuvieron que pagar unos cien florines cada uno (pagaron más los personajes principales que aparecen en el centro de la escena), porque algunos son difíciles de identificar.

En aquel momento La Ronda de Noche pasó casi desapercibida para la crítica que en todo caso fue negativa. La atrevida composición del «rebelde» Rembrandt no la entendieron bien. Algo que suele pasar en todos los cambios de la historia del arte

Retratos y autorretratos de Rembrandt

No creemos que haya ningún pintor de su siglo que mirara con más profundidad un rostro humano que Rembrandt van Rijn. Y lo hizo además con una creatividad que le llevó a ir en contra de las modas, lo que le costó más de un desaire. Desde hace tiempo la fotografía utiliza su sistema de iluminación para el retrato, que se bautizó como «el triángulo de Rembrandt», cuando se quiere añadir dramatismo y profundidad al retratado.

Con una luz lateral dejaba medio rostro iluminado mientras el otro medio, casi en penumbra, reflejaba la sombra producida por la nariz. También utilizó la iluminación frontal, consiguiendo la misma demoledora emoción. Para eso, supo penetrar, como nadie, en lo más hondo del ser humano a través de la mirada.

Dejamos una imagen de «Chica apoyada en un marco», la pintó en 1641, utilizando un triángulo frontal de luz, que marca su rostro y sus manos. En su dilatada historia ha compartido momentos de zozobra con la Dama del Armiño de Leonardo, por su relación con la familia Czartoryski. Cayó, como la ilustre dama leonardesca, en manos de los nazis. Hoy, mientras saca sus manos del marco, clava su mirada al espectador en el Museo del Castillo Real de Varsovia.

Sólo él fue capaz de representar a las diosas como mujeres de carne y hueso, con la piel de gallina y con rostros y cuerpos muy alejados de la belleza ideal. Fue elegido por aristócratas y ricos comerciantes de su época para pasar a la posteridad, vestidos a la moda del momento o disfrazados con ropas y atributos orientales, que el maestro coleccionaba con avidez.

Sus autorretratos son dignos de un artículo aparte. Las caracterizaciones con las que aparece en ellos, gracias a sus disfraces, han hecho correr ríos de tinta. Se ha mostrado vestido de burgués, de mendigo, de apóstol, de pintor orgulloso de su profesión. ¿Está haciendo con ellos un retrato de las clases sociales, para demostrarnos al final de sus días que todo es vanidad, que lo que importa es ser uno mismo?. No dejó de retratarse hasta los últimos días de su vida.

Rembrandt a partir de 1645

Sus experiencias personales le reafirmaron como artista en su búsqueda de un realismo alejado de la idealización clásica. Perdió aún más interés por la belleza idealizada, e insistió en la belleza de lo cotidiano. Se alejó del canon clásico y realizó una pintura empastada, buscando la relación que existe entre la vista y el tacto.

Fue un gran coleccionista de obras artísticas caras, tenía obras entre otros de Rubens y Van Eyck, telas y objetos raros y costosos, que utilizaba para sus cuadros. Todo lo perdió por sus deudas.

Después de la muerte de Saskia empezó a descuidar sus encargos. Tuvo problemas con algunos de sus mecenas porque se dedicó a pintar para sí mismo. Esto era una rareza en aquel momento en el que no se entendía su profesión sin un objetivo mercantil.

Estas circunstancias, unidas a algunos errores económicos con sus inversiones, le llevaron al principio de su decadencia social y económica, por contra alcanzó la plenitud de su lenguaje pictórico. Aquí empieza la etapa más triste y la más original.

Última etapa, a partir de 1650

Rembrandt dejó atrás su carácter extrovertido y esto se reflejó en sus obras, que perdieron el movimiento agitado para encontrarse con la reflexión, la introspección y el pensamiento.

Ya no se ven los atributos de sus personajes, iba en busca del alma y aparece lo más íntimo de ellos. La evolución es una clara búsqueda de la mirada interior del ser humano. Sus personajes históricos aparecen solos, consiguiendo así un monólogo interior, como en esta «Cabeza de Cristo», nostálgico, melancólico y sin ningún atributo que lo identifique.

Su pintura aparece cada vez más empastada. Se reivindica como artista, pinta lo que él quiere y como él quiere.

Los amores de Rembrandt

El gran amor de Rembrandt fue su esposa Saskia, que ha pasado a la historia por ser su modelo, su inspiración y su alegría. Hoy Saskia nos mira desde sus cuadros encarnando a mujeres bíblicas y mitológicas desde una cercana realidad; la de una mujer normal, para nada perfecta físicamente, que despertó el más sincero amor en un genio que retrató como nadie los estados de ánimo.

Maestro en captar expresiones, Rembrandt pintó la inocencia, la ingenua malicia, la melancolía y la felicidad de esta mujer que habita en la historia de la pintura despierta, dormida, enferma, madre, sana, diosa y virgen.

Durante la enfermedad de Saskia contrataron como niñera a Geertje Dircx, para ayudarle con el único hijo que les quedaba, su querido Titus. Geertje se convirtió en su amante y acabó denunciando por perjurio a Rembrandt porque no cumplió su promesa de matrimonio. Le condenaron a pagarle doscientos florines al año como indemnización, pero enterado el maestro de que había empeñado algunas joyas de Saskia, consiguió encerrarla en un hospicio para pobres en Gouda.

A finales de 1647 Rembrandt comenzó una relación con Hendrickje Stoffelsdochter Jaegher, veinte años más joven que él, a quien había contratado como asistenta doméstica. Tuvieron una hija en 1654 llamada Cornelia (Rembrandt tuvo otras dos hijas con ese nombre con su esposa Saskia, que fallecieron). Su relación le costó a Hendrickje la excomunión por parte de la iglesia calvinista, por vivir con un hombre sin estar casada.

No sabremos si fue por amor, por valentía o por miedo a verse sola con una niña sin padre, el que caso es que a Hendrickje no le importó el escándalo que supuso seguir viviendo con Rembrandt sin estar casada.

Lejos de dejar al artista, cuando este más necesitaba su apoyo, asumió el "castigo" social que le infringió la iglesia, siguió junto a él y fundó un negocio de arte a medias con Titus. Le hicieron un contrato para que pudiera vender sus cuadros y se convirtió así en su jefa. Fue una manera de mantener alejados de Rembrandt a sus acreedores: Los biógrafos del artista han escrito: "Ella organizó su vida para él y lo salvó de la caída total después de su bancarrota".

Fue también, o eso se cree, modelo del maestro en múltiples obras de su etapa juntos. Como su "Betsabé" de 1654 y "Mujer bañándose" del mismo año, en el que sólo terminó de modelar las piernas y el pecho, dejando el resto como abocetado, lo que le ha valido a este cuadro ser considerado un preludio del impresionista Degas.

Hacia 1662 todavía recibía encargos importantes. De esta fecha es otra de sus obras maestras: "Los Síndicos de los pañeros"

Un encargo de la Corporación de Fabricantes de Paños, en el que retrató a cinco síndicos y un empleado de la Corporación, al fondo de pie y sin sombrero, que había desarrollado un nueva técnica para tejer los paños.

Rembrandt puso en este cuadro especial atención para que quedaran contentos los clientes de los que capta con habilidad su personalidad. Entre todos forman una muestra de las clases sociales y religiosas de Amsterdam: menonitas, católicos, reformistas, etc. Construido a base de manchas de color y de luz con una pincelada suelta, como lo había hecho Tiziano.

Fue un regreso a los grandes formatos, utilizó colores más intensos y sus pinceladas eran más pronunciadas, alejándose de los rasgos distintivos de su primera época, cuando trabajaba más los detalles. Algunos historiadores creen que fue un posicionamiento en el debate que surgió entonces sobre la primacía del "acabado" o la calidad matérica de la pintura, que él defendía.

Todavía en 1667, sólo dos años antes de su muerte, Cosme III de Médici, gran duque de la Toscana, visitó a Rembrandt en su domicilio cuando viajó a Ámsterdam, para hacerle algún encargo.

En sus últimos años, su amigo Van Loon lo visitaba con frecuencia y comentó: "en aquel miserable cuarto veía milagros de color tan grandes que dejarían mudo de asombro al mundo".

El legado de Rembrandt

Rembrandt sobrevivió casi a toda la familia, salvo a su nieta Titia, hija de Titus, y a su última hija Cornelia. Hendrikje Stoffels, falleció en 1663, Titus en 1668 y sólo un año después falleció Rembrandt, que fue enterrado en una tumba sin nombre en la iglesia Westerkerk de Amsterdam.

En el arte dejó una herencia de más de seiscientas pinturas, mil cuatrocientos dibujos y al menos treinta aguafuertes (láminas grabadas), técnica que manejó de manera extraordinaria, y en la que también innovó en el mismo camino que en la pintura.

Con todo ese legado pictórico Rembrandt nos dejó no sólo un reflejo social de su época, nos dejó también una invitación a profundizar en la psicología y el aspecto anímico del ser humano. Aprovechó la clave de la pintura barroca: la luz y la sombra, con ellas nos abrió la puerta para acercarnos a los cambios que el tiempo marca en el cuerpo y el alma del hombre, retratando el bien y el mal, dos valores perennes en la historia de la humanidad.

La entrada Rembrandt, la luz dorada del barroco holandés se publicó primero en Ruta Cultural.

A medio camino entre Rotterdam y La Haya, menos de quince kilómetros la separan de las dos, se encuentra Delft, una tranquila y preciosa ciudad holandesa, que dista sólo sesenta kilómetros de Amsterdam y veinticinco de Leiden (la cuna de Rembrandt y del movimiento artístico De Stijl). Hoy Delft es una pequeña ciudad universitaria símbolo histórico de la Casa Real Holandesa.

Conocida en el mundo por ser la ciudad de Johannes Veermer y el centro de producción de una cerámica de influencia oriental, con «denominación de origen de Delft», cuyo prestigio recorrió Europa. Desde Delft las técnicas de este delicado arte llegaron a los azulejos portugueses cubriendo muros de casas y palacios de Lisboa y de todo Portugal.

Su pequeño casco histórico, que merece la pena pasear con tranquilidad, además de un gran encanto, atesora un número importante de edificios históricos muchos de ellos situados en el viejo canal Oude Delft y en la Plaza del Mercado, y: tres iglesias monumentales, un ayuntamiento cuya arquitectura contiene vestigios desde el Gótico al Renacimiento y una de las plazas más grandes de Europa. Y todo esto rodeado de jardines y canales que le dan a Delft un aire romántico y apacible.

Guillermo de Orange, "El Taciturno" en el Prinsenohof

Delft es una ciudad íntimamente relacionada con la Casa Real Holandesa, los Orange-Nassau. Y lo es gracias a que el príncipe Guillermo el Taciturno se refugió en ella durante los últimos años de su vida. Desde el Prinsenohof (El Palacio del Príncipe), dirigió su lucha por la independencia contra La Corona Española.

Con apenas once años, se convirtió en Príncipe de Orange, por la muerte sin descendencia de su primo Renato de Châlon, que tenía extensas propiedades en los actuales Países Bajos. Durante su minoría de edad fue el Emperador Carlos V quien actuó como regente del principado. Carlos V envió a Guillermo (hasta entonces educado como protestante), a Bruselas para que recibiera una educación católica bajo la supervisión de María de Austria, hermana de Carlos y regente de los Habsburgo en los Países Bajos.

Fue favorecido tanto por Carlos V como por Felipe II, gracias a lo cual su ascenso político y militar se convirtió en una carrera fulgurante. Esto no evitó que Guillermo se pusiera del lado de la nobleza holandesa que reclamaba más poder ante los españoles. Además Guillermo, que acabó declarándose calvinista, era partidario de la libertad religiosa en una época marcada por la Inquisición que no contemplaba ese tipo de opciones.

Felipe II lo acabó declarando en rebeldía en 1580, y Guillermo después de muchos avatares se refugió en Delft, convirtiendo los edificios de un viejo convento de estilo gótico tardío en su residencia y en el corazón de la lucha por la independencia. Allí murió asesinado por Balthasar Gérard, partidario del rey español, que en 1584 le disparó acabando con su vida. Gérard no pudo escapar de Delft y fue ajusticiado de una manera espantosa. Las huellas de los disparos permanecen en la pared del vestíbulo donde el Taciturno acabó sus días.

En la actualidad el Palacio del Príncipe es el Museo Municipal (Stedelijk Museum Het Prinsenhof) de la historia de Delft. En él se recuerdan aquellos hechos y numerosos testimonios de la Guerra de los Ochenta Años, que culminó en 1648 con el reconocimiento de la independencia de las Provincias Unidas (antecedente de los actuales Países Bajos).

Además de una interesantísima colección de la preciosa cerámica de Delft, en el museo se pueden ver también colecciones de arte relacionadas con la Casa de Orange-Nassau y naturalezas muertas, tapices, platería, esculturas medievales y retratos de la familia real holandesa. Entre las obras más interesantes están el lienzo ‘Llorando a Cristo’ de Maarten van Heemskerk o el ‘Juicio de Salomón’, del taller de Rubens.

Los canales en la historia de Delf

En la época de Guillermo el Taciturno, Delft era la tercera ciudad más importante de Holanda, tras Dordrecht y Haarlem, y además estaba custodiada por murallas, lo que favorecía la seguridad del Príncipe.

Pero su historia comenzó hacia el 1100, aunque no fue hasta mediados del siglo XIII cuando la excavación que dio lugar al canal Delft, del que toma su nombre, favoreció la agricultura y Delft se convirtió en una próspera ciudad comercial. Constituida como ciudad con un fuero fechado el 15 de abril de 1246 de manos del conde Willem II.

En 1389 Delft obtuvo el permiso del duque Alberto I, para excavar su propio canal hacia el Merwede (una zona donde confluyen varios ríos). En su boca, Delft construyó su propio puerto: Delfshaven, hoy perteneciente a Rotterdam. Pero gran parte de Delft quedó destruida por un incendio en 1536.

Un siglo después sus preciosos canales, regados por el río Schie, se multiplicaron . Desde su puerto entraban y salían al mundo las preciadas piezas de cerámica azul. En Delft se instaló una sede de la Compañía de las Indias Orientales a la que llegaban piezas de porcelana China, inspiradoras de su famosa cerámica. Delft vivía su edad de oro. La prosperidad comenzó a decaer por culpa de una explosión de su polvorín ("Kruithuis"), que en 1654 destrozó comercios y edificios sumiendo a la población en un ambiente de desastre.

Sin prácticamente tiempo para recuperarse, en 1672 la Guerra Franco-neerlandesa significó para Delft un declive inevitable. Las compuertas que sujetaban el mar se abrieron para evitar la invasión del enemigo. Los campos se anegaron y la ciudad se apagó. Pasado el conflicto las vecinas ciudades de La Haya, como centro de gobierno y Rotterdam como ciudad portuaria, eclipsaron a Delft hasta el punto que de las treinta fábricas de porcelana sólo quedaba en el siglo XIX la Porceleyne Fles, que continúa existiendo en nuestros días.

Sus murallas se derribaron en el siglo XIX, sólo quedan algunos vestigios. Delft se abrió al mundo con la llegada del ferrocarril en 1847, que ayudó a la creación de nuevas industrias. Se fundó la Academia Real, hoy Universidad Técnica de Delft, y el TNO (instituto de investigación), que han convertido a la ciudad holandesa en un importante centro tecnológico y científico.

En la actualidad sus canales, por los que entró la prosperidad, habitados por plantas acuáticas y peces, llegan a todos los rincones del mundo en las cámaras de los viajeros que la visitan.

La cerámica blanca y azul de Delft

Una de las principales atracciones de Delft es la cerámica azul. Y algunas fábricas ofrecen visitas guiadas donde descubrir cómo se trabaja esta preciosa cerámica, la historia y las variedades de la producción. Una de las fábricas más antiguas y famosas es la Royal Delft y la Delft Pottery De Delftse Pauw, que puedes visitar.

Esta famosa cerámica se elabora en Delft desde el siglo XVI cuando artesanos italianos establecidos en Amberes, llevaron la técnica de la mayólica renacentista a tierras holandesas, adaptándola a los colores y motivos de la porcelana china. En 1576, huyendo de las tropas de Felipe II, se asentaron en Amsterdam, Rotterdam, Haarlem, y por supuesto, en Delft. En el puerto de Delft, como hemos visto antes, había una sede de la Compañía Holandesa de las Indias Orientales. Una de sus más preciadas importaciones era la porcelana china de la dinastía Ming.

Buscando la manera de competir con aquella carísima y demandada porcelana oriental, extendieron la cerámica decorada en azul sobre blanco por toda Holanda. La policromía que llegó desde España desapareció. El azulejo se convirtió en una sinfonía azul y blanca que se mantuvo hasta la mitad del siglo XVIII.

Ceramistas holandeses como Willem van der Kloet y Jan van Oort se instalaron en Portugal, dada la gran demanda de la aristocracia portuguesa que buscaba especialmente el estilo delicado de los azulejos de Delft. De esta manera, palacios, jardines e iglesias del país luso, se llenaron de historias inspiradas en la mitología, en hechos históricos o en relatos bíblicos.

Encontrarás en mercadillos y tiendas de recuerdos los típicos molinos, zuecos y otros objetos que pasan por ser esa delicada cerámica. Ten en cuenta que si bien el precio de la auténtica es mucho mayor, si te lo puedes permitir, merece la pena la artesana, pintada a mano por ceramistas profesionales. Aunque no seas experto se nota mucho la diferencia.

Las iglesias de Delft

En el casco antiguo de Delft, y casi al lado una de otra, hay tres monumentales iglesias llenas de historia cuya visita se hace imprescindible para acercarse a la historia de la ciudad.

El Oude Kerk. La Iglesia Vieja de Delft

A orillas de uno de los canales de Delft se mantiene erguida esta preciosa iglesia protestante de estilo gótico. Su torre tiene parte de los cimientos en un espacio del antiguo curso del canal que fue desviado para su construcción. Esta circunstancia ha hecho que los cimientos cedieran y, a pesar de que han conseguido enderezarla, tiene todavía un desvío de unos dos metros. Es la torre inclinada de Delft, a la que durante mucho tiempo llamaron "Jack el torcido".

Hacia el año 1200 se comenzó a construir con un trazado típico basilical, una nave central más alta que las dos laterales, que ha cambiado mucho a través de los años. Fue construida para sustituir un antiguo templo de madera del siglo XI. Conocida popularmente como "El viejo John", el Oude Kerk ha tenido que superar, además del paso del tiempo, las vicisitudes por las que ha pasado la ciudad de Delft: el incendio en 1536, la inestabilidad del proceso protestante y la explosión de 1654 que la dañó gravemente. Su aspecto actual, luminoso y medieval, dista mucho del diseño primitivo, pero conserva un sabor único.

Entre otras lamentables pérdidas están sus vidrieras medievales que se hicieron añicos en la explosión de 1654. Los vidrios provisionales que cubrieron las ventanas fueron sustituidos a mediados del siglo XX por el artista Joep Nicolas, reconocido maestro vidriero neerlandés, que dejó en este templo de Delft una de sus mejores obras.

Hay unas cuatrocientas personalidades enterradas en esta iglesia, entre las que destacan Anton van Leeuwenhoek, el inventor del microscopio y el maestro del barroco holandés Johannes Vermeer.

Una de las campanas que ocupan su torre inclinada, la llamada Trinidad (Bourdon) que con sus casi nueve toneladas llama a la población de Delft desde 1570, ha sido "condenada" a sonar sólo en situaciones muy excepcionales, porque sus vibraciones dañan peligrosamente la ya de por si frágil torre.

Nieuwe Kerk. La Iglesia Nueva de Delft

En estilo gótico flamígero fue construida esta iglesia protestante, muy cerca de la vieja (con la misma entrada se pueden visitar las dos). Es una basílica con planta de cruz latina que se construyó a partir de 1396 y su fachada es uno de los frontales de la Marktplatz (Plaza del Mercado), situada frente al Ayuntamiento. Es el panteón de la Familia Real.

Desde su torre que mide alrededor de cien metros, lo que la convierte en una de las más altas del país, se disfrutan de las mejores vistas de Delft. Desde esta torre los científicos Simon Stevin y Jan Cornets de Groot realizaron sus famosas pruebas de caída. Con dos bolas de plomo (una diez veces más pesada que la otra), demostraron que la diferencia de peso de dos objetos, que tengan el mismo tamaño, no impide que caigan a la misma velocidad.

El diseño de esta iglesia es puro simbolismo. En su planta de cruz latina (símbolo de Cristo), se levantan las doce columnas del presbiterio (donde está situado el mausoleo de Guillermo de Orange), que son el símbolo de los apóstoles; los cuatro pilares del crucero el de los cuatro evangelistas; y los dieciséis profetas están representados en las dieciséis columnas de la nave central.

En su cripta están enterrados la mayoría de los miembros de la Casa de Orange-Nassau, bajo el mausoleo de Guillermo de Orange el Taciturno, que fue enterrado en 1584 dentro de la iglesia, porque el panteón de la Familia Real en Breda, estaba en manos de los españoles. La ornamentación del mausoleo Guillermo de Orange, se debe al escultor Hendrick de Keyser que la creó en 1614.

La iglesia católica de Delft. Maria van Jessekerk

La Maria van Jessekerk de Delft es una parroquia neogótica, católica romana. Fue construida entre 1875 y 1882 y diseñada por Evert Margry. Originalmente esta iglesia estaba dedicada a San José, pero desde 1971 se cambió la advocación a María de Isaí.

Está cerca de la Plaza del Mercado, y fue la primera iglesia católica construida después de la Reforma, en el centro de la ciudad. Construida en 1837 sobre los cimientos de una anterior del siglo XVII. Está abierta desde las 9,30 hasta las 5 de la tarde. Merece la pena una visita a su interior. Aunque ha sido restaurado, en su planta de cruz latina hay un buen despliegue artístico que justifica esta recomendación: las vidrieras, el órgano que es una «rareza» con dos mil cuatrocientos tubos, el precioso Viacrucis del siglo XIX, esculpido en madera de roble, y en general el rico aspecto mural del edificio.

Sus dos torres, que son distintas, están inspiradas en las torres de la Vieja Iglesia y de la Iglesia Nueva.

Otros sitios de interés en Delft

El Centro de Vermeer de Delft

En Delft Vermeer se ha convertido en un reclamo turístico. Montado en el edificio que albergó la Guilda de San Lucas, El Centro Vermeer, recorre la vida del pintor, y ayuda a transitar a través de su trabajo y sus circunstancias vitales, por un viaje de descubrimiento sobre la vida de la ciudad en el siglo XVII.

La recreación de su estudio es un acercamiento a su modo de trabajar, a su investigación para llegar a dominar la luz de la manera magistral que lo hizo, y a la búsqueda de sus colores. En el segundo piso hay una exposición permanente titulada Mensajes de amor de Vermeer que es un recorrido por los detalles ocultos y los objetos simbólicos que aparecen en sus obras cuando habla del amor.

El Molino de Ross

Literalmente significa "Molino Rosa" y es uno de los pocos molinos que quedan en esta zona del país. Está a pocos minutos del Centro Vermeer. Es una joya escondida e inesperada de acceso gratuito (se puede hacer una donación).

Construido en 1679 (aunque muy modificado), es un hexágono de piedra que estuvo acompañado de otros molinos en la zona de las murallas de la ciudad. Restaurado en 1990, funciona como antaño y ofrece información sobre la importancia que tuvieron estos molinos de viento en la ciudad de Delft, que convertían el maíz en harina (una exposición se encarga la explicación). Pero además el molinero atiende amablemente a los visitantes mientras enseña cómo funciona la maquinaria de este edificio.

Las vistas desde la cima (merece la pena subir), son una belleza: los tejados de Delft, sus calles y canales, las torres de sus iglesias, etc. Ten en cuenta que no siempre está abierto, si ondea una bandera azul ¡has tenido suerte!, no te lo pierdas.

El Ayuntamiento de Delft, historia viva de la ciudad

EL Ayuntamiento de Delft cuya historia se remonta al siglo XIII, es una obra de 1620 diseñada por Hendrickde Keyser en lenguaje renacentista, que mantiene una simetría perfecta. Construido alrededor de la Torre del Conde, de estilo gótico tardío del siglo XIII (único vestigio del edificio incendiado en 1618). La torre fue utilizada como cárcel medieval y se puede visitar (con cita previa). Es un testigo de tiempos crueles donde se guardan instrumentos de tortura.

La fachada que da a la Plaza del Mercado, decorada con conchas doradas, recuperó con la restauración del siglo pasado, que llevó a cabo el arquitecto Jo Kruger, el aspecto original del diseño de Hendrickde Keyser que había sido muy modificado, devolviéndole todo el sabor del Renacimiento holandés. En este ayuntamiento se publicaron las amonestaciones del matrimonio de Vermeer con Catharine Bolnes.

En la Edad Media el mercado estaba detrás del Ayuntamiento como la Stadsboterhuis, donde se comerciaba la mantequilla holandesa, que era uno de los productos de exportación de la entonces próspera ciudad de Delft (hoy en el nº 17 de la calle Markt). En la misma calle, en el nº 11, estaba la casa de depesaje, Stadswaag, una báscula pública que desde la Edad Media fue el lugar obligatorio donde se pesaban los artículos de más de cinco kilos. Ya en el siglo XVIII en este mimo edificio, que hoy es un pub, estaban los gremios de orfebres y plateros y el de los boticarios. Unas placas en la fachada siguen recordando a estos históricos gremios.

La Puerta del Este. Oostpoort

Oostpoort, la Puerta del Este, ha sido y es inspiradora de artistas de todos los tiempos. No es de extrañar. Es un bello ejemplo de arquitectura defensiva de la Edad Media en esta zona, y un símbolo de Delft. Johannes Vermeer, Jan van der Velde el Joven, Jan van Goyen, Gerbrand van der Eeckhout y Jan de Bisschop son sólo algunos de los pintores cautivados por esta puerta, que es una de las entradas más antiguas de la ciudad. Ha permanecido erguida desde la Edad Media, sobreviviendo al resto de las edificaciones defensivas (había nueve puertas de acceso a Delft), la mayoría demolidas en el siglo XIX.

Es conocida también como la Puerta de Santa Catalina y se libró del incendio de 1536 y de la explosión de 1654. Adosada a los restos de la antigua muralla, hoy es un centro cultural donde se organizan exposiciones de arte.

Los mercados de Delft

Otro atractivo de la ciudad de Delft son sus mercados. Sus habitantes están acostumbrados a hacer las compras entre multitud de visitantes, turistas y vecinos de localidades cercanas.

La Plaza del Mercado, Marktplatz de Delft

Llama la atención que en esta pequeña ciudad se encuentre una de las plazas más grandes de Europa. En ella el bullicio del mercado, cuyos puestos se extienden desde el Ayuntamiento hasta la Iglesia Nueva, le da vida y colorido a la ciudad todas las semanas.

En la Plaza del Mercado, los jueves se concentran unos ciento cincuenta puestos donde encontrarás además de ropa y accesorios para bicicletas (este es el país de las bicis), todo tipo de alimentos: quesos, pescado, verduras, frutos secos, fruta fresca, pan y dulces.

El Mercado de las Flores

Hay pocas cosas más evocadoras de Holanda, además de sus quesos y sus molinos, que los mercados de flores en sus bucólicos canales. A cinco minutos de la Plaza de Mercado, los jueves también, se monta en el Brabantse Turfmarkt (un canal y una calle encantadores) el mercado de flores. Este precioso rincón se llena de mil colores y olores que derraman los múltiples puestos de flores.

Los sábados también se monta aquí una version "mini" de este mercado con unos cincuenta puestos de flores.

El Mercado de Antigüedades

Si te gustan las antigüedades, en Delft tienes dos oportunidades semanales de trastear entre piezas de decoración y muebles antiguos, pinturas olvidadas, cerámicas y, mil y un objetos, entre los que encontrar algo evocador cuando vuelvas a casa.

Este interesante mercado de antigüedades se celebra los jueves y los sábados. El del jueves se monta a lo largo del canal de la calle Hippolytusbuurt. El del sábado que es más grande e incluye un mercadillo de libros, se monta en los canales de las calles Hippolytusbuurt y Wijnhaven.

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Amsterdam es conocida como la Venecia del Norte, junto con Brujas, San Petesburgo, Copenhague, Estocolmo y Hamburgo, que también ostentan ese sobrenombre. Son muchos los atractivos de la capital de Los Países Bajos. Convertida en un gran centro financiero y cultural, ofrece una interesante variedad de museos donde encontrarse con la cultura, no sólo del país, si no del mundo. Hoy nos acercamos a diez museos de Amsterdam que acercan al arte, a la historia y a la ciencia para entender la esencia de esta preciosa ciudad .

Entre los Museos de Amsterdam encontraremos iconos como el Rijksmuseum, grandes espacios para el arte contemporáneo y el arte moderno o para la ciencia, además de sorprendentes y extravagantes museos que ayudan a fijar en la retina la vida de esta ciudad tan marcada por el agua. Sin olvidar sus casas-museo que acercan a la intimidad de personajes del arte y la historia cuyo alcance es universal.

La actividad cultural de Amsterdam es muy dinámica, por lo que te aconsejamos te informes a través de las webs de sus museos (en la lista que sigue), de las posibles exposiciones que coincidan con tus días en Amsterdam.

1-Rijksmuseum. Museo Nacional de Holanda

Empezamos este recorrido por la "joya de La Corona", el Rijksmuseum. Un impresionante edificio abierto como museo en 1800 cuya última remodelación costó más de tres millones de euros. La temática de sus salas está dirigida al arte, la artesanía y la historia. En él no sólo encuentras arte del país, este centro que tiene la colección más importante del "Siglo de Oro neerlandés", cuenta también con una magnífica colección de arte egipcio y asiático. Se encuentra en la Plaza de los Museos.

Si te gusta Rembrandt seguro que querrás ver "La Ronda de noche", pero sea o no uno de tus favoritos, este cuadro te atrapará. No es el único del maestro que se exhibe aquí, hay una generosa y valiosa muestra salida de sus pinceles.

El Rijksmuseum tiene obras importantes de casi todos los grandes maestros holandeses de los siglos XV al XVII: Geertgen tot Sint Jans, Lucas van Leyden, Hendrick Goltzius, Frans Hals, Jan Vermeer, Ferdinand Bol, Nicolaes Maes, Guerrit Dou, Jacob Ruysdael.

Tiene además una significativa muestra de escuelas extranjeras: con obras de Fra Angélico, Piero di Cosimo, Hugo van der Goes, Peter Paul Rubens y Francisco de Goya.

Y obras de arte moderno de Van Gogh, Mondrian o Karel Appel.

A todo esto se suman las artes decorativas entre las que destacan las porcelanas orientales, casas de muñecas, cerámica de Delft, o mobiliario histórico.

Es un museo muy grande y recorrerlo entero puede llevar toda una mañana o una tarde. Está abierto de lunes a domingo desde las nueve hasta las cinco de la tarde. Es aconsejable llevar las entradas para evitar las colas. Las puedes conseguir aquí.

2-El Museo Van Gogh de Ámsterdam.

Esta pinacoteca es una visita imprescindible si te gusta el arte y estás en Amsterdam. En ella se custodian más de 200 pinturas de Vincent van Gogh de todos sus periodos de creación, y unos 400 dibujos.

Entre las obras principales se encuentran: «Los comedores de patatas», «La recámara de Arlés» y una versión de «Los girasoles«. Tiene además la custodia de la mayoría de las cartas de Vincent Van Gogh. Y una colección de obras de artistas del siglo XIX, iniciada por su hermano Theo Van Gogh, que ha crecido con recursos de la Fundación Vincent Van Gogh creada por su sobrino Vincent en 1960.

Por eso el museo cuenta con obras de artistas como: Alma-Tadema, Bernard, Boulanger, Breton, Caillebotte, Courbet, Couture, Charles-François Daubigny, Maurice Denis, Gauguin, Manet, Anton Mauve, Millet, Monet, Pissarro, Puvis de Chavannes, Redon, Seurat, Signac, Toulouse-Lautrec, entre otros, además de la colección de grabados japoneses del atormentado artista.

Cuando Vincent murió con tan sólo treinta y siete años, dejó una inmensa obra de 900 pinturas y unos 1600 dibujos. Decimos inmensa porque la mayoría las hizo en sus últimos diez años de vida. Su apoyo más grande fue su hermano pequeño Theo (marchante de arte), quien lo mantuvo en sus años de la Provenza francesa, los de mayor producción. Theo murió al año siguiente, con lo que fue su viuda, Johanna van Gogh, quien administró y difundió la obra de Vincent.

Ante la negativa del Rikjmuseum de encargarse de la obra, ésta acabó el Stedelijk Museum de Ámsterdam, donde se celebró la primera exposición del artista neerlandés en 1905, museo que años después albergó el legado de Van Gogh. Johana fue también quien impulsó la primera publicación de las Cartas a Theo, un libro imprescindible para llegar al alma de este genio.

El único hijo de Theo, que llevaba el nombre de su tío Vincent Willem van Gogh, heredó el legado del artista y creó la Fundación Vincent Van Gogh en 1960. Hasta la inauguración del Museo Van Gogh en 1973, la colección estuvo expuesta en el Stedelijk Museum.

El museo, que está situado en la Plaza de los Museos, está formado por dos edificios. La construcción original es obra del arquitecto holandés Gerrit Rietveld. El otro edificio es el ala de exposiciones y fue creado por Kishō Kurokawa, aunque la terminó en 1999 Gojko.

El Museo Van Gogh organiza talleres de arte para niños todos los fines de semana. Estos talleres están pensados para niños de entre 6 y 12 años. Un disfrute para los pequeños mientras sus padres pueden ver el museo tranquilamente. Para esto se necesita reserva previa. Puedes conseguir las entradas en línea y ahorrarte las colas.

3-Museo Stedelijk, arte moderno y contemporáneo

Conocido popularmente como el Stedelijk, es un museo de arte moderno y arte contemporáneo situado en la Plaza de los Museos («Museumplein») cerca del Rijksmuseum y del Museo Van Gogh.

El edificio, que es un icono de la Museumpleim, tiene dos zonas, la primera se construyó en el siglo XIX y fue un diseño de Adriaan Willem Weissman. En el siglo XXI se ha construido un ala nueva, en la que está la entrada actual, que fue diseñada por los arquitectos Benthem Crouwel Architects.

En él se alberga una de las colecciones de arte moderno y contemporáneo más importantes del mundo. La cronología de las noventa mil obras que posee va de 1870 a la actualidad.

Su colección permanente, plena de obras maestras, se expone en la planta baja y en una parte de la primera planta. El recorrido, diseñado por Rem Koolhaas, explica la evolución del arte moderno desde finales del siglo XIX a nuestros días. Está diseñado como una historia lógica que incluye varias interconexiones.

Se pueden ver las tendencias y su evolución en una combinación entre las bellas artes y el diseño, como Bauhaus, De Stijl, CoBrA y Pop Art, con obras de algunos de los principales exponentes del mundo artístico, como Karel Appel, Paul Cézanne, Marc Chagall, Marlene Dumas, Wassili Kandinsky, Edward Kienholz, Willem De Kooning, Jeff Koons, Kazimir Malevich, Henri Matisse, Piet Mondriaan, Pablo Picasso, Jackson Pollock, Gerrit Rietveld, Ettore Sottsass, Andy Warhol y la única obra en un museo europeo del venezolano Armando Reverón.

El horario es el mismo todos los días, de 10 a 18 horas, menos los viernes que se alarga hasta las 22 horas. Como en los demás casos te aconsejamos reserves las entradas, te evitaras las colas y las sorpresas en los precios pues varían según si hay alguna exposición temporal.

4-Casa-Museo de Rembrandt

Casi la totalidad de los grabados de Rembrandt se conservan en la que fue su casa. La casa museo de Rembrandt es uno de los museos más visitados de Amsterdam. Se exponen también obras de sus discípulos. Uno de sus grandes atractivos es la posibilidad de acercarse a cómo fue la vida de este maestro del barroco holandés, quizá el más importante pintor del país.

¿Dónde pintaba y grababa Rembrandt? ¿Cómo eran su taller y su estudio? ¿Cómo era su vida diaria? ¿En qué estancias de la casa vivió los momentos más importantes, como el nacimiento de su hijo Titus?

Rembrandt compró esta casa cuando ya era famoso, en 1639. Menos de veinte años después se declaró en bancarrota y todas sus pertenencias de valor, colecciones de arte, objetos especiales y raros, se subastaron. Gracias a una lista de todas su posesiones elaborada por un notario, sabemos cómo estaba decorada la casa.

Abierta desde las diez de la mañana hasta las cinco de la tarde. Puedes conseguir las entradas en la web oficial

5-Casa de Ana Frank. Memoria del Holocausto

Ana Frank fue una de los millones de judíos víctimas de los nazis en la Segunda Guerra Mundial. Su famoso diario cuenta sus pensamientos y los acontecimientos sucedidos entre julio de 1942 y agosto de 1944. En la entrada, de este bien montado museo, puedes recoger un folleto en español que narra con detalle los hechos que sucedieron en cada una de las habitaciones, con párrafos sacados del diario de Ana que acercan a sus vivencias. Acercamiento al que ayuda sin duda la buenísima recreación del ambiente en el que vivieron Ana y su familia y cuatro personas más, aquellos terribles meses. Es una experiencia conmovedora.

Sólo se puede acceder comprando las entradas on-line. Hay, por un poco más, una introducción de treinta minutos sobre todo lo que cuenta la casa sobre Ana y sobre la Segunda guerra mundial, pero ten en cuenta que sólo está inglés. Los horarios: Desde el 1 de abril hasta el 31 de octubre: de 9:00 a 22:00 horas. Desde el 1 de noviembre hasta el 31 de marzo: de 9:00 a 19:00 horas

6-Museo Amstelkring. Catolicismo clandestino

Amstelkring es uno de los museos más sorprendentes de Amsterdam y uno de los más antiguos. Es una casa de apariencia normal que guarda un tesoro oculto: la iglesia clandestina de Nuestra Señora del Ático, conocida también como Ons’ Lieve Heer op Solder (Nuestro Señor en la buhardilla). La casa fue construida hace 350 años por el comerciante católico Jan Hartman.

Su clandestinidad fue consecuencia del protestantismo oficial tras la Reforma, lo que convirtió el catolicismo en un culto prohibido en público. Estos hechos provocaron el nacimiento de iglesias católicas secretas. Amstelkring fue la segunda iglesia clandestina de Ámsterdam después de la capilla de las beguinas de Begijnhof.

"La Sala del canal" era el hogar de Hartman, quien compró el edificio junto a otros dos más pequeños adyacentes en 1661. Colgado en la pared de esta sala se encuentra entre otros cuadros «La caridad de San Nicolás» que pintó Cornelis de Vos en 1640.

En él se representa la historia de las tres hijas de un hidalgo que no podían casarse pues su padre no tenía dinero para la dote. Esta circunstancia podría abocarlas a la prostitución. Pero San Nicolás deja caer a través de la ventana una bolsa con monedas que soluciona la situación. El milagro convirtió a San Nicolás en el patrón de las chicas casaderas.

A través de unas empinadas y estrechas escaleras, en la planta superior del Museo Amstelkring se encuentra la pequeña capilla, que calentaban con braseros en los fríos inviernos de Amsterdam.

La construcción de esta casa es realmente sorprendente. Son tres inmuebles unidos por galerías, vigas y tirantes de acero capaces de soportar el peso de unas ciento cincuenta personas, que dicen se podían reunir en la capilla.

La puedes visitar por once euros de lunes a sábado de 10:00 a 18:00 horas. Los domingos y festivos de 13:00 a 18:00. En la entrada se incluye el precio de las audioguías y no suele haber colas.

7-Palacio Real de Amsterdam

Este magnífico edificio, que es uno de los palacios de los que dispone la familia real holandesa (en él celebran el Año Nuevo y algunas recepciones oficiales), fue construido para albergar el Ayuntamiento en el siglo XVII, plena edad de oro neerlandesa, cuando Holanda era el centro comercial del mundo.

Diseñado por el renombrado arquitecto Jacob van Campen, con un soberbio clasicismo, sirvió como ayuntamiento desde 1655 hasta que Luis Bonarte, hermano de Napoléon, lo convirtió en su palacio real. Lo recuperó el príncipe Guillermo VI de la casa de Orange.

La visita es interesante por su más que lograda colección de arte, su arquitectura, la lujosa ornamentación de sus muros y por la decoración, en la que predomina su historia como palacio, aunque en algunas zonas quedan evidentes rastros de su primera utilidad. Tiene además unas vistas estupendas de la Plaza del Dam.

Los cimientos del edificio descansan sobre 13.659 pilares de madera que sirven para contrarrestar la poca firmeza del suelo de la ciudad, que es muy arenoso. En lo más alto de la fachada Atlas sujeta sobre sus hombros una bola del mundo que pesa mil kilos. El sufrido Atlas vuelve a estar presente en la Sala Principal, conocida también como Burgerzaal o sala de los ciudadanos, es quizá la más interesante del palacio.

Es un espacio impresionante decorado con mármol, que mide unos treinta y cuatro metros de alto por otros tantos de ancho. El suelo lo decoran las constelaciones y el mundo. La rica ornamentación de sus muros, que recuerda el mundo clásico, se ilumina con unas lámparas de araña que cuelgan del techo y tienen unos veintisiete metros de longitud.

Abierto casi todos los días del año, es aconsejable conseguir las entradas por internet, (llevan incluida la audiogía) par evitar las molestas colas.

8-Museo Nemo

El NEMO, cuya traducción sería "nadie" es el Museo de Ciencias más grande de los Países Bajos. Está a escasos metros de la Estación Central. Es un lugar lleno de magia donde todas las fantasías parecen posibles. Si vas con niños no te lo pierdas, pero si cuidas al niño interior, tampoco te lo puedes perder. La premisa de este museo es "Prohibido NO tocar" y hay actividades para todas las edades.

A lo largo de sus cinco pisos encontrarás respuestas a la cadena del ADN, verás las reacciones en cadena y aprenderás cómo se limpia el agua que llega a nuestros grifos. Accederás a los misterios de la mente humana y, en definitiva, te sentirás un científico todo el tiempo que permanezcas en él.

El edificio parece un barco, que hoy es de color verde por efecto del clima, pero en principio su color era el cobre. Es un peculiar y llamativo diseño del italiano Renzo Piano.

En la primera planta hay una cafetería y una tienda de regalos, y la quinta planta, que es una plataforma al aire libre con restaurante y un parque, donde los niños se lo pasan en grande, puedes disfrutar de unas estupendas vistas de la ciudad. En verano esta plataforma se convierte en una zona playera donde se puede aprovechar el tímido sol neerlandés.

Toda la información de precios y horarios en la web oficial.

9-Madame Tussauds, el museo de cera más grande del mundo

Este museo es pura diversión. Pertenece a la famosa cadena Tussauds que tiene sucursales por todo el mundo, y cada uno tiene una colección única. La sede central está en Londres, donde recorrimos en otro post sus museos más famosos. Un museo de cera es el paraíso de los amantes de las fotografías con famosos.

Éste de Amsterdam es el más grande del mundo y es uno de los más visitados de la cadena. En el encontrarás personajes famosos de diferentes épocas. Allí están los dobles de Albert Einstein, Elizabeth Taylor, Marilyn Monroe o Barack Obama. También esperan en sus coloridas salas: Justin Bieber, la Princesa Fiona de Shrek y los personajes de los vengadores de Marvel.

El museo de cera de Ámsterdam está en plena Plaza del Dam. Si quieres ahorrarte las colas puedes sacar las entradas aquí.

10-Ripley’s Believe It or Not! El museo más raro de Ámsterdam

Traducido al español sería "Aunque usted no se lo crea". Este sorprendente museo es pura diversión. Es una franquicia de la cadena estadounidense que tiene museos por todo el mundo y trata de acontecimientos extraños o curiosos sucedidos en el cualquier lugar.

Tiene una galería de cultura pop con una increíble colección de arte hecho con materiales raros y singulares: un Bugatti tallado en madera o un robot de siete metros fabricado con piezas de coches.

El museo está lleno de curiosidades de culturas diferentes y alejadas en el tiempo y en el espacio: auténticas cabezas reducidas del Amazonas, un traje espacial real de Rusia, una versión en miniatura de la Biblia que fue a bordo del Apolo 14. En sus salas se encuentran auténticas rarezas de todo el mundo como el gigante norteamericano Robert Wadlow, que medía casi tres metros de alto, o el "hombre lagarto" que se sometió a modificaciones corporales para parecerse a un lagarto de verdad.

Como está en Amsterdam le ofrece al visitante la oportunidad de sumergirse en su cultura: se puede entrar en una réplica de un molino de viento tradicional o meterse en un trozo de queso. Hay salas temáticas que introducen al visitante en la posibilidad de que Ámsterdam estuviera bajo el agua y muchas sorpresas más. Lo dicho: sorprendente y divertido.

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Vermeer es el artista que ha llevado hasta su extremo la capacidad visual, y sólo visual, para construir y comprender el mundo (los rasgos de la representación).[…] Cada vez que un historiador describe un símbolo, ya sea en la figura de una vidriera o en la inscripción de un instrumento musical, incluso cuando la imagen es explícitamente simbólica, la pintura se encarga de dirigir el camino visual de nuestra mirada. Valeriano Bozal.

Vermeer dirige en sus lienzos la mirada del espectador de una manera tan sutil como efectiva. Y lo sume en el silencio. Es difícil escapar del silencio que se escucha en las obras de Vermeer. Del misterio que se esconde en los interiores, desde donde nos esperan sus personajes. De la calma de sus contados paisajes. De sus colores únicos. Tan dificil como buscar el azul de sus cuadros en los cuadros de otros, la fórmula se la llevó a la tumba.

Nos dejó Vermeer sin embargo el sitio que él ocupaba en sus cuadros. De la misma manera que lo hizo Velázquez. Mirando sus cuadros se tiene la sensación de que el maestro de Delft observa sus escenas escondido detrás de los pliegues de una cortina o de una puerta entreabierta. Retrata momentos tan privados e íntimos que a veces algún personaje intuye que lo observan y se vuelve hacia el pintor (ahora hacia nosotros). Se vuelven hacia nosotros y eso nos invita a entrar en el cuadro, como lo hacía Velázquez. Como lo hizo Hooper, tan distante en el espacio y el tiempo y tan distinto del pintor holandés o del sevillano.

Vermeer consigue convertir en misterio las actitudes naturales de los personajes que pueblan sus lienzos y la presencia de objetos reales y cotidianos. Todo lo que allí aparece es puro misterio, porque las preguntas que provoca no tienen respuesta. O tienen tantas como espectadores para plantearlas.

¿De qué hablan los vecinos que aparecen en la Vista de Delft? ¿Qué le susurran los galanes que hacen sonreír a las muchachas que cortejan? ¿Las cartas que leen las damas ensimismadas, son de amor? ¿Qué piensa La joven de perla mientras nos mira? ¿Nos está susurrando algo que no entendemos? Y El geógrafo, ¿busca respuestas más allá de la vidriera, o simplemente piensa como trazar sus dibujos? ¿Qué va a hacer La mujer con jarra de agua, limpiar la vidriera de la ventana que entreabre o dejar que pase el aire para hacerse la toilette? ¿Qué sentimientos cruzan por la Muchacha del collar de perlas mientras se mira al espejo?

¿Qué relación había entre la musa Clío y el pintor en El Arte de la Pintura para que Johannes Vermeer no quisiera venderla a pesar de sus problemas económicos?

Siempre que nos asomamos a un cuadro nos pueden surgir preguntas, pero con los de Vermeer la provocación es inagotable por la fascinación que ejerce el misterio que rodea sus lienzos.

La Joven de la perla, el retrato más famoso de Vermeer

Decía Van Gogh que Vermeer era un maestro en la manera de unir en el lienzo el amarillo limón, el azul y el gris claro, que sólo con eso era reconocible un cuadro del maestro de Delft. En La Joven de la perla esos tres colores ocultan su cabello y dejan el protagonismo a la mirada y a la boca de esta Mona Lisa holandesa, que nos mira desde el lienzo desde hace mas de trescientos años, y nos susurra con su boca entreabierta los misterios que atrapó Vermeer en su retrato.

La luz que resbala desde su rostro hacia la gran perla gris que cuelga de su oreja, la convierte en blanca en el punto en que la toca. ¿A qué simbólica definición de la perla nos lleva Vermeer en este cuadro? Son muchas las interpretaciones de estas preciadas piedras. Símbolos de un estatus social, las perlas se han utilizado como símbolos de la virginidad o de la fuerza femenina. En la Europa de la época simbolizaban también las lágrimas de las casadas en matrimonios de conveniencia.

La realidad es que el grano de arena que entra en la concha, le provoca dolor, y el molusco lo recubre de nácar y transforma así el dolor en belleza. ¿Como el amor que provoca y espera esta joven?

La modelo, sin a penas cejas (como la Gioconda de Leonardo), es conocida también como La Joven del turbante. En ella se resume toda la maestría en el color del maestro de Delft, y nos sigue planteando preguntas. ¿Se va o llega? ¿A quién mira la portadora de esa perla que por el tamaño seguramente es falsa? (en la época ya había un mercado importante de perlas falsas). Seductora como pocas, guarda sus secretos y nos deja fabular a nuestro antojo. Una historia por cada voyeur que la observa. Como si fuera un boceto que nos da permiso para dejar volar la imaginación y terminar «nuestra» obra.

Cuesta alejarse de su mirada. La seducción de este pequeño cuadro, al que nos podemos acercar en el precioso museo Mauritshuis de La Haya, es poderosa y permanente, te atrapa para siempre. En el exquisito joyero que es este museo cuelgan también Diana y sus ninfas; un trabajo juvenil de Vermeer apoyado en la Mitología, y el famoso paisaje urbano Vista de Delft.

El trabajo de Vermeer en la mayoría de los casos es puro simbolismo con el que recurrentemente nos lleva al territorio del amor: la fidelidad, la seducción, la alegría, la ausencia. Todo eso y mucho más está entre la luz y el silencio de sus cuadros, llenos de pequeños detalles que le dan sentido a la vida. Nunca el maestro de Delft recurrió a grandes momentos de la humanidad, ni a fascinantes paisajes o emociones extremas, siempre mantuvo su mirada en la misteriosa hermosura de lo cotidiano.

Esto en realidad fue un recurso de la pintura holandesa de aquel tiempo. Ante la pintura católica de momentos extraordinarios de reyes o militares gloriosos y de momentos bíblicos o mitológicos, los pintores holandeses le dan la vuelta y miran al retrato de lo cotidiano; la llamada «pintura de género». Y Johannes Vermeer es el indudable maestro de su generación. El maestro de la luz y del silencio.

Vista de Delft, uno de los pocos exteriores de Vermeer

La historiografía del arte habla de este cuadro como una pintura absolutamente única en su género. ¿Qué la hace única?: de un lado su serenidad, pues hablamos del barroco, un tiempo en el que los paisajes distaban mucho de ser serenos; de otro lado la manera audaz y poderosa de plantear la escena y el magistral manejo de la luz convertida en protagonista de la obra.

La audacia de Vermeer en este paisaje radica en que no hizo una reproducción a distancia de Delft, sólo presenta de cerca un detalle de la ciudad, lleno de intenciones. Tras el río Schie muestra los edificios que forman el cinturón defensivo de Delft, presididos por la puerta de Schiedam. Tras ella, un grupo de edificios entre los que brilla con claridad la torre de la Nieuwe Kerk, donde estaba enterrado Guillermo I de Orange, gobernador holandés asesinado en Delft en 1584, y un héroe en la lucha contra los españoles.

Audaz es también su magistral manejo de la luz, dejando en penumbra los primeros edificios que con la luz indirecta del sol se reflejan en el río, en el que ha pintado hasta la brisa y vuelca la luminosidad del astro rey en los edificios que se encuentran atrás. ¿Tuvo Vermeer intención política al iluminar así la escena? Algunos así lo afirman, pues ven en este detalle un homenaje a Guillermo I de Orange.

Si acercamos la imagen vemos cómo los edificios oscurecidos del primer plano tienen una amplia gama de puntos de color que hacen vibrar la pintura. Estos puntos repartidos por toda la superficie del cuadro son una técnica que los franceses llaman «pointillé». Las diferencias lumínicas entre las distintas zonas son espectaculares y aún así se alejan del dramatismo que los maestros barrocos buscaban con la luz.

Marcel Proust ante este cuadro aseguró que le parecía «le plus beau tableau du monde». Tal impacto causó en el escritor francés el pintor holandés, que en su monumental En busca del tiempo perdido, los protagonistas de dos de sus composiciones, escritores ambos, Swann y Bergotte viven obsesionados con Vermeer. La muerte de uno de ellos, el novelista Bergotte, le sobreviene ante La Vista de Delft, obsesionado por una pequeña mancha amarilla que aparece hacia la izquierda del cuadro, sobre un espacio en sombra.

Proust a través de Bergotte asegura que ese pequeño espacio de color contiene todo el misterio del arte y la justificación de la vida. Bergotte, que cansado y enfermo acude a una exposición para ver La Vista de Delft, siente que se desvanece, se sienta en un pequeño canapé redondo que hay delante del cuadro. Allí pierde el conoci­miento y cae muerto al suelo.

Gracias a Proust descubrimos esa pequeña y poderosa mancha amarilla, que como tantos detalles microscópicos de la obra de Johannes Vermeer, podemos seguir buscando cada vez que nos acercamos a uno de sus escasos cuadros. Siempre descubriremos algo nuevo en ellos.

Quién era Johannes Vermeer

De Vermeer se sabe muy poco, algunos datos de su nombre que aparecen en archivos de cofradías, de registros de nacimientos y de matrimonio. Hay también algunas referencias como tasador reputado de obras de arte. Sin noticias de su nacimiento, se sabe que fue bautizado como cristiano protestante en la ciudad de Delft el 31 de octubre de 1632, bajo el nombre de Joannis. Que se casó el 20 de abril de 1653 con Catharina Bolnes, de confesión católica. Que desde su matrimonio vivió en casa de su suegra Maria Thins, (su protectora y hoy diríamos que su agente) en el barrio católico de Delft. Y que falleció el 15 de diciembre de 1675, cuarenta y tres años después de su bautizo, en Delft.

Tampoco se tienen muchos datos de su familia, pero con lo que se sabe, podemos deducir que Vermeer estuvo influenciado desde niño por el mundo del arte. Su padre era marchante de artistas. Era también tejedor de tapices y además de regentaba una hostería en Delft frecuentada por la alta burguesía, en la que vendía tapices y cuadros.

Probablemente aquella relación con artistas y artesanos desde niño, sembraron en él la vocación de la pintura. En los registros de la Guilda (el gremio de pintores) de San Lucas de Delft, Vermeer ya aparece como pintor independiente en el año 1653, con veintiún años. Para lo cual debía pasar una serie de exámenes y demostrar su capacidad como pintor.

Holanda era una sociedad de mayoría protestante y el arte no dependía de la iglesia, ni de mecenas aristocráticos. Accesible a comerciantes y familias burguesas de una sociedad próspera, los cuadros se vendían en tabernas y comercios. Vermeer tubo dos principales mecenas: un panadero llamado Hendrick van Buyten y el coleccionista Jacob Dissius que le compró a Vermeer a precios muy bajos diecinueve cuadros. Después de la muerte del artista, Dissius los subastó obteniendo importantes ganancias con ellos.

En la novela de Proust, éste lo define como un pintor desconocido. Un desconocido que fue capaz de dejar una obra tan inmensa en su contenido, que no en su cantidad, que con sólo treinta y cinco cuadros de autoría certificada, (hay cuarenta y dos, pero de ellos siete no es seguro que sean de Vermeer), ha pasado al glorioso estatus de «Maestro de la Pintura».

Por no tener no tenemos ni una imagen de Vermeer. Sólo un «posible» autorretrato extraído del cuadro La Alcahueta de 1658, sin certeza de que sea él.

Sí sabemos que en el fatídico año de 1672, las compuertas holandesas que cercaban el mar fueron abiertas para detener a los franceses en su avance contra Holanda. Muchos campos de labor se anegaron, entre ellos los que ayudaban a sacar adelante a la numerosa familia de Vermeer, tuvo quince hijos de los que sobrevivieron once. Los campos y otras posesiones de su suegra, que les ayudó mientras pudo, se perdieron en aquel año nefasto.

Delft venía ya arrastrando la ruina que le causó la explosión de un polvorín. Su época de bonanza acabó definitivamente en la guerra franco-holandesa. Aquel desastre terminó de hundir su maltrecha economía y Vermeer falleció con apenas cuarenta y tres años sumido en la angustia.

En aquella salvación desesperada contra las tropas francesas se pudieron perder obras del artista. Nunca lo sabremos, lo único que tenemos seguro son esa treintena larga. Suficientes para que Johannes Vermeer sea lo que es su obra, sin necesidad de saber su historia.

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